Henry Moore

Dimitris Stamatios | julio 5, 2022

Resumen

Henry Spencer Moore OM CH FBA (30 de julio de 1898 – 31 de agosto de 1986) fue un artista inglés. Es más conocido por sus esculturas monumentales semiabstractas de bronce que se encuentran en todo el mundo como obras de arte públicas. Además de la escultura, Moore realizó muchos dibujos, entre ellos una serie que representa a los londinenses que se refugiaban del Blitz durante la Segunda Guerra Mundial, así como otras obras gráficas sobre papel.

Sus formas suelen ser abstracciones de la figura humana, que suelen representar a madres e hijos o figuras reclinadas. Las obras de Moore suelen sugerir el cuerpo femenino, aparte de una fase en la década de 1950 en la que esculpió grupos familiares. Sus formas suelen estar perforadas o contener espacios huecos. Muchos intérpretes comparan la forma ondulada de sus figuras reclinadas con el paisaje y las colinas de su lugar de nacimiento, Yorkshire.

Moore se dio a conocer gracias a sus esculturas de mármol tallado y de bronce fundido abstracto a gran escala, y contribuyó a introducir una forma particular de modernismo en el Reino Unido. Su capacidad para realizar encargos a gran escala le hizo excepcionalmente rico. A pesar de ello, vivía con frugalidad; la mayor parte del dinero que ganaba se destinaba a crear la Fundación Henry Moore, que sigue apoyando la educación y la promoción de las artes.

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Primeros años de vida

Moore nació en Castleford, West Riding of Yorkshire, Inglaterra, de Mary (de soltera Baker) y Raymond Spencer Moore. Su padre era irlandés y llegó a ser ayudante de mina y luego subgerente de la mina Wheldale en Castleford. Era un autodidacta interesado en la música y la literatura. Decidido a que sus hijos no trabajaran en las minas, vio en la educación formal la vía para su progreso. Henry era el séptimo de ocho hijos en una familia que a menudo luchaba contra la pobreza. Asistió a escuelas infantiles y primarias en Castleford, donde comenzó a modelar en arcilla y a tallar en madera. Declaró haber decidido ser escultor cuando tenía once años, tras oír hablar de los logros de Miguel Ángel en una lectura de la escuela dominical.

En su segundo intento fue aceptado en la Escuela Secundaria de Castleford, a la que habían asistido varios de sus hermanos, donde su director pronto se dio cuenta de su talento e interés por la escultura medieval. Su profesora de arte, Alice Gostick, amplió sus conocimientos artísticos y, con su estímulo, decidió hacer del arte su carrera; primero presentándose a los exámenes para obtener una beca en la escuela de arte local. Las primeras tallas de Moore de las que se tiene constancia -una placa para la Sociedad Scott de la Escuela Secundaria de Castleford, y una Lista de Honor que conmemora a los chicos que fueron a luchar a la Primera Guerra Mundial desde la escuela- se realizaron en esta época.

A pesar de su temprana promesa, los padres de Moore se habían opuesto a que se formara como escultor, una vocación que consideraban un trabajo manual con pocas perspectivas profesionales. Tras una breve introducción como estudiante de magisterio, Moore se convirtió en profesor de la escuela a la que había asistido. Al cumplir los dieciocho años, Moore se ofreció como voluntario para el servicio militar en la Primera Guerra Mundial. Era el más joven del regimiento de Fusileros del Servicio Civil del Príncipe de Gales y fue herido en 1917 en un ataque con gas, el 30 de noviembre en Bourlon Wood. Tras recuperarse en el hospital, pasó el resto de la guerra como instructor de entrenamiento físico, y sólo regresó a Francia cuando se firmó el armisticio. Según recordó más tarde, «para mí la guerra transcurrió en una bruma romántica de intentar ser un héroe». Esta actitud cambió cuando reflexionó sobre la destructividad de la guerra y en 1940 escribió, en una carta a su amigo Arthur Sale, que «uno o dos años después, la visión de un uniforme caqui empezó a significar todo lo que estaba mal en la vida y el despilfarro y la antivida. Y todavía tengo esa sensación».

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Inicios como escultor

Después de la guerra, Moore recibió una beca de ex militar para continuar su educación y en 1919 se convirtió en un estudiante de la Escuela de Arte de Leeds (ahora Universidad de Artes de Leeds), que creó un estudio de escultura especialmente para él. En la escuela conoció a Barbara Hepworth, una compañera de estudios que también se convertiría en una conocida escultora británica, y comenzó una amistad y una suave rivalidad profesional que duró muchos años. En Leeds, Moore también tuvo acceso a las obras modernistas de la colección de Sir Michael Sadler, el Vicerrector de la Universidad, que tuvo un efecto pronunciado en su desarrollo. En 1921, Moore obtuvo una beca para estudiar en el Royal College of Art de Londres, junto con Hepworth y otros contemporáneos de Yorkshire. Durante su estancia en Londres, Moore amplió sus conocimientos sobre el arte y la escultura primitivos, estudiando las colecciones etnográficas del Museo Británico.

Las esculturas de estudiante tanto de Moore como de Hepworth seguían el estilo romántico victoriano estándar, e incluían formas naturales, paisajes y modelado figurativo de animales. Más tarde, Moore se sintió incómodo con los ideales derivados del clasicismo; su posterior familiaridad con el primitivismo y la influencia de escultores como Constantin Brâncuși, Jacob Epstein, Henri Gaudier-Brzeska y Frank Dobson le llevaron al método de la talla directa, en el que las imperfecciones del material y las marcas dejadas por las herramientas pasaban a formar parte de la escultura acabada. Tras adoptar esta técnica, Moore entró en conflicto con los tutores académicos, que no apreciaban un enfoque tan moderno. En un ejercicio planteado por Derwent Wood (el profesor de escultura del Royal College), se le pidió a Moore que reprodujera un relieve en mármol de La Virgen con el Niño de Domenico Rosselli, modelando primero el relieve en yeso y reproduciéndolo después en mármol con la ayuda mecánica conocida como «máquina de apuntar», una técnica llamada «de apuntar». En lugar de ello, talló el relieve directamente, marcando incluso la superficie para simular las marcas de pinchazos que habría dejado el punteador.

En 1924, Moore obtuvo una beca de viaje de seis meses que pasó en el norte de Italia estudiando las grandes obras de Miguel Ángel, Giotto di Bondone, Giovanni Pisano y varios otros maestros antiguos. Durante este periodo también visitó París, aprovechó las clases de dibujo cronometrado de la Académie Colarossi y vio, en el Trocadero, un molde de yeso de una forma escultórica tolteca-maya, el Chac Mool, que había visto previamente en las ilustraciones de los libros. La figura reclinada tendría un profundo efecto en la obra de Moore, convirtiéndose en el motivo principal de su escultura.

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Hampstead

A su regreso a Londres, Moore asumió un puesto de profesor durante siete años en el Royal College of Art. Tenía que trabajar dos días a la semana, lo que le permitía dedicar tiempo a su propia obra. Su primer encargo público, West Wind (1928-29), fue uno de los ocho relieves de los «cuatro vientos» colocados en las paredes de la sede del metro de Londres en el 55 de Broadway. Los otros «vientos» fueron esculpidos por escultores contemporáneos, entre ellos Eric Gill, y las piezas a nivel del suelo fueron proporcionadas por Epstein. En 1928 se celebró la primera exposición individual de Moore, en la Warren Gallery de Londres. El 19 de julio de 1929, Moore se casó con Irina Radetsky, una estudiante de pintura del Royal College. Irina había nacido en Kiev en 1907. Su padre murió en la Revolución Rusa y su madre fue evacuada a París, donde se casó con un oficial del ejército británico. Un año más tarde, Irina fue llevada de contrabando a París y fue a la escuela hasta los 16 años, tras lo cual fue enviada a vivir con los parientes de su padrastro en Buckinghamshire.

Irina encontró seguridad en su matrimonio con Moore y no tardó en posar para él. Poco después de casarse, la pareja se trasladó a un estudio en Hampstead, en el número 11a de Parkhill Road NW3, uniéndose a una pequeña colonia de artistas vanguardistas que estaban echando raíces allí. Poco después, Hepworth y su segundo marido, Ben Nicholson, se instalaron en un estudio a la vuelta de la esquina de Moore, mientras que Naum Gabo, Roland Penrose, Cecil Stephenson y el crítico de arte Herbert Read también vivían en la zona (Read se refería a la zona como «un nido de gentiles artistas»). La zona era también un punto de parada para muchos artistas, arquitectos y diseñadores refugiados de la Europa continental en ruta hacia América.

En 1932, tras seis años de docencia en el Royal College, Moore asumió el cargo de director del Departamento de Escultura de la Chelsea School of Art. Desde el punto de vista artístico, Moore, Hepworth y otros miembros de la Sociedad de los Siete y los Cinco desarrollarían una obra cada vez más abstracta, influidos en parte por sus frecuentes viajes a París y su contacto con los principales artistas progresistas, en particular Pablo Picasso, Georges Braque, Jean Arp y Alberto Giacometti. Moore coqueteó con el surrealismo, uniéndose al movimiento de arte moderno «Unit One» de Paul Nash, en 1933. En 1934, Moore visitó España; visitó la cueva de Altamira (que describió como la «Real Academia de Pintura Rupestre»), Madrid, Toledo y Pamplona.

En 1936, Moore se unió a un grupo de artistas surrealistas fundado por Roland Penrose, y ese mismo año fue tesorero honorario del comité organizador de la Exposición Surrealista Internacional de Londres. En 1937, Roland Penrose compró a Moore una obra abstracta «Madre e hijo» en piedra que expuso en el jardín delantero de su casa de Hampstead. La obra resultó controvertida para otros residentes y la prensa local hizo una campaña contra la obra durante los dos años siguientes. En esta época, Moore pasó gradualmente de la talla directa a la fundición en bronce, modelando maquetas preliminares en arcilla o yeso en lugar de hacer dibujos preparatorios.

En 1938, Moore conoció a Kenneth Clark por primera vez. A partir de ese momento, Clark se convirtió en un improbable pero influyente defensor de la obra de Moore y, gracias a su posición como miembro del Consejo de las Artes de Gran Bretaña, consiguió exposiciones y encargos para el artista.

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Segunda Guerra Mundial

Al estallar la Segunda Guerra Mundial, la Escuela de Arte de Chelsea fue evacuada a Northampton y Moore renunció a su puesto de profesor. Durante la guerra, Moore realizó impactantes dibujos de londinenses durmiendo en el metro de Londres mientras se refugiaban del Blitz. Kenneth Clark, presidente del Comité Asesor de Artistas de Guerra (WAAC), ya había intentado reclutar a Moore como artista de guerra asalariado a tiempo completo y ahora aceptó comprar algunos de los dibujos de los refugios y emitió contratos para otros ejemplos. Los dibujos de refugios adquiridos por el WAAC se realizaron entre el otoño de 1940 y la primavera de 1941 y se consideran uno de los mejores productos del programa del WAAC. En agosto de 1941, la WAAC encargó a Moore que dibujara a los mineros que trabajaban bajo tierra en la mina de Wheldale, en Yorkshire, donde su padre había trabajado a principios de siglo. Moore dibujó a las personas en los refugios como si esperaran pasivamente el visto bueno mientras los mineros trabajaban agresivamente en los frentes de carbón. Estos dibujos contribuyeron a aumentar la reputación internacional de Moore, especialmente en Estados Unidos, donde se incluyeron ejemplos en la exposición WAAC Britain at War, que recorrió Norteamérica durante la guerra.

Después de que su casa de Hampstead fuera alcanzada por la metralla de las bombas en septiembre de 1940, Moore e Irina se trasladaron fuera de Londres para vivir en una granja llamada Hoglands en la aldea de Perry Green, cerca de Much Hadham, Hertfordshire. Esta casa se convertiría en el hogar y el taller de Moore durante el resto de su vida. A pesar de haber adquirido una riqueza considerable más adelante, Moore nunca sintió la necesidad de trasladarse a un lugar más grande y, aparte de la adición de una serie de dependencias y estudios, la casa cambió poco a lo largo de los años. En 1943 recibió un encargo de la iglesia de San Mateo, en Northampton, para esculpir una Virgen con el Niño; esta escultura fue la primera de una importante serie de esculturas de grupos familiares.

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Años posteriores

Después de la guerra y tras varios abortos anteriores, Irina dio a luz a su hija, Mary Moore, en marzo de 1946. La niña recibió el nombre de la madre de Moore, que había muerto dos años antes. Tanto la pérdida de su madre como la llegada de un bebé centraron la mente de Moore en la familia, lo que expresó en su obra produciendo muchas composiciones de «madre e hijo», aunque reclinadas e internas

Antes de la guerra, el educador Henry Morris, que intentaba reformar la educación con su concepto de Village College, se puso en contacto con Moore. Morris había contratado a Walter Gropius como arquitecto para su segunda universidad de pueblo en Impington, cerca de Cambridge, y quería que Moore diseñara una gran escultura pública para el lugar. Sin embargo, el Consejo del Condado no podía costear el diseño completo de Gropius y redujo el proyecto cuando éste emigró a América. Por falta de fondos, Morris tuvo que cancelar la escultura de Moore, que no había pasado de la fase de maqueta. Moore pudo reutilizar el diseño en 1950 para un encargo similar en el exterior de una escuela secundaria para la nueva ciudad de Stevenage. Esta vez, el proyecto se completó y Family Group se convirtió en el primer bronce público a gran escala de Moore.

En la década de 1950, Moore empezó a recibir encargos cada vez más importantes. Expuso Figura reclinada: Festival en el Festival de Gran Bretaña de 1951, y en 1958 realizó una gran figura reclinada de mármol para el edificio de la UNESCO en París. Con muchas más obras de arte públicas, la escala de las esculturas de Moore creció significativamente y empezó a emplear a un número cada vez mayor de ayudantes para trabajar con él en Much Hadham, incluyendo a Anthony Caro

En el campus de la Universidad de Chicago, en diciembre de 1967, 25 años después de que el equipo de físicos dirigido por Enrico Fermi lograra la primera reacción nuclear en cadena controlada y autosostenida, se inauguró la Energía Nuclear de Moore en el lugar que ocupaban las gradas del antiguo campo de fútbol de la universidad, en la pista de raquetas bajo la que se habían realizado los experimentos. A menudo se piensa que esta pieza de 3 metros de altura, situada en medio de una gran plaza abierta, representa un hongo nuclear coronado por un enorme cráneo humano, pero la interpretación de Moore era muy diferente. Una vez le dijo a un amigo que esperaba que los espectadores «la rodearan, mirando a través de los espacios abiertos, y que tuvieran la sensación de estar en una catedral». En Chicago (Illinois), Moore también conmemoró la ciencia con un gran reloj de sol de bronce, llamado localmente El hombre entra en el cosmos (1980), que se encargó para reconocer el programa de exploración espacial.

Las tres últimas décadas de la vida de Moore continuaron en una línea similar; se celebraron varias retrospectivas importantes en todo el mundo, especialmente una exposición muy destacada en el verano de 1972 en los terrenos del Forte di Belvedere, con vistas a Florencia. Tras el pionero documental «Henry Moore», producido por John Read en 1951, apareció en muchas películas. En 1964, por ejemplo, Moore apareció en el documental «5 British Sculptors (Work and Talk)» del cineasta estadounidense Warren Forma. A finales de la década de 1970, se celebraban unas 40 exposiciones anuales con su obra. El número de encargos siguió aumentando; en 1962 completó Knife Edge Two Piece para el College Green, cerca de las Casas del Parlamento de Londres. Según Moore, «cuando me ofrecieron el lugar cerca de la Cámara de los Lores… me gustó tanto el lugar que no me molesté en ir a ver un emplazamiento alternativo en Hyde Park: una escultura solitaria puede perderse en un gran parque. El sitio de la Cámara de los Lores es bastante diferente. Está junto a un camino por el que la gente pasea y tiene unos cuantos asientos donde pueden sentarse a contemplarla».

A medida que su riqueza crecía, Moore empezó a preocuparse por su legado. Con la ayuda de su hija Mary, creó el Henry Moore Trust en 1972, con el fin de proteger su patrimonio del impuesto de sucesiones. En 1977, pagaba cerca de un millón de libras al año en concepto de impuesto sobre la renta; para mitigar su carga fiscal, creó la Fundación Henry Moore como organización benéfica registrada con Irina y Mary como fideicomisarias. La Fundación se creó para fomentar la apreciación pública de las artes visuales y especialmente de las obras de Moore. Actualmente gestiona su casa y finca en Perry Green, con una galería, un parque de esculturas y estudios.

En 1979 Henry Moore se dio a conocer inesperadamente en Alemania cuando su escultura Dos formas grandes se instaló en el patio de la Cancillería alemana en Bonn, que era la capital de Alemania Occidental antes de la reunificación alemana en octubre de 1990.

Moore murió el 31 de agosto de 1986 en su casa de Perry Green. Su cuerpo fue enterrado en el cementerio de la Iglesia de Santo Tomás.

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La forma característica de Moore es la figura reclinada. La exploración de esta forma por parte de Moore, bajo la influencia de la figura tolteca-maya que había visto en el Louvre, le llevaría a una abstracción cada vez mayor, al tiempo que orientaba sus pensamientos hacia la experimentación con los elementos del diseño. Las primeras figuras reclinadas de Moore tratan principalmente de la masa, mientras que sus últimas contrastan los elementos sólidos de la escultura con el espacio, no sólo alrededor de ellos, sino generalmente a través de ellos, ya que perforó las formas con aberturas.

Las primeras figuras están atravesadas de forma convencional, en las que los miembros doblados se separan y vuelven a unirse al cuerpo. Las figuras posteriores, más abstractas, suelen estar atravesadas por espacios que atraviesan directamente el cuerpo, con lo que Moore explora y alterna formas cóncavas y convexas. Estas perforaciones más extremas se desarrollaron en paralelo a las esculturas de Barbara Hepworth. Hepworth perforó por primera vez un torso después de leer erróneamente una reseña de una de las primeras exposiciones de Henry Moore. La figura reclinada de yeso: Festival (1951) en la Tate, es característica de las esculturas posteriores de Moore: una figura femenina abstracta intercalada con vacíos. Al igual que con gran parte de la obra de posguerra, hay varios moldes de bronce de esta escultura. Cuando la sobrina de Moore le preguntó por qué sus esculturas tenían títulos tan sencillos, él respondió,

Todo arte debe tener un cierto misterio y plantear exigencias al espectador. Ponerle un título demasiado explícito a una escultura o a un dibujo le quita parte de ese misterio, de modo que el espectador pasa al siguiente objeto sin esforzarse en reflexionar sobre el significado de lo que acaba de ver. Todo el mundo cree que mira, pero en realidad no lo hace.

Las primeras obras de Moore se centran en la talla directa, en la que la forma de la escultura evoluciona a medida que el artista va tallando el bloque. En la década de 1930, la transición de Moore al modernismo fue paralela a la de Barbara Hepworth; ambas intercambiaron nuevas ideas entre sí y con otros artistas que vivían entonces en Hampstead. Moore hizo muchos bocetos y dibujos preparatorios para cada escultura. La mayoría de estos cuadernos de bocetos han sobrevivido y permiten conocer la evolución de Moore. Daba gran importancia al dibujo; en la vejez, cuando tenía artritis, siguió dibujando.

Después de la Segunda Guerra Mundial, los bronces de Moore adquirieron una escala mayor, especialmente adecuada para los encargos de arte público. Por razones prácticas, abandonó en gran medida la talla directa y contrató a varios ayudantes para que le ayudaran a producir las formas más grandes a partir de maquetas. A finales de la década de 1940, las esculturas se hacían cada vez más a partir del modelado, elaborando la forma en arcilla o yeso antes de fundir la obra final en bronce con la técnica de la cera perdida. Estas maquetas solían empezar como pequeñas formas moldeadas por las manos de Moore, un proceso que da a su obra una sensación orgánica. En su casa de Much Hadham, Moore reunió una colección de objetos naturales: calaveras, madera flotante, guijarros, rocas y conchas, que le servían de inspiración para las formas orgánicas. Para sus obras más grandes, solía hacer un modelo de trabajo a media escala antes de ampliarlo para el moldeado final y el vaciado en una fundición de bronce. Moore a menudo refinaba la forma final de yeso y añadía marcas en la superficie antes de la fundición.

Moore produjo al menos tres ejemplos significativos de escultura arquitectónica durante su carrera. En 1928, a pesar de sus propias «extremas reservas», aceptó su primer encargo público de West Wind para el edificio del metro de Londres en el 55 de Broadway, uniéndose a la compañía de Jacob Epstein y Eric Gill. En 1953, completó una pantalla de hormigón en cuatro partes para el edificio Time-Life en New Bond Street, Londres, y en 1955 Moore se dedicó a su primera y única obra en ladrillo tallado, «Wall Relief» en el Bouwcentrum de Rotterdam. El relieve de ladrillo fue esculpido con 16.000 ladrillos por dos albañiles holandeses bajo la supervisión de Moore.

Las secuelas de la Segunda Guerra Mundial, el Holocausto y la era de la bomba atómica inculcaron en la escultura de mediados de los años cuarenta la idea de que el arte debía volver a sus orígenes pre-culturales y pre-racionales. En la literatura de la época, escritores como Jean-Paul Sartre defendían una filosofía reductora similar. En un discurso de presentación en Nueva York para una exposición de uno de los mejores escultores modernistas, Alberto Giacometti, Sartre habló de «El principio y el fin de la historia». La sensación de Moore de que Inglaterra salía invicta del asedio le llevó a centrarse en piezas caracterizadas por la resistencia y la continuidad.

La mayoría de los escultores que surgieron durante el apogeo de la fama de Moore, y tras su muerte, se encontraron a su sombra. A finales de la década de 1940, Moore era una celebridad mundial; era la voz de la escultura británica, y del modernismo británico en general. La siguiente generación se comparaba constantemente con él, y reaccionaba desafiando su legado, sus credenciales de «establishment» y su posición. En la Bienal de Venecia de 1952, ocho nuevos escultores británicos produjeron sus obras Geometría del miedo como un contraste directo con los ideales de la idea de Moore de Resistencia, Continuidad; su gran Figura de pie de bronce se encontraba fuera del pabellón británico, y contrastaba fuertemente con las obras más ásperas y angulares del interior.

Sin embargo, Moore tuvo una influencia directa en varias generaciones de escultores de reputación tanto británica como internacional. Entre los artistas que han reconocido la importancia de Moore en su obra se encuentran Sir Anthony Caro e Isaac Witkin, los tres han sido ayudantes de Moore. Otros artistas cuya obra fue influenciada por él son Helaine Blumenfeld, Drago Marin Cherina, Lynn Chadwick, Eduardo Paolozzi, Bernard Meadows, Reg Butler, William Turnbull, Robert Adams, Kenneth Armitage y Geoffrey Clarke.

La Fundación Henry Moore ayuda a preservar su legado apoyando a los escultores y creando exposiciones, su objetivo es desarrollar el aprecio por las artes visuales. La Fundación fue creada por Henry y su familia en 1977 en Inglaterra, y sigue funcionando.

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Polémica

En diciembre de 2005, la Figura Reclinada (1969-70), de dos toneladas y asegurada en 3 millones de libras, fue levantada con una grúa desde los terrenos de la Fundación Henry Moore hasta un camión y no ha sido recuperada. Dos hombres fueron encarcelados durante un año en 2012 por robar una escultura llamada Reloj de sol (1965) y el zócalo de bronce de otra obra, también del patrimonio de la fundación. En octubre de 2013 fue robada Standing Figure (1950), una de las cuatro piezas de Moore en el parque de esculturas de Glenkiln, cuyo valor se estima en 3 millones de libras.

En 2012, el consejo del distrito londinense de Tower Hamlets anunció sus planes de vender otra versión de Draped Seated Woman 1957-58, una escultura de bronce de 1,6 toneladas. Moore, un conocido socialista, había vendido la escultura a una fracción de su valor de mercado al antiguo Consejo del Condado de Londres, en el entendimiento de que se expondría en un espacio público y podría enriquecer la vida de quienes viven en una zona socialmente desfavorecida. Apodado Old Flo, se instaló en la urbanización Stifford en 1962, pero fue objeto de vandalismo y se trasladó al Parque de Esculturas de Yorkshire en 1997. Posteriormente, el Ayuntamiento de Tower Hamlets se planteó trasladar la Mujer Sentada a un terreno privado en Canary Wharf, pero en su lugar optó por «explorar las opciones» para su venta. En respuesta al anuncio se publicó una carta abierta en The Guardian, firmada por Mary Moore, hija del artista, por Sir Nicholas Serota, director de la Tate Gallery, por el cineasta Danny Boyle y por artistas como Jeremy Deller. La carta decía que la venta «va en contra del espíritu de la venta original de Henry Moore» de la obra.

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Interés popular

En la actualidad, la Fundación Henry Moore gestiona la antigua casa del artista en Perry Green (Hertfordshire) como destino para los visitantes, con 70 acres de terrenos para esculturas, así como su casa y estudios restaurados. También gestiona el Instituto Henry Moore de Leeds, que organiza exposiciones y actividades de investigación sobre escultura internacional. Algunos consideran que el interés popular por la obra de Moore ha decaído durante un tiempo en el Reino Unido, pero en los últimos tiempos se ha reavivado gracias a las exposiciones celebradas en Kew Gardens en 2007, en la Tate Britain en 2010 y en Hatfield House en 2011. La Fundación que creó sigue desempeñando un papel esencial en la promoción del arte contemporáneo en el Reino Unido y en el extranjero a través de su programa de subvenciones y exposiciones.

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Inglaterra

La mayor colección del mundo de obras de Moore está abierta al público y se encuentra en la casa y los terrenos de la finca de 60 acres, que fue el hogar de Moore durante 40 años, en Perry Green, Hertfordshire . El lugar y la colección son ahora propiedad de la Fundación Henry Moore.

En diciembre de 2005, unos ladrones entraron en un patio de la Fundación Henry Moore y robaron un molde de la Escultura Reclinada 1969-70 (LH 608) de Moore, una escultura de bronce de 3,6 metros de largo y 2,1 toneladas. Las imágenes del circuito cerrado de televisión mostraron que utilizaron una grúa para bajar la pieza a un camión de plataforma robado. La Fundación ofreció una importante recompensa por la información que permitiera recuperarla. En mayo de 2009, tras una exhaustiva investigación, las autoridades británicas afirmaron que creían que la obra, valorada en su día en 3 millones de libras, se había vendido probablemente como chatarra, con un precio de unas 5.000 libras. En julio de 2012, el reloj de sol de bronce de 22 pulgadas (56 cm) de 1965, valorado en 500.000 libras, fue robado de la Fundación Moore. Ese mismo año, tras darse a conocer los detalles del robo en el programa de televisión Crimewatch de la BBC, la obra fue recuperada y los ladrones fueron condenados a doce meses de prisión preventiva.

Moore presentó 36 esculturas, así como dibujos, maquetas y otras obras a la Tate Gallery en 1978.

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Toronto

El Centro de Escultura Henry Moore de la Galería de Arte de Ontario, Toronto, se inauguró en 1974. Comprende la mayor colección pública del mundo de obras de Moore, la mayoría de ellas donadas por él mismo entre 1971 y 1974. La Pieza de tres vías nº 2 (El arquero) de Moore también está expuesta en la plaza Nathan Phillips del Ayuntamiento de Toronto desde 1966.

En 1948, Moore ganó el Premio Internacional de Escultura de la Bienal de Venecia. En 1951 rechazó el nombramiento de caballero porque consideraba que la concesión de este título le convertiría en una figura del establishment y que «ese título podría separarme de otros artistas cuya obra tiene objetivos similares a los míos». Sin embargo, recibió el título de Compañero de Honor en 1955 y el Premio Erasmus en 1968.

Fue patrono de la National Gallery y de la Tate Gallery. Su propuesta de dedicar un ala de esta última a sus esculturas despertó la hostilidad de algunos artistas. En 1975 se convirtió en el primer presidente de la Turner Society, que se había fundado para hacer campaña a favor de un museo independiente en el que se pudiera reunir todo el legado de Turner, objetivo que fue derrotado por la National Gallery y la Tate Gallery.

Regalada a la ciudad de Londres por Moore y la Sociedad de Arte Contemporáneo en 1967, Knife Edge Two Piece 1962-65 se exhibe en Abingdon Street Gardens, frente a las Casas del Parlamento, donde su aparición habitual en el fondo de los reportajes televisados de Westminster la convierte en la pieza más destacada de Moore en Gran Bretaña. La propiedad de Knife Edge Two Piece 1962-65 fue disputada hasta su adquisición en 2011 por la Parliamentary Art Collection.

Al final de su carrera, Moore era el artista vivo con más éxito en las subastas. En 1982, cuatro años antes de su muerte, Sotheby»s de Nueva York vendió una Figura reclinada de 2 metros (1945) por 1,2 millones de dólares al coleccionista Wendell Cherry. Aunque en 1990 se estableció un primer récord de 4,1 millones de dólares, el mercado de Moore se desplomó durante la recesión que siguió. En 2012, su bronce de dos metros, Figura reclinada: Festival (1951) se vendió por un récord de 19,1 millones de libras en Christie»s, lo que le convirtió en el segundo artista británico del siglo XX más caro después de Francis Bacon.

Fuentes

1. Henry Moore
2. Henry Moore
3. ^ Grohmann, 16.
4. ^ «1898–1925: Childhood and Education». Henry Moore Foundation. Retrieved 24 January 2017.
5. ^ Grohmann, 15.
6. ^ a b Berthoud, 19
7. ^ Berthoud, 16–19
8. (en) Norfolk Museums & Archaeology Service. pag 1
9. a b c d e f g h i j Henry Moore Foundation
10. 1953 : Londres, 1958 : Harvard, 1959 : Cambridge et Reading, 1968 : Toronto et d»autres, Russoli, Mitchinson, Moore p. 304-305.
11. a b c d e f g «Biography: 1898 – 1925» (en inglés). Henry Moore Foundation. Archivado desde el original el 4 de agosto de 2013. Consultado el 2 de enero de 2010.