Jasper Johns
gigatos | marzo 25, 2022
Resumen
Jasper Johns (Augusta, 15 de mayo de 1930) es un pintor y escultor estadounidense considerado uno de los principales exponentes del Nuevo Dadá junto con el artista Robert Rauschenberg.
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Primeros años
Johns nació en 1930 en Augusta, Georgia, pero creció en Allendale, Carolina del Sur, con sus abuelos y tíos tras el divorcio de sus padres. Sobre este periodo de su vida, diría más tarde: «Donde crecí no había artistas ni arte, así que no sabía realmente lo que significaba. Pensé que significaba que estaría en una situación diferente a la que estaba. En una entrevista realizada a principios de los años sesenta, afirma que a los tres años empezó a dibujar y nunca dejó de hacerlo, y que a los cinco años decidió convertirse en artista. Estudió en Columbia (Carolina del Sur) hasta el cuarto año de primaria, y luego se trasladó de un estado a otro con su madre, su padrastro y sus hermanastros, terminando sus estudios superiores en Sumter (Carolina del Sur). Entre 1947 y 1948 asistió a la Universidad de Carolina del Sur durante un total de tres semestres, y luego, por invitación de sus propios profesores de arte, se trasladó a Nueva York, donde estudió en la Parsons School of Design durante un semestre en 1949. Luego trabajó como mensajero y vendedor.
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1950s
A principios de la década de 1950, John sirvió en el ejército y también fue enviado al campo de batalla en Sendai, Japón, para la Guerra de Corea, regresando a Nueva York en 1953. Regresó a Nueva York en 1953. Con una beca para veteranos, se matriculó en el Hunter College, pero tras un accidente el primer día, abandonó. Entre 1953 y 1954 trabajó en Marboro Books. Gracias a la escritora Suzi Gablick, conoció al artista Robert Rauschenberg, con quien desarrolló una larga amistad e influencia artística. En 1954 Johns también conoció a los compositores Morton Feldman y John Cage (con los que volvió a Japón unos años después) y al bailarín y coreógrafo Merce Cunningham.
Hacia la mitad de la década, el artista decidió destruir todas sus obras anteriores (incluso volvía a comprar las que había vendido para deshacerse de ellas) y sólo cuatro de ellas lograron sobrevivir: esta acción correspondió al inicio de un nuevo período para el artista, de un cambio radical y un renacimiento. Así, ideó un estilo artístico original y personal, en contraste con el estilo gestual y enérgico del llamado Expresionismo Abstracto, que contribuiría al nacimiento de movimientos como el Arte Pop, el Minimalismo y el Arte Conceptual. Realizó el primer Blanco de Cuatro Caras, la primera serie de Números 1, 2, 5 y 7, y la primera Bandera Blanca, a la que siguieron a lo largo de los años otras numerosas versiones descompuestas, invertidas, multiplicadas o desaturadas en forma de pinturas, grabados y dibujos. Utiliza iconos y temas claros e impersonales para concentrarse en la técnica de fabricación y elaboración de la obra.
En 1955, él y Rauschenberg fundaron la empresa Matson Jones – Custom Display en la que trabajaron como diseñadores de escaparates, por ejemplo para Tiffany&Co y Bonwit Teller al año siguiente. White Flag se expuso como parte de una de estas muestras.
En mayo de 1957, Johns participó en una exposición colectiva en la Galería Leo Castelli, y en 1958 volvió a exponer su obra en una muestra individual en la misma galería. Alfred Barr, el primer director del MoMA – Museo de Arte Moderno de Nueva York, quedó impresionado por Target with Plaster Casts (1955), aunque fue objeto de debate y crítica antes de ser expuesta por considerarse demasiado provocativa para ser exhibida en un museo. El museo neoyorquino compró tres obras del artista. El objetivo con cuatro caras apareció en la portada de la conocida revista Artnews. En 1958, las obras de Johns se expusieron por primera vez en Europa con motivo de la 29ª Bienal de Venecia. El artista comenzó a dejar su huella en la escena artística americana y europea; en 1959 expuso en París y Milán. También en 1958, creó sus primeras esculturas de metal, Flashlight I y Lightclub I.
Tras el éxito de su exposición individual de 1958 en Castelli»s, Johns decidió emprender un nuevo camino, que comenzó con False Start (1959), en la que el artista cambió la encáustica por el óleo en favor de una pincelada multicapa y más inconstante. Barr quedó desconcertado por esta nueva obra, ya que la distribución del color era muy similar a la del arte expresionista abstracto, al que Johns siempre había sido hostil.
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Los años sesenta
A principios de la década de 1960, el artista comenzó a interesarse por el motivo del mapa de los Estados Unidos (también objeto de varias versiones posteriores, como la bandera) y el tema de las huellas del cuerpo humano; también empezó a trabajar con el bronce en la escultura. En 1961 viajó por primera vez a Europa, donde sus obras se expusieron en la Galerie Rive Droite de París, y posteriormente participó en la exposición Le Nouveau Réalisme à Paris et à New York, celebrada en la misma galería. A diferencia de su período anterior, su arte se volvió más autobiográfico, más complejo y más desorientador. En muchos cuadros utilizó ampliamente el color gris (también en homenaje al pintor René Magritte), como por ejemplo en Lienzo (1956) y Alfabetos grises (1956) en los que predomina un nivel de expresión melancólico.
En las obras de esta década incluyó con más frecuencia líneas, escalas de color o termómetros que transmitían la idea de la medición, como puede verse en Periscopio (1963). Durante estos años colaboró con el escritor y comisario de arte Frank O»Hara, con quien organizó una colección de imágenes y poemas, y también citó uno de sus poemas en In Memory of My Feelings – Frank O»Hara (1961). En 1963 participó en la exposición Pop Art USA en el Museo de Arte de Oakland (California) y se convirtió en uno de los fundadores de la Foundation for Contemporany Performance Arts Inc. En 1964 creó su mayor obra hasta la fecha que, según Kirk Varnedoe, constituye un compendio de toda su obra artística.
Ese mismo año realizó una retrospectiva de más de 170 de sus obras en el Museo Judío de Nueva York, que luego se repitió en Inglaterra y California, y participó en la XXXII Bienal de Venecia y en la Documenta III de Kassel. Finalmente, en 1964, en el Día de la Bandera, el marchante de arte Leo Castelli decidió regalar al presidente John Kennedy una versión en bronce de Bandera (1960), una elección que a Johns le pareció horrible por considerarla una instrumentalización de su arte. En 1969, el artista publicó Thoughts on Duchamp en Art in America y más tarde recibió un título honorífico en Clásicos de la Universidad de Carolina del Sur. A finales de la década, el historiador del arte Max Kozloff publicó una monografía sobre él titulada Jasper Johns.
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1970s
Entre 1974 y 1982, las llamadas eclosiones cruzadas se convirtieron en el patrón principal de sus pinturas. Aparece por primera vez en Sin título (1972), pero su mejor representación es Scent (1973-1974), en la que se manifiesta el creciente interés del artista por las técnicas gráficas, combinado en esta obra con temas de sexualidad y muerte. Los mismos temas se encuentran en su siguiente obra, Entre el reloj y la cama (1981), inspirada en el cuadro homónimo de Edvard Munch. En 1973, se reunió con el dramaturgo Samuel Beckett en París para discutir una posible colaboración en la producción del libro de arte Foirades
En la segunda mitad de la década, realizó una gran retrospectiva en el Museo Whitney de Nueva York, que posteriormente se reprodujo en Colonia, París, Londres, Tokio y San Francisco. Posteriormente, el museo neoyorquino compró Three Flags por un millón de dólares, la cantidad más alta jamás pagada por un artista estadounidense vivo hasta ese momento, y durante la década de 1980 las obras de Johns alcanzarían constantemente precios muy elevados. En 1978 fue elegido académico de honor de la Accademia delle arti del disegno de Florencia (y posteriormente académico emérito en 1987 y 1993). Entre 1979 y 1981 volvió a utilizar objetos como cuchillos, tenedores y cucharas en sus creaciones, y también se interesó por nuevas formas de representación objetiva, como los motivos tántricos.
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1980s
A partir de la década de 1980, sus obras empezaron a caracterizarse por un fuerte enfoque psicológico y privado, como puede verse, por ejemplo, en En el estudio (1982), Noche peligrosa (1982) y Pensamientos de carrera (1983), en los que el artista hace referencia a un trastorno mental que le aquejaba durante este periodo. Su estilo pictórico también cambió, con la introducción de imágenes de doble lectura, citas de otros artistas y efectos de trompe l»œil. Entre 1980 y 1982 fue miembro de la Académie Royale des Beaux-Arts de Estocolmo y de la American Academy of Arts and Sciences de Boston. Entre 1985 y 1986 pintó las Cuatro Estaciones, tradicionalmente reconocidas como las edades de la vida, que expuso por primera vez en la Galería Leo Castelli de West Broadway y que posteriormente ganó el gran premio de la Bienal de Venecia de 1988. En 1989 fue nombrado el 38º miembro del Salón de la Fama de Carolina del Sur, un premio reservado a las figuras más ilustres de su país, y fue incluido en la Academia Americana de las Artes y las Letras. También es objeto del documental Jasper Johns: Ideas in Paint, de Rick Tejada-Flores (1989).
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Los últimos años
Durante la década de los 90 recibió varios premios, entre ellos la Medalla Nacional de las Artes, que le fue entregada en la Casa Blanca por el presidente estadounidense George Bush en 1990. Ha realizado varias exposiciones: una retrospectiva en el MoMA de Nueva York con paradas posteriores en Colonia y Tokio (1996-1997), Jasper Johns: New Paintings and Works on Paper en el Museo de Arte Moderno de San Francisco, seguida de exposiciones en la Galería de Arte de la Universidad de Yale y en el Museo de Arte de Dallas (1999), una exposición en el Walker Art Center que continuó en otros centros de Estados Unidos, España, Escocia e Irlanda (2003) y, por último, Jasper Johns: Prints from the Low Road Studio en la Galleria di Castelli (2004).
A finales de siglo, se abre una nueva fase de su pintura, tendente al «vaciado» de la superficie pictórica, lo que se aprecia, por ejemplo, en su serie Catenaria (1999), en la que el título catenaria indica la curva creada por el efecto de la gravedad de un cable fijado en sus extremos, de modo que en las distintas obras los cables, reales o pintados, atraviesan la superficie y son el único tema dentro del lienzo. En los últimos años, Johns se ha retirado principalmente a Sharon (Connecticut) y a la isla de San Martín, en las Antillas francesas, donde posee un estudio construido para él por el arquitecto Philip Johnson.
Hay varias formas de enmarcar al artista. En primer lugar, Johns está considerado como uno de los principales exponentes del Nuevo Dadá, un movimiento artístico estadounidense que se inspira en el arte Dadá de principios de siglo y que, al igual que éste, incorpora a la obra de arte los llamados ready-mades duchampianos (es decir, objetos tomados de la realidad). Esta corriente también está muy cerca del Nouveau Réalisme francés contemporáneo, en el que se utilizan objetos extraídos de la vida cotidiana más banal. Por lo tanto, la inclusión de los ready-made en la obra es también una solución al problema de la representación de lo real y lo ordinario. El propio artista dice que sus creaciones contienen objetos que se pueden mirar pero que no se pueden ver realmente.
El uso de objetos poco manipulados que simplemente se insertan en la obra también está relacionado con el hecho de que Johns rechaza el arte del expresionismo abstracto y, por tanto, pretende reducir al mínimo el componente gestual de su intervención, favoreciendo los aspectos formales y constitutivos de la propia imagen. Esta posición hostil se manifiesta ya en la obra Target with Plaster Casts, donde la presencia de moldes de partes del cuerpo humano podría aludir a la presunta oposición entre el arte «abstracto» y el «figurativo». Painting with Two Balls también actúa como un ataque al mito de la pintura estadounidense vinculado a la generación de artistas como Jackson Pollock y Willem de Kooning: las dos bolas pintadas aluden, de hecho, a una descripción irónica de sí mismo, frente a la típica virilidad de la que hacen gala de forma teatral otros artistas estadounidenses.
Finalmente, se le considera el artista que inició el Pop Art, pero sin ser consciente de ello.
Otra característica de su arte es que mantiene abierta la cuestión de la distinción o conexión entre realidad y representación, imagen real e imagen pintada; de hecho, muchas de sus obras, empezando por Banderas, se caracterizan por una presentación distanciada y tautológica de un objeto común cuyos límites coinciden con los del lienzo. Lo que importa al artista es la intensidad con la que lo que ya se conoce del objeto influye en lo que vemos en él; él mismo no necesita un modelo para pintar una bandera o un blanco, ya que la idea que tiene del objeto en su mente es suficiente. Así, sus obras con banderas, letras o dianas, en particular, juegan con la ambivalencia entre el objeto mismo y su representación. Muy a menudo, al referirse a sus banderas, formula la pregunta retórica: «¿Es una bandera o un cuadro?».
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Encáustica
La encáustica es una técnica que el artista utiliza a menudo para crear sus obras. Se remonta al antiguo Egipto y consiste en mezclar pigmentos y cera derretida en lo que se conoce como encauzamiento, al que Johns suele añadir trozos de tela o recortes de periódico. El resultado final roza lo figurativo, pero conserva rastros visibles de la manipulación del artista, el tejido de las telas o los textos impresos en el papel, lo que permite que la obra se abra a múltiples niveles de interpretación entre la presentación y la representación de una imagen. La superficie de las obras es seductora y fascinante, además de nueva, original y actual en el contexto del arte estadounidense de los años en que Johns las utilizó.
Tradicionalmente, la llamada cera púnica que se utiliza para la pintura a la encáustica se obtiene hirviendo la cera caliente en agua de mar, a la que luego se añade agua, cal apagada y cola; la mezcla disuelta en agua y aún caliente se vierte sobre la pintura e inmediatamente se mezcla, se extiende sobre la obra, se deja secar y, por último, se calienta de nuevo para que los pigmentos vuelvan a aflorar en la superficie. Esta técnica permite añadir cualquier tipo de pigmento y no requiere un tiempo de entrega muy rápido; además, es muy duradera, ya que la cera no está sujeta a la oxidación.
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Obras
Fuentes
