Jean-Luc Godard

gigatos | julio 26, 2023

Post Views: 1

Resumen

Jean-Luc Godard fue un cineasta franco-suizo nacido el 3 de diciembre de 1930 en París y fallecido el 13 de septiembre de 2022 en Rolle (cantón de Vaud).

Es el autor completo de sus películas, a menudo las dirige, escribe el guión, los diálogos y las monta. Ocasionalmente aparece en ellas, a veces en un pequeño papel, a veces no como actor sino como sujeto. Productor y guionista, también es crítico y teórico cinematográfico.

Al igual que Éric Rohmer, François Truffaut, Claude Chabrol y Jacques Rivette, Jean-Luc Godard comenzó su carrera en los años cincuenta como crítico de cine. Escribió para La Gazette du cinéma, Les Cahiers du cinéma y Arts. Al mismo tiempo, realizó varios cortometrajes en 16 mm: Opération Béton (1954), documental sobre la construcción de la presa de Grande-Dixence en Suiza; Une femme coquette (1955), inspirado en Guy de Maupassant y realizado sin presupuesto; Tous les garçons s’appellent Patrick, un marivaudage escrito con Éric Rohmer; Une histoire d’eau (1958), que montó a partir de material rodado por François Truffaut; y Charlotte et son jules (1958).

En 1959, pasó al largometraje con À bout de souffle. La película tuvo un gran éxito y se convirtió en una de las películas fundacionales de la Nouvelle Vague. Durante la década de 1960, emprendió numerosos proyectos, rodando varias películas al año. En 1960, rodó Le Petit Soldat, una película sobre la guerra de Argelia, y Une femme est une femme, un homenaje al musical. Luego rodó Vivre sa vie (1962), una película sobre una joven que se prostituye, Les Carabiniers (1963), otra película sobre la guerra, y Le Mépris (1963), sobre el mundo del cine. Continuó en 1964 con Bande à part y Une femme mariée. En 1965, dirigió Alphaville, una extraña aventura de Lemmy Caution, una película de ciencia-ficción, a la que siguió Pierrot le Fou, una road movie que muchos especialistas consideran su obra maestra. Después realizó Masculin féminin, una película sobre la juventud, Made in USA, Deux ou trois choses que je sais d’elle, en la que volvió a tratar el tema de la prostitución, La Chinoise (1967) y Week-end (1967).

Godard se había convertido en un cineasta importante y en una figura destacada del mundo artístico y de la intelectualidad. En 1968, los acontecimientos de mayo, presagiados por algunas de sus películas anteriores, provocaron una ruptura con el sistema cinematográfico. Godard se radicaliza políticamente y se margina. Junto con Jean-Pierre Gorin, intentó hacer un cine político y firmó sus películas bajo el seudónimo colectivo del «grupo Dziga Vertov». Durante este periodo, sus películas se exhibieron en contadas ocasiones. A partir de 1974, experimenta con el vídeo con su compañera Anne-Marie Miéville, trabaja para la televisión y se aleja del cine.

Regresó al cine a principios de los años ochenta con Sauve qui peut (la vie). Volvió al papel central que había ocupado en los años sesenta.

Desde finales de los años ochenta, se dedicó a una serie de ensayos cinematográficos titulada Histoire(s) du cinéma, que terminó en 1998 y que intentaba elaborar una historia cinematográfica del cine. En la década de 2000, prosiguió su labor cinematográfica con Éloge de l’amour (2001), Notre musique (2004) y Film Socialisme (2010). También organizó una exposición en el Centro Georges-Pompidou de París. El proyecto, extremadamente ambicioso, fue finalmente abandonado y dio lugar a una exposición titulada Voyage(s) en utopie. En busca de un teorema perdido. JLG 1945-2005″, que muestra maquetas de la exposición prevista.

Jean-Luc Godard ganó el Oso de Oro del Festival de Berlín en 1965 por Alphaville, así como dos Osos de Plata (al Mejor Director en 1960 por Sin aliento y el Oso de Plata Extraordinario en 1961 por Una mujer es una mujer). También ganó un León de Oro Honorífico en el Festival de Venecia de 1982 y el León de Oro a la Mejor Película por Prénom Carmen en 1983. También recibió el Premio del Jurado en el Festival de Cannes por Adieu au langage en 2014, así como dos César honoríficos, en 1987 y 1998, y un Óscar honorífico en 2010 por toda su carrera. En 2018, recibió una Palma de Oro especial por Le Livre d’image y el conjunto de su obra en la 71 edición del Festival de Cannes.

Niños y jóvenes

Jean-Luc Godard nació el 3 de diciembre de 1930 en el número 2 de la rue Cognacq-Jay, en el distrito 7 de París. Era el segundo de cuatro hermanos. Su hermana mayor, Rachel, nacida el 6 de enero de 1930, falleció en 1993. Otra hermana, Véronique, es fotógrafa.

Su padre, Paul Godard (1899-1964), nació el 1 de junio de 1899 en el seno de una familia cuya madre procedía del norte de Francia (Le Cateau-Cambrésis) y cuyo padre, Georges Godard, procedía de una antigua familia protestante de Sancerre. En 1916, él y su familia se trasladaron a Suiza como pacifistas, instalándose en Vevey y luego en Ginebra. Estudió medicina y defendió su tesis en París en 1925. Posteriormente trabajó tanto en París como en Suiza.

Su madre, Odile Monod (1909-1954), pertenecía a una importante familia protestante francesa, descendiente del pastor Jean Monod, nacido en Ginebra en 1765, y del pastor Adolphe Monod, nacido en 1802. Su abuelo materno, Julien Monod, había dirigido la Société Financière d’Orient y fue uno de los fundadores de la Banque de Paris et des Pays-Bas. En 1924 compró un piso en el 16 del bulevar Raspail, en un edificio diseñado por el arquitecto Henri Sauvage. Frecuentaba a escritores y se hizo muy amigo de Paul Valéry, a quien conoció en 1924. Gran admirador del poeta, reunió sus libros, manuscritos y correspondencia en una habitación de su piso conocida como el «valerianum».

Paul Godard se casa con Odile Monod en el Oratorio del Louvre el 16 de octubre de 1928.

En 1933, encontró un puesto en una clínica de Suiza y la familia Godard se instaló a orillas del lago Lemán, entre Nyon y Rolle, antes de trasladarse a Nyon en 1938, a la rue du Prieuré 4. Jean-Luc Godard fue a la escuela primaria en Nyon desde 1936. Su infancia fue especialmente deportiva, con fútbol, esquí y baloncesto. También estuvo marcada por la religión protestante. El joven Jean-Luc Godard se apasiona por la pintura. Sus primeras obras parecen inspiradas por Paul Klee y Oskar Kokoschka. Pasaba las vacaciones en casa de sus abuelos maternos, en Anthy-sur-Léman.

En junio de 1940, Jean-Luc Godard estaba con sus abuelos en París cuando los alemanes invadieron el país. Primero fue enviado a vivir con su tía Aude en Bretaña, donde comenzó el curso escolar de 1940 antes de cruzar Francia hacia Suiza. La familia Monod tendía a ser republicana y de izquierdas, pero Julien Monod, su abuelo, era más conservador, defendía al mariscal Pétain y leía la prensa colaboracionista. Los padres de Godard, en cambio, trabajaban para la Cruz Roja y eran anglófilos.

Tras la guerra, Jean-Luc Godard termina sus estudios secundarios en Nyon y es enviado a París para cursar el bachillerato en el Lycée Buffon. Se aleja de su familia. Sus padres estaban a punto de separarse. Su padre padecía la enfermedad de Charcot y soportaba mal la actitud de la familia Monod hacia él, mientras que su madre lo pasaba mal lejos de su familia. Dejó el hogar conyugal para trasladarse a Ginebra en 1949, luego a Lausana en 1951, y la pareja se divorció en noviembre de 1952. Godard se trasladó entonces a la rue d’Assas, justo debajo del piso del escritor y editor Jean Schlumberger. Pierde el interés por los estudios y suspende el bachillerato en 1947. Comienza a frecuentar los cineclubs y la Cinemateca Francesa. Su descubrimiento del cine pasa también por la lectura de textos críticos como los de la Revue du cinéma, en la que descubre los escritos de Maurice Schérer, más conocido hoy como Éric Rohmer.

Desde que era un adolescente en Nyon, Jean-Luc Godard, a pesar de vivir en una familia acomodada, tenía la costumbre de robar. Este hábito se convirtió en manía, y Jean-Luc Godard también robó a su familia y amigos. En particular, robó libros de la biblioteca de Jean Schlumberger, que vendió en el Pont-Neuf. También robó obras de Paul Valéry de la biblioteca de su abuelo, que vendió a la librería Gallimard, situada frente a la casa de su abuelo. Su abuelo descubrió el robo y Jean-Luc Godard se convirtió en la oveja negra de la familia a la edad de diecisiete años. Más tarde, en 1952, también robó la caja registradora de Cahiers du cinéma y la del Café de la Comédie, situado cerca del Palais-Royal y regentado por los padres de su amigo Charles Bitsch. En noviembre de 1947, enemistado con su familia, Godard escribió un panfleto contra ellos, titulado Le Cercle de famille. Or impressions d’ensemble.

Regresó a Suiza en 1948 y preparó el bachillerato en el Collège Lémania de Lausana. Tras suspender por segunda vez, aprobó en el tercer intento, en 1949. En esta época, Godard sigue dudando entre la pintura, el cine y la literatura. Escribe su primer guión, titulado Aline, basado en la novela de Charles Ferdinand Ramuz.

En otoño de 1949, se matriculó en antropología en la Sorbona de París, pero pronto perdió el interés por la asignatura. En la Sorbona conoció a Suzanne Klochendler, que más tarde se convertiría en Suzanne Schiffman y que colaboraría con Godard en numerosas películas, y al escritor Jean Parvulesco. Escribió un segundo guión basado en La Fiancée de George Meredith, titulado La Trêve d’ironie, Claire. Durante este periodo vio un enorme número de películas. En la cinémathèque dirigida por Henri Langlois, conoce regularmente a Suzanne Klochendler, François Truffaut, Jean Gruault y Jacques Rivette. También frecuentó el cineclub Quartier Latin, fundado por Frédéric Frœschel en 1947, donde conoció a Maurice Schérer, Paul Gégauff, Truffaut, Chabrol, Gruault y Rivette. El grupo publicaba el Bulletin du ciné-club du Quartier latin, que a finales de 1949 se había convertido en una revista de pleno derecho titulada La Gazette du cinéma. Fue en esta revista donde Godard publicó sus primeros textos críticos a la edad de 19 años. Entre junio y noviembre de 1950 publicó doce artículos con su propio nombre o bajo el seudónimo de Hans Lucas, traducción alemana de su nombre de pila, Jean-Luc. En septiembre de 1950 participa, junto con sus amigos del cine-club Quartier Latin, en el Festival du film maudit de Biarritz, organizado por el cine-club Objectif 49, presidido por Jean Cocteau. Este festival fue un momento importante en el desarrollo de los jóvenes críticos reunidos en la Gazette du cinéma, que no dudaron en criticar las elecciones de los críticos.

En diciembre de 1950, su padre se ofreció a llevarle de viaje a América. Primero visitó Nueva York y después Kingston, en Jamaica, donde su padre compró una casa para vivir. A continuación, Jean-Luc Godard viaja solo por Sudamérica durante varios meses. Visitó Panamá, Perú, Bolivia y Brasil antes de regresar a Francia en abril de 1951.

Los años de Cahiers du cinéma (1950-1959)

En abril de 1951, Jacques Doniol-Valcroze funda Cahiers du cinéma. La revista, creada para continuar el espíritu de la Revue du cinéma, acogió a críticos de diversas tendencias, entre ellos Maurice Schérer, que intentó que sus amigos de la Gazette du cinéma se unieran a los Cahiers. Godard publicó su primer artículo en la nueva revista en enero de 1952, sobre La Flamme qui s’éteint, de Rudolph Maté. Siguió en abril de 1952 con un elogio polémico de L’Inconnu du Nord-Express, de Alfred Hitchcock, titulado «Suprématie du sujet» («Supremacía del sujeto»), y luego atacó frontalmente a André Bazin en septiembre del mismo año con un artículo titulado «Défense et illustration du découpage classique» («Defensa e ilustración del corte clásico»).

En la primavera de 1953, su padre le encontró un trabajo como cámara para la televisión suiza en Zúrich. La experiencia acabó mal. Godard volvió a robar en la caja registradora de la televisión. Fue denunciado a la policía y pasó tres noches en la cárcel. Para evitar ir a la guerra de Indochina, Godard había optado por la nacionalidad suiza al cumplir la mayoría de edad, pero no había cumplido sus obligaciones militares en Suiza y, por tanto, estaba fuera de la ley. Su padre le internó durante varias semanas en el hospital psiquiátrico La Grangette de Lausana. Tras este episodio, no volvió a ver a su padre en diez años. Cuando salió del hospital, su madre le encontró un trabajo en la presa de Grande-Dixence, en Valais. Godard trabajó allí durante el verano de 1953 y todo el año 1954, y pasaba su tiempo libre en Ginebra, donde salía con un grupo de dandis ocasionales. Con su amigo Jean-Pierre Laubscher, realizó un documental en 16 mm sobre la construcción de la presa. A partir de esta primera película, titulada Opération béton, Godard prestó especial atención al sonido, tratando de registrarlo fielmente. Después la vendió a la Compagnie de la Grande-Dixence. El 21 de abril de 1954, a la edad de 45 años, su madre muere en un accidente de moto. Tras vender su documental, Godard se traslada a Ginebra y realiza un segundo cortometraje, Une femme coquette, rodado en noviembre de 1955 en Île Rousseau.

Regresa a París en enero de 1956 y se reincorpora a la banda de la Gazette du Cinéma. Gracias a Claude Chabrol, se convirtió en jefe de prensa de Fox, donde trabajó irregularmente durante dos años. También regresó a Cahiers du cinéma. Para su regreso, eligió publicar un texto sobre un cineasta ajeno al panteón clásico defendido por los otros jóvenes turcos, Frank Tashlin. Gracias a François Truffaut, también se incorporó al semanario Arts en febrero de 1958. Al mismo tiempo, trabaja como montador para el productor Pierre Braunberger bajo la dirección de Myriam Borsoutsky.

En junio de 1957, rueda su primer cortometraje profesional, Tous les garçons s’appellent Patrick ou Charlotte et Véronique. Escrita con Éric Rohmer y producida por Pierre Braunberger, la película cuenta la historia de dos jóvenes coquetas e ingenuas que son seducidas por el mismo hombre en los Jardines de Luxemburgo. La película es ligera y trepidante. Se proyectó en los cines en la primavera de 1958 como acompañamiento de Un témoin dans la ville, de Édouard Molinaro.

En febrero de 1958, la región de Île-de-France fue inundada por lluvias torrenciales. Tras una discusión con Godard y Pierre Braunberger, François Truffaut se propuso filmar la historia de una joven que vivía en los suburbios y quería viajar a París durante las inundaciones. La película se titula Une histoire d’eau. Truffaut no quedó satisfecho con los rushes y abandonó el proyecto, pero Godard escribió un texto que leyó en voz en off con Anne Colette y editó la película. La película se estrenó finalmente en marzo de 1961 como primera parte de Lola, de Jacques Demy.

Godard rodó entonces Charlotte et son jules con Jean-Paul Belmondo y Anne Colette. La película, inspirada en Bel Indifférent de Jean Cocteau, es un largo monólogo de un chico ante su novia, que simplemente ha vuelto a verle para decirle que le deja y para recoger su cepillo de dientes. Belmondo estuvo ausente para la postsincronización, y al final fue el propio Godard quien dobló a su personaje. La película también se emitió al mismo tiempo que Lola, en marzo de 1961.

En una entrevista concedida a Marguerite Duras en 1987, Jean-Luc Godard declaró que la primera película que quiso hacer se inspiraba en la literatura, con Le Mythe de Sisyphe (El mito de Sísifo) de Albert Camus, que propuso a los productores que adaptaran al cine. El Diario del seductor, de Søren Kierkegaard, también era una novela que le habría gustado llevar al cine.

Sin aliento

Tras el éxito de Cuatrocientos golpes, de François Truffaut, en el Festival de Cannes de 1959, Godard comprendió que no debía perder la ola y se lanzó a rodar su primer largometraje. Retomó una idea del guión de Truffaut basada en una noticia y se puso en contacto con el productor Georges de Beauregard para financiar su película. Sin aliento cuenta la historia de Michel Poiccard, un joven que roba un coche en Marsella para ir a encontrarse con una americana en París. Por el camino, es perseguido por dos policías y acaba matando a uno de ellos. Finalmente encuentra a la americana en París. Siguiendo la tradición del cine negro americano, la película se inspira en una historia real. La película se rodó en agosto y septiembre de 1959 con Jean-Paul Belmondo y Jean Seberg en los papeles principales. Aunque el rodaje fue relativamente corto, el material era demasiado abundante y Godard se vio obligado a cortar en su película, pero en lugar de recortar planos enteros, como era la tradición, cortó dentro de los planos. Al hacerlo, siguió el consejo de su amigo Jean-Pierre Melville, que le había dicho que, habiendo hecho una película imposible, ahora debía llevarla hasta el final y terminarla como tal. Así creó discontinuidades en su película que le dieron un ritmo particular. Estrenada en marzo de 1960, la película fue un gran éxito de público (2,2 millones de espectadores en Francia). También fue un éxito de crítica, y Godard recibió el apoyo de críticos como imp

Los años de Karina (1959-1967)

En cuanto se estrenó À bout de souffle, Godard comenzó a rodar Le Petit Soldat. Al hacerlo, fue a contracorriente de quienes acusaban al cine joven de hablar sólo de problemas para echar un polvo y no tratar temas de mayor actualidad, como la guerra de Argelia y la censura. La película está ambientada en Ginebra el 13 de mayo de 1958, día en que el general Massu tomó el poder en Argel. La película cuenta la historia de un desertor del ejército francés que trabaja para un grupo terrorista de extrema derecha en Ginebra. Quiere renunciar, pero es tomado como rehén por el FLN y consigue escapar, mientras que su novia es tomada como rehén por los terroristas de extrema derecha. Políticamente, la película es ambigua y las torturas son obra tanto de la extrema derecha como del FLN. La película fue censurada por el Ministro de Información, Louis Terrenoire, que justificó su decisión diciendo: «En un momento en que todos los jóvenes franceses están llamados a servir y luchar en Argelia, parece difícil aceptar que el comportamiento contrario sea expuesto, ilustrado y, en última instancia, justificado». La película se estrenó en 1963, tras el final de la guerra de Argelia.

En el rodaje de la película, sedujo a la actriz Anna Karina. Tras verla en un anuncio en el verano de 1959, le ofreció un papel en Breathless, que ella rechazó porque no quería desnudarse. Después le ofreció el papel principal en Le Petit Soldat. Anna Karina se convirtió en la musa de Jean-Luc Godard, con quien rodó siete películas en los años sesenta (El pequeño soldado, Una mujer es una mujer, Vivir su vida, Bande à part, Alphaville, Pierrot le Fou y Made in USA). Se casó con ella el 3 de marzo de 1961 en Begnins (Suiza), y después en la iglesia protestante de la avenida Marceau de París. Sin embargo, su matrimonio no funcionó y Jean-Luc Godard y Anna Karina se divorciaron oficialmente el 21 de diciembre de 1964.

A finales de 1960, Godard rueda su tercer largometraje, Une femme est une femme, con Jean-Paul Belmondo, Jean-Claude Brialy y Anna Karina. La película cuenta la historia de Angela (Anna Karina), que desea tener un hijo en 24 horas. Ante la negativa de su pareja, Émile (Jean-Claude Brialy), amenaza con tener un hijo con Alfred (Jean-Paul Belmondo). Al igual que sus predecesoras, la película dividió a la crítica y polarizó la atención de los periódicos. Obtuvo el Premio Especial del Jurado en el Festival de Berlín de junio de 1961, y Anna Karina fue galardonada con el premio a la mejor actriz. Sin embargo, el éxito de público no estuvo a la altura de las expectativas de la productora (550.000 espectadores en Francia).

En Vivre sa vie (1962), Godard retrata a una mujer que se dedica a la prostitución. La película se proyectó en el Festival de Venecia en agosto de 1962 y obtuvo el Premio Especial del Jurado y el Premio de la Crítica. Se estrenó en París el 20 de septiembre y atrajo a 148.000 espectadores en su primera proyección parisina, lo que pareció un éxito para el presupuesto de la película, y la acogida de la crítica fue unánime, con la excepción de Positif, Cinéma 62 y Le Figaro.

Ese mismo año, Godard aparece con Anna Karina en Cléo de 5 à 7, una película de Agnès Varda que incluye en una escena un cortometraje burlesco en blanco y negro en homenaje al cine mudo titulado Les fiancés du pont MacDonald.

También en 1962, adaptó Los carabineros, del dramaturgo italiano Beniamino Joppolo. La película es una descripción de la guerra y sus excesos a través de la historia de dos campesinos, Ulises y Miguel Ángel, que parten a la guerra y descubren para su deleite que todo les está permitido. A su regreso, les resulta imposible volver a la vida normal y, cuando oyen a lo lejos el ruido de los cañones, vuelven a la guerra y son fusilados. Para esta película, Godard eligió deliberadamente actores desconocidos y una calidad de imagen casi amateur. Quería mostrar la guerra tal como fue, sin glorificarla y sin heroísmo. La película, estrenada en París en marzo de 1963, fue un fracaso comercial (20.000 espectadores exclusivamente en París) y la reacción de la prensa también fue muy negativa.

A diferencia de su predecesora, Le Mépris (1963) fue una película de gran presupuesto protagonizada por una de las actrices más famosas de la época, Brigitte Bardot. La película es una adaptación de la novela homónima del novelista italiano Alberto Moravia. Cuenta la historia de Paul Javal (Michel Piccoli), un dramaturgo casado con Camille (Brigitte Bardot), que acude a Cinecitta para negociar un contrato con el productor Jeremy Prokosch para reelaborar el guión de una película sobre la Odisea, dirigida por Fritz Lang, que interpreta él mismo. Godard volvía a estar en boca del público (1,5 millones de entradas vendidas). En su momento, Le Mépris no suscitó el entusiasmo de la crítica, pero la película acabó convirtiéndose en uno de los grandes clásicos de Godard. No obstante, la película fue elogiada por críticos famosos como Jean-Louis Bory (Arts) y Jean Collet (Télérama), y sobre todo por el escritor Louis Aragon en Les Lettres françaises.

En la primavera de 1964, rodó Bande à part. La película, basada en una novela negra titulada Pigeon vole, cuenta la historia de dos amigos, Franz y Arthur, que manipulan a una joven, Odile Monod (Anna Karina), para que robe dinero a su tutor. Han quedado famosas las escenas en que Odile, Franz y Arthur corren por la gran galería del Louvre para batir un récord de velocidad y aquella en que los tres personajes bailan la madison en un café.

Une femme mariée muestra la vida de una mujer parisina dividida entre su amante y su marido hasta que se queda embarazada. Godard muestra fríamente momentos de la vida de esta mujer «filmando a los sujetos como objetos». La película se rodó en cuatro meses, entre mayo, cuando Godard propuso un primer borrador a su productor, y el Festival de Venecia, en septiembre. A finales de septiembre, la película fue prohibida por la comisión de control cinematográfico, que consideró que el título inicial, La Femme mariée (La mujer casada), era ofensivo para todas las mujeres y que la representación de la sexualidad era demasiado sugerente. Esta prohibición provocó un escándalo en la prensa. Al final, Godard aceptó cambiar el título y editar algunas escenas para que su película pudiera proyectarse.

En enero de 1965, Godard rodó Alphaville, una extraña aventura de Lemmy Caution, una película de ciencia ficción que presenta la particularidad de haber sido rodada en París, en decorados reales y no en estudio. Este sesgo estético obedece a la idea de que el futuro ya está aquí y que, en 1965, París y sus habitantes ya se han convertido en máquinas. La particular atmósfera de la película se debe en gran parte a la elección de rodar de noche y sin iluminación, utilizando una película muy sensible, que da un blanco y negro de alto contraste y una impresión crepuscular. La película obtuvo el Oso de Oro en el Festival de Berlín de junio de 1965.

Después de Alphaville, Godard rodó Pierrot le Fou. La película es una road movie por Francia. Ferdinand (Jean-Paul Belmondo) y Marianne (Anna Karina) huyen de París, y de la sociedad que les aburre, hacia el sur de Francia. La intriga criminal que constituye la espina dorsal de la película está tratada con desenfado. La película se proyectó en el Festival de Venecia de 1965 y provocó reacciones controvertidas, pero Godard recibió un gran apoyo, incluido un artículo de Louis Aragon en Les Lettres françaises titulado «Qu’est-ce que l’art, Jean-Luc Godard? Aragon apreciaba el arte del collage de Godard y veía su obra como una continuación del cubismo. Por el contrario, el crítico Bernard Dort atacó duramente a Godard en Les Temps modernes, considerándolo un reaccionario nostálgico. La película vendió 1,3 millones de entradas.

Pierrot le Fou fue una especie de culminación en la obra de Godard, que ahora tenía que empezar otra cosa. A finales de 1965, rodó Masculin féminin, una película adaptada de dos cuentos de Guy de Maupassant, Le Signe y La Femme de Paul, protagonizada por Jean-Pierre Léaud, Chantal Goya y Marlène Jobert. La película es una investigación sociológica de la juventud en los años sesenta. El personaje de Jean-Pierre Léaud, Paul Doinel, se parece al Antoine Doinel de François Truffaut. Como él, es socialmente inadaptado y está infelizmente enamorado.

Durante la década de 1960, la orientación política de Godard cambió hacia la izquierda. La censura de Une femme mariée (1964) fue un momento importante en su evolución política. Cuando, en 1966, el Ministro de Información prohibió Suzanne Simonin, de Jacques Rivette, La Religieuse de Diderot, Godard atacó públicamente a André Malraux publicando un texto en Le Nouvel Observateur titulado «Lettre ouverte à André Malraux, ministre de la Kultur» («Carta abierta a André Malraux, Ministro de Cultura»). Finalmente, Malraux autorizó la proyección de La Religieuse en el Festival de Cannes de ese mismo año.

Durante el verano de 1966, rodó dos películas en rápida sucesión. Made in USA se hizo a toda prisa a petición del productor Pierre Braunberger, que necesitaba un nuevo proyecto para su productora. La película muestra la vida de una reportera, Paula Nelson, que investiga la muerte de su amigo Richard Politzer, pero la mayoría de los comentaristas señalaron la incoherencia de la historia. Godard rodó Deux ou trois choses que je sais d’elle en agosto de 1966. La película narra un día en la vida de una joven, Juliette Janson (Marina Vlady), que vive en una urbanización y se prostituye ocasionalmente para comprar vestidos o ir a la peluquería. El enfoque de Godard se inspiraba abiertamente en el estructuralismo, y pretendía realizar un «estudio sociológico» de la sociedad francesa.

Los años de Mao (1967-1973)

Jean-Luc Godard conoció a Anne Wiazemsky, nieta de François Mauriac, en el rodaje de Au hasard Balthazar, de Robert Bresson, en agosto de 1965. Tras rechazar sus proposiciones, ella le escribió una carta de amor en junio de 1966. Anne Wiazemsky acababa de aprobar el bachillerato e ingresaba en la Universidad de Nanterre, y fue a través de ella como Godard descubrió el ambiente estudiantil que utilizó como telón de fondo para La Chinoise. Se casó con Anne Wiazemsky el 21 de julio de 1967. La pareja se separó en octubre de 1970.

En 1967, Godard rodó La Chinoise y Week-end. La primera cuenta la historia de un grupo de jóvenes maoístas en el momento mismo en que este movimiento surgía en Francia. La película se proyectó en el Festival de Aviñón, en agosto de 1967, en el patio del Palacio de los Papas, luego en el Festival de Venecia, en septiembre, y se estrenó al mismo tiempo en París. Godard estaba entonces en la cima de su fama y la película era muy esperada pero no muy bien recibida. Los críticos de cine fueron bastante positivos, pero los activistas maoístas se mostraron muy vehementes contra la película: la consideraban una provocación y estaban indignados por el hecho de que los maoístas fueran retratados como jóvenes burgueses jugando a la revolución.

En Weekend, Godard muestra a una pareja que se va de fin de semana a casa de su suegra con la esperanza de recuperar su herencia. El fin de semana degenera rápidamente en una situación apocalíptica, con los personajes desprovistos de toda humanidad. El propio Godard anticipó que su película no sería bien recibida por el público, describiéndola como «desagradable, cruda y caricaturesca». Después de esta película, Godard planeó dejar de hacer cine, al menos como lo había hecho desde principios de los años sesenta, y aconsejó a sus principales colaboradores, Raoul Coutard, Suzanne Schiffman y Agnès Guillemot, que trabajaran con otros cineastas.

1968 fue un año crucial en la carrera de Godard, que se alejó del cine clásico que había practicado hasta entonces, se implicó en las diversas luchas políticas de la época (el asunto Langlois, la guerra de Vietnam y, a su manera, Mayo del 68) y buscó nuevas formas de hacer cine a través del didactismo de Gai Savoir y los film-tracts de Mayo del 68.

En enero, rodó Le Gai Savoir para la televisión francesa con Jean-Pierre Léaud y Juliet Berto. En su didactismo, la película era una prolongación de La Chinoise. Editada en agosto de ese año tras los sucesos de 1968, fue rechazada por la ORTF y prohibida en el cine por la comisión de control.

En febrero de 1968, el Ministro de Cultura, André Malraux, se dispone a elegir un nuevo director artístico para la Cinemateca Francesa en sustitución de Henri Langlois. Al igual que sus compañeros de la Nouvelle Vague, Godard había descubierto la cinefilia en la Cinémathèque gracias a Langlois y no podía soportar la idea de que el gobierno quisiera sustituirle. Junto con otros cineastas y cinéfilos, participa en las manifestaciones del 12 de febrero en la rue d’Ulm y del 14 de febrero en el Palais de Chaillot, y crea el Comité de defensa de la Cinémathèque française. Finalmente, Langlois fue readmitido el 22 de abril de 1968.

Junto con otros cineastas como Philippe Garrel y Chris Marker, participa en los acontecimientos de Mayo del 68, siguiendo y filmando las manifestaciones, participando en los Estados Generales del Cine Francés en la École Technique de Photographie et de Cinéma de la rue de Vaugirard y en el IDHEC, y exigiendo, junto con François Truffaut, Alain Resnais, Claude Lelouch, Louis Malle y otros, la suspensión del festival de Cannes en «solidaridad con los estudiantes». Con Chris Marker, participó en la producción de cinétracts, cortometrajes de 3 minutos que mezclaban eslóganes revolucionarios con imágenes de manifestaciones o imágenes publicitarias secuestradas. Pero Mayo del 68 fue también un momento de decepción para Godard, que se separó del movimiento de cineastas y no participó en la creación de la Société des réalisateurs de films. Por último, también fue el momento en que Godard cuestionó su notoriedad y quiso volver a ser anónimo. También cuestionó la noción de autor que había defendido cuando era crítico en Cahiers du cinéma.

Después de Mayo del 68, fue a Londres para filmar a los Rolling Stones grabando Sympathy for the Devil. En su película, titulada inicialmente One + One, Godard yuxtapone ensayos filmados de los Rolling Stones y escenas sin relación aparente con las grabaciones, en las que aparecen, entre otros, los Panteras Negras. La película muestra a los Stones trabajando, deconstruyendo el mito del genio creativo. En julio, Godard rodó en Francia Un film comme les autres, en la que reunió a estudiantes de Nanterre y trabajadores de la fábrica Renault de Flins para hablar de las lecciones de Mayo del 68. La película es deliberadamente antiespectacular y rara vez se proyecta.

En otoño de 1968, Richard Leacock y Don Alan Pennebaker pidieron a Godard que fuera a Estados Unidos para rodar una película sobre el estado de América. Tras casi un mes de rodaje por toda América, Godard abandonó el proyecto. Le decepcionaron mucho los rushes y no le gustó el estilo de rodaje de Pennebaker. Finalmente, Pennebaker y Leacock utilizaron los rushes para hacer una película titulada One Parallel Movie. A continuación, trabajó con Jean-Henri Roger, un estudiante maoísta de 20 años, en British Sounds (1969), una película sobre el estado de Gran Bretaña para el canal de televisión británico LWT. Después se fueron a Praga para rodar Pravda, una película sobre Checoslovaquia un año después de la Primavera de Praga.

En el verano de 1969, Godard se propuso rodar en Roma un «western de extrema izquierda» con Marc’O y Daniel Cohn-Bendit, a quienes conocía a través de Anne Wiazemsky desde 1967. Al principio, se trataba de un proyecto utópico en el que todos los participantes cobrarían a partes iguales y, sobre todo, en el que el guión y el plan de trabajo se elaborarían colectivamente en reuniones generales. El equipo pronto se dividió, y los amigos anarquistas de Cohn-Bendit fueron incapaces de llevarse bien con los amigos maoístas de Godard. Algunos, como Marc’O, abandonaron el proyecto. Godard recurrió a su amigo Jean-Pierre Gorin para que le ayudara a encarrilar la película. Tras el rodaje, Godard y Gorin trabajaron solos durante cuatro meses en el montaje de la película. Al final, Vent d’est fue el nacimiento del grupo Dziga Vertov, un seudónimo colectivo formado esencialmente por Godard y Gorin en referencia al director soviético Dziga Vertov. Godard y Gorin pretendían hacer «cine político». Con este grupo, Godard también pretendía olvidar su estatus de «autor». Hicieron Luchas en Italia para la RAI, inspirada principalmente en los escritos de Louis Althusser, y luego se fueron a Palestina con Armand Marco y Elias Sanbar para hacer Hasta la victoria. La película quedó inacabada, pero las imágenes y sonidos grabados se reutilizaron más tarde en Ici et ailleurs (1974). Tras el fracaso de la película palestina, el grupo

De 1968 a 1973, Godard y Gorin rodaron juntos películas con un mensaje especialmente maoísta. Por iniciativa del productor Jean-Pierre Rassam, volvieron a una forma más clásica de cine con Tout va bien, trabajando de nuevo con actores conocidos (Yves Montand y Jane Fonda). La película, estrenada en abril de 1972, costó 2,5 millones de francos y sólo atrajo a 78.000 espectadores en París.

El 9 de junio de 1971, mientras preparaba Tout va bien, Jean-Luc Godard sufre un grave accidente de moto en el que se fractura la pelvis y permanece en coma durante una semana. Fue sometido a numerosas operaciones y pasó más de seis meses en el hospital, con hospitalizaciones regulares durante tres años. Durante este periodo conoció a Anne-Marie Miéville, a la que había conocido unos meses antes en Lausana. Al salir del hospital, en noviembre de 1971, se instala con ella y le pide que trabaje con él en Tout va bien como fotógrafa de plató.

Después de Tout va bien, Jean-Pierre Gorin intentó realizar su propia película L’Ailleurs immédiat, pero se encontró con numerosas dificultades y no se sintió apoyado por Godard, lo que marcó el fin de su colaboración. Gorin abandonó Francia a principios de 1973 para vivir en México y luego en California. Unos meses más tarde, François Truffaut rompe definitivamente con Godard. Con motivo del estreno de La Nuit américaine, Godard escribió una carta a Truffaut en la que criticaba duramente la película y le pedía dinero para financiar su próxima película. Truffaut respondió violentamente, acusándole de no prestar atención a los demás, de «querer a la gente sólo en teoría» y de comportarse como una diva.

Los años del vídeo (1973-1979)

A principios de 1973, tras la disolución del grupo Dziga Vertov, Godard planeó realizar una película en forma de confesión autobiográfica titulada Moi Je. Por primera vez, planeó abandonar el cine tradicional y realizar su película íntegramente en vídeo, invirtiendo todo el dinero que había obtenido del CNC por la película en equipos de vídeo para poder ser completamente autónomo. Fue entonces cuando conoció a Jean-Pierre Beauviala, ingeniero de Grenoble, inventor de la Paluche, una cámara ultraligera, y director de la empresa Aäton, que le invitó a instalarse en Grenoble a finales de 1973. Godard abandona bruscamente París con Anne-Marie Miéville y reconstituye su estudio de vídeo en Grenoble, donde crea una nueva productora llamada Sonimage. Trajo a Grenoble a Gérard Teissèdre, especialista en vídeo, fotografía y control automático, para crear y desarrollar el estudio de vídeo.

Anne-Marie Miéville y Jean-Luc Godard utilizaron el material rodado en Palestina para Jusqu’à la victoire en 1970 y lo analizaron críticamente para componer una nueva película: Ici et ailleurs (1974). Godard y Miéville descubrieron que algunos combatientes palestinos tenían miedo del ejército israelí y no confiaban en sus líderes. La película se estrenó el 15 de septiembre de 1976 con relativa indiferencia, pero provocó un escándalo posteriormente debido al radical sesgo propalestino de la película y al montaje entre una foto de Golda Meir, primera ministra de Israel de 1969 a 1974, y una foto de Adolf Hitler.

El productor Georges de Beauregard pidió entonces a Godard que hiciera una nueva versión de Sin aliento. Godard rechazó el encargo y realizó una película titulada Numéro deux, en la que mostraba la vida cotidiana de tres generaciones: una joven pareja, sus dos hijos y sus padres en Grenoble. La película, estrenada en París en septiembre de 1974, fue un fracaso comercial, pero volvió a dividir a la crítica, como ya había ocurrido con Pierrot le Fou. La particularidad técnica de esta película es que se rodó en vídeo y luego se transfirió a película de plata.

En junio de 1976, el Institut National de l’Audiovisuel le encargó una serie de seis películas de una hora cada dos para la cadena de televisión francesa FR3, que se producirían en el brevísimo plazo de dos meses. Godard llevaba mucho tiempo pensando en hacer televisión y estaba encantado de tener por fin la oportunidad. La serie, titulada Six fois deux

En 1976, harto de su vida en Grenoble, hace vaciar los locales de Sonimage sin informar al personal existente. Sonimage fue condenado posteriormente por estos hechos. En la primavera de 1977, Godard se traslada con su compañera Anne-Marie Miéville a Rolle, en Suiza, cerca de la ciudad de Nyon donde había pasado su infancia. Con motivo del centenario de la publicación de Le Tour de la France par deux enfants, la cadena de televisión francesa Antenne 2 quiso hacer una adaptación televisiva de la historia en forma de una serie de doce episodios de 26 minutos, y acabó encargándosela a Godard. Como de costumbre, Godard dio la vuelta al encargo original y produjo una serie titulada France tour détour deux enfants, en la que filmaba la vida cotidiana de dos niños en la Francia contemporánea. Antenne 2 perdió interés en la serie y no la emitió hasta abril de 1980.

La vuelta al cine (1980-1988)

Tras los años del vídeo, Jean-Luc Godard intentó volver al circuito del cine clásico. En mayo de 1979, se puso en contacto con Jean-Paul Belmondo, que había comprado los derechos para adaptar la biografía Jacques Mesrine, pero Belmondo desconfió de Godard y se negó a volver a trabajar con él, temiendo que su película fuera demasiado experimental. Godard se planteó entonces hacer una película en Estados Unidos con Francis Ford Coppola. Con el guionista Jean-Claude Carrière, escribió un guión titulado La historia, basado en el libro del escritor Henry Sergg sobre el mafioso Bugsy Siegel. El proyecto se estancó y Godard acabó abandonándolo, sobre todo después de que Diane Keaton se negara a protagonizar la película.

Finalmente, Godard regresó al cine con Sauve qui peut (la vie) (1980). La película inauguró un nuevo periodo en su obra, con siete largometrajes en siete años. Retrata a tres personajes en cuatro episodios distintos. Godard, que desconfiaba de los guiones escritos, innovó enviando una cinta de vídeo al comité de ingresos anticipados del CNC. La película fue bien recibida por el público (620.000 entradas), pero volvió a dividir a la crítica. En la revista Cinéma 80, Gérard Courant consideró Sauve qui peut (la vie) como «una película brillante de un genio del cine».

La siguiente película, Pasión (1982), nació del deseo de rodar con la musa de Rainer Werner Fassbinder, Hanna Schygulla. La película muestra el rodaje de una película en la que el director intenta reproducir cuadros famosos, el hotel donde se aloja el equipo de rodaje con la jefa (Hanna Schygulla) y su marido (Michel Piccoli), director de una fábrica, e Isabelle (Isabelle Huppert), una joven trabajadora en huelga en la fábrica del marido. Aunque la película fue bien recibida por la crítica, el número de espectadores fue considerablemente inferior al de la película anterior (207.000).

Godard rodó entonces Prénom Carmen, una adaptación de Carmen trasladada al mundo contemporáneo, en la que sustituyó la música de Georges Bizet por cuartetos de cuerda de Beethoven. En un principio, la película iba a rodarse con Isabelle Adjani, pero ésta abandonó el rodaje a los pocos días porque no soportaba la forma en que Godard la filmaba. La sustituyó Maruschka Detmers. Prénom Carmen fue también la primera película en la que Godard se dio a sí mismo un papel importante desde Vladimir y Rosa, y por tanto la primera vez que el gran público descubrió su interpretación en pantalla. La película ganó el León de Oro en el Festival de Venecia de 1983 y fue un éxito de público (395.000 espectadores).

En el rodaje de Passion, Godard conoció a Myriem Roussel, una joven actriz con la que se hizo muy amigo y con la que planeó varios proyectos cinematográficos, entre ellos Dora et Freud, una película sobre la relación entre Sigmund Freud y su primera paciente, y L’Homme de ma vie, una película sobre el incesto. Godard le dio un papel importante en Prénom Carmen, pero fue con Je vous salue, Marie (1985) cuando su colaboración llegó a buen puerto. Retoma la historia de María, basándose en el libro de Françoise Dolto y Gérard Sévérin L’Évangile au risque de la psychanalyse, y la traslada al mundo contemporáneo. Al mismo tiempo, Anne-Marie Miéville realizó su propia película sobre el mismo tema, titulada Le Livre de Marie, que se presentó como prefacio a la película de Godard. La película de Godard provocó un gran escándalo y despertó la indignación de los católicos, inicialmente en Francia, pero también en América Latina. Una vez más, la película obtuvo 350.000 espectadores en Francia.

Para terminar Je vous salue, Marie, cuyo rodaje duró más de lo previsto, Godard se comprometió a realizar Détective, que se presentó como un thriller godardiano. Para esta película, realizada por iniciativa del productor Alain Sarde, Godard reunió a Johnny Hallyday, Nathalie Baye, Claude Brasseur, Jean-Pierre Léaud, Alain Cuny y Laurent Terzieff. La película, rodada en septiembre de 1984, se presentó en el Festival de Cannes de 1985. La película recibió una tibia acogida por parte de la prensa, pero volvió a ser un éxito de taquilla (380.000 entradas vendidas en Francia).

En febrero de 1986, rueda para televisión Grandeur et décadence d’un petit commerce de cinéma, con Jean-Pierre Mocky en el papel de productor y Jean-Pierre Léaud en el de director. A continuación rodó Soigne ta droite, una comedia bufa protagonizada por Jacques Villeret, Dominique Lavanant, Michel Galabru y Les Rita Mitsouko, en la que se interpreta a sí mismo en el papel bufo de un cineasta idiota. La película, estrenada en diciembre de 1987, sólo atrajo a 130.000 espectadores en Francia. En 1985, firmó un contrato con el productor Menahem Golan para dirigir en Estados Unidos una adaptación de El rey Lear, de William Shakespeare. Sin embargo, el proyecto resultó difícil de llevar a buen puerto. Godard pidió un guión al escritor estadounidense Norman Mailer y luego lo rechazó. Finalmente rodó la película en febrero de 1987 a orillas del lago Lemán con Peter Sellars, Burgess Meredith, Molly Ringwald, Julie Delpy y Leos Carax, y la presentó en el Festival de Cannes de ese mismo año. El productor se escandalizó por el trabajo de Godard y, en particular, por el hecho de que Godard hubiera utilizado sus conversaciones privadas en la película. La película no se exhibió en Francia y sólo se proyectó durante cinco días en Estados Unidos. Distribuida en Francia en 2002, sólo vendió 9.000 entradas.

Historia(s) del cine (1988-2000)

De 1988 a 1998, realizó Histoire(s) du cinéma, un vasto fresco filosófico y estético compuesto de collages y citas al estilo del Musée imaginaire de André Malraux. A partir de esta serie de ocho programas, publicó con Gallimard una versión ilustrada con fotogramas. El proyecto finalizó en 1998. En sus Histoire(s) du cinéma, Godard utiliza el cine como medio de pensamiento. En una entrevista que concedió a Les Inrockuptibles en 1998, explicaba: «He hecho una ecografía de la Historia a través del cine. En virtud de su materia, que es a la vez tiempo, proyección y memoria, el cine puede hacer una ecografía de la Historia haciendo su propia ecografía. Y dar una idea vaga del tiempo y de la Historia del tiempo. Porque el cine es el paso del tiempo. Si utilizáramos los medios del cine -que es para lo que se hizo- obtendríamos una cierta manera de pensar que nos permitiría ver las cosas. Este ensayo cinematográfico plantea complejas cuestiones de derechos de autor. Godard utiliza extractos de películas para insertarlos en sus Histoire(s) du cinéma, pero en el cine no existe un derecho de cita como en la literatura, lo que dificulta la difusión de la película.

Paralelamente a su trabajo en Histoire(s) du cinéma, Godard siguió haciendo películas. Dirige Nouvelle Vague (1990) con Alain Delon. La película cuenta la historia de un hombre que es abandonado por su mujer mientras se ahoga, luego la encuentra, la seduce y la salva de morir ahogada antes de que ella le reconozca. La película se presentó en el Festival de Cannes en mayo de 1990. Tuvo un éxito de taquilla moderado (140.000 entradas vendidas en Francia). A continuación realizó Allemagne 90 neuf zéro con su antiguo ayudante Romain Goupil. También realizó cortometrajes como L’Enfance de l’art para Unicef, Pour Thomas Wainggai para Amnistía Internacional y (Parisienne People)s, un anuncio realizado con Anne-Marie Miéville para la marca de cigarrillos Parisienne, al que siguió una película más ambiciosa, Les Enfants jouent à la Russie (en).

Realizó Hélas pour moi (1993) con el actor Gérard Depardieu. La película no tuvo mucho éxito (80.000 entradas vendidas en Francia). A continuación realizó un autorretrato para Gaumont titulado JLG

En 1996, dirigió For Ever Mozart. La película vendió 56.000 entradas en toda la Unión Europea. El propio Godard juzgó la película con bastante dureza: consideraba que los actores no eran lo bastante buenos y que la película seguía siendo demasiado teórica.

Anne-Marie Miéville le eligió para Nous sommes tous encore ici (1996), en sustitución de otro actor que se retiró en el último momento, y le volvió a elegir para Après la réconciliation (1999).

2000s

El proyecto Éloge de l’amour nació en 1996, pero el periodo de gestación de la película fue especialmente largo y Godard reescribió el guión al menos cuatro veces. El rodaje también se prolongó durante 1999, y el montaje duró otros quince meses. Estrenada en 2001, la película fue recibida con relativa frialdad por la crítica y tuvo un éxito de público marginal (75.000 espectadores en Francia).

Godard dirigió entonces Notre musique. Estrenada en 2004, la película fue mal recibida por el público (28.000 espectadores en Francia).

En 2006, Dominique Païni dio carta blanca a Jean-Luc Godard para organizar una exposición en el Centro Georges-Pompidou titulada inicialmente Collage(s) de France. Arqueología del cine. Propuso un proyecto inviable económicamente, y la exposición se presentó al público inacabada bajo el título Voyage(s) en utopie. En busca de un teorema perdido. JLG 1945-2005.

Esta experiencia de una exposición imposible fue el punto de partida de la película de Alain Fleischer sobre Jean-Luc Godard, Morceaux de conversations avec Jean-Luc Godard. La película muestra a Godard trabajando en Rolle, encuentros con estudiantes de Fresnoy y conversaciones con Jean-Marie Straub, Danièle Huillet, Nicole Brenez, Dominique Païni, Jean-Michel Frodon, Jean Douchet, Jean Narboni y André S. Labarthe.

En 2008, dirigió un tráiler para el Festival de Cine de Viena titulado Une catastrophe. En 2010, tras la muerte de Éric Rohmer, Godard realizó una película homenaje de 3 minutos y 26 segundos. La película utiliza los títulos de los artículos de Rohmer de los años 50, mientras Godard rememora recuerdos compartidos en voz en off.

Año 2010

En 2010, Godard dirigió Film Socialisme. La película fue seleccionada para el Festival de Cannes de 2010 en la sección «Un certain regard». Antes de la proyección de su película, colgó en internet versiones condensadas de la misma, mostrando todas las imágenes de la película de forma acelerada. La película, compuesta por una serie de bocetos pegados, ha sido vista por 38.000 personas en todos los países de la Unión Europea.

En noviembre de 2010, Jean-Luc Godard recibió un Óscar honorífico a toda su carrera. Al recibir el premio en noviembre de 2010, el guionista Phil Alden Robinson declaró: «Godard cambió la forma de escribir, dirigir, rodar y editar. No sólo rompió las reglas. Las aplastó en el coche y luego pasó por encima de ellas marcha atrás para asegurarse de que estaban muertas».

La ceremonia de los Óscar reavivó las acusaciones de antisemitismo que se vienen vertiendo contra Godard desde los años setenta. La polémica se reavivó en Estados Unidos el 6 de octubre de 2010, cuando el Jewish Journal of Greater Los Angeles publicó el titular «¿Es Jean-Luc Godard un antisemita? Al mismo tiempo, Alain Fleischer abordó la cuestión en un libro titulado Réponse du muet au parlant (Respuesta del cine mudo al parlante), destacando algunos comentarios inquietantes sobre el tema. Daniel Cohn-Bendit en Le Monde y Antoine de Baecque en la página web Rue89 consideraron que el antisionismo de Godard no podía equipararse al antisemitismo. La acusación de antisemitismo también es rebatida por el escritor Maurice Darmon en un libro titulado La Question juive de Jean-Luc Godard.

Después de Film Socialisme, Jean-Luc Godard experimentó con el cine en 3D. Rodó un cortometraje, Les Trois Désastres, presentado en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes de 2013 como parte de un tríptico conjunto con Peter Greenaway y Edgar Pêra titulado 3x3D, y un largometraje, Adieu au langage, seleccionado a concurso en el Festival de Cannes de 2014. Godard no acudió a Cannes para presentar su película, pero envió una «carta filmada a Gilles Jacob y Thierry Frémaux», un corto de ocho minutos para explicar su gesto. A pesar de su deseo de no recibir ningún galardón, el jurado le concedió su primer premio en Cannes tras ocho selecciones: el Premio del Jurado.

Para el Festival de Cannes de 2018, presentó Le Livre d’image, una película experimental dedicada en gran parte al mundo árabe, citando ampliamente Une ambition dans le désert, de Albert Cossery. El director no viajó a Cannes, sino que celebró la rueda de prensa por videoconferencia. En esta ocasión, recibió una Palma de Oro «especial» por la película. Jean-Michel Frodon la describe como «un gran viaje a través de imágenes, sonidos y acontecimientos (que) construye una reflexión centrada en la historia de Oriente Próximo para reformular las cuestiones en juego en una aspiración revolucionaria para el futuro».

En octubre de 2019, fue portada de Cahiers du Cinéma con un puro humeante en la boca. En esta larga entrevista con Stéphane Delorme y Joachim Lepastier, el cineasta habla de su vida y de su última película, Le Livre d’image.

Desde 2002, el director Fabrice Aragno ha colaborado con Jean-Luc Godard en sus últimas películas, convirtiéndose en su confidente más fiel hasta su muerte.

Jean-Luc Godard falleció el 13 de septiembre de 2022 a la edad de 91 años. El director de cine había recurrido al suicidio asistido por polipatologías debilitantes, una práctica legal y regulada en Suiza. Su cuerpo fue incinerado el 15 de septiembre y sus cenizas fueron entregadas a su viuda.

Valores

Godard suele elegir el título de su próxima película antes de saber cómo será. En una entrevista con Serge Kaganski en 2004, explicó: «El título siempre es lo primero. El único título que se me ocurrió después de la película fue Sin aliento, y no me gustó nada. Para la siguiente, tuve la idea de un título, El soldadito, incluso antes de saber cómo sería la película. Los títulos se han convertido en señales artísticas. El título me dice en qué dirección debo mirar.

Godard y el arte de la cita

Las películas de Godard están llenas de citas, ya sean pictóricas, musicales, literarias, filosóficas, históricas o cinematográficas. En la conferencia de prensa que dio en el Festival de Cannes en 1990 con motivo del estreno de Nouvelle Vague, Godard se definió como «organizador consciente de la película» más que como autor, y explicó su relación con las citas: «Para mí, todas las citas -pictóricas, musicales o literarias- pertenecen a la humanidad. Soy simplemente el tipo que pone un día a Raymond Chandler y a Fedor Dostoievski juntos en un restaurante, con pequeños actores y grandes actores. Eso es todo.

Elementos autobiográficos

Jean-Luc Godard no hace películas autobiográficas. Sin embargo, algunas de sus películas contienen elementos autobiográficos. En À bout de souffle, por ejemplo, la escena en la que Michel Poiccard roba dinero a su amiga Liliane mientras se viste recuerda la costumbre del joven Jean-Luc Godard de robar dinero a sus allegados. En Le Petit Soldat, vemos a una juventud adepta a las provocaciones políticas, los coches de lujo y el flirteo obsesivo, probablemente bastante similar al ambiente que Godard frecuentaba en Ginebra en 1953 y 1954. En Prénom Carmen, el propio Godard interpreta el personaje del tío Jean, un cineasta internado en un hospital psiquiátrico. El propio Godard pasó un tiempo en un hospital psiquiátrico en 1953, internado a petición de su padre para escapar de la cárcel tras un robo.

Construcción de películas

Godard explica: «Tiendo a hacer películas como dos o tres músicos de jazz: te das un tema, tocas y luego todo confluye». En diversos grados y según las épocas, el cineasta rompió con la dimensión narrativa del cine clásico y con la idea de personajes. Sin embargo, sus primeras películas estaban influidas por el cine de serie B, el thriller y el cine negro, que intentaba trascender mediante una relectura crítica de los géneros, en detrimento de una narrativa tradicional. Alphaville, por su parte, revisita la anticipación. Su obra juega con las falsas conexiones y desconecta la imagen y el sonido, que se convierten en dos entidades por derecho propio. Además, Godard mezcla indistintamente ficción, documental, militancia, pintura, sociología, música y videoarte. No hay necesariamente un guión, ni diálogos preestablecidos, sino una serie de collages o un mosaico de fragmentos visuales y notas dispersas, ensamblados según vínculos plásticos y sonoros. En su obra, el sentido que debe darse a las imágenes pertenece al espectador: el significado nace después de la visión y no antes.

Montaje

Para el filósofo Gilles Deleuze, el arte del montaje de Godard se basa en el uso del Y, de lo intermedio, para mostrar la tierra de nadie de las fronteras: «Lo que cuenta con él no son 2 o 3, o cualquier número de ellos, es ET, la conjunción ET. El uso que Godard hace del Y es esencial. Es importante porque nuestro pensamiento está modelado por el verbo ser, EST. El Y no es ni lo uno ni lo otro, está siempre entre los dos, es la frontera El objetivo de Godard: «ver las fronteras», es decir, hacer visible lo imperceptible.

Juegos de mise en abyme en el cine

El cine interviene muy a menudo en sus películas jugando con la mise en abyme. Un ejemplo es Détective, donde vemos una cámara JVC filmando. En un momento dado se vuelve hacia el tío (Terzieff), en realidad se vuelve hacia la cámara que lo está filmando, creando un efecto de mise en abyme similar al de la apertura de Le Mépris.

El cineasta también se refiere a menudo al material de vídeo: el neón AGFA en Détective, el VHS y el videoclub en Hélas pour moi…

La mise en abyme está muy presente a través de las actividades de los personajes que :

A veces aparecen carteles de otras películas. Ejemplos: en Éloge de l’amour, vemos el cartel de Matrix. En Le Mépris y 2 ou 3 choses, vemos el cartel de Vivre sa vie.

Referencias a escenas de películas

Referencias a directores: el cine altamente referencial de Godard está lleno de homenajes a sus coetáneos, y sería tedioso enumerarlos todos. Algunos ejemplos: en Le Petit soldat, Anna Karina interpreta el personaje de Veronika Dreyer en lo que parece ser un homenaje a uno de los directores favoritos de Godard, Dreyer. En Vivre sa vie, se ve sobrecogida por el rostro de Falconetti, la Juana de Arco de Dreyer. Fritz Lang se interpreta a sí mismo en Le Mépris, en lo que es el homenaje de Godard a uno de sus maestros. De forma más general, casi siempre hay un director en abyme en las obras de Godard: en Le Mépris es Lang, en Pierrot le Fou es Fuller, en La Chinoise es él mismo, en Tout va bien es Montand, en Sauve qui peut (la vie) es Dutronc, en Passion es Djerzy, en Prénom Carmen es él, en Soigne ta droite, King Lear y Notre musique también.

Referencias a la pintura

La obra de Godard contiene numerosas referencias a la pintura:

La interacción entre las películas de Godard

La cinematografía de Godard tiene una fuerte dimensión autorreferencial, sus películas se remiten unas a otras:

Jean-Luc Godard se ha manifestado en contra de las corridas de toros, defendió a Roman Polanski cuando fue detenido en 2009 y se opuso a la ley Hadopi.

A partir de la década de 1970, Jean-Luc Godard mostró su apoyo a la causa palestina y sus opiniones antiisraelíes, sobre todo en películas como Ici et ailleurs y Notre musique, que le valieron ser acusado de antisemitismo. Las primeras polémicas surgieron en 1974, cuando superpuso una imagen de Adolf Hitler a la de la Primera Ministra israelí Golda Meïr, criticó la Biblia como «un texto demasiado totalitario» e hizo lo que consideró vínculos ofensivos entre el genocidio de los judíos y el conflicto palestino-israelí. En los años siguientes, hizo otros comentarios polémicos sobre el pueblo judío y los israelíes, en particular comparando a los judíos con los nazis en una película de 1970 sobre el conflicto palestino-israelí: «Los judíos están haciendo a los árabes lo que los nazis hicieron a los judíos». Sin embargo, Jean-Luc Godard también ha declarado que le escandalizaba el antisemitismo de su abuelo materno y que se sentía culpable por la Shoah. Para su biógrafo Antoine de Baecque: «La posición de Godard no es la de un antisemita. Hay en él un antisionismo evidente, nacido en 1967, después de la Guerra de los Seis Días, cuando la imagen de Israel se puso patas arriba. Esta postura propalestina, relativamente corriente en los años 70, ofende hoy nuestra sensibilidad. La cuestión judía es recurrente, pero se trata más bien de una cuestión de antisionismo». En 2009, Alain Fleischer acusó a Jean-Luc Godard de haber hecho comentarios antisemitas lo

Desde Sin aliento, Godard no ha dejado de dividir a la crítica. Algunos le adoran y otros le odian.

Con motivo del estreno de Deux ou trois choses que je sais d’elle, François Truffaut, coproductor de la película, justifica su participación:

«Jean-Luc Godard no es el único que filma como respira, pero respira mejor. Es rápido como Rossellini, travieso como Sacha Guitry, musical como Orson Welles, sencillo como Pagnol, herido como Nicholas Ray, eficaz como Hitchcock, profundo, profundo, profundo como Ingmar Bergman y descarado como nadie».

En el mismo texto, no duda en comparar a Godard con Picasso, como haría más tarde Olivier Assayas:

«El paso de los años nos confirma en la certeza de que Sin aliento habrá marcado un giro decisivo en la historia del cine, como Ciudadano Kane en 1940. Godard ha hecho añicos el sistema, ha desbaratado el cine, como Picasso hizo con la pintura, y como Picasso lo ha hecho todo posible…».

Algunos cineastas condenan parte de la obra de Godard. Costa-Gavras, por ejemplo, dice que no le interesa el llamado periodo comunista, que considera «nada más que películas de izquierdas».

Jean-Luc Godard sigue siendo un cineasta controvertido. Algunos detestan su obra. El novelista estadounidense Philip Roth, por ejemplo, considera insoportable la obra de Godard: «Con la excepción de Sin aliento, de una importancia incuestionable, su obra me parece insoportable».

Jacques Lourcelles, en su Dictionnaire des films, se muestra especialmente crítico con la obra de Godard, que, según sus palabras, «se dedicó a retratar, no sin complacencia, la confusión mental de su generación, proporcionando material de sobra para decenas de películas». También le critica a él y a otros cineastas de la Nouvelle Vague por la arrogancia de sus comentarios: «Nadie antes que ellos se había atrevido a decir tanto bien de sí mismos y tanto mal de los demás», y cita a Godard: «Entre una película nuestra y una película de Verneuil, Delannoy, Duvivier y Carné, hay realmente una diferencia de género».

Woody Allen, que rodó con Godard en 1987 en Rey Lear, ofrece un comentario desconcertado sobre su experiencia: «Interpreta muy bien al intelectual francés, con cierta vaguedad. Cuando llegué al rodaje, llevaba un pijama -por arriba y por abajo-, un albornoz y zapatillas, y fumaba un gran puro. Tuve la extraña sensación de que me dirigía Rufus T. Firefly. Firefly». Firefly es el nombre del personaje interpretado por Groucho Marx en Sopa de pato.

Según algunas fuentes, Yves Montand dijo que Godard era «el más tonto de los suizos prochinos». Christophe Bourseiller menciona que la frase «Godard: le plus con des Suisses prochinois» («Godard: el más tonto de los suizos partidarios») es un grafiti que apareció en los muros de París en mayo del 68 por iniciativa de la Internacional Situacionista.

La Iglesia Católica acusó a Godard de herejía tras el estreno de su película Je vous salue, Marie (1985).

En 1987, su interpretación del Rey Lear de William Shakespeare fue criticada por el Shakespeare Bulletin, que la calificó de «muy mala».

A mediados de la década de 1960, varios jóvenes cineastas recibieron la influencia directa de Godard. Entre ellos estaban Jean Eustache, cuyo mediometraje Le Père Noël a les yeux bleus (1966) fue financiado en parte por Godard, Jean-Michel Barjol, Francis Leroi, Luc Moullet, Romain Goupil y Philippe Garrel. Godard apreciaba especialmente la obra de Garrel y se declaró muy impresionado por las películas que Garrel, entonces veinteañero, realizó en mayo del 68.

Al mismo tiempo, Godard también influyó en una generación de cineastas estadounidenses nacidos en los años 40, como Peter Bogdanovich, Paul Schrader, Monte Hellman, Martin Scorsese, George Lucas, Francis Ford Coppola y Brian De Palma. También está Quentin Tarantino, cuya productora «A Band Apart» debe su nombre a la película de Godard.

Marie Cardinal describe el periodo previo al rodaje de Deux ou trois choses que je sais d’elle en su libro Cet été-là, escrito en 1967. La segunda edición (la única disponible), publicada por Nouvelles Éditions Oswald en 1979, incluye dos apéndices: «Examen du film dans son état actuel» y «Choses à filmer».

Su ex mujer Anne Wiazemsky relata su vida en común con Jean-Luc Godard en dos relatos, Une année studieuse (2012) y Un an après (2015).

En 2016, apareció en el documental de Jean-Baptiste Thoret En Ligne de mire, comment filmer la guerre (Canal+).

En 2017, el director Michel Hazanavicius adaptó el libro de Anne Wiazemsky Un an après en una película titulada Le Redoutable. El papel de Jean-Luc Godard lo interpreta Louis Garrel. El papel de Anne Wiazemsky lo interpreta Stacy Martin.

Taquilla francesa

Ganador habitual de premios, es conocido sobre todo por sus nueve películas en la selección oficial de Cannes, sus seis películas en competición por el León de Oro del Festival de Venecia y sus numerosas participaciones en la Berlinale. Es gracias a la diversidad de sus películas, o a su originalidad, que los seleccionadores suelen fijarse en él.

En 1981, Jean-Luc Godard fue propuesto para la Ordre National du Mérite, que rechazó. Declaró: «No me gusta recibir órdenes, y no tengo ningún mérito».

Ensayos y recopilaciones de artículos

Enlaces externos

Fuentes