Jean-Michel Basquiat
gigatos | febrero 2, 2022
Resumen
Jean-Michel Basquiat (22 de diciembre de 1960 – 12 de agosto de 1988) fue un artista estadounidense que alcanzó el éxito durante la década de 1980 como parte del movimiento neoexpresionista.
Basquiat alcanzó la fama por primera vez como parte del dúo de grafiteros SAMO, junto a Al Diaz, escribiendo enigmáticos epigramas en el hervidero cultural del Lower East Side de Manhattan a finales de la década de 1970, donde el rap, el punk y el arte callejero confluyeron en la primera cultura musical del hip-hop. A principios de la década de 1980, sus cuadros se exponían en galerías y museos de todo el mundo. A los 21 años, Basquiat se convirtió en el artista más joven en participar en la documenta de Kassel. A los 22, fue uno de los más jóvenes en exponer en la Bienal del Whitney de Nueva York. El Museo Whitney de Arte Americano organizó una retrospectiva de su obra en 1992.
El arte de Basquiat se centraba en dicotomías como la riqueza frente a la pobreza, la integración frente a la segregación y la experiencia interior frente a la exterior. Se apropió de la poesía, el dibujo y la pintura, y combinó el texto y la imagen, la abstracción, la figuración y la información histórica con la crítica contemporánea. Utilizó el comentario social en sus cuadros como herramienta de introspección y de identificación con sus experiencias en la comunidad negra de su tiempo, así como de ataque a las estructuras de poder y a los sistemas de racismo. Su poética visual era agudamente política y directa en su crítica al colonialismo y su apoyo a la lucha de clases.
Desde la muerte de Basquiat a los 27 años por una sobredosis de heroína en 1988, su obra no ha dejado de aumentar de valor. En una subasta de Sotheby»s en mayo de 2017, Untitled, una pintura de 1982 de Basquiat que representa una calavera negra con riachuelos rojos y amarillos, se vendió por 110,5 millones de dólares, convirtiéndose en una de las pinturas más caras jamás compradas. También estableció un nuevo récord para un artista estadounidense en una subasta.
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Primeros años de vida: 1960-1977
Basquiat nació el 22 de diciembre de 1960 en Park Slope, Brooklyn, Nueva York, el segundo de los cuatro hijos de Matilde Basquiat (de soltera Andrades, 1934-2008) y Gérard Basquiat (1930-2013). Tenía un hermano mayor, Max, que murió poco antes de nacer, y dos hermanas menores, Lisane (nacida en 1964) y Jeanine (nacida en 1967). Su padre nació en Puerto Príncipe (Haití) y su madre nació en Brooklyn de padres de ascendencia puertorriqueña.
Matilde inculcó el amor por el arte a su hijo pequeño llevándolo a los museos de arte locales e inscribiéndolo como miembro junior del Museo de Arte de Brooklyn. Basquiat era un niño precoz que aprendió a leer y escribir a los cuatro años. Su madre alentaba el talento artístico de su hijo, que a menudo intentaba dibujar sus caricaturas favoritas. En 1967, empezó a asistir al Saint Ann»s School, un colegio privado orientado a las artes. Allí conoció a su amigo Marc Prozzo y juntos crearon un libro infantil, escrito por Basquiat a los siete años e ilustrado por Prozzo.
A los siete años, en 1968, Basquiat fue atropellado por un coche mientras jugaba en la calle. Se rompió el brazo y sufrió varias lesiones internas, que requirieron una esplenectomía. Mientras estaba hospitalizado, su madre le llevó un ejemplar de Anatomía de Gray para mantenerlo ocupado. Tras la separación de sus padres ese año, Basquiat y sus hermanas fueron criados por su padre. Su madre fue internada en un hospital psiquiátrico cuando él tenía diez años y a partir de entonces pasó su vida entrando y saliendo de instituciones. A los once años, Basquiat dominaba el francés, el español y el inglés, y era un ávido lector de los tres idiomas.
La familia de Basquiat residía en el barrio de Boerum Hill, en Brooklyn, y en 1974 se trasladó a Miramar, Puerto Rico. Cuando regresaron a Brooklyn en 1976, Basquiat asistió al instituto Edward R. Murrow. Tuvo que lidiar con la inestabilidad de su madre y se rebeló en su adolescencia. Se escapó de casa a los 15 años cuando su padre le pilló fumando marihuana en su habitación. Dormía en los bancos del parque de Washington Square y tomaba ácido. Al final, su padre lo vio con la cabeza rapada y llamó a la policía para que lo trajera a casa.
En el décimo grado, se matriculó en City-As-School, un instituto alternativo de Manhattan, en el que estudiaban muchos alumnos artísticos a los que les resultaba difícil la escolarización convencional. Faltaba a clase con sus amigos, pero seguía recibiendo el estímulo de sus profesores, y empezó a escribir e ilustrar para el periódico escolar. Desarrolló el personaje SAMO para respaldar una falsa religión. El dicho «SAMO» había empezado como una broma privada entre Basquiat y su compañero de colegio Al Díaz, como abreviatura de la frase «Same old shit». Dibujaron una serie de caricaturas para su periódico escolar antes y después de usar SAMO©.
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Arte callejero: 1978-1980
En mayo de 1978, Basquiat y Díaz comenzaron a pintar grafitis en edificios del Bajo Manhattan. Trabajando bajo el seudónimo de SAMO, inscribieron lemas publicitarios poéticos y satíricos como «SAMO© COMO ALTERNATIVA A DIOS». En junio de 1978, Basquiat fue expulsado del City-As-School por haber hecho un pastel al director. A los 17 años, su padre le echó de casa cuando decidió abandonar la escuela. Trabajó en el almacén de ropa Unique de NoHo mientras seguía creando grafitis por la noche. El 11 de diciembre de 1978, The Village Voice publicó un artículo sobre los grafitis de SAMO.
En 1979, Basquiat apareció en el programa de televisión en directo TV Party, presentado por Glenn O»Brien. Basquiat y O»Brien entablaron una amistad y el artista apareció regularmente en el programa durante los años siguientes. Con el tiempo, empezó a escribir grafitis en los alrededores de la Escuela de Artes Visuales, donde se hizo amigo de los estudiantes John Sex, Kenny Scharf y Keith Haring.
En abril de 1979, Basquiat conoció a Michael Holman en la Fiesta de la Zona del Canal y fundaron el grupo de noise rock Test Pattern, que posteriormente pasó a llamarse Gray. Otros miembros de Gray eran Shannon Dawson, Nick Taylor, Wayne Clifford y Vincent Gallo. Actuaron en clubes nocturnos como Max»s Kansas City, CBGB, Hurrah y el Mudd Club.
En esta época, Basquiat vivía en el East Village con su amigo Alexis Adler, licenciado en biología por Barnard. A menudo copiaba diagramas de compuestos químicos tomados de los libros de texto de ciencias de Adler. Ella documentaba las exploraciones creativas de Basquiat mientras transformaba los suelos, las paredes, las puertas y los muebles en sus obras de arte. También hacía postales con su amiga Jennifer Stein. Mientras vendía postales en el SoHo, Basquiat vio a Andy Warhol en el restaurante W.P.A. con el crítico de arte Henry Geldzahler. Le vendió a Warhol una postal titulada Stupid Games, Bad Ideas.
En octubre de 1979, en el espacio abierto de Arleen Schloss llamado A»s, Basquiat mostró sus montajes SAMO utilizando copias Xerox en color de sus obras. Schloss permitió a Basquiat utilizar el espacio para crear su ropa «MAN MADE», que eran prendas pintadas recicladas. En noviembre de 1979, la diseñadora de vestuario Patricia Field llevó su línea de ropa en su exclusiva boutique de la calle 8 del East Village. Field también expuso sus esculturas en el escaparate de la tienda.
Cuando Basquiat y Díaz se pelearon, éste inscribió «SAMO IS DEAD» en las paredes de los edificios del SoHo en 1980. En junio de 1980, apareció en la revista High Times, su primera publicación nacional, como parte de un artículo titulado «Graffiti »80: The State of the Outlaw Art» de Glenn O»Brien. Ese mismo año, comenzó a rodar la película independiente de O»Brien Downtown 81 (2000), titulada originalmente New York Beat, que incluía algunas de las grabaciones de Gray en su banda sonora.
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Artista de la galería: 1980-1985
En junio de 1980, Basquiat participó en The Times Square Show, una exposición de varios artistas patrocinada por Collaborative Projects Incorporated (Colab) y Fashion Moda. Varios críticos y comisarios se fijaron en él, como Jeffrey Deitch, que le mencionó en un artículo titulado «Report from Times Square» en el número de septiembre de 1980 de Art in America. En febrero de 1981, Basquiat participó en la exposición New York
Basquiat vendió su primer cuadro, Cadillac Moon (1981), a Debbie Harry, vocalista del grupo de punk rock Blondie, por 200 dólares después de haber rodado juntos Downtown 81. También apareció como disc-jockey en el vídeo musical de Blondie de 1981, «Rapture», un papel originalmente destinado a Grandmaster Flash. Por aquel entonces, Basquiat vivía con su novia, Suzanne Mallouk, que le apoyaba económicamente como camarera.
En septiembre de 1981, la marchante Annina Nosei invitó a Basquiat a unirse a su galería por sugerencia de Sandro Chia. Poco después, participó en su exposición colectiva Public Address. Ella le proporcionó materiales y un espacio para trabajar en el sótano de su galería. En 1982, Nosei consiguió que se trasladara a un loft que también servía de estudio en el 101 de Crosby Street, en el SoHo. Su primera exposición individual en Estados Unidos tuvo lugar en la galería Annina Nosei en marzo de 1982. También pintó en Módena para su segunda exposición en Italia en marzo de 1982. Al sentirse explotado, esa exposición se canceló porque se esperaba que hiciera ocho cuadros en una semana.
En el verano de 1982, Basquiat dejó la galería Annina Nosei y Bruno Bischofberger se convirtió en su marchante mundial. En junio de 1982, con 21 años, Basquiat se convirtió en el artista más joven en participar en la documenta de Kassel (Alemania), donde sus obras se expusieron junto a Joseph Beuys, Anselm Kiefer, Gerhard Richter, Cy Twombly y Andy Warhol. Bischofberger ofreció a Basquiat una exposición individual en su galería de Zúrich en septiembre de 1982 y organizó un almuerzo con Warhol el 4 de octubre de 1982. Warhol recuerda que Basquiat «se fue a casa y en dos horas tenía un cuadro, todavía húmedo, de él y de mí juntos». El cuadro, Dos Cabezas (1982), inició una amistad entre ellos. Basquiat fue fotografiado por James Van Der Zee para una entrevista con Henry Geldzahler publicada en el número de enero de 1983 de la revista Interview de Warhol.
En noviembre de 1982, Basquiat inauguró una exposición individual en la Fun Gallery del East Village. Entre las obras expuestas estaban A Panel of Experts (1982) y Equals Pi (1982). En diciembre de 1982, Basquiat comenzó a trabajar en el espacio de exposición y estudio de la planta baja que el marchante de arte Larry Gagosian había construido debajo de su casa de Venecia, California. Allí comenzó una serie de pinturas para una exposición en marzo de 1983, su segunda en la Gagosian Gallery de West Hollywood. Le acompañaba su novia, la entonces desconocida cantante Madonna. Gagosian recuerda: «Todo iba bien. Jean-Michel hacía cuadros, yo los vendía y nos divertíamos mucho. Pero un día Jean-Michel dijo: »Mi novia viene a quedarse conmigo»… Así que le dije: «¿Cómo es ella?». Y él dijo: »Se llama Madonna y va a ser enorme». Nunca olvidaré lo que me dijo».
Basquiat se interesó mucho por la obra que el artista Robert Rauschenberg realizaba en el Gemini G.E.L. de West Hollywood. Le visitó en varias ocasiones y se inspiró en sus logros. Durante su estancia en Los Ángeles, Basquiat pintó Hollywood Africans (1983), que le retrata con los grafiteros Toxic y Rammellzee. A menudo pintó retratos de otros grafiteros -y a veces colaboradores- en obras como Portrait of A-One A.K.A. King (1982), Toxic (1984) y ERO (1984). En 1983, produjo el disco de hip-hop «Beat Bop» con Rammellzee y el rapero K-Rob. Se editó en cantidades limitadas en su sello Tartown Inc. Creó el arte de la portada del sencillo, lo que lo hizo muy deseable entre los coleccionistas de discos y de arte.
En marzo de 1983, con 22 años, Basquiat se convirtió en el artista más joven en participar en la exposición de arte contemporáneo de la Bienal de Whitney. Paige Powell, editora de la revista Interview, organizó una exposición de su obra en su apartamento en abril de 1983. Por aquel entonces, comenzó una relación con Powell, que fue fundamental para fomentar su amistad con Warhol. En agosto de 1983, Basquiat se trasladó a un loft propiedad de Warhol en el número 57 de Great Jones Street, en NoHo, que también le servía de estudio.
En el verano de 1983, Basquiat invitó a Lee Jaffe, antiguo músico de la banda de Bob Marley, a acompañarle en un viaje por Asia y Europa. A su regreso a Nueva York, se sintió profundamente afectado por la muerte de Michael Stewart, un aspirante a artista negro de la escena de los clubes del centro de la ciudad que fue asesinado por la policía de tránsito en septiembre de 1983. Pintó Defacement (The Death of Michael Stewart) (1983) en respuesta al incidente. También participó en un acto benéfico navideño con varios artistas neoyorquinos para la familia de Michael Stewart en 1983.
Tras incorporarse a la galería Mary Boone»s SoHo en 1983, Basquiat expuso allí por primera vez en mayo de 1984. Un gran número de fotografías muestran la colaboración entre Warhol y Basquiat en 1984 y 1985. Cuando colaboraban, Warhol partía de algo muy concreto o de una imagen reconocible y luego Basquiat la desfiguraba con su estilo animado. Hicieron un homenaje a los Juegos Olímpicos de 1984 con Olympics (1984). Otras colaboraciones son Taxi, 45th
Basquiat solía pintar con caros trajes de Armani y aparecía en público con la misma ropa salpicada de pintura. Era un habitual del club nocturno Area, donde a veces trabajaba en los platos como DJ por diversión. También pintó murales para el club nocturno Palladium de Nueva York. Su rápido ascenso a la fama fue cubierto por los medios de comunicación. Apareció en la portada del número del 10 de febrero de 1985 de The New York Times Magazine en un artículo titulado «New Art, New Money: El marketing de un artista americano». Su obra apareció en GQ y Esquire, y fue entrevistado en el segmento «Art Break» de la MTV.
A mediados de la década de 1980, Basquiat ganaba 1,4 millones de dólares al año y recibía sumas globales de 40.000 dólares de los marchantes de arte. A pesar de su éxito, su inestabilidad emocional seguía persiguiéndole. «Cuanto más dinero ganaba Basquiat, más paranoico y profundamente involucrado en las drogas se volvía», escribió el periodista Michael Shnayerson. El consumo de cocaína de Basquiat llegó a ser tan excesivo que se hizo un agujero en el tabique nasal. Un amigo afirmó que Basquiat confesó que consumía heroína a finales de 1980. Muchos de sus compañeros especularon con que su consumo de drogas era un medio para hacer frente a las exigencias de su nueva fama, a la naturaleza explotadora de la industria del arte y a las presiones de ser un hombre negro en el mundo del arte dominado por los blancos.
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Últimos años y muerte: 1986-1988
En la que sería su última exposición en la Costa Oeste, Basquiat volvió a Los Ángeles para exponer en la Gagosian Gallery en enero de 1986. En febrero de 1986, Basquiat viajó a Atlanta, Georgia, para una exposición de sus dibujos en la Fay Gold Gallery. Ese mes, participó en la exposición benéfica «Arte contra el Apartheid» de Limelight. En verano, expuso en solitario en la Galerie Thaddaeus Ropac de Salzburgo. En otoño, desfila para Rei Kawakubo en el desfile de Comme des Garçons Homme Plus en París. En octubre de 1986, Basquiat viaja a Costa de Marfil para una exposición de su obra organizada por Bruno Bischofberger en el Instituto Cultural Francés de Abiyán. Le acompañaba su novia Jennifer Goode, que trabajaba en su local habitual, el club nocturno Area. En noviembre de 1986, con 25 años, Basquiat se convirtió en el artista más joven en exponer en la Kestner-Gesellschaft de Hannover.
Durante su relación, Goode empezó a esnifar heroína con Basquiat, ya que las drogas estaban a su disposición. «Él no me presionó, pero simplemente estaba ahí y yo era muy ingenua», dijo. A finales de 1986, consiguió que ella y Basquiat entraran en un programa de metadona en Manhattan, pero él lo dejó después de tres semanas. Según Goode, él no empezó a inyectarse heroína hasta que ella terminó su relación. En los últimos 18 meses de su vida, Basquiat se convirtió en una especie de recluso. Se cree que su consumo continuado de drogas fue una forma de enfrentarse a la muerte de su amigo Andy Warhol en febrero de 1987.
En 1987, Basquiat expuso en la Galerie Daniel Templon de París, la Galería Akira Ikeda de Tokio y la Galería Tony Shafrazi de Nueva York. Diseñó una noria para el Luna Luna de André Heller, un parque de atracciones efímero celebrado en Hamburgo de junio a agosto de 1987 con atracciones diseñadas por reconocidos artistas contemporáneos.
En enero de 1988, Basquiat viaja a París para exponer en la Galería Yvon Lambert y a Düsseldorf para exponer en la Galería Hans Mayer. Durante su estancia en París, entabló amistad con el artista marfileño Ouattara Watts. Hicieron planes para viajar juntos al lugar de nacimiento de Watts, Korhogo, ese verano. Tras una exposición en la Vrej Baghoomian Gallery de Nueva York en abril de 1988, Basquiat viajó a Maui en junio de 1988. A su regreso, Keith Haring informó de que se había reunido con Basquiat, quien se alegró de decirle que por fin había abandonado su dependencia de las drogas. Glenn O»Brien también recordó que Basquiat le llamó y le dijo que «se sentía muy bien».
A pesar de sus intentos de sobriedad, Basquiat murió a los 27 años de una sobredosis de heroína en su casa de la calle Great Jones de Manhattan el 12 de agosto de 1988. Su novia, Kelle Inman, lo encontró inconsciente en su habitación y lo trasladó al Cabrini Medical Center, donde fue declarado muerto a su llegada.
Basquiat está enterrado en el cementerio Green-Wood de Brooklyn. El 17 de agosto de 1988 se celebró un funeral privado en la Frank E. Campbell Funeral Chapel. Al funeral asistieron familiares directos y amigos cercanos, entre los que se encontraban Keith Haring, Francesco Clemente, Glenn O»Brien y la antigua novia de Basquiat, Paige Powell. El marchante de arte Jeffrey Deitch pronunció un panegírico.
El 3 de noviembre de 1988 se celebró un homenaje público en la iglesia de San Pedro. Entre los oradores se encontraba Ingrid Sischy, que, como editora de Artforum, conoció bien a Basquiat y le encargó varios artículos para dar a conocer su obra. La ex novia de Basquiat, Suzanne Mallouk, recitó partes del «Poema para Basquiat» de A. R. Penck y su amigo Fab 5 Freddy leyó un poema de Langston Hughes. Entre los 300 invitados se encontraban los músicos John Lurie y Arto Lindsay, Keith Haring, el poeta David Shapiro, Glenn O»Brien y miembros de la antigua banda de Basquiat, Gray.
En memoria del fallecido artista, Keith Haring creó el cuadro A Pile of Crowns para Jean-Michel Basquiat. En el obituario que escribió para Vogue, Haring declaró: «Realmente creó toda una vida de obras en diez años. Nos preguntamos con avidez qué más podría haber creado, qué obras maestras nos ha engañado su muerte, pero el hecho es que ha creado suficientes obras para intrigar a las generaciones venideras. Sólo ahora la gente empezará a comprender la magnitud de su contribución».
El crítico de arte Franklin Sirmans analizó que Basquiat se apropió de la poesía, el dibujo y la pintura, y casó el texto y la imagen, la abstracción, la figuración y la información histórica mezclada con la crítica contemporánea. Sus comentarios sociales eran agudamente políticos y directos en su crítica al colonialismo y su apoyo a la lucha de clases. El historiador del arte Fred Hoffman plantea la hipótesis de que lo que subyace en la autoidentificación de Basquiat como artista es su «capacidad innata de funcionar como algo parecido a un oráculo, destilando sus percepciones del mundo exterior hasta su esencia y, a su vez, proyectándolas hacia el exterior a través de su acto creativo», y que su arte se centró en «dicotomías sugestivas» recurrentes como la riqueza frente a la pobreza, la integración frente a la segregación y la experiencia interior frente a la exterior.
Antes de comenzar su carrera como pintor, Basquiat producía postales de inspiración punk para venderlas en la calle, y se hizo conocido por sus grafitis político-poéticos bajo el nombre de SAMO. A menudo dibujaba sobre objetos y superficies al azar, incluida la ropa de otras personas. La conjunción de varios medios es un elemento integral de su arte. Sus pinturas suelen estar cubiertas de códigos de todo tipo: palabras, letras, números, pictogramas, logotipos, símbolos de mapas y diagramas.
Basquiat utilizaba principalmente textos como fuentes de referencia. Algunos de los libros que utilizó fueron Anatomía de Gray, Symbol Sourcebook de Henry Dreyfuss, Leonardo da Vinci publicado por Reynal & Company, y African Rock Art de Burchard Brentjes, Flash of the Spirit de Robert Farris Thompson.
En un periodo intermedio, de finales de 1982 a 1985, aparecen cuadros de varios paneles y lienzos individuales con bastidores expuestos, cuya superficie está llena de escritura, collage e imágenes. Los años 1984 y 1985 fueron también el periodo de las colaboraciones entre Basquiat y Warhol.
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Dibujos
En su corta pero prolífica carrera, Basquiat realizó unos 1.500 dibujos, unas 600 pinturas y muchas obras de escultura y técnicas mixtas. Dibujaba constantemente, y a menudo utilizaba objetos de su entorno como superficies cuando no tenía papel a mano. Desde la infancia, realizaba dibujos inspirados en los dibujos animados, alentados por el interés de su madre por el arte, y el dibujo se convirtió en parte de su expresión como artista. Dibujaba con muchos medios diferentes, sobre todo con tinta, lápiz, rotulador o marcador y óleo. A veces utilizaba copias Xerox de fragmentos de sus dibujos para pegarlos en los lienzos de cuadros más grandes.
La primera exposición pública de las pinturas y dibujos de Basquiat tuvo lugar en 1981 en el MoMA PS1 de Nueva York
Poeta y artista, las palabras están muy presentes en sus dibujos y pinturas, con referencias directas al racismo, la esclavitud, la gente y la escena callejera del Nueva York de los años 80, las figuras históricas negras, los músicos y los atletas famosos, como demuestran sus cuadernos y muchos dibujos importantes. A menudo los dibujos de Basquiat no llevaban título, y como tal para diferenciar las obras una palabra escrita dentro del dibujo suele ir entre paréntesis después de Sin título. Tras la muerte de Basquiat, su patrimonio pasó a ser controlado por su padre Gérard Basquiat, que también supervisó el comité que autentificaba las obras de arte, y que funcionó desde 1994 hasta 2012 para revisar más de 2000 obras, la mayoría de las cuales eran dibujos.
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Héroes y santos
Un tema destacado en la obra de Basquiat es el retrato de figuras negras históricamente destacadas, identificadas como héroes y santos. En sus primeras obras solía representar iconográficamente coronas y halos para distinguir a los héroes y santos de su panteón especialmente elegido. «La corona de Jean-Michel tiene tres picos, por sus tres linajes reales: el poeta, el músico, el gran campeón de boxeo. Jean medía su habilidad con todos los que consideraba fuertes, sin prejuicios en cuanto a su gusto o edad», dijo su amigo y artista Francesco Clemente. Al reseñar la exposición de Basquiat en el Guggenheim de Bilbao, Art Daily señaló que «la corona de Basquiat es un símbolo cambiante: a veces es un halo y otras una corona de espinas, que subraya el martirio que a menudo va unido a la santidad. Para Basquiat, estos héroes y santos son guerreros, a veces representados triunfalmente con los brazos levantados en señal de victoria».
Basquiat era especialmente aficionado al bebop y citaba como héroe al saxofonista Charlie Parker. Con frecuencia hacía referencia a Parker y a otros músicos de jazz en cuadros como Charles the First (1982) y Horn Players (1983), y King Zulu (1986). «Basquiat se inspiró en la música de jazz y se instruyó en ella, del mismo modo que se inspiró en los maestros modernos de la pintura», afirma la historiadora de arte Jordana Moore Saggese.
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Anatomía y cabezas
Una de las principales fuentes de referencia utilizadas por Basquiat a lo largo de su carrera fue el libro Anatomía de Gray, que su madre le había regalado mientras estaba en el hospital cuando tenía siete años. Siguió influyendo en sus representaciones de la anatomía humana, y en su mezcla de imagen y texto, como se ve en Flesh and Spirit (1982-83). El historiador del arte Olivier Berggruen sitúa en las serigrafías anatómicas de Basquiat Anatomía (1982) una afirmación de vulnerabilidad, que «crea una estética del cuerpo como dañado, con cicatrices, fragmentado, incompleto o desgarrado, una vez que el conjunto orgánico ha desaparecido. Paradójicamente, es el propio acto de crear estas representaciones el que conjura una valencia corporal positiva entre el artista y su sentido del yo o de la identidad».
Las cabezas y las calaveras son los puntos centrales de muchas de las obras más importantes de Basquiat. Las cabezas de obras como Untitled (Two Heads on Gold) (1982) y Philistines (1982) recuerdan a las máscaras africanas, sugiriendo una reivindicación cultural. Las calaveras aluden al vudú haitiano, que está repleto de simbolismo craneal; los cuadros Red Skull (Cráneo rojo) (1982) y Untitled (Sin título) (1982) pueden considerarse ejemplos principales. En referencia a la potente imagen representada en Sin título (calavera) (1981), el historiador de arte Fred Hoffman escribe que probablemente Basquiat fue «sorprendido, posiblemente incluso asustado, por el poder y la energía que emanaba de esta imagen inesperada». Una investigación más profunda realizada por Hoffman en su libro The Art of Jean-Michel Basquiat revela un interés más profundo en la fascinación del artista por las cabezas, que demuestra una evolución en la obra del artista, que ha pasado de una fuerza bruta a una conciencia más refinada.
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Patrimonio
La diversa herencia cultural de Basquiat fue una de sus muchas fuentes de inspiración. A menudo incorporaba palabras en español en sus obras, como Untitled (Pollo Frito) (1982) y Sábado por la Noche (1984). La Hara (1981) de Basquiat, un amenazante retrato de un agente de policía blanco, combina el término de la jerga nuyorican para referirse a la policía (la jara) y el apellido irlandés O»Hara. Se cree que la figura con sombrero negro que aparece en sus cuadros The Guilt of Gold Teeth (1982) y Despues De Un Pun (1987) representa al Barón Samedi, el espíritu de la muerte y la resurrección en el vodú haitiano.
Basquiat tiene varias obras derivadas de la historia afroamericana, a saber, Subasta de esclavos (1982), Genio no descubierto del delta del Mississippi (1983), Sin título (Historia del pueblo negro) (1983) y Jim Crow (1986). Otro cuadro, Ironía de un policía negro (1981), ilustra cómo los afroamericanos han sido controlados por una sociedad predominantemente caucásica. Basquiat pretendía retratar que los afroamericanos se han convertido en cómplices de las «formas institucionalizadas de la blancura y de los regímenes de poder blancos corruptos» años después de que la era de Jim Crow hubiera terminado. Este concepto se ha reiterado en otras obras de Basquiat, como Created Equal (1984).
En el ensayo «Lost in Translation: Jean-Michel in the (Re)Mix», Kellie Jones plantea que la «faceta traviesa, compleja y neologista de Basquiat, en lo que respecta a la conformación de la modernidad y a la influencia y efluencia de la cultura negra» suele ser eludida por los críticos y los espectadores, y por tanto «se pierde en la traducción».
Poco después de su muerte, The New York Times indicó que Basquiat era «el más famoso de sólo un pequeño número de jóvenes artistas negros que han logrado el reconocimiento nacional». La crítica de arte Bonnie Rosenberg escribió que Basquiat experimentó un buen sabor de boca de la fama en sus últimos años, cuando era un «fenómeno artístico abrazado por la crítica y celebrado popularmente»; y que algunas personas se centraron en el «exotismo superficial de su obra», pasando por alto el hecho de que «mantenía importantes conexiones con precursores expresivos».
Tradicionalmente, la interpretación de las obras de Basquiat a nivel visual proviene del tono emocional tenue de lo que representan en comparación con lo que realmente se representa. Por ejemplo, las figuras de sus cuadros, como afirma el escritor Stephen Metcalf, «se muestran frontalmente, con poca o ninguna profundidad de campo, y los nervios y órganos están expuestos, como en un libro de anatomía. Uno se pregunta si estas criaturas están muertas y siendo disecadas clínicamente, o si están vivas y sufriendo un inmenso dolor». La escritora Olivia Laing señaló que «las palabras saltaban a la vista, desde la parte trasera de las cajas de cereales o los anuncios del metro, y él permanecía atento a sus propiedades subversivas, a su doble y oculto significado».
Una segunda referencia recurrente a la estética de Basquiat proviene de la intención del artista de compartir, en palabras de la galerista Niru Ratnam, una «visión altamente individualista y expresiva del mundo». El historiador del arte Luis Alberto Mejía Clavijo cree que la obra de Basquiat inspira a la gente a «pintar como un niño, no pintar lo que está en la superficie sino lo que estás recreando en tu interior».
Los críticos de arte también han comparado la obra de Basquiat con la aparición del hip-hop en la misma época. «El arte de Basquiat -como el mejor hip-hop- desmonta y recompone el trabajo que le precede», dijo el crítico de arte Franklin Sirmans en un ensayo de 2005, «In the Cipher: Basquiat and the Hip-Hop Culture».
El crítico de arte René Ricard escribió en su artículo de 1981 «El niño radiante»:
Siempre me sorprende cómo se le ocurren las cosas a la gente. Como Jean-Michel. Cómo se le ocurren las palabras que pone por todas partes, su manera de plantear un punto sin exagerar el caso, usando una o dos palabras revela una agudeza política, hace que el espectador vaya en la dirección que él quiere, la ilusión del muro bombardeado. Una o dos palabras que contienen un cuerpo entero. Una o dos palabras en un Jean-Michel contienen toda la historia del grafiti. Lo que incorpora a sus cuadros, ya sea encontrado o hecho, es específico y selectivo. Tiene una idea perfecta de lo que quiere transmitir, utilizando todo lo que se ajusta a su visión.
El comisario Marc Mayer escribió en el ensayo de 2005 «Basquiat en la historia»:
Basquiat habla de forma elocuente mientras esquiva todo el impacto de la claridad como un torero. Podemos leer sus cuadros sin esfuerzo -las palabras, las imágenes, los colores y la construcción-, pero no podemos comprender del todo el sentido que tienen. Mantenernos en este estado de medio conocimiento, de misterio dentro de la familiaridad, ha sido la técnica central de su marca de comunicación desde sus días de adolescente como poeta del grafiti SAMO. Para disfrutar de ellas, no debemos analizar las imágenes con demasiada atención. Cuantificar la amplitud enciclopédica de su investigación da como resultado un inventario interesante, pero la suma no puede explicar adecuadamente sus imágenes, lo que requiere un esfuerzo fuera del ámbito de la iconografía… pintó una incoherencia calculada, calibrando el misterio de lo que esas imágenes aparentemente cargadas de significado podrían significar en última instancia.
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Crítica
En los años 80, el crítico de arte Robert Hughes tachó la obra de Basquiat de absurda.
En una reseña de 1997 para The Daily Telegraph, el crítico de arte Hilton Kramer comienza su primer párrafo afirmando que Basquiat no tenía ni idea de lo que significaba la palabra «calidad». Las críticas que siguen tachan implacablemente a Basquiat de «buscavidas sin talento» y de «inteligente en la calle, pero por lo demás invenciblemente ignorante», argumentando que los marchantes de arte de la época eran «tan ignorantes sobre el arte como el propio Basquiat». Al afirmar que la obra de Basquiat nunca se elevó por encima de «esa humilde estación artística» que es el grafiti «incluso cuando sus pinturas alcanzaban precios enormes», Kramer argumentó que el arte del grafiti «adquirió un estatus de culto en ciertos círculos artísticos de Nueva York». Además, opinó que «como resultado de la campaña llevada a cabo por estos empresarios del mundo del arte en nombre de Basquiat -y en el suyo propio, por supuesto- nunca hubo ninguna duda de que los museos, los coleccionistas y los medios de comunicación se alinearían» al hablar de la comercialización del nombre de Basquiat.
La primera exposición pública de Basquiat fue en The Times Square Show de Nueva York en junio de 1980. En mayo de 1981, realizó su primera exposición individual en la Galleria d»Arte Emilio Mazzoli de Módena. A finales de 1981, se incorporó a la Annina Nosei Gallery de Nueva York, donde celebró su primera exposición individual en Estados Unidos del 6 de marzo al 1 de abril de 1982. En 1982 también expuso en la Gagosian Gallery de West Hollywood, en la Galerie Bruno Bischofberger de Zurich y en la Fun Gallery del East Village. Entre las principales exposiciones de su obra se encuentran Jean-Michel Basquiat: Paintings 1981-1984 en la Fruitmarket Gallery de Edimburgo en 1984, que viajó al Instituto de Arte Contemporáneo de Londres, y al Museo Boijmans Van Beuningen de Rotterdam en 1985. En 1985, el University Art Museum de Berkeley acogió la primera exposición individual de Basquiat en un museo estadounidense. Su obra se expuso en la Kestner-Gesellschaft de Hannover en 1987 y 1989.
La primera retrospectiva de su obra fue Jean-Michel Basquiat en el Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York, de octubre de 1992 a febrero de 1993; patrocinada por AT&T, MTV y Madonna. Posteriormente viajó a la Menil Collection de Texas, al Des Moines Art Center de Iowa y al Montgomery Museum of Fine Arts de Alabama, de 1993 a 1994. El catálogo de la exposición fue editado por Richard Marshall e incluía varios ensayos desde diferentes perspectivas. En 1996 se celebró una exposición de su obra en la Serpentine Galley de Londres, patrocinada por Madonna.
En marzo de 2005, el Museo de Brooklyn de Nueva York organizó una retrospectiva de Basquiat. Viajó al Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles y al Museo de Bellas Artes de Houston. De octubre de 2006 a enero de 2007, tuvo lugar la primera exposición de Basquiat en Puerto Rico, en el Museo de Arte de Puerto Rico (MAPR), producida por ArtPremium, Corinne Timsit y Eric Bonici.
Basquiat sigue siendo una importante fuente de inspiración para una generación más joven de artistas contemporáneos de todo el mundo, como Rita Ackermann y Kader Attia, como se muestra, por ejemplo, en la exposición Street and Studio: De Basquiat a Séripop, comisariada por Cathérine Hug y Thomas Mießgang y expuesta anteriormente en la Kunsthalle Wien (Austria) en 2010. Basquiat and the Bayou, una muestra de 2014 presentada por el Ogden Museum of Southern Art de Nueva Orleans, se centró en las obras del artista con temas del Sur de Estados Unidos. El Museo de Brooklyn expuso Basquiat: The Unknown Notebooks en 2015. En 2017, Basquiat Before Basquiat: East 12th Street, 1979-1980 se expuso en el Museo de Arte Contemporáneo de Denver, que mostró obras creadas durante el año en que Basquiat vivió con su amigo Alexis Adler. Ese mismo año, el Barbican Centre de Londres expuso Basquiat: Boom for Real.
En 2019, la Fundación Brant de Nueva York, acogió una amplia exposición de obras de Basquiat con entrada gratuita. Las 50.000 entradas fueron reclamadas antes de la apertura de la exposición, por lo que se pusieron a la venta entradas adicionales. En junio de 2019, el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York presentó «Defacement» de Basquiat: La historia no contada». Ese mismo año, la National Gallery of Victoria de Melbourne inauguró la exposición Keith Haring y Jean-Michel Basquiat: Crossing Lines. El Museo de Arte Lotte acogió la primera gran exposición de Jean-Michel Basquiat en Seúl desde octubre de 2020 hasta febrero de 2021. El Museo de Bellas Artes de Boston expuso Writing the Future: Basquiat and the Hip-Hop Generation de octubre de 2020 a julio de 2021.
La familia Basquiat anunció una exposición de 200 obras personales y raras, Jean-Michel Basquiat: King Pleasure©, acompañada de un libro de mesa de café de Rizzoli, que se inaugurará el 9 de abril de 2022 en la ciudad de Nueva York.
Desde la muerte de Basquiat en 1988, el mercado de su obra se ha desarrollado de forma constante -en línea con las tendencias generales del mercado del arte- con un pico dramático en 2007, cuando, en el punto álgido del mercado del arte, el volumen global de subastas de su obra superó los 115 millones de dólares. Brett Gorvy, vicepresidente de Christie»s, describe el mercado de Basquiat como «de dos niveles. El material más codiciado es raro, y generalmente data del mejor periodo, 1981-83″. Hasta 2002, la cantidad más alta pagada por una obra original de Basquiat fue de 3,3 millones de dólares por Self-Portrait (1982), vendida en Christie»s en 1998. En 2002, Profit I (1982) de Basquiat fue vendida en Christie»s por el baterista Lars Ulrich de la banda de heavy metal Metallica por 5,5 millones de dólares. El proceso de la subasta se documentó en la película Metallica: Some Kind of Monster.
En junio de 2002, el estafador neoyorquino Alfredo Martínez fue acusado por la Oficina Federal de Investigación de intentar engañar a dos marchantes de arte vendiéndoles dibujos falsos de Basquiat por valor de 185.000 dólares. Los cargos contra Martínez, que lo llevaron al Centro Penitenciario Metropolitano de Manhattan durante 21 meses, consistían en un plan para vender dibujos que copiaba de obras de arte auténticas, acompañados de certificados de autenticidad falsos. Martínez afirmó que se había librado de la venta de dibujos falsos de Basquiat durante 18 años.
En 2007, el cuadro Hannibal (1982) de Basquiat fue incautado por las autoridades federales como parte de una trama de malversación de fondos por parte del condenado brasileño Edemar Cid Ferreira, blanqueador de dinero y ex banquero. Ferreira había comprado el cuadro con fondos adquiridos ilegalmente mientras controlaba el Banco Santos en Brasil. El cuadro fue enviado a un almacén de Manhattan, a través de los Países Bajos, con una factura de envío falsa en la que se indicaba que su valor era de 100 dólares. El cuadro se vendió posteriormente en Sotheby»s por 13,1 millones de dólares.
Entre 2007 y 2012, el precio de la obra de Basquiat siguió aumentando de forma constante hasta alcanzar los 16,3 millones de dólares. La venta de Sin título (1981) por 20,1 millones de dólares en 2012 elevó su mercado a una nueva estratosfera. Pronto otras obras de su obra superaron ese récord. Otra obra, Sin título (1981), que representa a un pescador, se vendió por 26,4 millones de dólares en noviembre de 2012. En mayo de 2013, Dustheads (1982) se vendió por 48,8 millones de dólares en Christie»s. En mayo de 2016, Untitled (1982), que representa a un diablo, se vendió en Christie»s por 57,3 millones de dólares al empresario japonés Yusaku Maezawa. En mayo de 2017, Maezawa también compró Untitled (1982) de Basquiat, una poderosa representación de una calavera negra con riachuelos rojos y amarillos, en una subasta por un récord de 110,5 millones de dólares. Es lo máximo que se ha pagado por una obra de arte estadounidense, y la sexta obra de arte más cara vendida en una subasta, superando a Silver Car Crash (Double Disaster) de Andy Warhol, que se vendió por 105 millones de dólares en 2013.
En mayo de 2018, Flexible (1984) se vendió por 45,3 millones de dólares, convirtiéndose en el primer cuadro de Basquiat posterior a 1983 que supera la marca de 20 millones de dólares. En junio de 2020, Untitled (un récord para una venta online de Sotheby»s y un récord para una obra de Basquiat sobre papel. En julio de 2020, la aplicación Fair Warning de Loïc Gouzer anunció que un dibujo sobre papel sin título se vendió por 10,8 millones de dólares, lo que supone un récord para una compra dentro de la aplicación. A principios de ese año, el empresario estadounidense Ken Griffin compró Boy and Dog in a Johnnypump (1982) por más de 100 millones de dólares al coleccionista de arte Peter Brant. En marzo de 2021, Warrior (1982) de Basquiat se vendió por 41,8 millones de dólares en Christie»s de Hong Kong, siendo la obra de arte occidental más cara vendida en una subasta en Asia. En mayo de 2021, In This Case (1983) de Basquiat, se vendió por 93,1 millones de dólares en Christie»s de Nueva York. En diciembre de 2021, su cuadro Donut Revenge (1982) se vendió por 20,9 millones de dólares en Christie»s de Hong Kong.
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Comité de autentificación
El comité de autentificación del patrimonio de Jean-Michel Basquiat fue creado por la Robert Miller Gallery, la galería a la que se asignó la gestión del patrimonio de Basquiat tras su muerte, en parte para luchar contra el creciente número de falsificaciones en el mercado de Basquiat. El coste del dictamen del comité fue de 100 dólares. El comité estaba dirigido por el padre de Basquiat, Gérard Basquiat. Los miembros variaban en función de quién estuviera disponible en el momento de autentificar una obra, pero entre ellos se encontraban los comisarios y galeristas Diego Cortez, Jeffrey Deitch, Annina Nosei, John Cheim, Richard Marshall, Fred Hoffman y el editor Larry Warsh.
En 2008, el comité de autentificación fue demandado por el coleccionista Gerard De Geer, que alegó que el comité había incumplido su contrato al negarse a ofrecer una opinión sobre la autenticidad del cuadro Fuego Flores (1983). Una vez desestimada la demanda, el comité dictaminó que la obra era auténtica. En enero de 2012, el comité anunció que, tras dieciocho años, se disolvería en septiembre de ese año y dejaría de considerar las solicitudes.
Basquiat mantuvo muchas relaciones románticas con mujeres y, según varios amigos, también tuvo relaciones sexuales con hombres. La biógrafa Phoebe Hoban afirmó que sus primeras experiencias sexuales fueron homosexuales cuando era menor de edad en Puerto Rico; fue violado oralmente por un barbero vestido de travesti, y luego se relacionó con un DJ. El crítico de arte René Ricard, que ayudó a lanzar la carrera de Basquiat, dijo que a Basquiat le gustaba todo y que había «hecho trucos» en el Condado cuando vivía en Puerto Rico. De adolescente, Basquiat le contó a un amigo que trabajó como prostituto en la calle 42 de Manhattan cuando se escapó de casa.
La antigua novia de Basquiat, Suzanne Mallouk, describió su interés sexual como «no monocromático». No se basaba en la estimulación visual, como una chica guapa. Era una sexualidad multicromática muy rica. Le atraía la gente por todos los motivos. Podían ser chicos, chicas, delgados, gordos, guapos, feos… Se sentía atraído por la inteligencia más que nada y por el dolor. Se sentía muy atraído por las personas que soportaban silenciosamente algún tipo de dolor interior como él, y amaba a las personas que eran únicas, las que tenían una visión única de las cosas». Mallouk también destacó que «amaba a las mujeres. Le encantaba el sexo. Siempre tuvo muchas mujeres».
En 2015, Basquiat apareció en la portada de la edición especial de Arte y Artistas de Vanity Fair. En 2016, la Greenwich Village Society for Historic Preservation colocó una placa conmemorativa de la vida de Basquiat frente a su antigua residencia en el número 57 de la calle Great Jones en Manhattan.
Antes de la exposición Basquiat: Boom for Real en el Barbican Centre de Londres en 2017, el grafitero Banksy creó dos obras de arte inspiradas en Basquiat en las paredes del Barbican. La primera obra representa el cuadro de Basquiat Boy and Dog in a Johnnypump (1982) siendo registrado por dos policías. La segunda obra representa un carrusel con los carros sustituidos por coronas, motivo característico de Basquiat.
En 2018, una plaza pública del distrito 13 de París recibió el nombre de Place Jean-Michel Basquiat en su memoria. Para la temporada 2020-21 de la NBA, los Brooklyn Nets honraron a Basquiat con una camiseta de baloncesto y un diseño de cancha inspirado en su arte. En 2021, la Fundación Joe y Clara Tsai financió un programa artístico educativo de Basquiat desarrollado en colaboración entre los Brooklyn Nets, el Departamento de Educación de la ciudad de Nueva York y el Fondo para las Escuelas Públicas.
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Moda
En 2007, Basquiat fue incluido en la lista de los 50 hombres con más estilo de los últimos 50 años de GQ. Basquiat solía pintar con costosos trajes de Armani y realizó una sesión fotográfica para Issey Miyake. Comme des Garçons era una de sus marcas favoritas; fue modelo de la colección Comme des Garçons Homme Plus Spring
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Cine y televisión
Basquiat protagonizó Downtown 81, una película vérité escrita por Glenn O»Brien y rodada por Edo Bertoglio en 1981, pero que no se estrenó hasta el año 2000. En 1996, el pintor Julian Schnabel debutó en el cine con el biopic Basquiat. Está protagonizada por el actor Jeffrey Wright como Basquiat y David Bowie como Andy Warhol. En un principio, Schnabel había aportado un capital inicial para una película sobre Basquiat, pero cuando leyó un primer guión que tergiversaba a Warhol, decidió escribir y dirigir la película.
Jean-Michel Basquiat: The Radiant Child, un documental dirigido por Tamra Davis, se estrenó en el Festival de Cine de Sundance de 2010 y se emitió en la serie Independent Lens de PBS en 2011. En 2017, Sara Driver dirigió el documental Boom for Real: The Late Teenage Years of Jean-Michel Basquiat, que se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Toronto de 2017. En 2018, PBS emitió el documental Basquiat: Rage to Riches como parte de la serie American Masters. En enero de 2022, se informó de que el actor Kelvin Harrison Jr. protagonizará a Basquiat en una próxima película biográfica titulada Samo Lives. Será escrita, dirigida y producida por Julius Onah.
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Literatura
En 1991, el poeta Kevin Young publicó el libro To Repel Ghosts (Para repeler fantasmas), un compendio de 117 poemas relacionados con la vida de Basquiat, cuadros individuales y temas sociales que se encuentran en la obra del artista. En 2005 publicó un «remix» del libro. En 1993, se publicó un libro para niños titulado Life Doesn»t Frighten Me (La vida no me asusta), que combina un poema escrito por Maya Angelou con arte realizado por Basquiat.
En 1998, la periodista Phoebe Hoban publicó la biografía no autorizada Basquiat: A Quick Killing in Art. En 2000, la autora Jennifer Clement escribió las memorias Widow Basquiat: A Love Story, basadas en los relatos que le hizo la antigua novia de Basquiat, Suzanne Mallouk.
En 2005, el poeta M. K. Asante publicó el poema «SAMO», dedicado a Basquiat, en su libro Beautiful. And Ugly Too. El libro infantil Radiant Child: The Story of Young Artist Jean-Michel Basquiat, escrito e ilustrado por Javaka Steptoe, se publicó en 2016. El libro ilustrado ganó la medalla Caldecott en 2017. En 2019, el ilustrador Paolo Parisi escribió la novela gráfica Basquiat: A Graphic Novel, que sigue el viaje de Basquiat desde la leyenda del arte callejero SAMO hasta la fama internacional de la escena artística, hasta su muerte.
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Música
Poco después de la muerte de Basquiat, el guitarrista Vernon Reid del grupo de funk metal Living Colour escribió una canción llamada «Desperate People», publicada en su álbum Vivid. La canción trata principalmente de la escena de las drogas en Nueva York en aquella época. Reid se inspiró para escribir la canción tras recibir una llamada telefónica de Greg Tate informándole de la muerte de Basquiat.
En agosto de 2014, Revelation 13:18 lanzó el sencillo «Old School» con Jean-Michel Basquiat, junto con el álbum autotitulado Revelation 13:18 x Basquiat. La fecha de lanzamiento de «Old School» coincidió con el aniversario de la muerte de Basquiat. En 2020, el grupo de rock neoyorquino The Strokes utilizó el cuadro Bird on Money (1981) de Basquiat como portada de su álbum The New Abnormal.
Fuentes
