Jeff Koons
gigatos | enero 2, 2022
Resumen
Jeffrey Lynn Koons (nacido el 21 de enero de 1955) es un artista estadounidense reconocido por su obra relacionada con la cultura popular y sus esculturas que representan objetos cotidianos, incluidos los animales de globo producidos en acero inoxidable con superficies de acabado de espejo. Vive y trabaja tanto en Nueva York como en su ciudad natal, York, Pensilvania. Sus obras se han vendido por sumas considerables, incluyendo al menos dos precios de subasta récord para una obra de un artista vivo: 58,4 millones de dólares por Balloon Dog (Orange) en 2013 y 91,1 millones de dólares por Rabbit en 2019.
Los críticos están muy divididos en sus opiniones sobre Koons. Algunos consideran su obra pionera y de gran importancia para la historia del arte. Otros tachan su obra de kitsch, burda y basada en un cínico autobombo. Koons ha declarado que no hay significados ocultos ni críticas en sus obras.
Koons nació en York (Pensilvania), hijo de Henry y Gloria Koons. Su padre era comerciante de muebles y decorador de interiores. Su madre era costurera. Cuando tenía nueve años, su padre colocaba en el escaparate de su tienda cuadros de antiguos maestros que Koons copiaba y firmaba en un intento de atraer visitantes. De niño iba de puerta en puerta después del colegio vendiendo papel de regalo y caramelos para ganar dinero de bolsillo. De adolescente veneraba tanto a Salvador Dalí que lo visitó en el hotel St. Regis de Nueva York.
Koons estudió pintura en el Maryland Institute College of Art de Baltimore y en la School of the Art Institute of Chicago. Mientras estudiaba en el Instituto de Arte, Koons conoció al artista Ed Paschke, que se convirtió en una gran influencia y para el que Koons trabajó como asistente de estudio a finales de la década de 1970. Vivió en Lakeview y luego en el barrio de Pilsen, en la calle Halsted y la calle 19.
Después de la universidad, Koons se trasladó a Nueva York en 1977 y trabajó en el mostrador de socios del Museo de Arte Moderno mientras se establecía como artista. Durante este tiempo, se tiñó el pelo de rojo y a menudo llevaba un bigote de lápiz, a imagen y semejanza de Salvador Dalí. En 1980, obtuvo la licencia para vender fondos de inversión y acciones y empezó a trabajar como corredor de materias primas en Wall Street, en First Investors Corporation. Después de pasar un verano con sus padres en Sarasota (Florida), donde trabajó brevemente como asesor político, Koons regresó a Nueva York y encontró una nueva carrera como agente de bolsa, primero en Clayton Brokerage Company y luego en Smith Barney.
Jeff Koons saltó a la fama a mediados de la década de 1980 como parte de una generación de artistas que exploraban el significado del arte en una era saturada de medios de comunicación. Consiguió el reconocimiento en la década de 1980 y posteriormente instaló un estudio similar a una fábrica en un loft del SoHo, en la esquina de Houston Street y Broadway, en Nueva York. Contaba con más de 30 ayudantes, cada uno de ellos asignado a un aspecto diferente de la producción de su obra, de forma similar a la Factory de Andy Warhol. La obra de Koons se produce mediante un método conocido como fabricación de arte. Hasta 2019, Koons disponía de un estudio-fábrica de 1.500 m2 cerca de los antiguos astilleros ferroviarios de Hudson, en Chelsea, y empleaba a entre 90 y 120 personas. Koons utilizaba un sistema de color por números, de modo que cada uno de sus ayudantes pudiera ejecutar sus lienzos y esculturas como si hubieran sido hechos «por una sola mano».
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Primeras obras e hinchables
Entre 1977 y 1979, Koons realizó cuatro obras distintas, que posteriormente denominó Early Works. A partir de 1978 trabajó en su serie Inflatables, compuesta por flores hinchables y un conejo de distintas alturas y colores, colocados junto a espejos.
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Las series Pre-New, The New y Equilibrium
Desde 1979, Koons ha producido obras en serie. Sus primeros trabajos eran en forma de escultura conceptual, un ejemplo de ello es The Pre-New, una serie de objetos domésticos fijados a lámparas, que dan lugar a extrañas configuraciones nuevas. Otro ejemplo es The New, una serie de aspiradoras, a menudo seleccionadas por nombres de marcas que atraían al artista, como la icónica Hoover, que había montado en cajas de metacrilato iluminadas. Koons expuso por primera vez estas piezas en el escaparate del New Museum de Nueva York en 1980. Eligió una combinación limitada de aspiradoras y las dispuso en armarios, yuxtaponiendo la verticalidad de las aspiradoras verticales con los cilindros achaparrados de las aspiradoras «Shelton WetDry drum». En el museo, las máquinas se exponían como en una sala de exposiciones, y se orientaban en torno a una caja de luz roja fluorescente central en la que sólo figuraban las palabras «The New», como si se tratara del anuncio de algún nuevo concepto o marca de marketing.
Otro ejemplo de los primeros trabajos de Koons es The Equilibrium Series (1983), que consiste en una o tres pelotas de baloncesto flotando en agua destilada, un proyecto que el artista había investigado con la ayuda del físico ganador del Premio Nobel Richard Feynman. Los Tanques de Equilibrio Total están completamente llenos de agua destilada y una pequeña cantidad de sal común, para ayudar a las pelotas huecas a permanecer suspendidas en el centro del líquido. En una segunda versión, los Tanques 5050, sólo se llena la mitad del tanque con agua destilada, con lo que las bolas flotan mitad dentro y mitad fuera del agua. Además, Koons concibió y fabricó cinco obras únicas para la serie Encased (1983-199398), esculturas que consisten en balones deportivos apilados (cuatro filas de seis balones de baloncesto cada una, y una fila de seis balones de fútbol) con su embalaje original de cartón en una vitrina de cristal. También forman parte de la serie Equilibrium los carteles con estrellas del baloncesto en anuncios de Nike y 10 objetos de bronce, que representan equipos de salvamento.
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Serie de estatuas
Koons empezó a crear esculturas con juguetes hinchables en la década de 1970. Tomando un conejo hinchable ya hecho, Koons fundió el objeto en acero inoxidable muy pulido, lo que dio lugar a Rabbit (1986), una de sus obras más famosas. Originalmente formaba parte de la colección privada de Ileana Sonnabend, pero hoy Rabbit es propiedad del Museo de Arte Contemporáneo de Chicago. Una prueba de la escultura es propiedad de Eli Broad.
Desde entonces, el Conejo ha vuelto a su forma blanda original, y muchas veces más grande, con más de 15 metros de altura, llevada al aire. El 13 de octubre de 2009, el conejo metálico monocromo gigante utilizado durante el desfile de Acción de Gracias de 2007 de Macy»s se expuso con motivo de la Nuit Blanche en el Eaton Centre de Toronto. Los demás objetos de la serie combinan objetos que Koons encontró en tiendas de souvenirs e imágenes barrocas, jugando así con la distinción entre arte bajo y arte alto.
El 15 de mayo de 2019 Koons estableció el récord de la obra más cara vendida por un artista vivo con la venta de «Rabbit». «Rabbit» se vendió en la casa de subastas Christie»s por 80 millones de dólares, lo que -incluyendo los honorarios del subastador- supuso un precio final de venta de 91.075.000 dólares.
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Serie Lujo y Degradación y Kiepenkerl
Mostrada por primera vez en las exposiciones homónimas de Koons en la efímera International With Monument Gallery, de Nueva York, y en la Daniel Weinberg Gallery, de Los Ángeles, en 1986, la serie Lujo y Degradación es un grupo de obras centradas temáticamente en el alcohol. Este grupo incluía una vitrina de viaje de acero inoxidable para cócteles, un decantador de cristal de Baccarat y otras representaciones hechas a mano de parafernalia relacionada con el alcohol, así como anuncios reimpresos y enmarcados de bebidas como Gordon»s Gin («I Could Go for Something Gordon»s»), Hennessy («Hennessy, The Civilized Way to Lay Down the Law»), Bacardi («Aquí. .. el gran sabor del ron Bacardi»), Dewars («The Empire State of Scotch»), Martell («I Assume You Drink Martell») y Frangelico («Stay in Tonight» y «Find a Quiet Table») en colores seductoramente intensos sobre lienzo Koons se apropió de estos anuncios y los revalorizó recontextualizándolos en obras de arte. Estas obras «ofrecen una crítica a la publicidad tradicional que apoya la visión censuradora de Baudrillard sobre la promiscuidad obscena de los signos de consumo». Otra obra, Jim Beam – J.B. Turner Engine (1986), se basa en una botella conmemorativa y coleccionable con forma de locomotora creada por Jim Beam; sin embargo, Koons se apropió de este modelo y lo fundió en acero inoxidable brillante. El modelo de tren fundido en acero titulado Jim Beam – Baggage Car (1986) contiene incluso bourbon Jim Beam. Con la serie Lujo y Degradación, Koons se inmiscuyó en el ámbito de lo social. Creó una superficie artificial y brillante que representaba un lujo proletario. Se interpretó como una seducción por simulación porque era un lujo falso. Ser el productor de este engaño le llevó a una especie de liderazgo, como él mismo comentó.
El mismo material de acero inoxidable se utilizó para la estatua de Kiepenkerl. Tras ser reconstruida en la década de 1950, la figura del comerciante ambulante fue sustituida por Jeff Koons en 1987 para la exposición decenal Skulptur Projekte. Situada en una céntrica plaza de Münster, la estatua conservó cierto poder cultural como símbolo nostálgico del pasado. Durante el proceso de producción, el taller de fundición donde se fabricaba la pieza quiso golpear la cáscara de cerámica demasiado pronto, lo que provocó que la pieza se doblara y deformara. Koons decidió traer a un especialista y hacer a la pieza una «cirugía plástica radical». Tras esta experiencia se sintió liberado: «Ahora era libre de trabajar con objetos que no existían necesariamente de antemano. Podía crear modelos».
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Serie de la banalidad
Koons pasó entonces a la serie Banalidad. Para este proyecto contrató a talleres de Alemania e Italia que tenían una larga tradición de trabajo en cerámica, porcelana y madera. La serie culminó en 1988 con Michael Jackson y Bubbles, una serie de tres estatuas de porcelana dorada de tamaño natural del cantante sentado y abrazando a Bubbles, su chimpancé mascota. Tres años después, una de ellas se vendió en Sotheby»s Nueva York por 5,6 millones de dólares. Dos de estas esculturas se encuentran ahora en el Museo de Arte Moderno de San Francisco y en el Museo Broad de Arte Contemporáneo (BCAM), en el centro de Los Ángeles. La estatua se incluyó en una retrospectiva de 2004 en el Museo de Arte Moderno Astrup Fearnley de Oslo, que viajó un año después al Museo de Arte de la Ciudad de Helsinki. También figuró en su segunda retrospectiva en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago en 2008. Actualmente, la estatua vuelve a estar en el recién inaugurado Museo de Arte Moderno Astrup Fearnley de Tjuvholmen, en Oslo. Recientemente, su obra Cristo y el cordero (1988) ha sido analizada como un reconocimiento y una crítica al poder espiritual y meditativo del rococó.
Anticipándose a una respuesta poco generosa de la crítica a su exposición de la serie Banality de 1988, con todos sus nuevos objetos realizados en una edición de tres, lo que permitió realizar exposiciones idénticas y simultáneas en galerías de Nueva York, Colonia y Chicago, Koons ideó la serie Art Magazine Ads (1988-89). Colocados en Artforum, Art in America, Flash Art y Art News, los anuncios se diseñaron como promoción de sus propias exposiciones en galerías. Koons también publicó Signature Plate, una edición para la revista Parkett, con una calcomanía fotográfica en colores sobre un plato de porcelana con el borde dorado. La periodista especializada en arte Arifa Akbar informó para The Independent de que «en una época en la que los artistas no eran considerados «estrellas», Koons hizo todo lo posible por cultivar su imagen pública contratando a un asesor de imagen». Con fotografías de Matt Chedgey, Koons colocó «anuncios en revistas de arte internacionales en los que aparecía rodeado de los adornos del éxito» y concedió entrevistas «refiriéndose a sí mismo en tercera persona».
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Serie «Made in Heaven» (Hecho en el cielo)
En 1989, el Museo Whitney y su comisario invitado Marvin Heiferman pidieron a Koons que realizara una obra de arte sobre los medios de comunicación en una valla publicitaria para la exposición «Image World: Arte y cultura mediática». La valla pretendía ser un anuncio de una película no realizada, titulada Made in Heaven. Koons empleó a su entonces esposa Ilona Staller («Cicciolina») como modelo en el rodaje que constituyó la base de la obra resultante para el Whitney, Made in Heaven (1990-91). La serie de enormes fotografías granuladas impresas en lienzos, vidrios y esculturas, que incluía obras como Dirty Ejaculation e Ilona»s Asshole, retrataba a Koons y Staller en posiciones sexuales muy explícitas y creó una considerable controversia. Los cuadros de la serie hacen referencia al arte de los periodos barroco y rococó -entre otros, Gian Lorenzo Bernini, Jean-Honoré Fragonard y François Boucher- y también se inspiran en los avances de pintores de la primera época moderna como Gustave Courbet y Édouard Manet.
La serie se expuso por primera vez en la Bienal de Venecia de 1990. Al parecer, Koons destruyó gran parte de la obra cuando Staller se llevó a su hijo Ludwig a Italia. Para celebrar el 20º aniversario de Made in Heaven, Luxembourg & Dayan decidieron presentar una nueva edición de la serie. El Museo Whitney también expuso varias de las fotografías sobre lienzo en su retrospectiva de 2014.
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Cachorro
Koons no estuvo entre los 44 artistas estadounidenses seleccionados para exponer su obra en la Documenta 9 de 1992, pero tres marchantes le encargaron una obra para el cercano castillo de Arolsen, en Bad Arolsen (Alemania). El resultado fue Puppy, una escultura topiaria de 13 metros de altura de un cachorro de West Highland White Terrier, realizada con una variedad de flores (como caléndulas, begonias, impatiens, petunias y lobelias) sobre una subestructura de acero inoxidable cromado transparente. Las flores autolimpiables crecerían durante el tiempo específico que la pieza estuviera expuesta. El tamaño y el emplazamiento de Puppy -el patio de un palacio barroco- reconocían al público masivo. Tras el estallido que siguió a su serie Made in Heaven, Koons decidió hacer «una imagen que comunicara calidez y amor a la gente». En 1995, en una colaboración entre el Museo de Arte Contemporáneo, Kaldor Public Art Projects y el Festival de Sídney, la escultura se desmontó y se volvió a montar en el Museo de Arte Contemporáneo del puerto de Sídney sobre una nueva armadura de acero inoxidable, más permanente, con un sistema de riego interno. Mientras que el Cachorro de Arolsen tenía 20.000 plantas, la versión de Sídney tenía unas 60.000.
La pieza fue adquirida en 1997 por la Solomon R. Guggenheim Foundation e instalada en la terraza del Museo Guggenheim Bilbao. Antes de la inauguración en el museo, un trío de Euskadi Ta Askatasuna (ETA) disfrazado de jardineros intentó plantar macetas llenas de explosivos cerca de la escultura, pero fue frustrado por el agente de la policía vasca José María Aguirre, que luego fue asesinado a tiros por miembros de ETA. Actualmente, la plaza en la que se encuentra la estatua lleva el nombre de Aguirre. En el verano de 2000, la estatua viajó a Nueva York para una exposición temporal en el Rockefeller Center.
El magnate de los medios de comunicación Peter Brant y su esposa, la modelo Stephanie Seymour, encargaron a Koons la creación de un duplicado de la estatua de Bilbao Puppy (1993) para su finca de Connecticut, el Centro de Estudios Artísticos de la Fundación Brant. En 1998, se lanzó una versión en miniatura de Puppy como jarrón de porcelana blanca esmaltada, en una edición de 3.000 ejemplares.
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Serie de celebraciones
La Celebración de Koons fue para honrar el ardiente y esperado regreso de Ludwig de Roma. Consiste en una serie de esculturas y pinturas a gran escala de perros con globos, corazones de San Valentín, diamantes y huevos de Pascua, y fue concebida en 1994. Algunas de las piezas aún se están fabricando. Cada una de las 20 esculturas diferentes de la serie se presenta en cinco «versiones únicas» de diferentes colores, entre las que se encuentra el huevo agrietado (azul) del artista, que ganó el premio Charles Wollaston 2008 a la obra más distinguida de la exposición de verano de la Royal Academy. Las piezas de Diamond fueron creadas entre 1994 y 2005, hechas de acero inoxidable brillante de siete pies de ancho. Creada en una edición de cinco versiones, su obra posterior Tulipanes (1995-2004) consiste en un ramo de flores de globos multicolores inflados hasta alcanzar proporciones gigantescas (más de 2 m de altura y 5 m de ancho). Koons empezó a trabajar en Balloon Flower en 1995.
Koons quería terminar la serie a tiempo para una exposición en 1996 en el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York, pero la muestra se canceló finalmente debido a los retrasos en la producción y al exceso de costes. Cuando la financiación de «Celebration» se agotó, el personal fue despedido, dejando un equipo mínimo de dos personas: Gary McCraw, el director del estudio de Koons, que llevaba con él desde 1990, y Justine Wheeler, una artista sudafricana, que había llegado en 1995 y acabó haciéndose cargo de la operación de escultura. El artista convenció a sus principales coleccionistas, Dakis Joannou, Peter Brant y Eli Broad, así como a los marchantes Jeffrey Deitch, Anthony d»Offay y Max Hetzler, para que invirtieran mucho en la costosa fabricación de la serie Celebration en Carlson & Company, con sede en el sur de California (incluidas sus series Balloon Dog y Moon), y más tarde en Arnold, una empresa con sede en Frankfurt. Los marchantes financiaron el proyecto en parte vendiendo obras a coleccionistas antes de que fueran fabricadas. En 1999, su escultura «Pink Panther» de 1988 se vendió en una subasta por 1,8 millones de dólares, y volvió a la galería Sonnabend. Muy conscientes de las necesidades y exigencias sin fondo de Koons, Ileana Sonnabend y Antonio Homem, su director de galería e hijo adoptivo, le dieron la bienvenida; probablemente intuyeron (correctamente, resultó) que estaba preparado para un segundo acto glorioso, algo que sólo él, entre su generación de artistas sobrepublicitados, ha conseguido hasta ahora. Sin embargo, Koons ya no se limita a una sola galería. Larry Gagosian, el coloso de los marchantes neoyorquinos, aceptó financiar la realización de toda la obra inacabada de «Celebration», a cambio de los derechos exclusivos de venta.
En 2006, Koons presentó Hanging Heart (Corazón colgante), un corazón de acero muy pulido de 3 metros de altura, que forma parte de una serie de cinco ejemplares de diferentes colores, que forman parte de su serie Celebration. Grandes esculturas de esa serie se expusieron en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York en 2008. Entre las últimas incorporaciones a la serie se encuentran Balloon Swan (2004-2011), un pájaro de acero inoxidable de 3,5 metros de altura, Balloon Rabbit (2005-2010) y Balloon Monkey, todas ellas reconcebidas como formas monumentales hipnóticas.
La serie incluye, además de las esculturas, dieciséis
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Easyfun y Easyfun-Ethereal
Por encargo del Deutsche Guggenheim en 1999, Koons creó los siete primeros cuadros de la nueva serie Easyfun, compuesta por pinturas y esculturas montadas en la pared. En 2001, Koons emprendió una serie de pinturas, Easyfun-Ethereal, con un enfoque de collage que combinaba bikinis, comida y paisajes pintados bajo su supervisión por asistentes. La serie acabó ampliándose a veinticuatro cuadros.
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Split-Rocker
En 2000, Koons diseñó Split-Rocker, su segunda escultura floral hecha de acero inoxidable, tierra, tejido geotextil y un sistema de riego interno, que se expuso por primera vez en el Palacio de los Papas de Aviñón (Francia). Al igual que Puppy, está cubierta de unas 27.000 flores vivas, entre ellas petunias, begonias, impatiens, geranios y caléndulas. Con un peso de 150 toneladas y una altura de 37 pies, Split-Rocker se compone de dos mitades: una basada en un poni de juguete de uno de los hijos de Koons, y la otra en un dinosaurio de juguete. Juntas, forman la cabeza de un gigantesco balancín infantil. Koons produjo solo dos ediciones de la escultura. Desde 2014, posee una de ellas; la otra se exhibe en Glenstone, en Maryland. En el verano de 2014, Split-Rocker se instaló en la Rockefeller Plaza de Nueva York durante varios meses, coincidiendo con la inauguración de la retrospectiva de Koons en el Whitney Museum of American Art.
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Serie Popeye y Hulk Elvis
Las pinturas y esculturas de la serie Popeye, que Koons inició en 2002, presentan las figuras de dibujos animados de Popeye y Olive Oyl. Una de estas piezas es una reproducción en acero inoxidable de una figurita de Popeye fabricada en PVC para el mercado de masas. El artista también volverá a utilizar animales hinchables, esta vez en combinación con escaleras, cubos de basura y vallas. Para crear estas esculturas, los juguetes reciben una capa de revestimiento tras encontrar la forma adecuada. A continuación se hace una copia en papel y se envía a la fundición para que la fundan en aluminio. De vuelta al estudio, las esculturas se pintan para conseguir el aspecto brillante de los hinchables originales. Para estas instalaciones surrealistas, Acrobat en particular, Koons se inspiró en el imaginista de Chicago H.C. Westermann. La escultura de Popeye fue adquirida por el multimillonario Steve Wynn por 28 millones de dólares y se exhibe en la entrada del hotel y casino Encore Boston Harbor de Wynn.
Hulk Elvis es una serie de obras de Jeff Koons creadas entre 2004 y 2014. Las obras van desde esculturas de bronce mecanizadas con precisión -inspiradas en un hinchable del popular héroe de cómic y extruidas en tres dimensiones- hasta pinturas al óleo a gran escala. El título de la serie de obras combina el popular héroe de cómic Hulk con el icono pop Elvis. La triple imagen de la figura de Hulk recuerda a la serigrafía Triple Elvis (1963) de Andy Warhol, tanto en lo que respecta a la multiplicación como a la postura de la figura de Hulk.
Según el artista, la serie Hulk Elvis, con su imagen fuerte y heroica de Hulk, representa «un cuerpo de trabajo con mucha testosterona». Koons también percibe la serie como «un puente entre Oriente y Occidente», ya que podría establecerse un paralelismo entre el héroe del cómic Hulk y los dioses guardianes asiáticos.
Las obras tridimensionales Hulk (Friends) y Hulks (Bell) (ambas de 2004 a 2012) presentan a unos Increíbles Hulks aparentemente hinchables que en realidad pesan casi una tonelada cada uno y están hechos de bronce y madera. La escultura Hulk (Organ) (2004-2014) incluye un instrumento musical totalmente funcional cuyos potenciales sonidos profundos coinciden con el aspecto poderoso y masculino de la figura.
Los cuadros de la serie son collages hechos con varias capas de photoshop. Las imágenes van desde paisajes abstractos hasta elementos de la iconografía estadounidense (trenes, caballos, carruajes) y comprenden personajes como Hulk o un mono de plástico hinchable. Las pinturas de paisajes suelen tener un contenido sexual explícito o implícito. Por ejemplo, un burdo dibujo lineal recurrente de una vulva remite a L»Origine du Monde (1866) de Courbets.
La serie Hulk Elvis ha sido expuesta en varias sedes artísticas internacionales como la Gagosian Gallery de Londres (2007), la Gagosian Gallery de Hong Kong, China (2014) y la Österreichische Galerie Belvedere de Viena, Austria (2015).
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Serie Antigüedad
Haciendo referencia a la antigua estatua de mármol romana Venus Calipigia, Venus Metálica (2010-2012) estaba hecha de acero inoxidable con alto contenido de cromo, con un revestimiento de color transparente y plantas vivas en flor.
En el centro de cada escena de los cuadros de Antigüedad (2009-2013) hay una famosa escultura antigua o clásica, meticulosamente representada en pintura al óleo y a escala del mismo tamaño que las esculturas. Los fondos, igualmente detallados, incluyen una visión arcádica. En Ballerinas (2010-2014), Koons representa figuras de bailarinas, derivadas de la porcelana decorativa, a la imponente escala de la escultura clásica.
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Trabajos recientes
Para la temporada 2007-2008 en la Ópera Estatal de Viena, Jeff Koons diseñó el cuadro a gran escala (176 metros cuadrados) Geisha como parte de la serie de exposiciones «Safety Curtain», concebida por el museo en curso. Koons trabajó con la intérprete de pop estadounidense Lady Gaga en su álbum de estudio Artpop de 2013, incluyendo la creación de su portada con una escultura que hizo de Lady Gaga.En septiembre de 2014, la publicación bianual de arte y cultura GARAGE Magazine publicó la primera obra de arte digital de Jeff Koons para la portada de su edición impresa. La obra, titulada Lady Bug, es una escultura de realidad aumentada que solo puede verse en dispositivos móviles a través de una aplicación de GARAGE Magazine, que permite a los espectadores explorar la obra desde diversos ángulos como si estuvieran encima de ella.
En 2012, Koons compró Advanced Stone Technologies, una rama de la división de piedra del Instituto Técnico de Escultura Johnson Atelier, sin ánimo de lucro. Trasladó el taller de piedra de alta tecnología de Nueva Jersey a un espacio más grande, de 5.600 m2, en Morrisville, en el condado de Bucks (Pensilvania). Las instalaciones existen únicamente para fabricar las obras de Koons en piedra.
En 2013 Koons creó la escultura Gazing Ball (Hércules Farnesio), inspirada en el Hércules Farnesio. La escultura está hecha de yeso blanco y puede interpretarse como una perpetuación del colorismo en la forma de ver el mundo antiguo.
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Otros proyectos
En 1999, Koons encargó una canción sobre sí mismo en el álbum Stars Forever de Momus.
Un dibujo similar a sus Tulip Balloons se colocó en la página principal del motor de búsqueda de Internet Google. El dibujo saludó a todos los que visitaron la página principal de Google el 30 de abril y el 1 de mayo de 2008.
En 2006, Koons apareció en Artstar, una serie de televisión sin guión ambientada en el mundo del arte de Nueva York. Tuvo un papel secundario en la película Milk, de 2008, interpretando al asambleísta estatal Art Agnos.
En septiembre de 2012, el gobernador de Nueva York, Andrew Cuomo, encargó a Koons la tarea de ayudar a revisar los diseños de un nuevo puente Tappan Zee.
A finales de 2016, Koons desveló los planes para Bouquet of Tulips, una escultura conmemorativa de 11 metros de altura en París, modelada a partir de la Estatua de la Libertad, en honor a las víctimas de los atentados de noviembre de 2015.
Koons actuó como comisario de una exposición de Ed Paschke en la Galería Gagosian de Nueva York en 2009. También comisarió una exposición en 2010 de obras de la colección privada del multimillonario griego Dakis Joannou en el New Museum de Nueva York. La exposición, Skin Fruit: Selecciones de la colección de Dakis Joannou, generó un debate sobre el amiguismo en el mundo del arte, ya que Koons es un coleccionista importante de Joannou y anteriormente había diseñado el exterior del yate Guilty de Joannou.
Koons fue el artista designado para diseñar el decimoséptimo de la serie de «Art Cars» de BMW. Su obra de arte se aplicó a un BMW M3 E92 de competición y se presentó al público en el Centro Pompidou de París el 2 de junio de 2010. Con el apoyo de BMW Motorsport, el coche compitió en las 24 horas de Le Mans de 2010 en Francia.
En 1989, Koons y su colega Martin Kippenberger trabajaron juntos en un número de la revista de arte Parkett; al año siguiente, Koons diseñó un cartel de exposición para Kippenberger.
En 2013, Koons colaboró con la cantautora y artista de performance estadounidense Lady Gaga para su tercer álbum de estudio, ARTPOP. La portada del álbum muestra una escultura de Gaga desnuda hecha por Koons detrás de una escultura de bola azul, y piezas de otras obras de arte en el fondo como el Nacimiento de Venus pintado por Sandro Botticelli, que inspiró la imagen de Gaga a través de la nueva era, incluso en su video musical para «Applause» y la actuación de la canción en los MTV Video Music Awards 2013. La imagen de la portada se desveló pieza a pieza en una campaña de marketing social en la que sus fans tenían que tuitear el hashtag de Twitter «
En abril de 2017, Jeff Koons colaboró con la casa de moda de lujo francesa Louis Vuitton para la «Colección de Maestros» y diseñó una serie de bolsos y mochilas con las reproducciones de sus obras maestras favoritas de los antiguos maestros, como Leonardo da Vinci, Tiziano, Vincent van Gogh, Peter Paul Rubens y Jean-Honoré Fragonard. Este mismo año presentó otro puñado de bolsos y accesorios con reproducciones de obras de Claude Monet, J. M. W. Turner, Édouard Manet, Paul Gauguin y François Boucher. Los precios oscilan entre los 585 dólares del llavero y los 4.000 dólares del bolso grande.
Koons también ha realizado algunos encargos relacionados con el vino. En diciembre de 2012, Chateau Mouton Rothschild anunció que Koons era el artista de la etiqueta de su cosecha 2010, una tradición que se inició en 1946. Otros artistas que han diseñado etiquetas son Pablo Picasso, Francis Bacon, Salvador Dalí y Joan Miró, entre otros. En agosto de 2013, Dom Pérignon lanzó su cosecha de 2004, con una edición especial realizada por Koons, así como un estuche hecho a medida llamado «Balloon Venus». Su precio de venta recomendado es de 15.000 euros.
Del 15 de febrero al 6 de marzo de 2008, Koons donó una visita privada a su estudio a la Fundación de Enfermedades Hereditarias para su subasta en Charitybuzz. De sus diseños Tulipán 2010 de edición limitada para Kiehl»s Crème de Corps, una parte de la recaudación se destinó al Koons Family Institute, una iniciativa del Centro Internacional para Niños Desaparecidos y Explotados. Desde que comenzó su relación con el Centro Internacional, Koons ha donado más de 4,3 millones de dólares al Instituto que lleva el nombre de su familia.
Desde la instalación de una ventana en 1980 en el Nuevo Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York, la obra de Koons se ha exhibido ampliamente a nivel internacional en exposiciones individuales y colectivas. En 1986, participó en una exposición colectiva con Peter Halley, Ashley Bickerton, Ross Minoru Laing y Meyer Vaisman en la Sonnabend Gallery de Nueva York. En 1997, la parisina Galerie Jerome de Noirmont organizó su primera exposición individual en Europa. Su serie Made in Heaven se expuso por primera vez en la Bienal de Venecia en 1990.
Como joven artista, Koons participó en muchas exposiciones comisariadas por Richard Milazzo, como The New Capital en White Columns en 1984, Paravision en la Galería Postmasters en 1985, Cult and Decorum en la Galería Tibor De Nagy en 1986, Time After Time en la Galería Diane Brown en 1986, Spiritual America en CEPA en 1986 y Art at the End of the Social en The Rooseum, Malmö, Suecia en 1988. Estas exposiciones se realizarían junto a otros artistas notables como Ross Bleckner, Joel Otterson y Kevin Larmon.
Sus exposiciones individuales en museos incluyen el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago (1988), el Walker Art Center de Minneapolis (1993), el Deutsche Guggenheim de Berlín (2000), la Kunsthaus Bregenz (2001), el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles (2003) y una retrospectiva en el Museo de Arte Moderno Astrup Fearnley de Oslo (2004), que viajó al Museo de Arte de la Ciudad de Helsinki (2005). En 2008, la serie Celebration se expuso en la Neue Nationalgalerie de Berlín y en la azotea del Metropolitan Museum of Art.
Considerada como su primera retrospectiva en Francia, la exposición de 2008 de 17 esculturas de Koons en el Castillo de Versalles también supuso la primera muestra ambiciosa de un artista estadounidense contemporáneo organizada por el castillo. El New York Times informó de que «varias docenas de personas se manifestaron a las puertas del palacio» en una protesta organizada por un grupo poco conocido de derechas dedicado a la pureza artística francesa. También se criticó que el noventa por ciento de los 2,8 millones de dólares de financiación de la exposición procedían de mecenas privados, principalmente François Pinault.
La retrospectiva de Koons del 31 de mayo al 21 de septiembre de 2008 en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, ampliamente difundida por la prensa, batió el récord de asistencia del museo con 86.584 visitantes. La exposición incluía numerosas obras de la colección del MCA, junto con pinturas y esculturas recientes del artista. La exposición retrospectiva refleja el compromiso del MCA con la obra de Koons, ya que presentó la primera encuesta americana del artista en 1988. Para la última exposición en su edificio Marcel Breuer, el Museo Whitney tiene previsto presentar una retrospectiva de Koons en colaboración con el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles y el Centro Pompidou de París.
En julio de 2009, Koons celebró su primera gran exposición individual en Londres, en la Serpentine Gallery. Titulada Jeff Koons: Popeye Series, la exposición incluía modelos de aluminio fundido de juguetes de piscina para niños y «pinturas densas y realistas de Popeye sosteniendo su lata de espinacas o fumando su pipa, con una langosta roja asomando sobre su cabeza».
En mayo de 2012, Koons celebró su primera gran exposición individual en Suiza, en el Museo Beyeler de Basilea, titulada Jeff Koons. Se muestran obras de tres series: The New,Banality y Celebration, así como la escultura florida Split-Rocker.
También en 2012, Jeff Koons. The Painter en la Schirn Kunsthalle de Fráncfort se centró principalmente en el desarrollo del artista como pintor, mientras que en la muestra Jeff Koons. The Sculptor en la Liebieghaus de Fráncfort, las esculturas de Jeff Koons entraron en diálogo con el edificio histórico y una colección de esculturas que abarca cinco milenios. Juntas, ambas exposiciones constituyen la mayor muestra de la obra de Koons hasta la fecha.
El artista disfrutó de una retrospectiva en 2014 en el Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York. Scott Indrisek, que escribe para ARTINFO.com, la describe como «descarada, bastante entretenida y tan digerible como un paquete de M&Ms».
En 2019 se celebró una exposición llamada Jeff Koons at the Ashmolean en el Museo Ashmolean de Oxford, Reino Unido.
Koons recibió el Premio Cultural BZ de la ciudad de Berlín en 2000 y la Medalla Skowhegan de Escultura en 2001. Fue nombrado Caballero de la Legión de Honor francesa en 2002 y ascendido a Oficial en 2007. Recibió un doctorado honorífico de la Escuela del Instituto de Arte de Chicago en 2008. En 2008 recibió el Premio Wollaston de la Real Academia de las Artes de Londres. En 2013 recibió la Medalla de las Artes del Departamento de Estado de Estados Unidos. En 2014, Koons recibió el Golden Plate Award de la American Academy of Achievement presentado por el miembro del Consejo de Premios Wayne Thiebaud durante la Cumbre Internacional de Logros en San Francisco. En 2017 aceptó el premio anual de miembro honorario por su destacada contribución a la cultura visual de la Sociedad Edgar Wind de la Universidad de Oxford.
Koons es ampliamente coleccionado en América y Europa, donde algunos coleccionistas adquieren su obra en profundidad. Eli Broad tiene 24 piezas, y Dakis Joannou posee unas 38 obras de todas las etapas de la carrera del artista.
Koons ha estado representado por marchantes como Mary Boone (1979-1980), Sonnabend Gallery (1986-2021), Galerie Max Hetzler, Jérôme de Noirmont y Gagosian Gallery. El derecho exclusivo a la venta primaria de la serie «Celebración» lo tuvo durante mucho tiempo la Galería Gagosian, su distribuidor dominante durante muchos años. Desde 2021, Pace Gallery representa a Koons en exclusiva en todo el mundo.
Muchas de las obras de Koons se han vendido en subastas privadas. Sus récords en subasta se han conseguido principalmente con sus esculturas (especialmente las de su serie Celebration), mientras que sus pinturas son menos populares. En 2001, una de sus tres esculturas de porcelana de Michael Jackson y Bubbles se vendió por 5,6 millones de dólares. El 14 de noviembre de 2007, Hanging Heart (MagentaGold), de la colección de Adam Lindemann, una de las cinco en diferentes colores, se vendió en Sotheby»s Nueva York por 23,6 millones de dólares, convirtiéndose en ese momento en la pieza más cara de un artista vivo jamás subastada. La compró la galería Gagosian de Nueva York, que el día anterior había adquirido otra escultura de Koons, Diamond (Blue), por 11,8 millones de dólares en Christie»s Londres. Al parecer, Gagosian compró ambas obras de la serie Celebration por encargo del oligarca ucraniano del acero Victor Pinchuk. En julio de 2008, su obra Balloon Flower (Magenta), de 3,3 metros (1995-2000), de la colección de Howard y Cindy Rachofsky, también se vendió en Christie»s Londres por un récord de subasta de 25,7 millones de dólares. En total, Koons fue el artista que más vendió en subasta, con 81,3 millones de euros de ventas en el año hasta junio de 2008.
Sin embargo, durante la recesión de finales de la década de 2000, los precios del arte se desplomaron y las ventas en subasta de obras de gran valor de Koons cayeron un 50% en 2009. Un corazón colgante violeta se vendió por 11 millones de dólares en una venta privada. Sin embargo, los precios de las series anteriores del artista, Lujo y Degradación, parecen mantenerse. The Economist informó de que Thomas H. Lee, un inversor de capital privado, vendió Jim Beam J.B. Turner Train (1986) en un paquete negociado por Giraud Pissarro Segalot por más de 15 millones de dólares. En 2012, Tulipanes (1995-2004) alcanzó un precio de subasta récord para Koons en Christie»s, vendiéndose a un postor telefónico por 33,6 millones de dólares, muy por encima de su estimación máxima de 25 millones de dólares. En Christie»s, en 2015, el óleo sobre lienzo Triple Elvis (2009) estableció un récord mundial en subasta para un cuadro del artista, al conseguir 8.565.000 dólares, más de 5 millones de dólares más que el máximo anterior. El conejo de acero inoxidable de Koons (1986) se vendió por 91,1 millones de dólares en una subasta en 2019, convirtiéndose en la obra más cara vendida por un artista vivo en una subasta.
En 2018, el coleccionista de arte y multimillonario Steven Tananbaum presentó una demanda contra Koons y la galería Gagosian por no haber entregado tres esculturas, Balloon Venus, Eros y Diana, por las que pagó 13 millones de dólares. Poco después, el productor de Hollywood Joel Silver presentó una demanda similar contra Gagosion y Koons por no entregar una escultura de 8 millones de dólares en 2014. Ambas demandas se resolvieron en 2019 y 2020.
Entre los comisarios y coleccionistas de arte, así como en el mundo del arte, la obra de Koons se califica de neo-pop o post-pop como parte de un movimiento de los años 80 en reacción al arte reducido del minimalismo y el conceptualismo de la década anterior. Koons se resiste a estos comentarios: «Un espectador podría ver a primera vista ironía en mi obra… pero yo no veo ninguna. La ironía provoca demasiada contemplación crítica». Koons rechaza cualquier significado oculto en sus obras.
Ha causado controversia por la elevación del kitsch desvergonzado al ámbito del alto arte, explotando temas más desechables que, por ejemplo, las latas de sopa Campbell de Warhol. Su obra Balloon Dog (1994-2000) se basa en globos retorcidos para dar forma a un perro de juguete.
El teórico Samito Jalbuena escribió: «Desde el principio de su controvertida carrera, Koons dio un vuelco a la noción tradicional de arte por dentro y por fuera. Centrándose en objetos banales como modelos, cuestionó los estándares de los valores normativos en el arte y, en cambio, abrazó las vulnerabilidades de las jerarquías estéticas y los sistemas de gustos».
Koons ha recibido reacciones polarizadas a su obra. La crítica Amy Dempsey describió su Balloon Dog como «una presencia impresionante… un enorme y duradero monumento». Jerry Saltz, de artnet.com, ha comentado estar «asombrado por el virtuosismo técnico y la explosión visual» del arte de Koons. Koons estaba entre los nombres de la lista de Blake Gopnik de 2011 «Los 10 artistas más importantes de la actualidad», y Gopnik argumentaba: «Incluso después de 30 años, las mezclas de Koons de lo alto y lo bajo -un perro anudado con globos, luego ampliado en un monumento público; un busto de tamaño natural de Michael Jackson y su chimpancé en porcelana dorada y blanca- siguen siendo significativas.»
Mark Stevens, de The New Republic, lo describió como un «artista decadente que carece de la voluntad imaginativa para hacer algo más que trivializar y poner en cursiva sus temas y la tradición en la que trabaja… Es otro de los que sirven a los ricos horteras». Michael Kimmelman, de The New York Times, vio «un último y patético suspiro del tipo de autopromoción y sensacionalismo que caracterizó lo peor de la década de 1980» y calificó la obra de Koons de «artificial», «barata» y «descaradamente cínica».
En un artículo en el que comparaba la escena del arte contemporáneo con el mundo del espectáculo, el reconocido crítico Robert Hughes escribió que Koons es
una manifestación extrema y autocomplaciente de la santurronería que acompaña a los grandes capitales. Koons se cree realmente Miguel Ángel y no tiene reparos en decirlo. Lo significativo es que hay coleccionistas, especialmente en Estados Unidos, que se lo creen. Tiene la viscosa seguridad, el burdo parloteo sobre la trascendencia a través del arte, de un bautista resabiado que vende hectáreas de pantano en Florida. Y el resultado es que no se puede imaginar la cultura singularmente depravada de Estados Unidos sin él.
Hughes situó la obra de Koons justo por encima de la de Seward Johnson y en un artículo del New York Times se le citó diciendo que comparar sus carreras era «como debatir los méritos de los excrementos de perro frente a los de gato».
Ha influido en artistas más jóvenes como Damien Hirst (por ejemplo, en el Himno de Hirst, una versión de 5,5 m de un juguete anatómico de 0,36 m), Jack Daws y Mona Hatoum. A su vez, su ampliación extrema de objetos mundanos es deudora de Claes Oldenburg y Coosje van Bruggen. Gran parte de su obra también está influida por los artistas que trabajaban en Chicago durante sus estudios en el Instituto de Arte, como Jim Nutt, Ed Paschke y H. C. Westermann.
En 2005 fue elegido miembro de la Academia Americana de las Artes y las Ciencias.
Koons ha sido demandado en varias ocasiones por infracción de los derechos de autor por el uso de imágenes preexistentes, obras originales de otros, en su obra. En el caso Rogers v. Koons, 960 F.2d 301 (2d Cir. 1992), el Tribunal de Apelación de los Estados Unidos para el Segundo Circuito confirmó una sentencia contra él por el uso de una fotografía de cachorros como base para una escultura, String of Puppies.
Koons también perdió los juicios en United Features Syndicate, Inc. v. Koons, 817 F. Supp. 370 (S.D.N.Y. 1993), y Campbell v. Koons, No. 91 Civ. 6055, 1993 WL 97381 (S.D.N.Y. 1 de abril de 1993).
Ganó un juicio, Blanch v. Koons, No. 03 Civ. 8026 (LLS), S.D.N.Y., 1 de noviembre de 2005 (slip op.), confirmada por el Segundo Circuito en octubre de 2006, interpuesta por su uso de un anuncio fotográfico como material de partida para las piernas y los pies en un cuadro, Niagara (2000). El tribunal dictaminó que Koons había transformado suficientemente el anuncio original para que se considerara un uso legítimo de la imagen original.
En 2015, Koons se enfrentó a las acusaciones de haber utilizado la foto de 1986 del fotógrafo Mitchel Gray para Gordon»s Gin en uno de sus cuadros de Lujo y Degradación sin permiso ni compensación.
En 2018, un tribunal francés dictaminó que su obra de 1988 Fait d»Hiver, que representa a un cerdo de pie sobre una mujer que está tumbada de espaldas, había copiado un anuncio de una cadena de ropa y declaró a Koons y al Centro Pompidou culpables de infringir los derechos de autor del fotógrafo Franck Davidovici. Esta decisión fue confirmada en 2021 en apelación. El resultado es que la obra, propiedad de la Foundazione Prada, no puede exponerse en Francia y el museo y el artista no pueden mostrar reproducciones fotográficas en línea (sin una sanción de 600 euros al día). Además, el museo y el artista han sido condenados a pagar conjuntamente 190.000 euros y la editorial 14.000 euros.
En 2019, un tribunal francés dictaminó que su obra 1988 Naked, que representa a un niño ofreciendo flores a una niña, ambos desnudos, había infringido los derechos de autor de una fotografía de postal de 1975 del artista francés Jean-Francois Bauret.
Koons también ha acusado a otros de infringir los derechos de autor, alegando que una librería de San Francisco infringió sus derechos de autor sobre Balloon Dogs al vender sujetalibros con forma de perros de globo. Koons retiró la demanda después de que el abogado de la librería presentara una moción para solicitar una reparación declaratoria en la que afirmaba: «Como puede atestiguar prácticamente cualquier payaso, nadie es dueño de la idea de hacer un perro de globo, y la forma creada al retorcer un globo en forma de perro forma parte del dominio público».
La escultura de Koons de una bailarina se parece a la pieza Ballerina Lenochka, creada por la artista ucraniana Oksana Zhnykrup en 1974.
En una demanda de 2021 presentada ante el Tribunal de Distrito de los Estados Unidos para el Distrito Sur de Nueva York, el artista Michael Hayden, que realizó en 1988 una escultura de una serpiente enrollada en una roca para Ilona Staller, alegó que Koons utilizó ilegalmente la escultura en sus obras.
Koons es miembro del Consejo de Administración del Centro Internacional para Niños Desaparecidos y Explotados (ICMEC), una organización mundial sin ánimo de lucro que lucha contra la explotación sexual infantil, la pornografía infantil y el secuestro de niños. En 2007, Koons, junto con su esposa Justine, fundó el Instituto de la Familia Koons del ICMEC sobre Derecho y Política Internacional.
Tras el fin de su primer matrimonio, en 1994, con la actriz italiana de origen húngaro Ilona Staller, ésta se marchó a Italia con el hijo de ambos, de dos años de edad, incumpliendo una orden judicial estadounidense. Koons se pasó cinco años reclamando la patria potestad. El Tribunal Supremo italiano falló a favor de Staller. Posteriormente, Koons creó el Instituto de la Familia Koons. En 2008, Staller demandó a Koons por no pagar la manutención de su hijo.
Mientras estudiaba en el Maryland Institute College of Art, Koons tuvo una hija, Shannon Rodgers. La pareja dio a la niña en adopción. Rodgers se reencontró con Koons en 1995.
En 1991 se casó con la estrella de la pornografía húngara nacionalizada italiana Ilona Staller (Cicciolina), que en ese momento era diputada en el Parlamento italiano (1987-1992). Koons colaboró con Staller en la realización de las pinturas y esculturas «Made in Heaven» en varios medios, con la esperanza de hacer una película. Mientras mantenían una casa en Manhattan, Koons y Staller vivían en Múnich. En 1992, tuvieron un hijo, Ludwig. El matrimonio terminó poco después en medio de acusaciones de que Koons había sometido a Staller a abusos físicos y emocionales.
Koons está casado con Justine Wheeler, una artista y antigua empleada que empezó a trabajar en el estudio de Koons en 1995. La pareja tiene seis hijos. La familia vive actualmente en una casa adosada del Upper East Side.
Koons donó 50.000 dólares a Correct the Record, un Super PAC que apoyó la campaña presidencial de Hillary Clinton en 2016 en junio de 2016.
Fuentes
