John Ford
Mary Stone | enero 11, 2023
Resumen
John Martin Feeney (1 de febrero de 1894 – 31 de agosto de 1973), conocido profesionalmente como John Ford, fue un director de cine y oficial de la marina estadounidense. Es famoso por películas del Oeste como La diligencia (1939), The Searchers (1956) y El hombre que mató a Liberty Valance (1962) y por adaptaciones de novelas clásicas estadounidenses del siglo XX como Las uvas de la ira (1940). Recibió seis premios de la Academia, cuatro de ellos al mejor director.
En una carrera de más de 50 años, Ford dirigió más de 140 películas (aunque la mayoría de sus películas mudas se han perdido) y está ampliamente considerado como uno de los cineastas más importantes e influyentes de su generación. La obra de Ford fue muy apreciada por sus colegas, con Akira Kurosawa, Orson Welles e Ingmar Bergman entre los que le nombraron uno de los mejores directores de todos los tiempos.
Ford utilizó con frecuencia el rodaje en exteriores y las tomas amplias, en las que sus personajes aparecían enmarcados en un terreno natural vasto, duro y accidentado.
Ford nació como John Martin «Jack» Feeney (aunque más tarde solía dar su nombre de pila como Seán Aloysius, a veces con el apellido O»Feeny u Ó Fearna; un equivalente irlandés de Feeney) en Cape Elizabeth, Maine, hijo de John Augustine Feeney y Barbara «Abbey» Curran, el 1 de febrero de 1894 (aunque en ocasiones decía 1895 y esa fecha está inscrita erróneamente en su lápida). Su padre, John Augustine, nació en Spiddal, Barbara Curran nació en las islas Aran, en la localidad de Kilronan, en la isla de Inishmore (Inis Mór). Se dice que la abuela de John A. Feeney, Barbara Morris, pertenecía a una rama empobrecida de una familia de la nobleza irlandesa, los Morris de Spiddal (encabezada en la actualidad por lord Killanin).
John Augustine y Barbara Curran llegaron a Boston y Portland respectivamente en mayo y junio de 1872. Presentaron sus intenciones de casarse el 31 de julio de 1875, y se convirtieron en ciudadanos estadounidenses cinco años más tarde, el 11 de septiembre de 1880. La familia de John Augustine Feeney residía en la calle Sheridan, en el barrio irlandés de Munjoy Hill en Portland, Maine, y su padre trabajaba en diversos oficios para mantener a la familia: agricultor, pescador, obrero de la compañía de gas, tabernero y concejal. John y Barbara tuvieron once hijos: Mamie (Bridget, 1883-1884; Barbara, nacida y fallecida en 1888; Edward, nacido en 1889; Josephine, nacida en 1891; Hannah (y Daniel, nacido y fallecido en 1896 (o 1898).
Feeney estudió en el Portland High School de Portland, Maine, donde jugó de fullback y tackle defensivo. Se ganó el apodo de «Bull» (toro) porque, según dicen, se bajaba el casco y cargaba contra la línea. Un pub de Portland se llama Bull Feeney»s en su honor. Más tarde se trasladó a California y en 1914 empezó a trabajar en la producción de películas y a actuar para su hermano mayor Francis, adoptando «Jack Ford» como nombre profesional. Además de los papeles acreditados, apareció sin acreditar como miembro del Ku Klux Klan en El nacimiento de una nación (1915), de D. W. Griffith.
Se casó con Mary McBride Smith el 3 de julio de 1920 y tuvieron dos hijos. Su hija Barbara estuvo casada con el cantante y actor Ken Curtis de 1952 a 1964. El matrimonio entre Ford y Smith duró toda la vida a pesar de varios problemas, uno de ellos que Ford era católico mientras que ella era una divorciada no católica. No está claro qué dificultades causó esto, ya que se discute el nivel de compromiso de Ford con la fe católica. Otra tensión fueron las numerosas relaciones extramatrimoniales de Ford.
Ford comenzó su carrera en el cine tras mudarse a California en julio de 1914. Siguió los pasos de su polifacético hermano mayor Francis Ford, doce años mayor que él, que se había marchado de casa años antes y había trabajado en el vodevil antes de convertirse en actor de cine. Francis participó en cientos de películas mudas para cineastas como Thomas Edison, Georges Méliès y Thomas Ince, y acabó convirtiéndose en un destacado actor, guionista y director de Hollywood con su propia productora (101 Bison) en Universal.
Ford empezó a trabajar en las películas de su hermano como ayudante, manitas, doble de acción y actor ocasional, a menudo como doble de su hermano, al que se parecía mucho. Francis dio a su hermano pequeño su primer papel como actor en La rosa misteriosa (noviembre de 1914). A pesar de una relación a menudo combativa, en tres años Jack había progresado hasta convertirse en el ayudante jefe de Francis y a menudo trabajaba como su cámara. Para cuando Jack Ford tuvo su primera oportunidad como director, el perfil de Francis estaba decayendo y poco después dejó de trabajar como director.
Una característica notable de las películas de Ford es que utilizaba una «compañía fija» de actores, mucho más que muchos directores. Muchas estrellas famosas aparecieron en al menos dos o más películas de Ford, como Harry Carey Sr. (protagonista de 25 películas mudas de Ford), Will Rogers, John Wayne, Henry Fonda, Maureen O»Hara, James Stewart, Woody Strode, Richard Widmark, Victor McLaglen, Vera Miles y Jeffrey Hunter. Muchos de sus actores secundarios aparecieron en varias películas de Ford, a menudo durante varias décadas, como Ben Johnson, Chill Wills, Andy Devine, Ward Bond, Grant Withers, Mae Marsh, Anna Lee, Harry Carey Jr., Ken Curtis, Frank Baker, Dolores del Río, Pedro Armendáriz, Hank Worden, John Qualen, Barry Fitzgerald, Arthur Shields, John Carradine, O. Z. Whitehead y Carleton Young. Los principales miembros de esta «troupe» ampliada, incluidos Ward Bond, John Carradine, Harry Carey Jr, Mae Marsh, Frank Baker y Ben Johnson, eran conocidos informalmente como la John Ford Stock Company.
Asimismo, Ford disfrutó de largas relaciones laborales con su equipo de producción, y muchos de sus miembros trabajaron con él durante décadas. Realizó numerosas películas con los mismos colaboradores principales, entre ellos el productor y socio Merian C. Cooper, los guionistas Nunnally Johnson, Dudley Nichols y Frank S. Nugent, y los directores de fotografía Ben F. Reynolds, John W. Brown y George Schneiderman (que entre ambos rodaron la mayoría de las películas mudas de Ford), Joseph H. August, Gregg Toland, Winton Hoch, Charles Lawton Jr., Bert Glennon, Archie Stout y William H. Clothier. La mayoría de las películas de posguerra de Ford fueron editadas por Jack Murray hasta la muerte de éste en 1961. Otho Lovering, que había trabajado por primera vez con Ford en Stagecoach (1939), se convirtió en el editor principal de Ford tras la muerte de Murray.
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La era del silencio
Durante su primera década como director, Ford trabajó en docenas de largometrajes (incluidos muchos westerns), pero sólo diez de las más de sesenta películas mudas que rodó entre 1917 y 1928 se conservan íntegras. Sin embargo, en los últimos años se han redescubierto en archivos cinematográficos extranjeros copias de varias películas mudas de Ford que se creían perdidas. En 2009 se redescubrió en el Archivo Cinematográfico de Nueva Zelanda una colección de 75 películas mudas de Hollywood, entre las que se encontraba la única copia que se conserva de la comedia muda de Ford Upstream (Río arriba), de 1927. La copia fue restaurada en Nueva Zelanda por la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas antes de ser devuelta a Estados Unidos, donde fue «reestrenada» en el Teatro Samuel Goldwyn de Beverly Hills el 31 de agosto de 2010, con una nueva partitura de Michael Mortilla.
A lo largo de su carrera, Ford fue uno de los directores más ocupados de Hollywood, pero fue extraordinariamente productivo en sus primeros años como director -realizó diez películas en 1917, ocho en 1918 y quince en 1919- y dirigió un total de 62 cortometrajes y largometrajes entre 1917 y 1928, aunque en la mayoría de sus primeras películas no se le concedieron créditos en pantalla.
Existe cierta incertidumbre sobre la identidad de la primera película de Ford como director -el escritor cinematográfico Ephraim Katz señala que Ford podría haber dirigido la película en cuatro partes Lucille, la camarera, ya en 1914-, pero la mayoría de las fuentes citan su debut como director con el filme mudo en dos tiempos The Tornado, estrenado en marzo de 1917. Según la propia historia de Ford, el jefe de la Universal, Carl Laemmle, le encargó el trabajo y supuestamente le dijo: «Dale el trabajo a Jack Ford, grita bien». A Tornado le siguieron rápidamente una serie de «quickies» de dos y tres largometrajes: The Trail of Hate, The Scrapper, The Soul Herder y Cheyenne»s Pal, que se rodaron en el espacio de unos pocos meses y normalmente en sólo dos o tres días. The Soul Herder también destaca por ser el comienzo de la asociación de cuatro años y 25 películas de Ford con el veterano guionista y actor Harry Carey, quien (junto con el hermano de Ford, Francis) ejerció una fuerte influencia temprana en el joven director, además de ser una de las principales influencias en el personaje de John Wayne, protegido de Ford. El hijo de Carey, Harry «Dobe» Carey Jr., que también llegó a ser actor, fue uno de los amigos más íntimos de Ford en años posteriores y apareció en muchos de sus westerns más célebres.
La primera producción de largometraje de Ford fue Straight Shooting (Agosto de 1917), que es también su primera película completa como director, y una de las dos únicas supervivientes de su colaboración de veinticinco películas con Harry Carey. En la realización de la película, Ford y Carey ignoraron las órdenes del estudio y entregaron cinco rollos en lugar de dos, y sólo gracias a la intervención de Carl Laemmle la película se libró de ser cortada en su primer estreno, aunque posteriormente fue editada a dos rollos para su reestreno a finales de los años veinte. Durante mucho tiempo se pensó que la última película de Ford de 1917, Bucking Broadway, se había perdido, pero en 2002 se descubrió la única copia conocida en los archivos del Centro Nacional de Cinematografía de Francia, y desde entonces ha sido restaurada y digitalizada.
Ford dirigió unas treinta y seis películas a lo largo de tres años para la Universal antes de trasladarse al estudio William Fox en 1920; su primera película para ellos fue Just Pals (1920). Su película de 1923 Cameo Kirby, protagonizada por el ídolo de la pantalla John Gilbert -otra de las pocas películas de cine mudo de Ford que han sobrevivido-, supuso su primer crédito como director con el nombre de «John Ford», en lugar de «Jack Ford», como había sido acreditado anteriormente.
El primer gran éxito de Ford como director fue el drama histórico El caballo de hierro (1924), un relato épico de la construcción del primer ferrocarril transcontinental. Fue una producción grande, larga y difícil, rodada en Sierra Nevada. La logística era enorme: se construyeron dos ciudades enteras, había 5.000 extras, 100 cocineros, 2.000 ferroviarios, un regimiento de caballería, 800 indios, 1.300 búfalos, 2.000 caballos, 10.000 cabezas de ganado y 50.000 propiedades, entre ellas la diligencia original utilizada por Horace Greeley, la pistola derringer de Wild Bill Hickok y réplicas de las locomotoras «Júpiter» y «119» que se encontraron en Promontory Summit cuando se unieron los dos extremos de la línea el 10 de mayo de 1869.
Eddie, el hermano de Ford, formaba parte del equipo y se peleaban constantemente; en una ocasión, Eddie «persiguió al viejo con el mango de un pico». Sólo había una breve sinopsis escrita cuando empezó el rodaje y Ford escribió y rodó la película día a día. La producción se retrasó por el mal tiempo y el intenso frío, y los ejecutivos de la Fox exigieron repetidamente resultados, pero Ford rompía los telegramas o los sostenía y hacía que el pistolero Edward «Pardner» Jones agujereara el nombre del remitente. A pesar de las presiones para que detuviera la producción, el jefe del estudio, William Fox, apoyó finalmente a Ford y le permitió terminar la película. La apuesta le salió muy bien: El caballo de hierro se convirtió en una de las películas más taquilleras de la década, con más de 2 millones de dólares en todo el mundo, frente a un presupuesto de 280.000 dólares.
Ford rodó una amplia gama de películas en este periodo, y se hizo muy conocido por sus películas del Oeste y «fronterizas», pero el género perdió rápidamente su atractivo para los grandes estudios a finales de la década de 1920. El último western mudo de Ford fue 3 Bad Men (1926), ambientado en la fiebre por las tierras de Dakota y rodado en Jackson Hole, Wyoming, y en el desierto de Mojave. Pasarían trece años antes de que rodara su siguiente película, La diligencia, en 1939.
Durante la década de 1920, Ford también fue presidente de la Motion Picture Directors Association, precursora de la actual Directors Guild of America.
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Cine sonoro: 1928-1939
Ford fue uno de los directores pioneros del cine sonoro; rodó la primera canción de Fox cantada en pantalla, para su película Mother Machree (esta película también es notable por ser la primera de Ford en la que aparece el joven John Wayne (como extra sin acreditar) y apareció como extra en varias de las películas de Ford durante los dos años siguientes. Por otra parte, Hangman»s House (1928) destaca por ser la primera aparición confirmada en pantalla de John Wayne en una película de Ford, interpretando a un espectador excitado durante la secuencia de la carrera de caballos.
Justo antes de que el estudio se pasara al cine sonoro, la Fox contrató al director alemán F. W. Murnau, y su película Amanecer: A Song of Two Humans (1927), aún muy apreciada por la crítica, tuvo un poderoso efecto en Ford. La influencia de Murnau puede verse en muchas de las películas de Ford de finales de los años veinte y principios de los treinta. Cuatro hijos (1928) se rodó en algunos de los fastuosos decorados que habían quedado de la producción de Murnau.
En noviembre de ese año, Ford dirigió el primer largometraje dramático sonoro de Fox Napoleon»s Barber (1928), un 3-reeler que ahora se considera una película perdida. A Napoleon»s Barber le siguieron sus dos últimos largometrajes mudos Riley the Cop, ambos estrenados con partituras sincronizadas y efectos sonoros, el último de los cuales se ha perdido (aunque el libro de Tag Gallagher recoge que la única copia superviviente de Strong Boy, una copia en nitrato de 35 mm, se rumoreaba que se encontraba en una colección privada de Australia). The Black Watch (1929), una aventura del ejército colonial ambientada en el paso de Khyber y protagonizada por Victor McLaglen y Myrna Loy, es el primer largometraje hablado de Ford; fue rehecha en 1954 por Henry King como King of the Khyber Rifles.
La producción de Ford fue bastante constante desde 1928 hasta el comienzo de la Segunda Guerra Mundial; rodó cinco largometrajes en 1928 y luego hizo dos o tres películas cada año desde 1929 hasta 1942, ambos inclusive. En 1929 estrenó tres películas: Strong Boy, The Black Watch y Salute. Sus tres películas de 1930 fueron Men Without Women, Born Reckless y Up the River, que destaca por ser la ópera prima de Spencer Tracy y Humphrey Bogart, fichados por la Fox por recomendación de Ford (la última, adaptada de la novela de Sinclair Lewis y protagonizada por Ronald Colman y Helen Hayes, supuso el primer reconocimiento de Ford en los premios de la Academia, con cinco nominaciones, incluida la de mejor película).
La legendaria eficacia de Ford y su habilidad para crear películas que combinaran el arte con un fuerte atractivo comercial le granjearon un renombre cada vez mayor. En 1940 era reconocido como uno de los directores de cine más importantes del mundo. Su creciente prestigio se reflejaba en su remuneración: en 1920, cuando se trasladó a la Fox, cobraba entre 300 y 600 dólares semanales. Cuando su carrera despegó a mediados de los años veinte, sus ingresos anuales aumentaron considerablemente. Ganó casi 134.000 dólares en 1929, y más de 100.000 dólares al año entre 1934 y 1941, hasta alcanzar la asombrosa cifra de 220.068 dólares en 1938, más del doble del salario del Presidente de Estados Unidos de la época (aunque seguía siendo menos de la mitad de los ingresos de Carole Lombard, la estrella mejor pagada de Hollywood en los años treinta, que ganaba unos 500.000 dólares al año por aquel entonces).
Con la producción cinematográfica afectada por la Depresión, Ford hizo dos películas en 1932 y 1933: Air Mail (para Universal), con un joven Ralph Bellamy, y Flesh (para MGM), con Wallace Beery. En 1933, volvió a la Fox para Pilgrimage y Doctor Bull, la primera de sus tres películas con Will Rogers.
El drama sobre el desierto de la Primera Guerra Mundial La patrulla perdida (1934), basado en el libro Patrol de Philip MacDonald, fue un remake superior de la película muda de 1929 La patrulla perdida. Estaba protagonizada por Victor McLaglen en el papel de El Sargento -el papel interpretado por su hermano Cyril McLaglen en la versión anterior-, Boris Karloff, Wallace Ford, Alan Hale y Reginald Denny (que fundó una empresa de aviones teledirigidos durante la Segunda Guerra Mundial). Fue uno de los primeros grandes éxitos de Ford en la era del sonido: tanto el National Board of Review como The New York Times la calificaron como una de las diez mejores películas de ese año y obtuvo una nominación al Oscar por su conmovedora partitura de Max Steiner. Ese mismo año le siguieron The World Moves On, con Madeleine Carroll y Franchot Tone, y la exitosa Judge Priest, su segunda película con Will Rogers, que se convirtió en una de las más taquilleras del año.
La primera película de Ford en 1935 (realizada para Columbia) fue la comedia de identidad equivocada The Whole Town»s Talking, con Edward G. Robinson y Jean Arthur, estrenada en el Reino Unido como Passport to Fame, y que recibió elogios de la crítica. Steamboat Round The Bend fue su tercera y última película con Will Rogers; es probable que hubieran seguido trabajando juntos, pero su colaboración se vio truncada por la prematura muerte de Rogers en un accidente de aviación en mayo de 1935, que dejó devastado a Ford.
Ford confirmó su posición entre los mejores directores estadounidenses con el drama El informador (1935), protagonizado por Victor McLaglen e influenciado por Murnau. Recibió grandes elogios de la crítica, fue nominada a la Mejor Película, le valió a Ford su primer Oscar al Mejor Director y fue aclamada en su momento como una de las mejores películas jamás rodadas, aunque su reputación ha disminuido considerablemente en comparación con otras candidatas como Ciudadano Kane o la posterior The Searchers (1956) del propio Ford.
El prisionero de Shark Island (1936), de gran carga política y que supuso el debut con Ford del veterano John Carradine, exploró la historia poco conocida de Samuel Mudd, un médico que se vio envuelto en la conspiración del asesinato de Abraham Lincoln y fue enviado a una prisión en alta mar por tratar al herido John Wilkes Booth. Otras películas de este periodo son el melodrama de los Mares del Sur El huracán (1937) y el desenfadado vehículo de Shirley Temple Wee Willie Winkie (1937), cada una de las cuales tuvo una recaudación en su primer año en EE.UU. de más de un millón de dólares. Durante el rodaje de Wee Willie Winkie, Ford mandó construir elaborados decorados en el Iverson Movie Ranch de Chatsworth (California), un rancho de rodaje intensivo asociado sobre todo con los seriales y las películas del Oeste de serie B, que se convertiría, junto con Monument Valley, en uno de los lugares de rodaje preferidos del director, y un sitio al que Ford volvería en los años siguientes para La diligencia y Las uvas de la ira.
La versión revisada más larga de Directed by John Ford, emitida en Turner Classic Movies en noviembre de 2006, cuenta con la participación de los directores Steven Spielberg, Clint Eastwood y Martin Scorsese, que sugieren que la serie de películas clásicas que Ford dirigió entre 1936 y 1941 se debió en parte a una intensa relación extramatrimonial de seis meses con Katharine Hepburn, la protagonista de Mary of Scotland (1936), un drama isabelino de disfraces.
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1939-1941
La diligencia (1939) fue el primer western de Ford desde 3 Bad Men en 1926, y el primero sonoro. Orson Welles afirmó que vio La diligencia cuarenta veces para prepararse para rodar Ciudadano Kane. Sigue siendo una de las películas de Hollywood más admiradas e imitadas, sobre todo por su culminante persecución en diligencia y la espeluznante escena del salto del caballo, interpretada por el especialista Yakima Canutt.
El guión de Dudley Nichols y Ben Hecht se basaba en una historia de Ernest Haycox que Ford había visto en la revista Collier»s y cuyos derechos adquirió por sólo 2.500 dólares. El jefe de producción, Walter Wanger, instó a Ford a contratar a Gary Cooper y Marlene Dietrich para los papeles principales, pero finalmente aceptó la decisión de Ford de dar el papel de Dallas a Claire Trevor y el de Ringo a un desconocido, su amigo John Wayne.
Al rodar La diligencia, Ford se enfrentó a los arraigados prejuicios de la industria sobre el ahora manido género que él había contribuido a popularizar. Aunque los estudios «Poverty Row» seguían produciendo un gran número de westerns y seriales de bajo presupuesto, el género había caído en desgracia entre los grandes estudios durante la década de 1930 y, en el mejor de los casos, se consideraban películas «pulp» de segunda. Por ello, Ford estuvo negociando el proyecto en Hollywood durante casi un año, ofreciéndoselo sin éxito tanto a Joseph Kennedy como a David O. Selznick, antes de contactar finalmente con Walter Wanger, un productor independiente que trabajaba a través de United Artists.
La diligencia es importante por varias razones: acabó con los prejuicios de la industria al convertirse en un éxito comercial y de crítica, recaudando más de un millón de dólares en su primer año (frente a un presupuesto de poco menos de 400.000 dólares), y su éxito (junto con los westerns de 1939 Destry Rides Again, con James Stewart y Marlene Dietrich, Union Pacific, de Cecil B. DeMille, Union Pacific, con Joel McCrea, y Dodge City, de Michael Curtiz, con Erroll Flynn), revitalizó el moribundo género, demostrando que los westerns podían ser «inteligentes, ingeniosos, un gran entretenimiento y rentables». Fue nominada a siete premios de la Academia, entre ellos el de mejor película y mejor director, y ganó dos Oscar, al mejor actor de reparto (Thomas Mitchell) y a la mejor banda sonora. La diligencia fue el primero de los siete westerns clásicos de Ford rodados en Monument Valley, con secuencias adicionales rodadas en otro de los lugares favoritos de Ford, el Iverson Movie Ranch de Chatsworth, California, donde había rodado gran parte de Wee Willie Winkie dos años antes. Ford combinó hábilmente Iverson y Monument Valley para crear las imágenes icónicas del Oeste americano.
John Wayne tenía buenas razones para estar agradecido por el apoyo de Ford; La diligencia proporcionó al actor el gran avance en su carrera que le elevó al estrellato internacional. A lo largo de 35 años, Wayne apareció en 24 películas de Ford y tres episodios de televisión. A Ford se le atribuye un papel fundamental en la formación de la imagen de Wayne en la pantalla. Louise Platt, miembro del reparto, en una carta en la que relataba la experiencia de la producción de la película, citaba a Ford hablando del futuro de Wayne en el cine: «Será la mayor estrella de la historia porque es el perfecto »hombre corriente»».
La diligencia marcó el comienzo de la fase de mayor éxito de la carrera de Ford: en sólo dos años, entre 1939 y 1941, creó una serie de películas clásicas que ganaron numerosos premios de la Academia. La siguiente película de Ford, el biopic El joven Lincoln (1939), protagonizada por Henry Fonda, tuvo menos éxito que La diligencia, atrajo poca atención de la crítica y no ganó ningún premio. No fue un gran éxito de taquilla, aunque tuvo una respetable recaudación nacional en su primer año de 750.000 dólares, pero Tag Gallagher, estudioso de Ford, la describe como «una obra más profunda y con más niveles que La diligencia… (que) parece, en retrospectiva, una de las mejores películas de preguerra».
Drums Along the Mohawk (también fue la primera película en color de Ford e incluyó contribuciones no acreditadas al guión de William Faulkner. Fue un gran éxito de taquilla, con una recaudación de 1,25 millones de dólares en su primer año en Estados Unidos, y le valió a Edna May Oliver una nominación al Oscar a la mejor actriz de reparto por su interpretación.
A pesar de su intransigente postura humanista y política, la adaptación cinematográfica de Ford de Las uvas de la ira de John Steinbeck (con guión de Nunnally Johnson y fotografía de Gregg Toland) fue un gran éxito de taquilla y de crítica, y sigue considerándose una de las mejores películas de Hollywood de la época. El célebre crítico Andrew Sarris la describió como la película que transformó a Ford de «narrador de la pantalla en poeta laureado del cine americano». Tercera película de Ford en un año y tercera consecutiva con Fonda, recaudó 1,1 millones de dólares en EE.UU. en su primer año y ganó dos premios de la Academia: el segundo Oscar al «Mejor Director» para Ford y el de «Mejor Actriz de Reparto» para Jane Darwell por su interpretación de Ma Joad. Durante la producción, Ford regresó al Iverson Movie Ranch de Chatsworth, California, para filmar una serie de tomas clave, incluida la imagen fundamental que muestra la primera visión completa de la familia emigrante de las fértiles tierras de labranza de California, representadas por el valle de San Fernando visto desde el Iverson Ranch.
A Las uvas de la ira siguieron dos películas de menor éxito y menos conocidas. The Long Voyage Home (1940), al igual que La diligencia, fue realizada con Walter Wanger a través de United Artists. Adaptación de cuatro obras de Eugene O»Neill, el guión corrió a cargo de Dudley Nichols y Ford, en consulta con O»Neill. Aunque no tuvo un gran éxito de taquilla (recaudó sólo 600.000 dólares en su primer año), fue elogiada por la crítica y fue nominada a siete premios de la Academia: mejor película, mejor guión (Nichols), mejor música, partitura original (Richard Hageman), mejor fotografía (Gregg Toland), mejor montaje (Sherman Todd), mejores efectos (fotos de la película decoraban su casa y, según se dice, a O»Neill también le encantaba la película y la proyectaba periódicamente).
Tobacco Road (1941) fue una comedia rural con guión de Nunnally Johnson, adaptación de la versión teatral de Jack Kirkland de la novela de Erskine Caldwell. Protagonizada por el veterano actor Charley Grapewin, el reparto incluía a Ward Bond y Mae Marsh, habituales de Ford, y a Francis Ford en un pequeño papel no acreditado; también destaca por las primeras apariciones en pantalla de las futuras estrellas Gene Tierney y Dana Andrews. Aunque no fue muy apreciada por algunos críticos (Tag Gallagher sólo le dedica un breve párrafo en su libro sobre Ford), tuvo bastante éxito en taquilla, recaudando 900.000 dólares en su primer año. La película fue prohibida en Australia.
El último largometraje de Ford antes de que Estados Unidos entrara en la Segunda Guerra Mundial fue la adaptación cinematográfica de Qué verde era mi valle (1941), protagonizada por Walter Pidgeon, Maureen O»Hara y Roddy McDowell en el papel de Huw. El guión fue escrito por Philip Dunne a partir de la exitosa novela de Richard Llewellyn. En un principio se planeó como una epopeya de cuatro horas que rivalizara con Lo que el viento se llevó -sólo los derechos de pantalla le costaron a la Fox 300.000 dólares- y que iba a rodarse en Gales, pero se abandonó debido a los intensos bombardeos alemanes sobre Gran Bretaña. La búsqueda de localizaciones en el sur de California llevó a construir el decorado del pueblo en los terrenos del Crags Country Club (más tarde el rancho de la Fox, hoy núcleo del Malibu Creek State Park). Otro factor fue el nerviosismo de los ejecutivos de la Fox por el tono pro-sindical de la historia. William Wyler fue contratado inicialmente para dirigirla, pero abandonó el proyecto cuando la Fox decidió rodarla en California; Ford fue contratado en su lugar y la producción se pospuso varios meses hasta que estuvo disponible. El productor Darryl F. Zanuck tuvo una gran influencia en la película y tomó varias decisiones clave, como la idea de que el personaje de Huw narrara la película con voz en off (entonces un concepto novedoso), y la decisión de que el personaje de Huw no envejeciera (Tyrone Power estaba previsto inicialmente para interpretar al Huw adulto).
Qué verde era mi valle se convirtió en una de las películas más taquilleras de 1941. Fue nominada a diez premios de la Academia, entre ellos el de mejor actriz de reparto (Sara Allgood), mejor montaje, mejor guión, mejor música y mejor sonido, y ganó cinco Oscar: mejor director, mejor película, mejor actor de reparto (Donald Crisp), mejor fotografía en blanco y negro (Arthur C. Miller) y mejor dirección artística.
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Años de guerra
Durante la Segunda Guerra Mundial, Ford fue jefe de la unidad fotográfica de la Oficina de Servicios Estratégicos y realizó documentales para el Departamento de Marina. Fue nombrado comandante de la Reserva Naval de los Estados Unidos. Durante esta época ganó otros dos premios de la Academia, uno por el semidocumental La batalla de Midway (1942), y otro por la película propagandística El 7 de diciembre: La película (1943). Ford filmó el ataque japonés a Midway desde la central eléctrica de Sand Island y resultó herido en el brazo izquierdo por una bala de ametralladora.
Ford también estuvo presente en la playa de Omaha el Día D. Cruzó el Canal de la Mancha a bordo del USS Plunkett (DD-431), que fondeó frente a Omaha Beach a las 06.00 horas. Observó el desembarco de la primera oleada en la playa desde el barco, desembarcando él mismo en la playa más tarde con un equipo de camarógrafos de la Guardia Costera que filmaron la batalla desde detrás de los obstáculos de la playa, con Ford dirigiendo las operaciones. La película se editó en Londres, pero apenas se hizo pública. Ford explicó en una entrevista de 1964 que el Gobierno de EE.UU. tenía «miedo de mostrar tantas bajas estadounidenses en la pantalla», y añadió que toda la película del Día D «todavía existe en color almacenada en Anacostia, cerca de Washington, D.C.». Treinta años después, el historiador Stephen E. Ambrose informó de que el Eisenhower Center había sido incapaz de encontrar la película. En 2014, los Archivos Nacionales de Estados Unidos desenterraron una película que coincidía con la descripción de Ford.
Con el tiempo, Ford se convirtió en uno de los principales asesores del jefe de la OSS, William Joseph Donovan. Según los archivos publicados en 2008, Ford fue citado por sus superiores por su valentía, al tomar una posición para filmar una misión que era «un objetivo obvio y claro». Sobrevivió a «continuos ataques y fue herido» mientras seguía filmando, según consta en una de las menciones de su expediente. En 1945, Ford firmó declaraciones juradas que atestiguaban la integridad de las películas filmadas para documentar las condiciones de los campos de concentración nazis.
Su última película de guerra fue They Were Expendable (MGM, 1945), un relato de la desastrosa derrota de Estados Unidos en Filipinas, contado desde el punto de vista de un escuadrón de lanchas torpederas y su comandante. Ford creó un papel para el convaleciente Ward Bond, que necesitaba dinero. Aunque se le vio durante toda la película, nunca caminó hasta que pusieron una parte en la que le disparaban en la pierna. Durante el resto de la película, pudo utilizar una muleta en la marcha final. Ford declaró en repetidas ocasiones que la película no le gustaba y que nunca la había visto, quejándose de que le habían obligado a hacerla, aunque fue muy defendida por el cineasta Lindsay Anderson. Estrenada varios meses después del final de la guerra, estuvo entre las 20 películas más taquilleras del año, aunque Tag Gallagher señala que muchos críticos han afirmado erróneamente que perdió dinero.
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Carrera de posguerra
Después de la guerra, Ford siguió siendo oficial de la Reserva de la Marina de los Estados Unidos. Volvió al servicio activo durante la guerra de Corea, y fue ascendido a contralmirante el día que dejó el servicio.
Ford dirigió dieciséis largometrajes y varios documentales en la década comprendida entre 1946 y 1956. Al igual que en su carrera de antes de la guerra, sus películas alternaron entre (relativos) fracasos de taquilla y grandes éxitos, pero la mayoría de sus últimas películas obtuvieron sólidos beneficios, y Fort Apache, El hombre tranquilo, Mogambo y The Searchers se situaron entre las 20 películas más taquilleras de sus respectivos años.
La primera película de posguerra de Ford, Mi querida Clementine (Fox, 1946), era una versión romántica de la leyenda primigenia del Oeste de Wyatt Earp y el Tiroteo en el O.K. Corral, con secuencias exteriores filmadas en el visualmente espectacular (pero geográficamente inapropiado) Monument Valley. Volvió a reunir a Ford con Henry Fonda (como Earp) y coprotagonizó Victor Mature en uno de sus mejores papeles como el consumista y amante de Shakespeare Doc Holliday, con Ward Bond y Tim Holt como los hermanos Earp, Linda Darnell como la sensual saloon girl Chihuahua, una fuerte actuación de Walter Brennan (en un raro papel de villano) como el venenoso Old Man Clanton, con Jane Darwell y una temprana aparición en pantalla de John Ireland como Billy Clanton. En contraste con la serie de éxitos de 1939-1941, no ganó ningún premio estadounidense importante, aunque fue galardonada con una cinta de plata a la mejor película extranjera en 1948 por el Sindicato Nacional de Periodistas Cinematográficos de Italia, y fue un sólido éxito financiero, recaudando 2,75 millones de dólares en Estados Unidos y 1,75 millones de dólares internacionalmente en su primer año de estreno.
Al rechazar un lucrativo contrato ofrecido por Zanuck en 20th Century Fox que le habría garantizado 600.000 dólares anuales, Ford se lanzó como director-productor independiente y realizó muchas de sus películas en este periodo con Argosy Pictures Corporation, que era una sociedad entre Ford y su viejo amigo y colega Merian C. Cooper. Ford y Cooper habían trabajado anteriormente con la distinta Argosy Corporation, creada tras el éxito de Stagecoach (Argosy Corporation produjo una película, The Long Voyage Home (1940), antes de que interviniera la Segunda Guerra Mundial. El fugitivo (1947), de nuevo protagonizada por Fonda, fue el primer proyecto de Argosy Pictures. Se trataba de una adaptación libre de El poder y la gloria, de Graham Greene, que Ford había pensado rodar en la Fox antes de la guerra, con Thomas Mitchell como sacerdote. Rodada en México, fue fotografiada por el distinguido director de fotografía mexicano Gabriel Figueroa (que más tarde trabajó con Luis Buñuel). El reparto incluía a Dolores del Río, J. Carrol Naish, Ward Bond, Leo Carrillo y Mel Ferrer (que debutaba en la pantalla) y un elenco de extras principalmente mexicanos. Ford la consideraba su mejor película, pero le fue relativamente mal en comparación con su predecesora, recaudando sólo 750.000 dólares en su primer año. También provocó un distanciamiento entre Ford y el guionista Dudley Nichols que puso fin a su exitosa colaboración. El propio Greene sentía una especial aversión por esta adaptación de su obra.
Fort Apache (Argosy
Durante ese año, Ford también ayudó a su amigo y colega Howard Hawks, que estaba teniendo problemas con su película Red River (protagonizada por John Wayne) y, al parecer, Ford le hizo numerosas sugerencias de montaje, incluido el uso de un narrador. A Fort Apache le siguió otro western, 3 Padrinos, un remake de una película muda de 1916 protagonizada por Harry Carey (a quien estaba dedicada la versión de Ford), que el propio Ford ya había rehecho en 1919 como Marked Men, también con Carey y que se creía perdida. Estaba protagonizada por John Wayne, Pedro Armendáriz y Harry «Dobe» Carey Jr (en uno de sus primeros papeles importantes) como tres forajidos que rescatan a un bebé después de que su madre (Mildred Natwick) muera al dar a luz, con Ward Bond como el sheriff que los persigue. El tema recurrente del sacrificio también puede encontrarse en Los proscritos de Poker Flat, Tres padrinos, El golpe, Senderos desesperados, Corazones de roble, Hombres malos, Hombres sin mujer.
En 1949, Ford regresó brevemente a la Fox para dirigir Pinky. Preparó el proyecto pero sólo trabajó un día antes de caer enfermo, supuestamente de herpes zóster, y Elia Kazan le sustituyó (aunque Tag Gallagher sugiere que la enfermedad de Ford fue un pretexto para abandonar la película, que a Ford no le gustaba).
Su única película terminada de ese año fue la segunda entrega de su Trilogía de la Caballería, She Wore a Yellow Ribbon (Argosy
La primera película de Ford en 1950 fue la comedia militar When Willie Comes Marching Home, protagonizada por Dan Dailey y Corinne Calvet, con William Demarest, de la compañía de Preston Sturges, y las primeras apariciones en pantalla (sin acreditar) de Alan Hale Jr. y Vera Miles. Le siguió Wagon Master, protagonizada por Ben Johnson y Harry Carey Jr, que es especialmente notable por ser la única película de Ford desde 1930 que él mismo guionizó. Posteriormente fue adaptada a la serie de televisión Wagon Train (con Ward Bond en el papel principal hasta su repentina muerte en 1960). Aunque su éxito fue mucho menor que el de la mayoría de sus otras películas de este periodo, Ford citó Wagon Master como su favorita de todas sus películas, y dijo a Peter Bogdanovich que «se acercaba más a lo que yo había esperado conseguir».
Río Grande (Republic, 1950), tercera parte de la «Trilogía de la Caballería», estaba coprotagonizada por John Wayne y Maureen O»Hara, y el hijo de Wayne, Patrick Wayne, debutaba en la pantalla (apareció en varias películas posteriores de Ford, incluida The Searchers). Se rodó ante la insistencia de Republic Pictures, que exigía un western rentable como condición para respaldar el siguiente proyecto de Ford, El hombre tranquilo. Prueba de la legendaria eficiencia de Ford, Río Grande se rodó en sólo 32 días, con 352 tomas de 335 cámaras, y fue un éxito rotundo, recaudando 2,25 millones de dólares en su primer año.
La inquietud de Republic se disipó con el rotundo éxito de El hombre tranquilo (Republic, 1952), un proyecto favorito que Ford había querido realizar desde los años treinta (y estuvo a punto de hacerlo en 1937 con una cooperativa independiente llamada Renowned Artists Company). Se convirtió en su película más taquillera hasta la fecha, recaudando casi 4 millones de dólares sólo en Estados Unidos en su primer año y situándose entre las 10 películas más taquilleras de su año. Fue nominada a siete premios de la Academia y le valió a Ford su cuarto Oscar al Mejor Director, así como un segundo Oscar a la Mejor Fotografía para Winton Hoch. Le siguió ¿Qué precio tiene la gloria? (1952), un drama sobre la Primera Guerra Mundial, la primera de las dos películas que Ford rodó con James Cagney (Mister Roberts fue la otra), que también obtuvo buenos resultados en taquilla (2 millones de dólares).
The Sun Shines Bright (1953), la primera película de Ford en el Festival de Cannes, era una comedia dramática del oeste con Charles Winninger en el papel del juez Priest que Will Rogers hizo famoso en los años treinta. Ford se refirió más tarde a ella como una de sus favoritas, pero tuvo una mala acogida y fue recortada drásticamente (de 90 a 65 minutos) por Republic poco después de su estreno, con algunas escenas eliminadas que ahora se dan por perdidas. Su fracaso en taquilla contribuyó a la posterior quiebra de Argosy Pictures.
La siguiente película de Ford fue la aventura romántica Mogambo (MGM, 1953), un flojo remake de la célebre película de 1932 Polvo rojo. Rodada en África, fue fotografiada por el director de fotografía británico Freddie Young y protagonizada por Clark Gable, viejo amigo de Ford, Ava Gardner, Grace Kelly (que sustituyó a un enfermo Gene Tierney) y Donald Sinden. Aunque la producción fue difícil (agravada por la irritante presencia del entonces marido de Gardner, Frank Sinatra), Mogambo se convirtió en uno de los mayores éxitos comerciales de la carrera de Ford, con la mayor recaudación nacional en el primer año de cualquiera de sus películas (también revitalizó la menguante carrera de Gable y obtuvo nominaciones al Oscar a la Mejor Actriz y a la Mejor Actriz de Reparto para Gardner y Kelly (de quien se rumoreaba que había tenido un breve romance con Gable durante el rodaje de la película).
En 1955, Ford realizó el drama menos conocido de West Point The Long Gray Line para Columbia Pictures, la primera de las dos películas de Ford en las que actuó Tyrone Power, que originalmente había sido programado para interpretar al adulto Huw en How Green Was My Valley en 1941. Más tarde, en 1955, Ford fue contratado por Warner Bros para dirigir la comedia naval Mister Roberts, protagonizada por Henry Fonda, Jack Lemmon, William Powell y James Cagney, pero hubo conflicto entre Ford y Fonda, que había interpretado el papel principal en Broadway durante los últimos siete años y tenía recelos sobre la dirección de Ford. Durante una reunión a tres bandas con el productor Leland Hayward para intentar solucionar los problemas, Ford se enfureció y golpeó a Fonda en la mandíbula, haciéndole caer al otro lado de la habitación, una acción que creó una brecha duradera entre ellos. Tras el incidente, Ford se volvió cada vez más taciturno, bebía mucho y acabó retirándose a su yate, el Araner, y negándose a comer o a ver a nadie. La producción se interrumpió durante cinco días y Ford se recuperó, pero poco después sufrió una rotura de la vesícula biliar, por lo que tuvo que ser operado de urgencia, y fue sustituido por Mervyn LeRoy.
Ford también hizo sus primeras incursiones en televisión en 1955, dirigiendo dos dramas de media hora para la cadena. En el verano de 1955 rodó Rookie of the Year (con guión de Frank S. Nugent, protagonizada por John y Pat Wayne, Vera Miles y Ward Bond, y con el propio Ford en la introducción). En noviembre rodó The Bamboo Cross (protagonizada por Jane Wyman con un reparto asiático-americano y los veteranos de la Stock Company Frank Baker y Pat O»Malley en papeles secundarios).
Ford regresó a la gran pantalla con The Searchers (Warner Bros, 1956), la única película del Oeste que rodó entre 1950 y 1959, considerada hoy no sólo como una de sus mejores películas, sino también por muchos como uno de los mejores westerns, y una de las mejores interpretaciones de la carrera de John Wayne. Rodada en Monument Valley, narra la historia del amargado veterano de la Guerra Civil Ethan Edwards, que pasa años buscando a su sobrina, secuestrada por los comanches cuando era una niña. El reparto incluía a Jeffrey Hunter, Ward Bond, Vera Miles y la estrella en ciernes Natalie Wood. Fue la primera película de Hunter para Ford. Tuvo mucho éxito en su estreno y se convirtió en una de las 20 películas más taquilleras del año, recaudando 4,45 millones de dólares, aunque no recibió ninguna nominación a los Oscar. Sin embargo, su reputación ha crecido enormemente a lo largo de los años: en 2008, el American Film Institute la nombró la mejor película del Oeste de todos los tiempos y, en 2007, la incluyó en el puesto 12 de la lista de las 100 mejores películas de todos los tiempos. The Searchers ha ejercido una gran influencia en el cine y la cultura popular: ha inspirado (y ha sido citada directamente) por muchos cineastas, entre ellos David Lean y George Lucas, el eslogan del personaje de Wayne «That»ll be the day» inspiró a Buddy Holly para escribir su famosa canción homónima, y el grupo británico de pop The Searchers también tomó su nombre de la película.
The Searchers fue acompañada de uno de los primeros documentales de rodaje, un programa promocional en cuatro partes creado para el segmento «Detrás de la cámara» del programa semanal de televisión Warner Bros. Presents (la primera incursión del estudio en la televisión) que se emitió en la cadena ABC en 1955-56. Presentado por Gig Young, los cuatro segmentos incluían entrevistas con Jeffrey Hunter y Natalie Wood e imágenes entre bastidores rodadas durante el rodaje de la película. Presentados por Gig Young, los cuatro segmentos incluían entrevistas con Jeffrey Hunter y Natalie Wood e imágenes entre bastidores rodadas durante el rodaje de la película.
Las alas de las águilas (MGM, 1957) era una biografía ficticia de un viejo amigo de Ford, el aviador convertido en guionista Frank «Spig» Wead, que había guionizado varias de las primeras películas sonoras de Ford. La protagonizaron John Wayne y Maureen O»Hara, con Ward Bond en el papel de John Dodge (un personaje basado en el propio Ford). Le siguió una de las películas menos conocidas de Ford, The Growler Story, un documental dramatizado de 29 minutos sobre el USS Growler. Realizado para la Marina estadounidense y filmado por el Grupo de Cámara de Combate del Mando de la Flota del Pacífico, en él aparecían Ward Bond y Ken Curtis junto a personal real de la Marina y sus familias.
Las dos siguientes películas de Ford se distinguen en cierto modo del resto de sus filmes en términos de producción, y cabe destacar que no cobró salario alguno por ninguno de los dos trabajos. The Rising of the Moon (Warner Bros, 1957) fue una película «ómnibus» de tres partes rodada en Irlanda y basada en cuentos irlandeses. Fue realizada por Four Province Productions, una empresa creada por el magnate irlandés Lord Killanin, que acababa de convertirse en Presidente del Comité Olímpico Internacional, y con quien Ford tenía un parentesco lejano. Killanin fue también el productor (no acreditado) de El hombre tranquilo. La película no recuperó sus costes, ganando menos de la mitad (100.000 dólares) de su coste negativo de algo más de 256.000 dólares, y suscitó cierta controversia en Irlanda.
Las dos películas de Ford de 1958 se hicieron para Columbia Pictures y ambas se apartaron significativamente de la norma de Ford. Gideon»s Day (titulada Gideon of Scotland Yard en Estados Unidos) fue una adaptación de la novela del escritor británico John Creasey. Es la única película de género policíaco de Ford y una de las pocas ambientadas en la década de 1950. Se rodó en Inglaterra con un reparto británico encabezado por Jack Hawkins, a quien Ford elogió como «el mejor actor dramático con el que he trabajado». La película no fue bien promocionada por Columbia, que sólo la distribuyó en blanco y negro, aunque estaba rodada en color, y tampoco fue rentable en su primer año, ya que sólo obtuvo 400.000 dólares de un presupuesto de 453.000 dólares.
The Last Hurrah, (Columbia, 1958), de nuevo ambientada en el presente de los años 50, fue protagonizada por Spencer Tracy, que había hecho su primera aparición cinematográfica en Up The River, de Ford, en 1930. Tracy interpreta a un político envejecido que lucha por su última campaña, con Jeffrey Hunter como su sobrino. Se dice que Katharine Hepburn facilitó un acercamiento entre los dos hombres, poniendo fin a una larga enemistad, y convenció a Tracy para que aceptara el papel principal, que originalmente se había ofrecido a Orson Welles (pero fue rechazado por el agente de Welles sin su conocimiento, muy a su pesar). La recaudación en su primer año fue de 950.000 dólares, aunque Anna Lee, miembro del reparto, declaró que Ford estaba «decepcionado con la película» y que Columbia no le había permitido supervisar el montaje.
Corea: Campo de batalla por la libertad (1959), el segundo documental de Ford sobre la guerra de Corea, fue realizado para el Departamento de Defensa de Estados Unidos como película de orientación para los soldados estadounidenses destinados allí.
Le siguió su último largometraje de la década, The Horse Soldiers (Mirisch Company-United Artists, 1959), una historia de la Guerra Civil fuertemente ficcionalizada protagonizada por John Wayne, William Holden y Constance Towers. Aunque Ford manifestó su descontento con el proyecto, fue un éxito comercial, estrenándose en el número 1 y situándose entre las 20 películas más taquilleras del año, recaudando 3,6 millones de dólares en su primer año, y haciendo que Ford cobrara los honorarios más altos de su carrera: 375.000 dólares, más el 10% de la recaudación. Al parecer, la producción fue difícil para el director y el reparto, e incurrió en importantes sobrecostes, agravados por los salarios sin precedentes concedidos a Holden y Wayne (750.000 dólares, más el 20% del beneficio total, cada uno). Como reflejo de las tensiones en pantalla entre los personajes de Wayne y Holden, los dos actores discutían constantemente; Wayne también luchaba por ayudar a su esposa Pilar a superar una adicción a los barbitúricos, que culminó con el intento de suicidio de ella mientras la pareja rodaba junta en Luisiana. Los problemas de Ford llegaron a su punto álgido con la trágica muerte del doble Fred Kennedy, que sufrió una fractura de cuello mortal mientras ejecutaba una caída de caballo durante la secuencia culminante de la batalla. Ford quedó devastado por el accidente y perdió interés en la película, trasladando la producción de nuevo a Hollywood. También desechó el final previsto, que representaba la entrada triunfal de Marlowe en Baton Rouge, y en su lugar concluyó la película con la despedida de Marlowe de Hannah Hunter y el cruce y derribo del puente.
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Últimos años, 1960-1973
En sus últimos años, Ford sufrió un deterioro de su salud, en gran parte debido a décadas de consumo excesivo de alcohol y tabaco, y agravado por las heridas que sufrió durante la batalla de Midway. Su visión, en particular, empezó a deteriorarse rápidamente y en un momento dado perdió la vista por completo; su prodigiosa memoria también empezó a flaquear, por lo que tuvo que recurrir cada vez más a sus ayudantes. Su trabajo también se vio restringido por el nuevo régimen de Hollywood, y le resultó difícil conseguir que se realizaran muchos proyectos. En los años sesenta se le había encasillado como director de películas del Oeste y se quejaba de que ahora le resultaba casi imposible conseguir apoyo para proyectos de otros géneros.
Sargento Rutledge (Ford Productions-Warner Bros, 1960) fue la última película de caballería de Ford. Ambientada en la década de 1880, cuenta la historia de un soldado de caballería afroamericano (interpretado por Woody Strode) que es acusado injustamente de violar y asesinar a una chica blanca. Warners la comercializó erróneamente como una película de suspense y no tuvo éxito comercial. En 1960, Ford realizó su tercera producción televisiva, The Colter Craven Story, un episodio de una hora de duración del programa de televisión Wagon Train, que incluía imágenes de Wagon Master (en la que se basaba la serie). También visitó el plató de El Álamo, producida, dirigida y protagonizada por John Wayne, donde su interferencia provocó que Wayne le enviara a rodar escenas de segunda unidad que nunca se utilizaron (ni se pretendía utilizarlas) en la película.
Two Rode Together (Ford Productions-Columbia, 1961) fue coprotagonizada por James Stewart y Richard Widmark, con Shirley Jones y Andy Devine, Henry Brandon, Harry Carey Jr, Anna Lee, Woody Strode, Mae Marsh y Frank Baker, habituales de la Stock Company, con una temprana aparición en pantalla de Linda Cristal, que más tarde protagonizaría la serie de televisión del Oeste The High Chaparral. Fue un éxito comercial, recaudando 1,6 millones de dólares en su primer año.
El hombre que mató a Liberty Valance (Ford Productions-Paramount, 1962) suele citarse como la última gran película de la carrera de Ford. Protagonizada por John Wayne y James Stewart, el reparto cuenta con la actriz principal Vera Miles, Edmond O»Brien como un locuaz editor de periódicos, Andy Devine como el inepto marshal Appleyard, Denver Pyle, John Carradine y Lee Marvin en un papel importante como el brutal Valance, con Lee Van Cleef y Strother Martin como sus secuaces. También es notable por ser la película en la que Wayne utilizó más a menudo su característica frase «Pilgrim» (su apodo para el personaje de James Stewart). La película tuvo mucho éxito, recaudando más de 3 millones de dólares en su primer año, aunque el reparto principal era poco creíble: se podía suponer que los personajes interpretados por Stewart (entonces de 53 años) y Wayne (entonces de 54) tenían poco más de 20 años, dadas las circunstancias, y Ford consideró la posibilidad de elegir a un actor más joven para el papel de Stewart, pero temía que eso resaltara la edad de Wayne. Aunque a menudo se afirma que las limitaciones presupuestarias obligaron a rodar la mayor parte de la película en los platós de la Paramount, los registros contables del estudio muestran que esto formaba parte del concepto artístico original de la película, según el biógrafo de Ford Joseph McBride. Según Lee Marvin en una entrevista filmada, Ford había luchado mucho por rodar la película en blanco y negro para acentuar su uso de las sombras. Aun así, fue una de las películas más caras de Ford, con 3,2 millones de dólares.
Después de terminar Liberty Valance, Ford fue contratado para dirigir la sección de la Guerra Civil de la épica de MGM How The West Was Won, la primera película no documental en utilizar el proceso de pantalla ancha Cinerama. El segmento de Ford estaba protagonizado por George Peppard, con Andy Devine, Russ Tamblyn, Harry Morgan como Ulysses S. Grant, y John Wayne como William Tecumseh Sherman. Wayne ya había interpretado a Sherman en un episodio de 1960 de la serie de televisión Wagon Train que Ford dirigió en apoyo de la estrella de la serie Ward Bond, «The Coulter Craven Story», para el que trajo a la mayor parte de su compañía de reparto. También en 1962, Ford dirigió su cuarta y última producción televisiva, Flashing Spikes, una historia de béisbol realizada para la serie Alcoa Premiere y protagonizada por James Stewart, Jack Warden, Patrick Wayne y Tige Andrews, con Harry Carey Jr. y una larga aparición sorpresa de John Wayne, que aparecía en los créditos como «Michael Morris», como también había hecho en el episodio de Wagon Train dirigido por Ford.
El arrecife de Donovan (Paramount, 1963) fue la última película de Ford con John Wayne. Rodada en la isla hawaiana de Kauai (en lugar de una isla ficticia de la Polinesia Francesa), era un juego moral disfrazado de comedia de acción, que abordaba de forma sutil pero mordaz cuestiones como el fanatismo racial, la connivencia empresarial, la codicia y las creencias estadounidenses de superioridad social. El reparto incluía a Lee Marvin, Elizabeth Allen, Jack Warden, Dorothy Lamour y César Romero. Fue también el último éxito comercial de Ford, con una recaudación de 3,3 millones de dólares y un presupuesto de 2,6 millones.
Cheyenne Autumn (Warner Bros, 1964) fue la épica despedida de Ford del Oeste, que declaró públicamente que era una elegía a los nativos americanos. Fue su último western, su película más larga y la más cara de su carrera (4,2 millones de dólares), pero no logró recuperar sus costes en taquilla y perdió cerca de un millón de dólares en su primer estreno. El reparto de estrellas estaba encabezado por Richard Widmark, con Carroll Baker, Karl Malden, Dolores del Río, Ricardo Montalbán, Gilbert Roland, Sal Mineo, James Stewart como Wyatt Earp, Arthur Kennedy como Doc Holliday, Edward G. Robinson, Patrick Wayne, Elizabeth Allen, Mike Mazurki y muchos de los fieles de la Stock Company de Ford, como John Carradine, Ken Curtis, Willis Bouchey, James Flavin, Danny Borzage, Harry Carey Jr, Chuck Hayward, Ben Johnson, Mae Marsh y Denver Pyle. William Clothier fue nominado al Oscar a la Mejor Fotografía y Gilbert Roland fue nominado al Globo de Oro al Mejor Actor Secundario por su interpretación de Cheyenne el viejo Cuchillo Romo.
En 1965 Ford empezó a trabajar en Young Cassidy (MGM), un drama biográfico basado en la vida del dramaturgo irlandés Seán O»Casey, pero cayó enfermo al principio de la producción y fue sustituido por Jack Cardiff.
El último largometraje de Ford fue 7 mujeres (MGM, 1966), un drama ambientado hacia 1935 sobre unas misioneras en China que intentan protegerse de las insinuaciones de un bárbaro caudillo mongol. Anne Bancroft sustituyó en el papel principal a Patricia Neal, que sufrió una apoplejía casi mortal a los dos días de rodaje. En el reparto figuraban Margaret Leighton, Flora Robson, Sue Lyon, Mildred Dunnock, Anna Lee, Eddie Albert, Mike Mazurki y Woody Strode, con música de Elmer Bernstein. Desafortunadamente, fue un fracaso comercial, recaudando sólo la mitad de su presupuesto de 2,3 millones de dólares. Inusualmente para Ford, se rodó en continuidad por el bien de las interpretaciones y, por tanto, expuso unas cuatro veces más película de la que solía rodar. Anna Lee recuerda que Ford fue «absolutamente encantador» con todo el mundo y que la única gran bronca se produjo cuando Flora Robson se quejó de que el cartel de la puerta de su camerino no incluía su título («Dame») y, como consecuencia, Robson fue «absolutamente destrozada» por Ford delante del reparto y el equipo.
El siguiente proyecto de Ford, El milagro de Merriford, fue desechado por MGM menos de una semana antes de que comenzara el rodaje. Su último trabajo fue Chesty: A Tribute to a Legend, un documental sobre el marine estadounidense más condecorado, el general Lewis B. Puller, con narración de John Wayne, que se realizó en 1970 pero no se estrenó hasta 1976, tres años después de la muerte de Ford.
La salud de Ford se deterioró rápidamente a principios de los setenta; en 1970 sufrió una fractura de cadera que le postró en una silla de ruedas. Tuvo que mudarse de su casa de Bel Air a una casa de una sola planta en Palm Desert, California, cerca del Eisenhower Medical Center, donde estaba siendo tratado de un cáncer de estómago. El Screen Directors Guild organizó un homenaje a Ford en octubre de 1972, y en marzo de 1973 el American Film Institute le concedió su primer Lifetime Achievement Award en una ceremonia que se retransmitió a todo el país, en la que el Presidente Richard Nixon ascendió a Ford a Almirante de pleno derecho y le entregó la Medalla Presidencial de la Libertad.
Según John Wayne, compañero y amigo de Ford durante muchos años, Ford podría haber seguido dirigiendo películas. Le dijo a Roger Ebert en 1976:
Hasta los últimos años de su vida… Pappy podría haber dirigido otra película, y una muy buena. Pero dijeron que Pappy era demasiado viejo. Diablos, nunca fue demasiado viejo. En Hollywood hoy en día, no apoyan a un tipo. Prefieren convertirlo en leyenda y acabar con él.
Ford falleció el 31 de agosto de 1973 en Palm Desert y su funeral se celebró el 5 de septiembre en la Iglesia del Santísimo Sacramento de Hollywood. Fue enterrado en el cementerio Holy Cross de Culver City, California.
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Personalidad
Ford era famoso por su intensa personalidad y sus muchas idiosincrasias y excentricidades. Desde principios de los años treinta, siempre llevaba gafas oscuras y un parche en el ojo izquierdo, en parte para proteger su mala vista. Era un fumador empedernido de pipa y mientras rodaba masticaba un pañuelo de lino: cada mañana su mujer le daba una docena de pañuelos nuevos, pero al final de un día de rodaje las esquinas de todos ellos estaban hechas jirones. Siempre ponía música en el plató y se tomaba un té (Earl Grey) a media tarde todos los días de rodaje. Desaconsejaba la cháchara y no le gustaban las palabras malsonantes en el plató; su uso, especialmente delante de una mujer, solía suponer la expulsión del infractor de la producción. Rara vez bebía durante el rodaje de una película, pero cuando terminaba la producción solía encerrarse en su estudio, envuelto sólo en una sábana, y se daba una borrachera solitaria de varios días, seguida de un arrepentimiento rutinario y el juramento de no volver a beber. Era extremadamente sensible a las críticas y siempre le irritaba cualquier comparación entre su obra y la de su hermano mayor Francis. Rara vez asistía a estrenos o ceremonias de entrega de premios, aunque sus Oscar y otros galardones se exhibían con orgullo en la repisa de la chimenea de su casa.
En su autobiografía »Tis Herself, de 2004, Maureen O»Hara recordaba haber visto a Ford besando a un famoso actor (al que no nombró) en su oficina de los estudios Columbia.
Era famoso por su desorden, y su estudio estaba siempre lleno de libros, papeles y ropa. Compró un Rolls-Royce nuevo en los años 30, pero nunca se subió a él porque su mujer, Mary, no le dejaba fumar. Su propio coche, un maltrecho Ford roadster, estaba tan destartalado y sucio que una vez llegó tarde a una reunión en el estudio porque el guardia de la puerta no creía que el auténtico John Ford condujera un coche así, y se negó a dejarle pasar.
Ford también era famoso por su antipatía hacia los ejecutivos de los estudios. Se dice que en una de sus primeras películas para la Fox ordenó a un guardia que mantuviera alejado del plató al jefe del estudio, Darryl F. Zanuck, y en otra ocasión llevó a un ejecutivo ante el equipo, lo puso de perfil y anunció: «Éste es un productor asociado, miradlo bien, porque no volveréis a verle en esta película». Durante el rodaje de Río Grande en 1950, el productor Herbert Yates y el ejecutivo de Republic Rudy Ralston visitaron el lugar y cuando Yates señaló la hora (eran las 10 de la mañana) y preguntó a Ford cuándo pensaba empezar a rodar, éste ladró: «¡Tan pronto como os larguéis de mi plató!». Durante la cena, Ford reclutó a un miembro del reparto, Alberto Morin, para que se hiciera pasar por un inepto camarero francés, que derramó sopa sobre ellos, rompió platos y provocó el caos general, pero los dos ejecutivos no se dieron cuenta de que eran víctimas de una de las bromas pesadas de Ford.
Su orgullo y alegría era su yate, Araner, que compró en 1934 y en el que derrochó cientos de miles de dólares en reparaciones y mejoras a lo largo de los años; se convirtió en su principal refugio entre película y película y en lugar de encuentro de su círculo de amigos íntimos, entre ellos John Wayne y Ward Bond.
Ford era muy inteligente, erudito, sensible y sentimental, pero para protegerse en el ambiente despiadado de Hollywood cultivó la imagen de un «irlandés hijo de puta, duro de pelar, bebedor empedernido». Un famoso suceso, presenciado por un amigo de Ford, el actor Frank Baker, ilustra de forma sorprendente la tensión entre el personaje público y el hombre privado. Durante la Depresión, Ford -por entonces un hombre muy rico- fue abordado a la puerta de su oficina por un antiguo actor de la Universal que estaba en la indigencia y necesitaba 200 dólares para una operación de su mujer. Cuando el hombre le contó sus desgracias, Ford pareció enfurecerse y entonces, para horror de los espectadores, se lanzó sobre él, le tiró al suelo y le gritó: «¿Cómo se atreve a venir aquí así? ¿Quién te crees que eres para hablarme así?», antes de salir furioso de la habitación. Sin embargo, cuando el anciano abandonó el edificio, Frank Baker vio al director comercial de Ford, Fred Totman, esperándole en la puerta, donde le entregó un cheque de 1.000 dólares y dio instrucciones al chófer de Ford para que le llevara a casa. Allí le esperaba una ambulancia para llevar a la mujer del hombre al hospital, donde un especialista, trasladado desde San Francisco a expensas de Ford, realizó la operación. Tiempo después, Ford compró una casa para la pareja y los pensionó de por vida. Cuando Baker contó la historia a Francis Ford, éste declaró que era la clave de la personalidad de su hermano:
En cualquier momento, si ese viejo actor hubiera seguido hablando, la gente se habría dado cuenta de lo blandengue que es Jack. No podría haber soportado esa triste historia sin derrumbarse. Ha construido toda esta leyenda de dureza a su alrededor para proteger su blandura.
En el libro Wayne and Ford, The Films, the Friendship, and the Forging of an American Hero, de Nancy Schoenberger, la autora disecciona el impacto cultural de la masculinidad retratada en las películas de Ford. En una entrevista concedida a Portland Magazine, Schoenberger afirma: «En cuanto a que Ford y Wayne «retocaran las convenciones de lo que es un »hombre» hoy en día», creo que Ford, habiendo crecido con hermanos a los que idolatraba, en un mundo de boxeadores, bebedores y buscavidas, encontró su tema más profundo en la camaradería masculina, especialmente en el ejército, uno de los pocos lugares donde los hombres pueden expresar su amor por otros hombres. Pero le preocupaban los hombres que actuaban heroicamente, por lo que el más macho no siempre era el más heroico. McLaglen presentaba a menudo el lado cómico de la masculinidad descarada. Ford sacó a relucir tanto la ternura como la dureza de Wayne, especialmente en La diligencia».
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Estilo general
Ford tenía muchas marcas estilísticas distintivas y una serie de preocupaciones temáticas y motivos visuales y auditivos se repiten a lo largo de su obra como director. El periodista cinematográfico Ephraim Katz resumió algunas de las principales características de la obra de Ford en su entrada de la Enciclopedia Cinematográfica Collins:
De todos los directores estadounidenses, Ford es probablemente el que tiene una visión personal más clara y un estilo visual más coherente. Sus ideas y sus personajes son, como muchas cosas tildadas de «americanas», engañosamente simples. Sus héroes… pueden parecer simplemente solitarios, ajenos a la sociedad establecida, que generalmente hablan a través de la acción más que de las palabras. Pero su conflicto con la sociedad encarna temas más amplios de la experiencia americana.
A diferencia de su contemporáneo Alfred Hitchcock, Ford nunca utilizó guiones gráficos, componiendo sus películas totalmente en su cabeza, sin ningún esquema escrito o gráfico de las tomas que utilizaría. El desarrollo de los guiones podía ser intenso pero, una vez aprobados, rara vez se reescribían; también fue uno de los primeros cineastas en animar a sus guionistas y actores a preparar una historia completa de sus personajes. Odiaba las largas escenas expositivas y era famoso por arrancar páginas de un guión para cortar diálogos. Durante el rodaje de Mogambo, cuando Sam Zimbalist, productor de la película, le preguntó si llevaba tres días de retraso, Ford respondió arrancando tres páginas del guión y declarando: «Vamos según lo previsto». Mientras rodaba Tambores en el Mohawk, Ford esquivó el reto de rodar una escena de batalla grande y costosa: hizo que Henry Fonda improvisara un monólogo mientras lanzaba preguntas desde detrás de la cámara sobre el transcurso de la batalla (un tema en el que Fonda era un experto) y luego simplemente editó las preguntas.
Era relativamente parco en el uso de movimientos de cámara y primeros planos, prefiriendo planos estáticos medios o largos, con sus actores encuadrados en vistas dramáticas o interiores iluminados en un estilo expresionista, aunque a menudo utilizaba planos panorámicos y a veces una dramática dolly in (por ejemplo, la primera aparición de John Wayne en La diligencia). Ford es famoso por sus emocionantes planos de seguimiento, como la secuencia de la persecución de los apaches en La diligencia o el ataque al campamento comanche en The Searchers.
Los motivos visuales recurrentes incluyen trenes y vagones -muchas películas de Ford empiezan y terminan con un vehículo de enlace como un tren o un vagón que llega y se va-, puertas, carreteras, flores, ríos, reuniones (también empleó motivos gestuales en muchas películas, sobre todo el lanzamiento de objetos y el encendido de lámparas, cerillas o cigarrillos). Si se mostraba a un personaje condenado jugando al póquer (como Liberty Valance o el pistolero Tom Tyler en La diligencia), la última mano que jugaba era la «mano de la muerte» -dos ochos y dos ases, uno de ellos el as de picas-, llamada así porque se dice que Wild Bill Hickok tenía esta mano cuando fue asesinado. Muchas de sus películas sonoras incluyen interpretaciones o citas de su himno favorito, «Shall We Gather at the River?», como su uso paródico para subrayar las escenas iniciales de La diligencia, cuando la prostituta Dallas es expulsada de la ciudad por las matronas locales. Los nombres de los personajes también son recurrentes en muchas películas de Ford: el nombre Quincannon, por ejemplo, se utiliza en varias películas como La patrulla perdida, Río Grande, Ella llevaba una cinta amarilla y Fort Apache, el personaje de John Wayne se llama «Kirby Yorke» tanto en Fort Apache como en Río Grande, y los nombres Tyree y Boone también son recurrentes en varias películas de Ford.
Trabajos recientes sobre las representaciones de Ford de los nativos americanos han argumentado que, contrariamente a la creencia popular, sus personajes indios abarcaban una gama que iba de las imágenes hostiles a las simpáticas, desde El caballo de hierro hasta Otoño cheyenne. Su representación de los navajos en Wagon Master incluía a sus personajes hablando la lengua navajo. El rasgo distintivo de los westerns de temática india de Ford es que sus personajes nativos siempre permanecieron separados y apartados de la sociedad blanca.
Ford era legendario por su disciplina y eficacia en el rodaje y tenía fama de ser extremadamente duro con sus actores, a los que a menudo se burlaba, gritaba e intimidaba; también era tristemente célebre por sus bromas, a veces sádicas. Cualquier actor lo bastante insensato como para exigir un trato de estrella recibía todo el peso de su implacable desprecio y sarcasmo. En una ocasión se refirió a John Wayne como un «gran idiota» e incluso propinó un puñetazo a Henry Fonda. Henry Brandon (que interpretó al jefe Scar en The Searchers) se refirió a Ford como «el único hombre capaz de hacer llorar a John Wayne». También menospreció a Victor McLaglen, y en una ocasión gritó a través del megáfono: «¿Sabes, McLaglen, que la Fox te paga 1.200 dólares a la semana por hacer cosas que podría hacer mejor cualquier niño de la calle?». Se dice que Ward Bond, veterano de la Stock Company, era uno de los pocos actores inmunes a las burlas y sarcasmos de Ford. Sir Donald Sinden, entonces estrella contratada por la Rank Organisation en los estudios Pinewood cuando protagonizó Mogambo, no fue la única persona que sufrió a manos del notorio comportamiento de John Ford. Recuerda: «Diez cazadores blancos fueron destinados a nuestra unidad para protegernos y proporcionarnos carne fresca. Entre ellos estaba Marcus, Lord Wallscourt, un hombre encantador al que Ford trataba de forma abismal, a veces muy sádica. A los ojos de Ford, el pobre hombre no podía hacer nada bien y continuamente le echaban la bronca delante de toda la unidad (en cierto modo, de vez en cuando me quitaba la bronca a mí). Ninguno de nosotros podía entender la razón de este trato atroz, que el querido hombre no se merecía en absoluto. Él mismo no entendía nada. Varias semanas más tarde descubrimos la causa gracias al cuñado de Ford: antes de emigrar a América, el abuelo de Ford había sido jornalero en la finca en Irlanda del entonces Lord Wallscourt: Ford se estaba vengando ahora de su descendiente. Una visión nada encantadora». «Ahora teníamos que volver a los estudios MGM-British de Londres para rodar todas las escenas de interior. Alguien debió señalar a Ford que se había portado muy mal conmigo durante todo el rodaje en exteriores y, cuando llegué para mi primer día de trabajo, me encontré con que había hecho pintar un gran cartel a la entrada de nuestro estudio de sonido con letras mayúsculas que decían BE KIND TO DONALD WEEK. Cumplió su palabra durante siete días. Al octavo día arrancó el cartel y volvió a su comportamiento habitual de acosador».
Ford solía dar a sus actores pocas instrucciones explícitas, aunque en ocasiones él mismo se paseaba por una escena, y se esperaba que los actores se fijaran en cada sutil acción o manierismo; si no lo hacían, Ford les obligaba a repetir la escena hasta que la hicieran bien, y a menudo reprendía y menospreciaba a los que no lograban la interpretación deseada. En El hombre que mató a Liberty Valance, Ford repitió una escena con Edmond O»Brien y acabó dejando caer la mano por una barandilla. O»Brien se dio cuenta, pero lo ignoró deliberadamente y puso la mano en la barandilla; Ford no le corrigió explícitamente e hizo que O»Brien representara la escena cuarenta y dos veces antes de que el actor cediera y lo hiciera a la manera de Ford.
A pesar de su personalidad a menudo difícil y exigente, muchos actores que trabajaron con Ford reconocieron que sacaba lo mejor de ellos. John Wayne comentó que «Nadie podía manejar a los actores y al equipo como Jack». Dobe Carey declaró que «Tenía una cualidad que hacía que todos casi se mataran por complacerle. Al llegar al plató, sentías enseguida que algo especial iba a suceder. Te sentías espiritualmente despierto de repente». Carey atribuye a Ford la inspiración de su última película, Comanche Stallion (2005).
La localización favorita de Ford para sus películas del Oeste era Monument Valley, en el sur de Utah. Aunque geográficamente no solía ser apropiado como escenario para sus tramas, el expresivo impacto visual de la zona permitió a Ford definir imágenes del Oeste americano con algunas de las más bellas e impactantes cinematografías jamás rodadas, en películas como La diligencia, The Searchers y Fort Apache. Un ejemplo notable es la famosa escena de She Wore a Yellow Ribbon en la que la tropa de caballería es fotografiada contra una tormenta que se avecina. Se ha examinado la influencia en las películas de artistas clásicos del Oeste como Frederic Remington y otros. El evocador uso que Ford hizo del territorio para sus westerns ha definido las imágenes del Oeste americano con tanta fuerza que Orson Welles dijo una vez que otros cineastas se negaban a rodar en la región por miedo al plagio.
Ford solía rodar sólo el metraje que necesitaba y a menudo filmaba en secuencia, minimizando el trabajo de sus montadores. La técnica de Ford de cortar en cámara le permitió conservar el control creativo en una época en la que los directores solían tener poco que decir sobre el montaje final de sus películas. Ford señaló:
No les doy mucha película con la que jugar. De hecho, Eastman solía quejarse de que expusiera tan poca película. Corto en la cámara. De lo contrario, si les das mucha película «el comité» toma el control. Empiezan a hacer malabares con las escenas y quitan esto y ponen aquello. No pueden hacerlo con mis películas. Corto con la cámara y ya está. No queda mucha película en el suelo cuando termino.
Ford ganó un total de cuatro premios de la Academia, todos ellos al Mejor Director, por las películas El informador (1935), Las uvas de la ira (1940), Qué verde era mi valle (1941) y El hombre tranquilo (1952), ninguna de ellas western (en las dos últimas también actuaba Maureen O»Hara, «su actriz favorita»). También fue nominado como Mejor Director por La diligencia (1939). Más tarde dirigió dos documentales, La batalla de Midway y El 7 de diciembre, ambos galardonados como Mejor Documental, aunque el premio no fue para él. A día de hoy, Ford ostenta el récord de Oscar al mejor director, habiendo ganado el premio en cuatro ocasiones. William Wyler y Frank Capra le siguen con tres. Ford fue el primer director en ganar consecutivamente el premio al Mejor Director, en 1940 y 1941. Esta hazaña fue igualada por Joseph L. Mankiewicz exactamente diez años después, cuando ganó consecutivamente el premio al Mejor Director en 1950 y 1951. Como productor, también recibió una nominación a la mejor película por El hombre tranquilo. En 1955 y 1957, Ford fue galardonado con el Premio George Eastman, concedido por George Eastman House por su distinguida contribución al arte cinematográfico. En 1973 fue el primer galardonado con el American Film Institute Life Achievement Award. Ese mismo año, el Presidente Richard Nixon concedió a Ford la Medalla Presidencial de la Libertad.
Ford dirigió a 10 actores diferentes en interpretaciones nominadas al Oscar: Victor McLaglen, Thomas Mitchell, Edna May Oliver, Jane Darwell, Henry Fonda, Donald Crisp, Sara Allgood, Ava Gardner, Grace Kelly y Jack Lemmon. McLaglen, Mitchell, Darwell, Crisp y Lemmon ganaron un Oscar por uno de sus papeles en una de las películas de Ford.
El 5 de diciembre de 1971, la cadena CBS emitió un especial de televisión con Ford, John Wayne, James Stewart y Henry Fonda, titulado The American West of John Ford, con fragmentos de la carrera de Ford intercalados con entrevistas realizadas por Wayne, Stewart y Fonda, que también se turnaron para narrar el documental de una hora de duración.
En 2007, Twentieth Century Fox lanzó Ford at Fox, un DVD con 24 películas de Ford. Richard Corliss, de la revista Time, lo nombró uno de los «10 mejores DVD de 2007», con el número 1.
Una estatua de Ford en Portland, Maine, le representa sentado en una silla de director. La estatua, obra del escultor neoyorquino George M. Kelly, fundida en Modern Art Foundry, Astoria, Nueva York, y encargada por la filántropa de Luisiana Linda Noe Laine, fue inaugurada el 12 de julio de 1998 en Gorham»s Corner, en Portland (Maine, Estados Unidos), como parte de una celebración de Ford que más tarde incluiría el cambio de nombre del auditorio del instituto de secundaria de Portland por el de Auditorio John Ford.
En 2019 Jean-Christophe Klotz estrenó el documental John Ford, l»homme qui inventa l»Amérique, sobre su influencia en la leyenda del Oeste americano en películas como La diligencia (1939), Las uvas de la ira (1940), El hombre que mató a Liberty Valance (1962) o Cheyenne Autumn (1964).
El Archivo Cinematográfico de la Academia ha conservado varias películas de John Ford, como Qué verde era mi valle, La batalla de Midway, Tambores a lo largo del Mohawk, Higiene sexual, Escuadrón 8 de torpedos y Cuatro hijos.
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Actuaciones dirigidas en los Premios de la Academia
Al principio de su vida, la política de Ford era convencionalmente progresista; sus presidentes favoritos eran los demócratas Franklin D. Roosevelt y John F. Kennedy y el republicano Abraham Lincoln. Pero a pesar de estas inclinaciones, muchos pensaban que era republicano por su larga relación con los actores John Wayne, James Stewart, Maureen O»Hara y Ward Bond.
La actitud de Ford ante el macartismo en Hollywood se expresa en una historia contada por Joseph L. Mankiewicz. Una facción del Gremio de Directores de América, liderada por Cecil B. DeMille, había intentado que todos los miembros firmaran un juramento de lealtad. Se estaba llevando a cabo una campaña de rumores contra Mankiewicz, entonces Presidente del Gremio, alegando que tenía simpatías comunistas. En una reunión crucial del Gremio, la facción de DeMille habló durante cuatro horas hasta que Ford habló en contra de DeMille y propuso un voto de confianza a Mankiewicz, que fue aprobado. Sus palabras fueron grabadas por un taquígrafo:
Me llamo John Ford. Hago películas del Oeste. No creo que haya nadie en esta sala que sepa más de lo que quiere el público americano que Cecil B. DeMille, y desde luego sabe cómo dárselo… Pero no me gustas, C. B. No me gusta lo que representas y no me gusta lo que has estado diciendo aquí esta noche.
La versión de los hechos de Mankiewicz fue rebatida en 2016, con el descubrimiento de la transcripción judicial, que se publicó como parte de los archivos de Mankiewicz. La versión de Mankiewicz atribuye exclusivamente a Ford el hundimiento de DeMille. El relato contiene varios adornos. La decisión de DeMille de despedir a Mankiewicz había provocado una tormenta de protestas. DeMille recibió un torrente de ataques de muchos oradores a lo largo de la reunión y, en un momento dado, estuvo a punto de ser expulsado de la junta del gremio.
En este punto, Ford se levantó para hablar. Se levantó en defensa de la junta. Reivindicó su papel personal en el voto de confianza a Joseph Mankiewicz. A continuación, pidió que se pusiera fin a la política en el gremio y que éste volviera a centrarse en las condiciones de trabajo. Ford dijo en la reunión que el gremio se formó para «protegernos de los productores». Ford se mostró contrario a «publicar información despectiva sobre un director, ya sea comunista, pegue a su suegra o golpee a los perros». Ford quería que el debate y la reunión terminaran, ya que su objetivo era la unidad del gremio. Dijo que Mankiewicz había sido vilipendiado y merecía una disculpa. Su último apartado fue apoyar a DeMille frente a nuevas peticiones de dimisión. Las palabras de Ford sobre DeMille fueron: «Y creo que algunas de las acusaciones que se han hecho aquí esta noche son bastante antiamericanas. Quiero decir que un grupo de hombres se ha metido probablemente con el decano de nuestra profesión. No estoy de acuerdo con C. B. DeMille. Lo admiro. No me gusta, pero lo admiro. Todo lo que dijo esta noche tenía derecho a decirlo. No me gusta oír acusaciones contra él». Concluyó «rogando» a los miembros que retuvieran a DeMille.
Ford temía que la salida de DeMille hubiera provocado la desintegración del organismo. Su segunda medida fue hacer dimitir a toda la junta, lo que salvó la cara a DeMille y permitió zanjar el asunto sin dimisiones forzosas. Al día siguiente, Ford escribió una carta de apoyo a DeMille y luego llamó por teléfono, donde Ford describió a DeMille como «una figura magnífica», muy por encima de esa «maldita jauría de ratas».
En una acalorada y ardua reunión, Ford salió en defensa de un colega sometido al ataque sostenido de sus compañeros. Vio los peligros de expulsar a DeMille. Ford reprimió toda la reunión para asegurarse de que DeMille permaneciera en el gremio. Más tarde ofreció su propia dimisión -como parte de toda la junta- para asegurarse de que el gremio no se rompiera y permitiera a DeMille marcharse sin quedar mal.
Con el tiempo, sin embargo, Ford se alió más públicamente con el Partido Republicano, declarándose «republicano de Maine» en 1947. Dijo haber votado a Barry Goldwater en las elecciones presidenciales de 1964 y apoyó a Richard Nixon en 1968, convirtiéndose en partidario de la guerra de Vietnam. En 1973 recibió la Medalla de la Libertad de manos del Presidente Nixon, cuya campaña había apoyado públicamente.
En 1952, Ford esperaba un Robert Taft
En 1966, apoyó a Ronald Reagan en su carrera a gobernador y de nuevo para su reelección en 1970.
Ford está considerado uno de los cineastas más influyentes de Hollywood. Según MovieMaker, es el quinto director más influyente de todos los tiempos. A continuación figuran algunas de las personas que se vieron directamente influidas por Ford, o que admiraron enormemente su obra:
En diciembre de 2011, la Irish Film & Television Academy (IFTA), en asociación con el John Ford Estate y el Irish Department of Arts, Heritage and the Gaeltacht, creó «John Ford Ireland», que celebra la obra y el legado de John Ford. La Academia irlandesa declaró que, a través de John Ford Ireland, esperan sentar las bases para honrar, examinar y aprender de la obra y el legado de John Ford, ampliamente considerado como uno de los cineastas más importantes e influyentes de su generación.
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Simposio
El primer Simposio John Ford Irlanda se celebró en Dublín (Irlanda) del 7 al 10 de junio de 2012. El Simposio, diseñado para inspirarse en la influencia de Ford en el cine contemporáneo y celebrarla, contó con un variado programa de actos, que incluyó una serie de proyecciones, clases magistrales, mesas redondas, entrevistas públicas y una proyección al aire libre de The Searchers.
Entre los invitados que asistieron se encontraban Dan Ford, nieto de John Ford; el compositor Christopher Caliendo dirigió la aclamada Orquesta de Conciertos de RTÉ interpretando su partitura para El caballo de hierro de Ford, abriendo el evento de cuatro días; el autor y biógrafo Joseph McBride pronunció la conferencia inaugural del Simposio; los directores Peter Bogdanovich, Stephen Frears, John Boorman, Jim Sheridan, Brian Kirk, Thaddeus O»Sullivan y Sé Merry Doyle participaron en varios actos; los escritores irlandeses Patrick McCabe, Colin Bateman, Ian Power y Eoghan Harris examinaron la obra de Ford desde la perspectiva de los guionistas; Joel Cox impartió una clase magistral sobre montaje; y compositores y músicos, entre ellos David Holmes y Kyle Eastwood, debatieron sobre la música para el cine.
El John Ford Ireland Film Symposium volvió a celebrarse en Dublín en verano de 2013.
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Premio John Ford
Clint Eastwood recibió el Premio John Ford inaugural en diciembre de 2011. Se lo entregaron Michael Collins, embajador de Irlanda en Estados Unidos, Dan Ford, nieto de John Ford, y Áine Moriarty, directora ejecutiva de la Academia Irlandesa de Cine y Televisión (IFTA).
Al recoger el premio, Eastwood declaró: «Cualquier tipo de asociación con John Ford es el sueño de la mayoría de los directores, ya que sin duda fue un pionero del cine estadounidense y yo crecí con sus películas. Sus películas del Oeste tuvieron una gran influencia en mí, como creo que la tuvieron en todo el mundo. Cuando trabajé con Sergio Leone hace años en Italia, su director favorito era John Ford y hablaba muy abiertamente de esa influencia. Quiero dar las gracias a todos los presentes de la Academia Irlandesa, a la familia John Ford y a John Ford Irlanda».
Ford fue condecorado con la Legión al Mérito con una «V» de combate, la Medalla Aérea, la Medalla de Encomio de la Marina y del Cuerpo de Marines con una «V» de combate, la Medalla Presidencial de la Libertad, la Medalla al Servicio en China, la Medalla al Servicio de Defensa Estadounidense con una estrella de servicio, la Medalla de la Campaña Estadounidense, la Medalla de la Campaña en Europa, África y Oriente Medio con tres estrellas de campaña, la Medalla de la Campaña de Asia-Pacífico también con tres estrellas de campaña, la Medalla de la Victoria de la Segunda Guerra Mundial, la Medalla del Servicio de Ocupación de la Armada, la Medalla del Servicio de Defensa Nacional con estrella de servicio, la Medalla del Servicio de Corea con una estrella de campaña, la Medalla de la Orden del Mérito de la Seguridad Nacional Samil, la Cinta de Tiro con Pistola Distinguido (1952-1959) y la Orden Belga de Leopoldo.
Material de archivo
Crítica
Sitios oficiales
Fuentes
- John Ford
- John Ford
- ^ Gallagher, Tag John Ford: The Man and his Films (University of California Press, 1984), »Preface»
- Gallagher, 1986, p. 10.
- Gallagher, 1986, p. 14.
- Gallagher, 1986, p. 15.
- Bogdanovich, 1971, p. 49.
- Ford a toujours prétendu avoir comme nom de naissance Sean Aloysius O»Feeney (Aloysius est le prénom d»emprunt qu»il choisit pour sa confirmation), mais son acte de baptême montre que John Ford s»appelait bien John Martin Feeney[1].
- Prononciation en anglais américain retranscrite selon la norme API.
- Par exemple : son combat contre le nazisme et le maccarthysme, ainsi que ses réserves lors de la guerre de Corée et de la guerre du Viêt Nam. Il est également l»un des premiers réalisateurs à traiter dans ses films les Indiens avec respect et humanité, sans oublier d»évoquer la ségrégation raciale avec Le Sergent noir.
- ^ O. Welles-P.Bogdanovich, Io, Orson Welles – Baldini&Castoldi 1996, pag. 59 e seg.
- ^ Eyman, Scott, Print the Legend: The Life and Times of John Ford, New York, Simon & Schuster, 1999. ISBN 0-684-81161-8
