Kazimir Malévich
gigatos | diciembre 31, 2021
Resumen
Kazimir Severinovich Malevich (ruso Казимир Северинович Малевич, transliteración científica Kazimir Severinovič Malevič, ucraniano Казимир Севринович Малевич). Transliteración Kazimir Severinovič Malevič, ucraniano Казимир Северинович Малевич Kasymyr Severynovych Malevich, polaco Kazimierz Malewicz; * 11 de febrerojul. 23 de febrero de 1878greg. en Kiev; † 15 de mayo de 1935 en Leningrado) fue un pintor y principal representante de la vanguardia rusa, pionero del constructivismo y fundador del suprematismo. Se vio influenciado por el impresionismo tardío, el fauvismo y el cubismo. Su cuadro suprematista abstracto El cuadrado negro sobre fondo blanco, de 1915, se considera un hito de la pintura modernista y se le llama «icono del modernismo».
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Infancia y juventud
Su padre, Seweryn Malevicz (en ruso: Severin Antonovich Malevich, 1845-1902), y su madre, Ludwika (en ruso: Lyudviga Alexandrovna, 1858-1942), eran de origen polaco y se habían trasladado desde el Reino de Polonia, ocupado por los rusos, a la Gobernación de Kiev (hoy Ucrania), dentro del Imperio zarista, tras el Levantamiento de Enero de 1863, sofocado por las tropas imperiales rusas. Ambos padres eran católicos y en la familia se hablaba ucraniano, además de polaco y ruso. El propio Malevich se refería a sí mismo alternativamente como ucraniano o polaco, según la intención del momento, pero más tarde en su vida negó cualquier nacionalidad.
El padre de Malevich fue empleado técnico en varias fábricas de la industria de la remolacha azucarera en Podolia y Volhynia. Debido a los frecuentes cambios de trabajo, Malevich vivió una infancia inestable en circunstancias precarias. Malevich completó su educación escolar extremadamente rudimentaria con un aprendizaje de cinco años en una escuela agrícola. Sin embargo, su interés por dibujar del natural se despertó en él a los 13 años. Tres años más tarde, se inspiró en un «pintor que pintó el techo y mezcló un verde como los árboles, como el cielo. Eso me dio la idea de que se podía reproducir el árbol y el cielo con este color. Pero el lápiz me molestaba mucho, y al final lo tiré para coger un pincel».
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Formación
La familia se trasladó a Kursk en 1896, donde el padre ocupó un puesto en la administración de la compañía ferroviaria Kursk-Moscú y consiguió que su hijo trabajara como dibujante técnico. Malevich encontró allí a autodidactas afines que pintaban exclusivamente del natural y a los que se unió.
En 1901 se casó con la polaca Kazimiera Sgleitz. Su padre frustró todos sus intentos de ingresar en la Academia de Arte de Moscú, pero en otoño de 1904 Malevich había ahorrado suficiente dinero para poder estudiar en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú en 1905.
Una primera experiencia para Malévich en 1904 fue ver el cuadro de Claude Monet de la Catedral de Rouen, que estaba en la colección del mecenas Sergei Shchukin en Moscú. «Por primera vez vi los reflejos llenos de luz del cielo azul, los tonos puros y transparentes. Desde ese momento me convertí en un impresionista». De 1905 a 1910, continuó su formación estudiando en el estudio privado de Fyodor Rerberg en Moscú.
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Inicio artístico
En 1907, la familia de Malévich se trasladó por fin a Moscú, y ese mismo año tuvo lugar su primera exposición pública de doce bocetos en el marco de la 14ª exposición de la Asociación de Artistas de Moscú, junto a artistas todavía muy desconocidos, como Vasili Kandinsky, Mijaíl Fedorovich Larionov, Nataliya Serguéyevna Goncharova. En 1909, Malevich se casó con Sofia Rafalovich, hija de un psiquiatra, como segunda esposa. Al año siguiente participó en la exposición del grupo de artistas «Jack of Diamonds», organizada por Larionov y Goncharova. A partir de 1910 comienza su periodo neoprimitivista, durante el cual pinta, por ejemplo, Dielenbohnerer, un cuadro con una perspectiva espacial claramente reducida.
Goncharova y Larionov se separaron del grupo «Jota de Diamantes» en 1912, que les parecía occidentalizado, y fundaron en Moscú la asociación de artistas «Cola de Asno», en la que participó Malevich. En una exposición de esta asociación, conoció al pintor y compositor Mikhail Vasilyevich Matyushin. El conocimiento condujo a una estimulante colaboración y se desarrolló una amistad de por vida entre los dos artistas.
Larionov había sido hasta entonces el líder de la vanguardia, pero a raíz de la creciente reivindicación de Malevich, se desarrolló una rivalidad por el protagonismo, que también tenía su causa en los diferentes conceptos artísticos. Malevich se decantó por el cubofuturismo, que presentó como la única dirección justificable en el arte durante una conferencia en la «Unión de la Juventud» de San Petersburgo. Pintó varios cuadros en este estilo hasta 1913, por ejemplo el cuadro El leñador. Su obra también estuvo representada en el extranjero en el Armory Show (Exposición Internacional de Arte Moderno) de Nueva York en 1913.
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La ópera La victoria sobre el sol, fundación del suprematismo
En el verano de 1913, con la participación de Malevich en Uusikirkko (Finlandia), se comenzó a trabajar en la composición de la ópera Victoria sobre el Sol. La obra futurista se estrenó el 3 de diciembre de 1913 en el Teatro Lunapark de San Petersburgo. Velimir Khlebnikov escribió el prólogo, Alexei Kruchonych el libreto, la música fue de Mikhail Matyushin y la escenografía y el vestuario de Malevich. Pintó el primer Cuadrado Negro en el telón de un escenario. Esta es también la razón por la que Malevich pospuso el nacimiento del suprematismo a 1913 y no se refirió a las pinturas suprematistas de 1915 en el verdadero sentido de la palabra. En marzo-abril de 1914 tuvo lugar una exposición en el Salón de los Independientes de París, en la que Malevich estuvo representado con tres cuadros.
En 1915, escribió el manifiesto Del cubismo al suprematismo. El nuevo realismo pictórico -con el Cuadrado negro en la portada- y expuso por primera vez su cuadro suprematista El cuadrado negro sobre fondo blanco en diciembre en la última exposición futurista «0,10» en la Galería Dobychina de Petrogrado (nombre de San Petersburgo de 1914 a 1924), que se describía en el catálogo como un cuadrado. El misterioso número 0,10 denota una cifra de pensamiento: cero, porque se esperaba que tras la destrucción de lo antiguo, el mundo pudiera volver a empezar desde cero, y diez, porque originalmente diez artistas querían participar. De hecho, fueron catorce los artistas que participaron en la exposición.
Malevich colgó su cuadrado en diagonal en la esquina de la pared bajo el techo de la habitación, donde un icono ruso solía tener su lugar tradicional. Además de Malevich, entre los expositores se encontraban Vladimir Tatlin, Nadezhda Udaltsova, Lyubov Popova e Ivan Puni.
Sin embargo, la exposición, que recibió críticas mordaces, marcó el paso al arte abstracto no objetivo; el acontecimiento seminal en la historia del arte no recibió la atención transnacional de entonces porque la guerra había estallado en Europa. Malevich fue llamado a filas en el ejército zarista en 1916 y pasó el tiempo hasta el final de la guerra en una sala de escritura. Durante este tiempo continuó trabajando en sus pinturas, así como en sus escritos teóricos, y mantuvo correspondencia con Matyushin. Aunque los grupos de vanguardia rusos sostenían diferentes teorías, lo que dio lugar a controversias, se celebraron exposiciones de arte conjuntas de los suprematistas, bajo el liderazgo de Malevich, y de los constructivistas, cuyo liderazgo ostentaba Tatlin, en las duras condiciones de los tiempos de guerra. Por ejemplo, a petición de Tatlin, Malevich proporcionó obras cubofuturistas más antiguas, como Un inglés en Moscú, que se incluyeron en la exposición Magasin in a Department Store de este último, en una demarcación deliberada.
Tras la Revolución de Octubre de 1917, a Malevich se le encomendó la supervisión de las colecciones de arte nacionales del Kremlin. Así, se convirtió en presidente del departamento de arte del Soviet de la ciudad de Moscú y en maestro del segundo «Taller de Arte del Estado Libre» (SWOMAS), así como en profesor de los «Talleres de Arte del Estado Libre» de Petrogrado. En un sentido más estricto, no fue ni un funcionario comprometido ni un revolucionario; simplemente utilizó a los nuevos gobernantes para hacer valer sus ambiciones artísticas. Su pintura había ganado aceptación en la escena artística; por ejemplo, en el otoño de 1918, él y Matyushin recibieron el encargo de crear la decoración de un congreso sobre la pobreza de los pueblos en el Palacio de Invierno.
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Período de Vitebsk
Invitado por Marc Chagall a trabajar en la escuela de arte popular que organizó en 1918 (Pravdastr. 5), Kazimir Malevich llegó a Vitebsk en 1919. Malevich fundó allí el grupo UNOWIS (Confirmadores del Arte Nuevo) en 1920 y consiguió reunir a muchos seguidores a su alrededor al poco tiempo. Nace su hija Una, cuyo nombre deriva del grupo de artistas. Chagall, que ya había perdido la lucha de poder contra Malevich en 1921 en las disputas sobre la orientación artística de la escuela, emigró a París vía Berlín en 1922. Malevich fue uno de los autores de la efímera revista «Gegenstand» (Objeto), concebida por El Lissitzky e Ilja Ehrenburg, que se dedicaba al diálogo entre artistas de diferentes nacionalidades.
El arquitecto y diseñador gráfico El Lissitzky fue miembro del Instituto; en su estudio también diseñó, entre otras cosas, textos de Malevich como Suprematismo 34 dibujos (1920). En este período histórico, bajo la dirección de Malevich, no sólo se transformó la propia escuela, el sistema de enseñanza y la vida cultural de la ciudad de Vitebsk, sino que también influyó en el proceso artístico más amplio del mundo. Durante el trabajo de Malevich en Vitebsk (periodo de Vitebsk), las ideas del suprematismo se completaron teórica y conceptualmente. Necesitaban un nuevo entorno para el desarrollo y para el diálogo multifuncional de renovación hacia la vida. Vitebsk, que en aquella época se llamaba el segundo París, se convirtió en este medio. Fue en Vitebsk donde nació y se hizo realidad la idea de fundar un museo de arte moderno de Marc Chagall. Hoy en día, este periodo se denomina «Renacimiento de Vitebsk» o «Escuela de Vitebsk».
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Enseñanza de 1922 a 1926
En abril de 1922, tras las disputas con las autoridades que luchaban contra la vanguardia rusa, Malevich y gran parte de sus alumnos abandonaron Vitebsk para dirigirse a Petrogrado (San Petersburgo). En 1925, tras la muerte de su segunda esposa, contrajo un tercer matrimonio con Natalya Andreyevna Mankhenko. De 1924 a 1926 fue director del GINChUK. Mientras tanto, sin embargo, el grupo de artistas conformistas del régimen AChRR dominaba la cultura artística soviética -la era estalinista había comenzado y con ella el rechazo al arte de vanguardia-, por lo que Malevich cayó en desgracia y perdió su puesto en 1926. Por ello, aceptó un trabajo en el Instituto Estatal de Historia del Arte.
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Visita a Berlín y Dessau
En la primavera de 1927, Malevich obtuvo un visado y viajó vía Varsovia a Berlín, donde 70 cuadros y su Architektona, modelos de yeso de sus diseños arquitectónicos, se expusieron en la Galería van Diemen durante la «Gran Exposición de Arte de Berlín». En Dessau, visitó la Bauhaus y pudo organizar la publicación de su obra Die gegenstandslose Welt, que se publicó como undécimo volumen de la serie de libros de la Bauhaus (fundada por Walter Gropius y László Moholy-Nagy), aunque con un prefacio distanciado de los editores. Además, se eliminaron pasajes del texto en los que Malevich abordaba de forma crítica el desarrollo de la sociedad soviética. En su manuscrito, por ejemplo, escribió sobre la «actual fase de confort de vida socialista y glotona». En contra de sus expectativas, Malevich fue recibido como un importante representante de la vanguardia rusa, pero en aquella época el constructivismo ruso estaba más cerca de la Bauhaus que del suprematismo, que parecía anticuado en Alemania con su sistema filosófico de conocimiento del mundo. En Dessau buscaban un camino hacia un diseño creativo del mundo, similar al del grupo holandés De Stijl, cuyo cofundador Piet Mondrian, al igual que Malevich, fue un temprano maestro de la abstracción. El estilo neoplasticista de Mondrian, creado en 1920, estuvo influenciado por el suprematismo emocional de Malevich.
En junio, Malevich regresó a Leningrado; debido a la incierta situación política de la Unión Soviética, dejó sus escritos con su anfitrión Gustav von Riesen y las obras que había traído con el arquitecto Hugo Häring, que las guardó para Malevich. La planeada revisita de Malevich nunca tuvo lugar, por lo que los cuadros no fueron redescubiertos hasta 1951 y adquiridos por el Museo Stedelijk de Ámsterdam en 1958 por unos 120.000 marcos. En mayo de 2008, un acuerdo resolvió amistosamente la larga disputa entre los 37 herederos de Malevich y la ciudad de Ámsterdam: Los herederos recibieron cinco obras importantes de Malevich y, a cambio, aceptaron que el resto de los cuadros permanecieran en la colección de la ciudad de Ámsterdam. Allí se exponen en el reabierto Stedelijk Museum desde 2009.
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Volver a la pintura figurativa
Malevich reanudó su trabajo en el Instituto Estatal de Historia del Arte, elaboró los planos de las ciudades satélites de Moscú, se ocupó de los diseños de porcelana y se esforzó por publicar los resultados de sus investigaciones. Tratando de revisar ligeramente sus puntos de vista dogmáticos, buscaba nuevas posibilidades y caminos para su arte.
Malevich comenzó a restaurar las obras esenciales que había dejado en Alemania pintando réplicas «mejoradas», esto también se aplicó a los motivos impresionistas. Las obras fueron fechadas, lo que posteriormente causó una gran confusión en los círculos artísticos. Los cuadros sirvieron para completar su gran exposición de obras prevista para 1929.
Un cambio radical a partir de finales de los años veinte en la obra de Malevich fue su vuelta a la pintura figurativa con elementos suprematistas; la puso al servicio de los queridos campesinos que sufrían bajo la colectivización forzosa de la agricultura, lo que se expresó en su nuevo estilo. En su estilo pictórico, las personas se convierten poco a poco en muñecos mutilados, prisioneros de un gulag criminal.
En 1929 se le prohibió seguir trabajando en el Instituto Estatal de Historia del Arte, que se cerró poco después. Se le permitió trabajar en el Instituto de Arte de Kiev durante quince días al mes. En noviembre de ese año, expuso sus obras en la Galería Tretyakov de Moscú con motivo de una retrospectiva, pero recibió en su mayoría críticas negativas. Poco después, la exposición se trasladó a Kiev, pero volvió a cerrarse a los pocos días. En 1930, Malevich fue detenido y llevado a un interrogatorio durante quince días.
En su última etapa artística, poco antes de su muerte, volvió a pintar retratos «reales», pero éstos no corresponden al estilo del «realismo socialista», sino que se asemejan a obras del Renacimiento, lo que se expresa en la vestimenta del retratado. Lo característico de estos cuadros son los gestos expresivos de los retratados.
En 1932, fue puesto a cargo de un laboratorio de investigación en el Museo Ruso de Leningrado, donde trabajó hasta su muerte. A pesar de la orden estatal que prohibía las tendencias vanguardistas y exigía el estilo del realismo socialista, su obra se volvió a mostrar en la exposición «Quince años de arte soviético». Sin embargo, a partir de 1935 no hubo más exposiciones de sus obras en la URSS; no fue hasta después de la perestroika que se celebró una amplia retrospectiva de las obras de Malévich en San Petersburgo en 1988.
Malevich murió de cáncer en Leningrado en 1935. Su tumba estaba en Nemchinovka, cerca de Moscú, en los terrenos de su dacha, donde se colocó un cubo blanco diseñado por Nikolai Suetin con un cuadrado negro en el frente. La tumba ya no existe en la actualidad.
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Los primeros trabajos
Al principio de su obra artística, Malevich se orientó hacia las innovaciones del arte europeo de principios del siglo XX. Al principio, pintaba en estilo impresionista y tomaba como modelos a Monet y más tarde a Cézanne. Entre sus primeros trabajos se encuentran también pinturas de estilo simbolista y puntillista. En sus grabados se encuentran muchos elementos del arte popular ruso Lubok. La Cabeza de campesino, de 1911, es un ejemplo del uso frecuente de motivos campesinos y coloristas rusos. Se expuso en la segunda exposición del Blaue Reiter de Múnich.
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Primitivismo, Cubofuturismo, Alogismo
El desarrollo artístico de Kasimir Malevich en el período previo al suprematismo (hasta 1915) está determinado por tres fases principales: El primitivismo, el cubofuturismo y el alogismo. En el primitivismo, desde 1910 hasta aproximadamente 1912, predominan las formas bidimensionales muy simplificadas y el colorido expresivo. Los temas pictóricos estaban relacionados con escenas cotidianas; un ejemplo de ello son las Bañistas de 1911.
En contraste con el primitivismo, el cubofuturismo, una variante rusa del cubismo francés y el futurismo italiano, supuso una vuelta a las formas tradicionales del arte popular ruso. Malevich utilizó formas básicas de orientación cubista, como conos, esferas y cilindros, para representar las figuras y su entorno; el color, a menudo de tonos tierra, servía cada vez más para subrayar la plasticidad. En muchos cuadros de esta época, dividió la superficie en facetas.
En la tercera fase siguieron las llamadas pinturas alógicas. Los significados pictóricos tradicionales fueron sustituidos por combinaciones alógicas de números, letras, fragmentos de palabras y figuras. Un ejemplo es el cuadro Un inglés en Moscú, de 1914.
La Prehistoria del Suprematismo explica el paso radical de Malevich hacia el estilo no-objetivo del Suprematismo mostrando la yuxtaposición, la breve aplicación de diferentes estilos y la ruptura con la lógica del contenido pictórico.
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La obra suprematista de 1915
El más conocido de sus cuadros es el suprematista El cuadrado negro sobre fondo blanco, de 1915, con el que Malevich llegó a un punto culminante de la abstracción iniciada en el cubismo. En su manifiesto que acompañaba a la exposición «(0,10)», Malevich negaba cualquier relación del arte y sus representaciones con la naturaleza. De este modo, dejó atrás incluso las tendencias entonces vigentes de la vanguardia, ya que el cubismo no exigía la no objetividad absoluta del contenido pictórico, tal y como Malevich la aplicaba ahora en sus obras. La estructura del Cuadrado Negro fue creada con pequeñas pinceladas impresionistas, no con una regla y una superficie de color uniforme; los bordes del cuadrado están deshilachados. En 1923 y 1929 creará más cuadros con el tema del Cuadrado Negro. También en 1915 pintó La Plaza Roja. A un paralelogramo amarillo sobre blanco le siguió en 1919 el Cuadrado Blanco, un cuadrado blanco sobre fondo blanco, que concluyó la serie de cuadrados. En sus cuadros suprematistas, además del blanco y el negro, se encuentran los colores básicos de la paleta: rojo, azul, amarillo y verde.
Al describir las tres fases del suprematismo en su obra Suprematismo 34 Dibujos, Malevich explicó el significado de sus cuadros monocromos de la siguiente manera: «Como autoconocimiento en la terminación puramente utilitaria del «todo-hombre» en la esfera general de la vida, han adquirido un significado adicional: el negro como signo de economía, el rojo como señal de revolución, y el blanco como puro efecto».
A Malevich no sólo le preocupaba una forma de arte, sino también una nueva actitud ante la vida, que describió con la expresión «excitación». Así, su escrito para la exposición de 1915 termina con las siguientes palabras: «He cortado los nudos de la sabiduría y he liberado la conciencia del color. He superado lo imposible y he hecho de los abismos mi aliento. ¡Pero te retuerces en las redes del horizonte como un pez! Nosotros, los suprematistas, estamos preparando el camino para ti. ¡Deprisa! Porque mañana ya no nos reconocerás».
De la etapa estática de sus cuadros de cuadrados, pasó a la dinámica, o cósmica, que puede verse, por ejemplo, en Ocho rectángulos y Avión en vuelo, ambos pintados en 1915. A través de su nueva forma de arte, Malevich llegó a pensar que la humanidad podía dominar no sólo el espacio terrestre sino también el cosmos. En su Suprematismo 34 Dibujos de 1920, menciona las posibilidades de los vuelos interplanetarios y los satélites terrestres (Sputniks).
El historiador del arte Werner Haftmann citó la interpretación del artista de su propia creación del suprematismo en el marco de la historia del arte en su obra La pintura en el siglo XX: «Llevó la pintura a cero mediante la negación total de todas las fuentes de opacidad; lo que quedó fue el elemento geométrico más simple: el cuadrado sobre la superficie pura. No era un «cuadro» lo que Malevich había hecho allí, era, como él mismo dijo, «más bien la experiencia de la pura no objetividad». Los aspectos expresivos y descriptivos del expresionismo abstracto desaparecieron, lo constructivo se impuso; con formas elementales y absolutas, la pintura podía experimentarse como arquitectura y armonía pura basada en sí misma. El cuadrado en la superficie no sólo era un símbolo espontáneo de la «experiencia de la no objetividad», sino que también resultó ser el primer bloque de construcción de una pintura absoluta».
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El trabajo tardío
Tras su regreso de Berlín y Dessau, en 1927, Malévich volvió ocasionalmente a los motivos impresionistas, a los que integró elementos suprematistas y que fechó en el periodo que va de 1903 en adelante, ya que quería complementar su exposición en la Galería Tretiakov en 1929 con los cuadros que había dejado en Berlín. Escribió sus ideas sobre la reinterpretación del Impresionismo en su documento Isología, un concepto de arte inventado por él mismo, como el Suprematismo, por ejemplo, y las transmitió a sus seguidores en conferencias.
Cuando su obra tardía salió de los depósitos rusos hace 20 años, se criticó que el pintor de la abstracción radical se había convertido en un renegado de la vanguardia. En sus obras post-suprematistas de la década de 1930, Malevich volvió a la pintura figurativa; las escenas de campesinos eran sus motivos preferidos. A partir del sistema del suprematismo, Malevich construyó una nueva imagen simbólica del hombre alejada de cualquier realismo. Se refería a las figuras como «budetlyanje» («futuristas»): sus campesinos se convierten cada vez más en robots sin rostro, sin barba y más tarde sin brazos. El presentimiento sobre la destrucción del mundo campesino por la colectivización llevó a Malevich a declarar que no pintaba un rostro «porque no veía al hombre del futuro» o más bien que «el futuro del hombre es un misterio que no se puede desentrañar».
Los motivos suprematistas aparecen, por ejemplo, en la forma del cuadrado de las casas sin ventanas. El cuadro Cabeza de campesino contiene cuatro formas suprematistas, de las cuales los dos cuadrados que forman la barba pueden llamarse las rejas del arado. Pero la cabeza es también un icono (amado por Malevich), un retrato que recuerda a una figura de Cristo campesino. En el cielo hay aviones, que recuerdan a los pájaros como malos presagios; han venido a destruir la libertad y la cultura tradicional de los campesinos.
La última fase de Malevich, que denominó «supranaturalismo», representa en gran medida a las mujeres como retratos del nuevo hombre en forma naturalista, pertenecientes a otro mundo futuro. Un ejemplo es la mujer trabajadora como miembro de una nueva religión, una representación de madre e hijo en la que el niño que falta es sustituido por la postura del brazo, comunicando con este gesto codificado. El ejemplo más conocido de esta última fase es su autorretrato de 1933, mostrado en la introducción anterior. Malevich se representa a sí mismo vestido como un pintor renacentista, con su mano formando el cuadrado ausente. Su cuadrado negro forma la firma. Malevich resume así la historia de su pintura con el mensaje de que la vida del hombre puede reducirse a un gesto.
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Architektone, diseño de productos
A partir de 1923, Malévich se ocupó de los estudios de arquitectura; sus proyectos espaciales, llamados Architektons, maquetas de yeso de forma suprematista, no habían recibido la aprobación de los arquitectos de la Bauhaus en 1927 y también estaban en oposición a Tatlin y su grupo en Petrogrado. Las urbanizaciones para el espacio exterior (Planites) y las ciudades satélite (Semlyanites) fueron un tema dentro de sus estudios, que describió como «fórmulas arquitectónicas según las cuales se puede dar forma a las estructuras arquitectónicas». Malevich también se preocupó por el diseño de productos y creó servicios de porcelana de estilo constructivista.
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Fuentes
En 1927, Malevich resumió sus reflexiones en el libro de la Bauhaus El mundo no objetivo; fue su única publicación en vida en Alemania. El concepto de «sensación», que era importante para él y que ya aparecía en los textos del periodo de Vitebsk, fue descrito con mayor claridad en los escritos de la Bauhaus: «Por suprematismo entiendo la supremacía de la sensación pura en las artes visuales. Desde el punto de vista del suprematismo, las apariencias de la naturaleza representativa carecen en sí mismas de sentido; lo esencial es la sensación, como tal, bastante independiente del entorno en el que se evoca». Y el propio Malevich fundamentó el tema de su obra tardía en esto: «La máscara de la vida oculta el verdadero rostro del arte. El arte no es para nosotros lo que podría ser».
Además de sus otros escritos teórico-artísticos que se enumeran a continuación, Malevich escribió varios ensayos sobre cine y un guión entre 1925 y 1929. Existe una publicación El Rectángulo Blanco. Schriften zum Film (1997), que en su mayor parte contiene textos disponibles por primera vez en alemán, «conducen al centro del debate sobre el movimiento y la aceleración como metáfora central de la modernidad en la vanguardia internacional. Malevich sitúa los melodramas con Mary Pickford, las comedias con Monty Banks, las películas de Sergei Eisenstein, Dsiga Wertov, Walter Ruttmann y Yakov Protasanov en su modelo histórico de la aparición de la modernidad desde Cézanne, pasando por el cubismo, el futurismo, hasta el suprematismo. Casi todos sus ensayos tratan de la cita perdida entre el cine y el arte. Porque Malevich entiende el cine no como la perfección del naturalismo, sino como los principios de la nueva pintura: el dinamismo y la no objetividad».
Para una visión completa, véase Lista de obras de Kazimir Malevich.
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Pintar
Las colecciones más extensas de obras de Malévich se encuentran en el Museo Ruso de San Petersburgo y en la Galería Tretiakov de Moscú. Una colección más amplia de obras de Malévich fuera de Rusia se encuentra en el Museo Stedelijk de Ámsterdam, el Museo Ludwig de Colonia y el Museo Estatal de Arte Contemporáneo de Salónica.
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Efecto durante la vida
La primera reacción al Cuadrado negro en la exposición «0,10» de 1915 fue claramente negativa: era una afrenta a la forma académica y realista de pintar; los críticos denostaron el cuadro como el «cuadrado muerto», la «nada personificada». El historiador del arte y oponente de Malévich, Alexander Benois, lo describió en el periódico de Petrogrado «La Lengua» como «el truco más astuto en el puesto de feria del arte más reciente». El escritor ruso Dmitri Merezhkovsky se sumó a la condena, hablando de la «invasión de los matones en la cultura». Los no menos revolucionarios relieves de las esquinas de Vladimir Tatlin salieron casi impunes. Posiblemente esto se debió al hecho de que Malevich se había creado muchos enemigos a través de sus polémicas apariciones en actos públicos. Para llamar la atención, Malevich y sus alumnos llevaban cucharas de cocina rojas en lugar de pañuelos decorativos en el bolsillo del pecho de sus chaquetas, que estaban cortadas como batas amarillas. A pesar de todas las críticas, el suprematismo comenzó a ganar aceptación, ya que en Rusia todavía no existía una doctrina artística vinculante «desde arriba» y los amigos y seguidores apoyaban la pretensión de Malevich de liderar la vanguardia, así como su pintura novelesca.
Marc Chagall, que fue derrotado por Malevich en la disputa por la dirección de la escuela de arte de Vitebsk, escribió resignado a Pavel D. Ettinger en 1920: «El movimiento ha llegado a su punto de ebullición. Se ha formado un grupo de estudiantes conspiradores en torno a Malevich, otro en torno a mí. Ambos pertenecemos a la izquierda, pero tenemos ideas completamente diferentes sobre sus objetivos y métodos».
En su viaje a Berlín y Dessau en 1927, Malevich no había valorado correctamente el desarrollo del arte en Alemania, ya que fueron sobre todo el constructivismo y la Bauhaus los que determinaron el rumbo allí. Así expresó: «Me parece que el suprematismo se presenta aquí por primera vez como el fin último de todo el constructivismo y como la base de la vida El trabajo en Alemania es bueno porque todo esto se está conociendo ahora en todo el mundo». En la Bauhaus, sólo se reunió brevemente con el director Walter Gropius y expresó su deseo de permanecer en Alemania. Es posible que esperara nuevos puestos de profesor en la Bauhaus tras su despido. Sin embargo, Malevich no tuvo éxito con su visita y se marchó de nuevo. El único rendimiento fue la publicación de su obra El mundo no objetivo (192728). Sin embargo, el editor, László Moholy-Nagy, había señalado claramente en el prefacio: «Nos complace poder publicar la presente obra del importante pintor ruso Malevich, aunque se desvíe de nuestro punto de vista en cuestiones fundamentales».
Wassily Kandinsky escribió en los Cahiers d»Art en 1931: «El encuentro del ángulo agudo de un triángulo con un círculo no tiene menos efecto que el contacto entre el dedo de Dios y Adán en Miguel Ángel».
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Voces sobre el trabajo tardío
Hans-Peter Riese, biógrafo de Malevich, comentó el problema de los cuadros anteriores a la fecha. La historia de la recepción de Malevich tuvo que reescribirse cuando se levantó el telón de acero en la década de 1980 y sus obras tardías de 1927 pudieron mostrarse en Occidente. Su transformación artística suscitó un gran asombro, ya que su vuelta a la pintura figurativa era contraria al punto álgido de su obra, el suprematismo abstracto, conocido hasta entonces. La primera catalogación se hizo según la datación de los cuadros, que el propio Malevich había realizado. Los cuadros de influencia impresionista se incluyen en la primera década del siglo pasado, tal y como los había calificado el artista. Sin embargo, la mayoría de estas obras no se crearon hasta la década de 1930. En esa época, Malevich prácticamente reconstruyó su obra temprana y adelantó la datación, como han revelado las investigaciones del historiador de arte búlgaro Andrei Nakov, que publicó el catálogo completo de Malevich en 2002 y está considerado el principal investigador de Malevich.
Sebastian Egenhofer en la introducción a un seminario de historia del arte sobre la obra tardía de Malevich: «Malevich llama a la pintura figurativa del pasado «trogrealismo de forraje» porque concibe y representa la «emoción no objetiva» sólo en el horizonte del hambre, del interés práctico, es decir, como representacionalismo. La obra figurativa tardía de Malevich, que surge tras varias tentativas a partir de 1928, sería en cambio un «trogrealismo de forraje» que se entiende a sí mismo. Malevich encuentra los campos de color suprematistas -la siguiente representación espacial de la «emoción no objetiva» en el plano de corte de las pinturas abstractas de la década- en la tierra y los campos de los campesinos. La reflexión interna del cuadro se entrelaza con una cosmológica-económica. La no objetividad es la naturaleza dadora (no la naturaleza aparente) en el entendimiento del «agronegocio» como una especie de pintura abstracta».
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La influencia de Malevich en los artistas contemporáneos y posteriores
El pintor y escultor Imi Knoebel relató sus años de estudiante en Düsseldorf a principios de la década de 1960: «En aquella época salió este libro, Die Gegenstandslose Welt de Malevich, sus textos. Nos fascinó el Cuadrado Negro. Para nosotros, ese fue el fenómeno que se apoderó completamente de nosotros, ese fue el verdadero punto de inflexión. Con esta conciencia, literalmente vendimos a Malevich». Por la misma época, Blinky Palermo, alumno de Beuys como Knoebel, pintó en 1964 su composición con ocho rectángulos rojos, su primer cuadro geométrico. Sus prototipos también parecen ilustraciones infantiles de la obra fundamental de Malevich.
La exposición Das schwarze Quadrat – Hommage an Malewitsch (El cuadrado negro – Homenaje a Malevich), inaugurada en Hamburgo en la primavera de 2007, para la que el artista de instalaciones Gregor Schneider había diseñado un cubo cubierto de tela negra, el Cubo Hamburgo 2007, en la explanada de la Hamburger Kunsthalle, atrajo a multitudes. Dado que el cubo negro recuerda no sólo a la Plaza Negra, sino también a la Kaaba musulmana de La Meca, se temían atentados terroristas, pero no se produjeron. El cuadro El cuadrado negro se expuso en la versión de 1923.
Heiko Klaas resumió en el Spiegel la fuerte influencia de Malevich en sus contemporáneos y en las siguientes generaciones de artistas: «Si se sigue la tesis de la exposición, el Cuadrado Negro contribuyó a iniciar al menos todos los demás movimientos de arte y diseño del siglo XX. Aparece en los diseños textiles, así como en los vagones de ferrocarril rusos y en los rótulos de las tiendas. Los contemporáneos de Malevich, El Lissitzky y Alexander Rodchenko, aderezaron sus gráficos, diseños arquitectónicos y construcciones espaciales constructivistas con derivados y variantes. Artistas del Minimal Art y del Arte Conceptual americano como Donald Judd, Carl Andre o Sol LeWitt multiplicaron el cuadrado y crearon esculturas en serie a partir de materiales industriales fácilmente disponibles, como el acero. También ellos se ocupaban de un lenguaje formal elemental. De este modo, se distanciaron radicalmente de la pintura gestual de su época, el Action Painting y el Expresionismo Abstracto».
Con motivo de la exposición de Hamburgo, el periódico Die Welt nombró a otros artistas que orientaron sus obras hacia el Cuadrado Negro y rindió homenaje al «maestro de lo abstracto» citando sus trabajos: «Samuel Beckett hizo caminar a hombres encapuchados por un cuadrado, Noriyuki Haraguchi llenó tinas con aceite negro de desecho, Günther Uecker clavó en un cuadrado, Reiner Ruthenbeck intentó iluminar un cuadrado negro con focos, mientras que Sigmar Polke pintó un cuadro con una esquina negra y escribió en el borde: «Seres superiores ordenaron: ¡pintar la esquina superior derecha de negro! «»
Con motivo de la exposición de Malevich en Die Zeit, Petra Kipphoff cita las patéticas palabras del artista en una carta de 1918 al pintor ruso, historiador del arte y editor de la revista de arte Mir Iskusstva, Alexander Benois: «He pintado el icono desnudo de mi tiempo… lo real en su falta de palabra». Kipphoff describe el efecto del cuadro en el espectador: «Y cuando uno se acerca al cuadro, el Cuadrado Negro también despliega su efecto real sin palabras, icónico. Nada puede vislumbrarse en este lienzo pintado de forma intensa y ligeramente abigarrada, pero es precisamente en esta excitación no objetiva (palabra que, al igual que «sensación», utiliza a menudo Malevich) donde es posible cualquier percepción».
El artista conceptual y diseñador de muebles alemán Rafael Horzon produjo los llamados objetos de «decoración de pared» a partir de 2002. Eran cuadros blancos y negros que se vendían a un precio de 50 euros cada uno. Horzon se niega a llamar a su obra arte, refiriéndose al proceso de ready-made de Marcel Duchamp. Mientras que la innovación de Duchamp a principios del siglo XX consistió en declarar arte los objetos cotidianos, la innovación de Horzon a principios del siglo XXI, para el crítico de arte Peter Richter, consistió en negarse a designar como arte las cosas que se perciben como tales. Horzon se describe a sí mismo como un empresario.
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Agradecimiento
A finales de la década de 1940, George Costakis comenzó a coleccionar obras de Malevich y otros artistas de la vanguardia rusa y a investigar la vida y el entorno del artista, condenado al ostracismo en su país.
Gilles Néret, biógrafo de Malevich, cuenta al artista entre los cuatro protagonistas más importantes del arte moderno del siglo XX, y resume en la introducción de su libro Malevich: «Baudelaire planteó la pregunta: «¿Qué es la modernidad? Los cuatro protagonistas y pilares del arte del siglo XX tardaron en responder a la pregunta del poeta: Picasso, atomizando las formas; Matisse, emancipando el color; Duchamp, inventando el «ready-made» para destruir la obra de arte; y Malevich, trayendo al mundo -como un crucifijo- su icónico Cuadrado negro sobre fondo blanco».
Con motivo de su 140 cumpleaños, el Banco Nacional de Ucrania emitió en 2019 una moneda conmemorativa de 2 hryvnia en su honor.
Exposiciones
Fuentes
