Louise Bourgeois

Delice Bette | julio 15, 2022

Resumen

Louise Joséphine Bourgeois (25 de diciembre de 1911 – 31 de mayo de 2010) fue una artista franco-americana. Aunque es más conocida por sus esculturas e instalaciones a gran escala, Bourgeois también fue una prolífica pintora y grabadora. A lo largo de su dilatada carrera exploró diversos temas, como la domesticidad y la familia, la sexualidad y el cuerpo, así como la muerte y el inconsciente. Estos temas están relacionados con acontecimientos de su infancia, que ella consideraba un proceso terapéutico. Aunque Bourgeois expuso con los expresionistas abstractos y su obra tiene mucho en común con el surrealismo y el arte feminista, no estaba formalmente afiliada a un movimiento artístico concreto.

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Primeros años de vida

Bourgeois nació el 25 de diciembre de 1911 en París, Francia. Era la mediana de los tres hijos de Joséphine Fauriaux y Louis Bourgeois. Sus padres tenían una galería que se dedicaba principalmente a la venta de tapices antiguos. Unos años después de su nacimiento, su familia se trasladó fuera de París y estableció un taller de restauración de tapices debajo de su apartamento en Choisy-le-Roi, para lo cual Bourgeois rellenó los diseños donde se habían desgastado. La parte inferior de los tapices siempre estaba dañada, lo que solía ocurrir con los pies de los personajes y las patas de los animales.

En 1930, Bourgeois ingresó en la Sorbona para estudiar matemáticas y geometría, materias que valoraba por su estabilidad, diciendo: «Conseguí la tranquilidad, sólo a través del estudio de reglas que nadie podía cambiar».

Su madre murió en 1932, mientras Bourgeois estudiaba matemáticas. La muerte de su madre la inspiró a abandonar las matemáticas y comenzar a estudiar arte. Siguió estudiando arte apuntándose a clases en las que se necesitaban traductores para los estudiantes de habla inglesa, sobre todo porque a los traductores no se les cobraba la matrícula. En una de esas clases, Fernand Léger vio su trabajo y le dijo que era escultora, no pintora. Bourgeois aceptó un trabajo como docente, dirigiendo visitas en el Museo del Louvre.

Bourgeois se licenció en la Sorbona en 1935. Comenzó a estudiar arte en París, primero en la École des Beaux-Arts y la École du Louvre, y después de 1932 en las academias independientes de Montparnasse y Montmartre, como la Académie Colarossi, la Académie Ranson, la Académie Julian, la Académie de la Grande Chaumière y con André Lhote, Fernand Léger, Paul Colin y Cassandre. Bourgeois deseaba tener experiencia de primera mano y visitaba con frecuencia los estudios de París, aprendiendo las técnicas de los artistas y colaborando en las exposiciones.

En 1938, abrió su propia galería en un local contiguo a la galería de tapices de su padre, donde expuso la obra de artistas como Eugène Delacroix, Henri Matisse y Suzanne Valadon, y donde conoció como cliente al profesor de arte estadounidense Robert Goldwater. Se casaron y se trasladaron a Estados Unidos (donde él daba clases en la Universidad de Nueva York). Tuvieron tres hijos, uno de ellos adoptado. El matrimonio duró hasta la muerte de Goldwater en 1973.

Bourgeois se instaló en Nueva York con su marido en 1938. Continuó su formación en la Art Students League de Nueva York, estudiando pintura con Vaclav Vytlacil, y realizando también esculturas y grabados. «El primer cuadro tenía una cuadrícula: la cuadrícula es algo muy tranquilo porque nada puede salir mal… todo está completo. No hay lugar para la ansiedad… todo tiene un lugar, todo es bienvenido».

Bourgeois incorporó esas referencias autobiográficas a su escultura Quarantania I, expuesta en el Cullen Sculpture Garden del Museo de Bellas Artes de Houston.

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Años intermedios

Para Bourgeois, los primeros años de la década de 1940 representaron las dificultades de la transición a un nuevo país y la lucha por entrar en el mundo de las exposiciones de la ciudad de Nueva York. Su obra durante esta época se construía con restos de chatarra y madera a la deriva que utilizaba para tallar esculturas de madera en posición vertical. Las impurezas de la madera se camuflaban con pintura, tras lo cual se empleaban clavos para inventar agujeros y arañazos en el intento de retratar alguna emoción. La Figura Durmiente es uno de esos ejemplos que representa una figura de guerra que es incapaz de enfrentarse al mundo real debido a su vulnerabilidad. A lo largo de su vida, la obra de Bourgeois se creó a partir de la revisión de su propio pasado problemático, ya que encontró inspiración y catarsis temporal en los años de su infancia y en los abusos que sufrió por parte de su padre. Poco a poco fue desarrollando una mayor confianza artística, aunque sus años centrales son más opacos, lo que podría deberse a que recibió muy poca atención del mundo del arte a pesar de haber realizado su primera exposición individual en 1945. En 1951, su padre murió y ella adquirió la nacionalidad estadounidense.

En 1954, Bourgeois se unió al Grupo de Artistas Abstractos Americanos, con varios contemporáneos, entre ellos Barnett Newman y Ad Reinhardt. Como parte del Grupo de Artistas Abstractos Americanos, Bourgeois pasó de la madera y las estructuras verticales al mármol, el yeso y el bronce, e investigó cuestiones como el miedo, la vulnerabilidad y la pérdida de control. Esta transición fue un punto de inflexión. Se refería a su arte como una serie o secuencia estrechamente relacionada con los días y las circunstancias, y describía sus primeros trabajos como el miedo a la caída, que luego se transformó en el arte de la caída y la evolución final como el arte de aguantar. Sus conflictos en la vida real le permitieron autentificar sus experiencias y luchas a través de una forma de arte única. En 1958, Bourgeois y su marido se mudaron a una casa adosada en la calle 20 Oeste, en Chelsea, Manhattan, donde vivió y trabajó el resto de su vida.

A pesar de que rechazaba la idea de que su arte fuera feminista, el tema de Bourgeois era lo femenino. Obras como Femme Maison (1946-1947), Torso self-portrait (1963-1964), Arch of Hysteria (1993), representan el cuerpo femenino. A finales de la década de 1960, sus imágenes se volvieron más explícitamente sexuales al explorar la relación entre hombres y mujeres y el impacto emocional de su problemática infancia. Esculturas sexualmente explícitas como Janus Fleuri (1968) demuestran que no temía utilizar la forma femenina de nuevas maneras. Se le ha citado diciendo: «Mi trabajo trata de problemas que son anteriores al género», escribió. «Por ejemplo, los celos no son masculinos ni femeninos». Con el auge del feminismo, su obra encontró un público más amplio. A pesar de esta afirmación, en 1976 Femme Maison apareció en la portada del libro de Lucy Lippard From the Center: Feminist Essays on Women»s Art y se convirtió en un icono del movimiento artístico feminista.

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Vida posterior

En 1973, Bourgeois comenzó a dar clases en el Pratt Institute, Cooper Union, Brooklyn College y la New York Studio School of Drawing, Painting and Sculpture. Desde 1974 hasta 1977, Bourgeois trabajó en la School of Visual Arts de Nueva York, donde enseñó grabado y escultura. También enseñó durante muchos años en las escuelas públicas de Great Neck, Long Island.

A principios de la década de 1970, Bourgeois celebraba en su casa de Chelsea unas reuniones llamadas «domingos sangrientos». Estos salones se llenaban de jóvenes artistas y estudiantes cuya obra era criticada por Bourgeois. La crueldad de Bourgeois en la crítica y su seco sentido del humor dieron nombre a estas reuniones. Bourgeois inspiró a muchos jóvenes estudiantes a hacer un arte de carácter feminista. Sin embargo, Jerry Gorovoy, amigo y asistente de Louise durante mucho tiempo, ha declarado que Louise consideraba su propia obra «pregénero».

Bourgeois se alió con activistas y se convirtió en miembro del Grupo de Lucha contra la Censura, un colectivo feminista contra la censura fundado por la también artista Anita Steckel. En la década de 1970, el grupo defendía el uso de imágenes sexuales en las obras de arte. Steckel argumentaba: «Si el pene erecto no es lo suficientemente sano para entrar en los museos, no debería considerarse lo suficientemente sano para entrar en las mujeres».

En 1978, la Administración de Servicios Generales le encargó la creación de Facets of the Sun, su primera escultura pública. La obra se instaló en el exterior de un edificio federal en Manchester, New Hampshire.Bourgeois recibió su primera retrospectiva en 1982, a cargo del Museo de Arte Moderno de Nueva York. Hasta entonces, había sido una figura periférica del arte cuya obra era más admirada que aclamada. En una entrevista con Artforum, que coincidió con la inauguración de su retrospectiva, reveló que las imágenes de sus esculturas eran totalmente autobiográficas. Compartió con el mundo que revivía obsesivamente a través de su arte el trauma de descubrir, cuando era niña, que su institutriz inglesa era también la amante de su padre.

En 1989, Bourgeois realizó un grabado en punta seca, Mud Lane, de la casa que mantenía en Stapleton, Staten Island, que trataba como un entorno escultórico más que como un espacio habitable.

Bourgeois tuvo otra retrospectiva en 1989 en la Documenta 9 de Kassel (Alemania). En 1993, cuando la Real Academia de las Artes organizó su amplia encuesta sobre el arte americano del siglo XX, los organizadores no consideraron que la obra de Bourgeois fuera importante para incluirla en la encuesta. Sin embargo, esta encuesta fue criticada por muchas omisiones, y un crítico escribió que «se han eliminado secciones enteras del mejor arte americano» y señaló que se incluían muy pocas mujeres. En el año 2000, sus obras fueron seleccionadas para la inauguración de la Tate Modern de Londres, y en 2001 expuso en el Museo del Hermitage.

En 2010, en el último año de su vida, Bourgeois utilizó su arte para defender la igualdad de lesbianas, gays, bisexuales y transexuales (LGBT). Creó la obra I Do, que representa dos flores que crecen de un mismo tallo, a beneficio de la organización sin ánimo de lucro Freedom to Marry. Bourgeois ha dicho que «todo el mundo debería tener derecho a casarse. Comprometerse a amar a alguien para siempre es algo hermoso». Bourgeois tiene un historial de activismo en favor de la igualdad LGBT, ya que en 1993 creó obras de arte para la organización activista contra el sida ACT UP.

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Muerte

Bourgeois murió de un fallo cardíaco el 31 de mayo de 2010, en el Centro Médico Beth Israel de Manhattan. Wendy Williams, directora del Estudio Louise Bourgeois, anunció su muerte. Había continuado creando obras de arte hasta su muerte, sus últimas piezas fueron terminadas la semana anterior.

The New York Times dijo que su obra «compartía un conjunto de temas repetidos, centrados en el cuerpo humano y su necesidad de nutrición y protección en un mundo aterrador».

Su marido, Robert Goldwater, murió en 1973. Le sobreviven dos hijos, Alain Bourgeois y Jean-Louis Bourgeois. Su primer hijo, Michel, murió en 1990.

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Femme Maison

Femme Maison (1946-47) es una serie de cuadros en los que Bourgeois explora la relación de la mujer con el hogar. En las obras, las cabezas de las mujeres han sido sustituidas por casas, aislando sus cuerpos del mundo exterior y manteniendo sus mentes domésticas. Este tema va unido a la deshumanización del arte moderno.

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Destrucción del padre

Destrucción del padre (1974) es una exploración biográfica y psicológica del dominio del poder del padre y su descendencia. La pieza es una instalación en tono de carne en una habitación suave y con aspecto de útero. Realizada con yeso, látex, madera, tela y luz roja, Destrucción del padre fue la primera pieza en la que utilizó materiales blandos a gran escala. Al entrar en la instalación, el espectador se encuentra con las secuelas de un crimen. En un comedor estilizado (con el doble impacto de un dormitorio), los hijos abstractos de un padre prepotente se han rebelado, asesinado y comido.

… contando a la audiencia cautiva lo grandioso que es, todas las cosas maravillosas que hizo, toda la gente mala a la que ha hecho caer. Pero esto continúa día tras día. Hay una tragedia en el aire. Una vez más, ha dicho lo suyo. Es insoportablemente dominante, aunque probablemente él mismo no se dé cuenta. Crece una especie de resentimiento y un día mi hermano y yo decidimos que había llegado la hora. Lo cogimos, lo pusimos sobre la mesa y con nuestros cuchillos lo diseccionamos. Lo desmontamos y lo desmembramos, le cortamos el pene. Y se convirtió en comida. Nos lo comimos… lo liquidamos de la misma manera que liquidó a los niños.

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El exorcismo en el arte

En 1982, el Museo de Arte Moderno de Nueva York presentó la obra de una artista desconocida, Louise Bourgeois. Tenía 70 años y era una artista de técnicas mixtas que trabajaba en papel, con metal, mármol y huesos de animales. Los traumas familiares de su infancia «provocaron un exorcismo en el arte» y ella intentó desesperadamente purgar su malestar con su obra. Sentía que podía entrar en contacto con los temas de la identidad femenina, el cuerpo, la familia fracturada, mucho antes de que el mundo del arte y la sociedad los consideraran temas expresos en el arte. Esta era la forma en que Bourgeous encontraba su centro y estabilizaba su malestar emocional. El New York Times dijo en su momento que «su obra está cargada de ternura y violencia, aceptación y desafío, ambivalencia y convicción».

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Células

A sus ochenta años, Bourgeois realizó dos series de instalaciones cerradas que denominó Células. Muchas de ellas son pequeños recintos en los que se invita al espectador a mirar hacia el interior de los objetos simbólicos; otras son pequeñas habitaciones en las que se invita al espectador a entrar. En las celdas, Bourgeois utiliza formas escultóricas anteriores, objetos encontrados y objetos personales que tienen una fuerte carga emocional para la artista.

Las células encierran estados psicológicos e intelectuales, principalmente sentimientos de miedo y dolor. Bourgeois afirmó que las Células representan «diferentes tipos de dolor; físico, emocional y psicológico, mental e intelectual… Cada célula se ocupa de un miedo. El miedo es el dolor… Cada Célula trata del placer del voyeur, de la emoción de mirar y ser mirado».

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Maman

A finales de la década de 1990, Bourgeois comenzó a utilizar la araña como imagen central de su arte. Maman, de más de nueve metros de altura, es una escultura de acero y mármol de la que posteriormente se fundió una edición de seis bronces. Apareció por primera vez como parte del encargo de Bourgeois para la serie Unilever de la Sala de Turbinas de la Tate Modern en 2000, y recientemente, la escultura se instaló en el Centro Nacional de Convenciones de Qatar en Doha, Qatar. Su mayor escultura de araña, titulada Maman, mide más de 9,1 metros y ha sido instalada en numerosos lugares del mundo.Es la mayor escultura de araña jamás realizada por Bourgeois.Además, Maman alude a la fuerza de la madre, con metáforas de hilado, tejido, crianza y protección. El predominio del motivo de la araña en su obra ha dado lugar a su apodo de Spiderwoman.

La Araña es una oda a mi madre. Ella era mi mejor amiga. Como una araña, mi madre era una tejedora. Mi familia se dedicaba a la restauración de tapices y mi madre era la encargada del taller. Como las arañas, mi madre era muy inteligente. Las arañas son presencias amistosas que comen mosquitos. Sabemos que los mosquitos transmiten enfermedades y, por tanto, son indeseables. Así que las arañas son útiles y protectoras, como mi madre.

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Casas frágiles

Maisons fragiles de Bourgeois

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Grabado

El grabado de Bourgeois floreció al principio y al final de su carrera: en las décadas de 1930 y 1940, cuando llegó a Nueva York desde París, y de nuevo a partir de la década de 1980, cuando su obra empezó a recibir un amplio reconocimiento. Al principio, realizaba grabados en su casa, en una pequeña prensa, o en el renombrado taller Atelier 17. A este periodo le siguió un largo paréntesis, ya que Bourgeois se dedicó de lleno a la escultura. No fue hasta los setenta años cuando empezó a hacer grabados de nuevo, animada primero por los editores de grabados. Puso en marcha su antigua imprenta y añadió una segunda, al tiempo que trabajaba en estrecha colaboración con impresores que acudían a su casa para colaborar. A partir de ese momento se inicia una fase muy activa de grabado, que dura hasta la muerte de la artista. A lo largo de su vida, Bourgeois creó aproximadamente 1.500 composiciones impresas.

En 1990, Bourgeois decidió donar el archivo completo de su obra impresa al Museo de Arte Moderno. En 2013, el Museo lanzó el catálogo razonado en línea, «Louise Bourgeois: The Complete Prints & Books». El sitio se centra en el proceso creativo de la artista y sitúa los grabados y libros ilustrados de Bourgeois en el contexto de su producción global, incluyendo obras relacionadas en otros medios que tratan los mismos temas e imágenes.

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Temas

Uno de los temas de la obra de Bourgeois es el de los traumas infantiles y las emociones ocultas. Después de que la madre de Louise enfermara de gripe, el padre de Louise empezó a tener aventuras con otras mujeres, sobre todo con Sadie, la tutora de inglés de Louise. Llevaba a las amantes a casa y les era infiel delante de toda su familia. Louise estaba muy atenta y consciente de la situación. Este fue el comienzo del compromiso de la artista con la doble moral relacionada con el género y la sexualidad, que se expresó en gran parte de su obra. Recuerda a su padre diciendo «te quiero» repetidamente a su madre, a pesar de la infidelidad. «Él era el lobo, y ella la liebre racional, que le perdonaba y aceptaba tal y como era». Su obra de 1993 Cell: You Better Grow Up, que forma parte de su serie Cell, habla directamente del trauma infantil de Louise y de la inseguridad que la rodeaba. Give or Take, de 2002, se define por la emoción oculta, representando el intenso dilema al que se enfrentan las personas a lo largo de su vida cuando intentan equilibrar las acciones de dar y recibir. Este dilema no sólo está representado por la forma de la escultura, sino también por la pesadez del material del que está hecha esta pieza.

La maternidad es otro tema recurrente en la obra de Bourgeois. Fue su madre quien animó a Bourgeois a dibujar y quien la involucró en el negocio de los tapices. Bourgeois consideraba a su madre intelectual y metódica; el motivo continuo de la araña en su obra representa a menudo a su madre. La noción de una araña que teje su tela es una referencia directa al negocio de tapices de sus padres y también puede verse como una metáfora de su madre, que repara cosas.

Bourgeois ha explorado el concepto de feminidad desafiando las normas patriarcales y realizando obras de arte sobre la maternidad en lugar de mostrar a las mujeres como musas o ideales. Se la ha descrito como la «heroína reacia del arte feminista». Louise Bourgeois tenía un enfoque feminista de su obra similar al de otras artistas como Agnes Martin y Eva Hesse, menos impulsadas por lo político, sino que hacían obras que se basaban en sus experiencias de género y sexualidad, comprometiéndose naturalmente con los problemas de las mujeres.

La arquitectura y la memoria son componentes importantes de la obra de Bourgeois. Las obras de Bourgeois tienen un aire muy orgánico, biológico y reproductivo; llaman la atención sobre la propia obra. Louise describe la arquitectura como una expresión visual de la memoria, o la memoria como un tipo de arquitectura. La memoria que aparece en gran parte de su obra es una memoria inventada, sobre la muerte o el exorcismo de su padre. El recuerdo imaginado se entrelaza con sus recuerdos reales, como vivir frente a un matadero y la aventura de su padre. Para Louise, su padre representaba las heridas y la guerra, el engrandecimiento de sí mismo y el menosprecio de los demás y, sobre todo, un hombre que representaba la traición. Su obra de 1993 Cell (Three White Marble Spheres) habla del miedo y el cautiverio. Los espejos que contiene presentan una realidad alterada y distorsionada.

La sexualidad es sin duda uno de los temas más importantes en la obra de Louise Bourgeois. El vínculo entre la sexualidad y la fragilidad o la inseguridad también es poderoso. Se ha afirmado que esto se debe a los recuerdos de su infancia y a los asuntos de su padre. La mujer en espiral de 1952 combina el enfoque de Louise sobre la sexualidad femenina y la tortura. La flexión de los músculos de las piernas y los brazos indica que la Mujer Espiral sigue estando por encima aunque esté siendo asfixiada y colgada. In and Out, de 1995, utiliza materiales metálicos fríos para vincular la sexualidad con la ira e incluso con el cautiverio.

La espiral en su obra demuestra la peligrosa búsqueda del equilibrio precario, el cambio permanente sin accidentes, el desorden, el vértigo, el torbellino. Ahí está lo positivo y lo negativo simultáneamente, el futuro y el pasado, la ruptura y el retorno, la esperanza y la vanidad, el plan y la memoria.

La obra de Louise Bourgeois se nutre de confesiones, autorretratos, recuerdos, fantasías de un ser inquieto que busca a través de su escultura una paz y un orden que le faltaron durante su infancia.

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Colaboración

Esta colaboración tuvo lugar durante dos años con la artista británica Tracey Emin. La obra se expuso en Londres meses después de la muerte de Bourgeois en 2010. El tema consiste en imágenes masculinas y femeninas. Aunque parecen sexuales, retrata una diminuta figura femenina que rinde homenaje a una gigantesca figura masculina, como un Dios. Louise Bourgeois hizo las acuarelas y Tracey Emin el dibujo de la parte superior. Emin tardó dos años en decidir qué iba a aportar en la colaboración. Cuando supo qué hacer, terminó todos los dibujos en un día y cree que cada uno de ellos funcionó a la perfección. I Lost You trata de la pérdida de los hijos, de la pérdida de la vida. Bourgeois tuvo que enterrar a su hijo como madre. Para ella, el abandono no sólo consiste en perder a su madre, sino también a su hijo. A pesar de la diferencia de edad entre los dos artistas y las diferencias en su trabajo, la colaboración funcionó con suavidad y facilidad.

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Exposiciones

Entre las principales colecciones de su obra se encuentran la National Gallery of Art de Washington, D.C.; el Museo de Arte Moderno de Nueva York; el Museo de Arte Moderno de San Francisco; la Tate de Londres; A lo largo de su carrera, Bourgeois conoció a muchos de sus principales coleccionistas, como Ginny Williams, Agnes Gund, Ydessa Hendeles y Ursula Hauser. Otras colecciones privadas con piezas notables de Bourgeois son la Colección Goetz de Múnich.

Bourgeois empezó a trabajar con la galerista Paule Anglim en San Francisco en 1987, con Karsten Greve en París en 1990 y con Hauser & Wirth en 1997. Hauser & Wirth ha sido la principal galería para su patrimonio. Otras, como la Galería Kukje de Seúl y Xavier Hufkens de Bruselas, siguen ocupándose de su obra.

En 2011 una de las obras de Bourgeois, titulada Spider, se vendió por 10,7 millones de dólares, un nuevo precio récord para la artista en una subasta, y el precio más alto pagado por una obra de una mujer en ese momento. A finales de 2015, la pieza se vendió en otra subasta de Christie»s por 28,2 millones de dólares.

Louise Bourgeois en el Museo de Bellas Artes de Houston: https:

Fuentes

1. Louise Bourgeois
2. Louise Bourgeois
3. ^ Christiane., Weidemann (2008). 50 women artists you should know. Larass, Petra., Klier, Melanie, 1970–. Munich: Prestel. ISBN 978-3-7913-3956-6. OCLC 195744889.
4. ^ «The Spider»s Web». The New Yorker. 28 January 2002. Retrieved 4 February 2002.
5. Elle a acquis la nationalité américaine en 1955[3]
6. The truth is that Freud did nothing for artists, or for the artist’s problem, the artist’s torment – to be an artist involves some suffering. That’s why artists repeat themselves – because they have no access to a cure
7. https://www.findagrave.com/cgi-bin/fg.cgi?page=gr&GRid=53102684
8. «Louise Bourgeois, 1911-2010». theartnewspaper. 4 de junio de 2010. Archivado desde el original el 14 de julio de 2014. Consultado el 8 de julio de 2014.
9. Louise Bourgeois – Video bei Youtube (französisch)
10. Rachel Cooke: She»ll put a spell on you. In: The Guardian. 14. Oktober 2007. (englisch)
11. Lisa Zeitz: Sie ist die Bienenkönigin. Die Künstlerin Louise Bourgeois lebt im New Yorker Stadtteil Chelsea. Sonntags ist Salon für geladene Gäste. In: Frankfurter Allgemeine Sonntagszeitung. Nr. 32, 10. August 2003, Kunstmarkt, S. 50.
12. Tate Modern: Louise Bourgeois Maman 1999