Lucian Freud
gigatos | diciembre 28, 2021
Resumen
Lucian Freud, nacido el 8 de diciembre de 1922 en Berlín y fallecido el 20 de julio de 2011 en Londres, fue un pintor y grabador figurativo británico de origen alemán.
Se le considera uno de los pintores figurativos más importantes de los siglos XX y XXI, el «Ingres del existencialismo», como dice el historiador del arte Herbert Read.
Es especialmente famoso por haber pintado el retrato de la Reina Isabel II para su Jubileo de Oro en 2001, un cuadro que causó polémica en Gran Bretaña.
Lucian nació en Berlín, nieto del médico y fundador del psicoanálisis, Sigmund Freud, y de su esposa Martha Bernays. Su padre, el arquitecto Ernst L. Freud (en) (1892-1970), era el hijo menor de Sigmund Freud. En 1933, para escapar del antisemitismo nazi, Ernst Freud se llevó a su familia a Londres: su esposa Lucie Brasch y sus hijos Lucian, Stephen (1921-2015) y Clement (1924-2009). En 1938, tras el Anschluss, Sigmund Freud se unió a ellos.
Tras su educación secundaria, Lucian ingresó en la Central School of Arts and Crafts de Londres en 1938-1939. De 1939 a 1941, estudió con Cedric Morris en la East Anglian School of Painting and Drawing de Dedham. Luego fue reclutado por la Marina Mercante y desmovilizado después de tres meses en el mar. De 1942 a 1943 estudió a tiempo parcial en el Goldsmith»s College de Londres.
En 1943, ilustró los poemas de Nicholas Moore. Expuso por primera vez en la Galería Lefèvre de Londres en 1944. Su pintura se vio entonces influenciada por el surrealismo, como muestra el enigmático cuadro La habitación del pintor. Ya está representado «el mundo personal de Freud: la ventana, la planta, el animal, todos los elementos de su obra están en su sitio».
En 1946, Freud visitó París y Grecia. Regresa a París con regularidad para visitar a Picasso y Giacometti.
En 1948 se casó con la hija del escultor Jacob Epstein, Kitty Garman, y tuvo dos hijas, Annabel Freud y la poeta Annie Freud. Se divorció de Kitty en 1952 y se volvió a casar en 1953 con Lady Caroline Blackwood. En 1952, pintó el cuadro «Hotel Bedroom» en la habitación 38 del Hotel La Louisiane, en el que aparece con Lady Caroline Blackwood. Este segundo matrimonio no fue más feliz y su divorcio tuvo lugar en 1958. Pintó hermosos retratos inspirados en sus esposas Kitty (Girl with a white Dog, 1950-51) y Caroline (Girl in a Green Dress, 1952). Lucian Freud, que no apreciaba las limitaciones de la vida familiar, vivió entonces como soltero, con sucesivas compañeras de las que tuvo muchos hijos y nietos. Se han identificado catorce hijos, entre ellos la diseñadora de moda Bella Freud (nacida en 1961), la escritora Esther Freud, la artista Jane McAdam Freud (en) (nacida en 1958) y Noah Woodman, entre otros.
A principios de los años 60, su encuentro con Francis Bacon, Frank Auerbach, Leon Kossoff y Michael Andrews en un grupo dirigido por R.B. Kitaj dio un giro a su técnica. Bacon y Auerbach le convencieron para que dejara su estilo fino y lineal y se entregara a las grandes pinceladas. Su pintura se hizo cada vez más gruesa, aplicada en tonos apagados de beige y gris, realzados con blanco. Este grupo se conoció como la «Escuela de Londres», grupo al que se dedicó una exposición en 1998-1999 en el Museo Maillol. Este grupo de pintores figurativos fue una reacción a la pintura abstracta dominante en la posguerra y exigía una pintura realista que fuera más allá de las apariencias para captar la verdad de los temas.
Lucian Freud pintó a su familia, a su madre Lucie y a sus hijas (Bella y Esther, 1987-1988), a sus amigos, a otros artistas como Frank Auerbach y Francis Bacon, a gente famosa y a desconocidos, algunos posando sólo para una obra, y realizó un gran número de retratos del artista de performance australiano Leigh Bowery, y también de Henrietta Moraes, musa de muchos artistas del Soho. Una serie de enormes retratos desnudos de mediados de la década de 1990 mostraban a la altísima y curvilínea Sue Tilley, o «Big Sue», utilizando en algunos casos su título de trabajo, «Benefits Supervisor», en el título del cuadro. El monumental Benefits Supervisor Sleeping (Supervisor de beneficios durmiendo), de 1995, se vendió por 33,6 millones de dólares en Christie»s de Nueva York en 2008, batiendo el récord de ventas para un artista vivo.
Pinta delante de modelos vivos en los confines de su estudio. Las vistas de Londres o de su jardín están pintadas desde el ancla del estudio. Trabajaba todo el día y las sesiones de posado que infligía a sus modelos eran interminables. Su cuadro Después de Cézanne, notable por su inusual forma, fue adquirido por la Galería Nacional de Australia por 7,4 millones de dólares. La parte superior izquierda de este cuadro ha sido «injertada» en la parte principal de abajo, y una inspección más detallada revela una línea horizontal donde se han unido estas dos secciones.
Al final de su vida, los retratos de desnudos dominan su pintura, revelando la cruda intimidad de sus modelos, la de Leigh Bowery, Sue Tilley o su fiel ayudante David Dawson (Sunny Morning-Eight Legs, 1997). Pero incluso los modelos vestidos revelan su desnudez al espectador, la verdad del ser que traspasa todas las apariencias: «Cuando pinto ropa, en realidad pinto personas desnudas cubiertas de ropa», explica. El retrato de su amigo y compañero de cabalgata Andrew Parker Bowles, cuyo espléndido uniforme con sus numerosas medallas está entreabierto y muestra la tristeza de una fatiga interior, es un buen ejemplo (The Brigadier, 2003-4). En sus autorretratos, escudriña su propio rostro y el de los demás, sin benevolencia. Los críticos ven en su obra una búsqueda obsesiva de la naturaleza humana a través de la carne. Sus grandes, provocativos e intransigentes desnudos de la década de 1990, representados en lienzos a gran escala, marcan la cima de su obra.
Lucian Freud era un ávido corredor de caballos y perros y un jugador impenitente. Uno de sus grandes coleccionistas, Alfie McLean, era un corredor de apuestas de Irlanda del Norte que le permitía pagar sus deudas de juego con cuadros. Pero con el paso de las décadas, el pintor le debía tanto dinero que los retratos ya no eran suficientes para pagar lo que le debía. Cuando, en 1992, el marchante estadounidense William Acquavella quiso representar al pintor, primero tuvo que pagar a Alfie McLean el saldo de sus deudas de juego, que ascendían a 2,7 millones de libras. Cuando Alfie McLean murió en 2006, poseía 23 obras cuyo valor se estimaba en 100 millones de libras. Freud pintó varios retratos del corredor de apuestas, entre ellos «El gran hombre (1976-1977)».
Lucian Freud murió la noche del 20 al 21 de julio de 2011 en su casa de Londres. Está enterrado en el cementerio de Highgate. Aunque se había hecho muy rico, el artista vivía con sencillez, en una casa con jardín en el barrio de Notting Hill, donde había instalado sus estudios en el piso superior.
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Reconocimiento
El talento de Freud fue reconocido entre los años 1970 y 1980 con la exposición retrospectiva de su obra en la Hayward Gallery de Londres en 1974, seguida en 1982 por la publicación de la primera monografía sobre su obra por Lawrence Gowing. La primera gran exposición itinerante de su obra tuvo lugar en 1987-1988 (Washington, París, Londres, Berlín). Después de la exposición de la Escuela de Londres, siguieron la de la Tate Britain, la de la Fundación La Caixa Barcelona y la del Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles en 2002. En 2005 se celebró en Venecia una importante retrospectiva de su obra. En 2010 – Lucian Freud cumple 88 años – se presenta en París la exposición «Lucian Freud – L»Atelier» en el Centro Nacional de Arte y Cultura Georges-Pompidou, más de veinte años después de la primera retrospectiva que le dedicó el Centro, en 1987
La obra de Lucian Freud se divide en varios periodos: un primer periodo con composiciones surrealistas; luego un periodo realista conocido como «neorromántico», en el que los retratos aparecen con una textura ligera; finalmente el periodo de madurez, que hizo la reputación del artista.
Pintados con una textura gruesa, en tonos marrones, grises y blancos, los retratos aparecen a menudo como vistos con una agudeza particular que no quiere ocultar ningún detalle, sobre todo del rostro, del modelo escrutado. Pintados en el momento, se repiten muchas veces.
Los modelos desnudos aparecen en estudios desolados -de hecho, el piso vacío donde trabaja el pintor-, en camas o sofás rotos, en poses insólitas y actitudes crudas. No se oculta ningún detalle. La iluminación de la escena es a menudo eléctrica, y hay «golpes blancos» en la carne de los modelos pintados que refuerzan la sensación de iluminación artificial. Freud habla de una «deformación particular» que consigue con su forma de trabajar y observar.
También hay que reconocer que, para sus detractores, el particular estilo de Freud resulta chocante por el aspecto caricaturesco, casi morboso, de algunas de sus obras.
Freud también fue pintor y grabador. Produjo una gran cantidad de grabados en blanco y negro que retoman y reinterpretan los temas de su pintura.
Lucian Freud trabajó casi a diario durante los tres últimos años de su vida en un cuadro titulado Retrato del sabueso. Este cuadro quedó inacabado. Es un retrato de su amigo David Dawson, que también fue su asistente.
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El punto de vista de Héctor Obalk
El crítico de arte Hector Obalk dedicó un episodio de su programa Grand»Art, emitido en Arte en marzo de 2009, a Lucian Freud. Nos lleva a un viaje por el mundo del artista desde sus inicios hasta su obra reciente, especialmente a través de una serie de autorretratos que van desde sus cuadros de los años 40 hasta el de 2005. Héctor Obalk considera que esta es una buena manera de describir la evolución de la técnica de Freud. También ve en ellos, a su vez, la representación de un pintor presuntuoso, seguro de sí mismo, falsamente preocupado, asumiendo finalmente su desnudez y las marcas de la vejez. Su último autorretrato le muestra desnudo, con los pies en zapatos abiertos, sosteniendo su paleta en la mano izquierda y su cuchillo de pintar en la derecha, en el vacío de su estudio, «que nunca quiso arreglar», dice el crítico.
Sus retratos tratan de gente «corriente», personas cercanas al pintor. A veces forman una serie, como las del industrial irlandés, su perro y su hijo, las de su hija o su ayudante David Dawson. Al reproducir ciertos elementos de la luz con la mayor fidelidad posible y exagerar otros rasgos, Lucian Freud pudo transmitir el carácter de sus personajes.
Sus temas no animados tienden a integrarse como elementos del retrato, ya sean detalles (la bobina del reloj o el cinturón del industrial, la corbata del hijo del industrial representada en los reflejos de la habitación) o más importantes (el desorden en la silla junto a su asistente). Sin embargo, algunas obras se centran exclusivamente en elementos decorativos, como dos representaciones del lavabo de su taller.
Desde el punto de vista técnico, Héctor Obalk observó al principio de su obra un apego a los reflejos en los ojos, ciertas exageraciones casi rayanas en la caricatura y, siempre, una búsqueda obsesiva de la representación de la luz. En sus últimos años, Freud no dibujó en absoluto, sino que aplicó los toques de color de los tonos de la piel, dibujando así rostros que a veces estaban cubiertos por una gruesa capa de pintura. Sin embargo, para Obalk esto no siempre fue un éxito…
Este último señala tres cambios en la técnica pictórica de Freud. Primero, un cambio de herramienta, un pincel más duro. En segundo lugar, cambió a un blanco que contenía más óxido de plomo, lo que le permitió representar mejor los contrastes de luz. Finalmente, después de haber dominado su técnica, un replanteamiento total de la misma le llevó a abandonar, como ya se ha dicho, el dibujo de las formas por la aplicación de toques de color, un replanteamiento que sólo Tiziano había podido hacer anteriormente, un riesgo que fue posible por la gran maestría técnica, pero también por la venerable edad alcanzada por los dos pintores.
» Creo que el gran retrato tiene que ver con la forma de abordarlo. {…} Así que creo que el retrato es una actitud. «
– Lucian Freud
El retrato es una actitud. Lo que hace a un gran retrato es la forma en que se concibe, cómo se monta. Lucian Freud hablaba de impulsos a la hora de elegir sus modelos. Estos impulsos -o deseos furiosos, según la traducción- son un primer indicio del estrecho vínculo entre él y sus imágenes. Por ello, siempre se ha referido a su obra como autobiográfica. «Todo es autobiográfico», escribió Martin Gayford sobre Freud en la edición de sus cuadernos. En la introducción del libro de Sarah Howgate se explica que el Consejo de las Artes de Inglaterra legó a la National Portrait Gallery «este fascinante cuerpo de material que incluye 47 cuadernos de bocetos (…) y 35 cartas». Le pareció importante incluir las letras como parte de su práctica artística. Al igual que muchos de sus cuadernos y dibujos están cubiertos de escritos, notas, números de teléfono móvil, citas y bocetos de cartas de amor, el vínculo entre la vida y el arte son inseparables.
Los cuadros que realizó son representaciones de sus allegados. Desde sus amigos hasta sus hijos, sus esposas, su asistente, su whippet. Aunque Freud se niega categóricamente a dejar que sus sentimientos se manifiesten en sus cuadros, no se puede permanecer completamente neutral ante la precisión y la verdad de las personas representadas. Se muestra todo, los músculos estirados por la postura, la grasa y los bultos, la estructura ósea. La exactitud de la representación muestra la observación precisa de lo que se pinta, el gran cuidado que pone en representar a sus seres queridos y la fidelidad de los detalles.
El lugar está cerrado, siempre igual: el estudio del pintor. Un lugar personal y vacío, todo lo presente tiene un solo propósito, servir a su pintura. Sofás, sillones, sábanas y trapos, colchones, un lavabo, algunas plantas y nada más. Las paredes están vacías, cubiertas de color, el rastro de un gesto rápido para eliminar la materia pictórica presente en sus pinceles.
Sebastian Smee, en Beholding the animal, utilizará el término «retrato desnudo», contraponiéndolo a la palabra tradicional «desnudo». Robert Hughes continuará en esta línea añadiendo «mientras se preserva ferozmente el respeto».
La desnudez desempeña un papel preciso en la obra de Freud, y llega exactamente donde se detiene la intimidad, al nivel de la imagen producida. Sirve a su propósito en el nivel biológico de las cosas: del mismo modo que pinta animales y plantas, el cuerpo humano desnudo se ve como una bestia en reposo. No se muestran ni deben estar presentes los sentimientos a la hora de pintar, a riesgo de dejarlo inacabado, como ocurrió en 1977 con su Último Retrato, un óleo sobre lienzo que quedó inacabado, pero que, sin embargo, se expuso al público con su evocador título, «El último retrato».
La serie de retratos de su madre también podría sugerir alguna conexión entre ambas personas, pero el motivo es mucho menos sentimental. En 1970, tras la muerte del padre de Lucian, Ernest, su madre intentó suicidarse y luego cayó en una depresión al ser resucitada por su hermana que pasaba por allí. Freud dirá: «Ha perdido el interés por todo, incluso por mí». El hecho de que ella hubiera perdido el interés por él la convirtió en un modelo ideal, y la pintó continuamente durante quince años, antes de que se extinguiera.
Para demostrar su punto de vista, Freud tomó como modelos a las personas que conocía más íntimamente, sus hijos. Realizó varios retratos de sus hijas, niños, luego jóvenes adultos y finalmente mujeres embarazadas, desnudas, con los brazos y las piernas abiertas ante el pintor. De este modo, rompía cualquier relación con el erotismo que pudiera apreciarse en su obra, y basaba su temática en la observación del cuerpo como cosa material, del mismo modo que su fusta. Él mismo dijo: «Si me hubiera parecido extraño pintarlos, nunca lo habría hecho.
A pesar de un proceso creativo que está impregnado de intimidad y conexión con sus seres queridos. La escena de su estudio vacío, sin nadie más, ya que incluso David Dawson, que fue su ayudante durante muchos años, tuvo que marcharse cuando Freud empezó a pintar, y luego la desnudez. Lucian Freud era completamente impermeable a sus sentimientos en su obra. Se explicó claramente al respecto: «Nunca es una situación erótica, el modelo y yo estamos haciendo un cuadro, no amor».
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Enlaces externos
Fuentes
