Lucio Fontana

gigatos | julio 12, 2022

Resumen

Lucio Fontana (Rosario, 19 de febrero de 1899 – Comabbio, 7 de septiembre de 1968) fue un pintor, ceramista y escultor italiano.

De familia italiana, pero argentino de nacimiento, asistió a la Academia de Brera en Milán, dedicándose a la escultura; de vuelta a Buenos Aires redactó el Manifiesto blanco con el que sentó las bases del movimiento espacialista. A principios de la década de 1950, realizó lienzos con agujeros, a los que siguieron los famosos «cortes». Utilizó numerosas técnicas en sus realizaciones artísticas, tanto en pintura y escultura como en cerámica.

Hijo del escultor italiano Luigi Fontana (1865-1946) y de su madre argentina, comenzó su actividad artística en 1921 trabajando en el taller de escultura de su padre y del colega y amigo de éste Giovanni Scarabelli. Luego se convirtió en seguidor de Adolfo Wildt. Ya en 1949, al romper el lienzo con agujeros y cortes, supera la distinción tradicional entre pintura y escultura. El espacio deja de ser un objeto de representación según las reglas convencionales de la perspectiva. La propia superficie del lienzo, interrumpida en relieves y huecos, entra en relación directa con el espacio real y la luz. A finales de la década de 1940, colaboró con Fontana Arte en la producción de bases de cerámica para mesas y mesitas de café (basadas en un diseño del arquitecto Roberto Menghi), y con la empresa Borsani.

Lucio nació de la relación entre Lucia Bottini, hija del grabador suizo Jean y que más tarde se casaría con Juan Pablo Maroni, y su padre Luigi, que mantendría a su hijo con él y más tarde se casaría con Anita Campiglio, a quien Fontana siempre consideró como una verdadera madre. La familia Fontana era bastante acomodada, por lo que el joven Lucio fue enviado a Italia para estudiar primero en importantes colegios y luego en el Instituto Técnico Carlo Cattaneo y en la Escuela de Arte de Brera.En 1917 se alistó como voluntario en el ejército.En 1921, tras obtener su diploma de aparejador, regresó a Argentina. En 1924, después de trabajar con su padre, abrió su propio estudio en Rosario, abandonando el estilo realista de su padre y buscando en cambio los modos cubistas de Aleksandr Archipenko como en Nudo (1926) y La mujer y la pelota (1927). En la primera obra se aprecian las influencias de Archipenko y del secesionismo, mientras que en la segunda se aprecia la lección de Aristide Maillol.

En 1927 regresó a Milán y se matriculó en la Academia de Bellas Artes de Brera, donde se graduó en 1930. Recibió la influencia de su profesor Adolfo Wildt.

En 1963 diría: «Tuve un gran maestro como guía: Wildt, fui considerado el mejor alumno de la clase. Y Wildt, de hecho, me había expresado varias veces que debía convertirme en un continuador de su arte. En cambio, nada más salir de la Academia, cogí una masa de yeso, le di una estructura aproximadamente figurativa de un hombre sentado y le eché alquitrán. Así de fácil, para una reacción violenta. Wildt se quejó, y ¿qué podía decirle? Le tenía en gran estima, le estaba agradecido, pero me interesaba encontrar un nuevo camino, uno que fuera totalmente mío». Así nació una de las obras más importantes de la primera época de Fontana: El hombre negro (1930- ahora perdida). Recordando las obras de Archipenko y Zadkine, buscó una vuelta a los orígenes de la forma. El alquitrán negro y la masa casi informe contrastan con la recuperación de las formas romanas y etruscas de Arturo Martini y Marino Marini.Junto con Renato Birolli y Aligi Sassu consideró el expresionismo una alternativa a la moda del siglo XX como en Campione olimpico (o Campeón en espera) (1932).

También realizó numerosas cerámicas de colores vivos. Se relacionó con la vanguardia arquitectónica milanesa: Figini y Pollini y el grupo BBPR viz: Belgioioso, Banfi, Peressutti, Rogers. Adquirió la lección de Le Corbusier. Su cercanía a la arquitectura es claramente visible en el monumento a Giuseppe Grandi (el gran escultor de la «Scapigliatura» lombarda), lamentablemente nunca realizado (1931) y diseñado junto a su primo arquitecto Bruno Fontana y el ingeniero Alcide Rizzardi. El diseño incluye un cono invertido y cristales. La derivación de las obras constructivistas y racionalistas puede verse: véase Melnikov (Faro de Colombo 1929) y Tatlin (monumento a la 3ª Internacional).En los años 30 Fontana siempre está a caballo entre la figuración expresionista y la forma enrarecida y la bidimensionalidad. Véase Il fiocinatore (1934) o Scultura astratta (1934).

En 1937, viajó a París para la Exposición Universal. Conoció a Tristan Tzara y Constantin Brancusi y vio las obras de Picasso. Visitó los talleres de cerámica de Sèvres y realizó nuevas cerámicas. De 1940 a 1947 vivió en Argentina y junto con otros artistas abstractos escribió el Manifiesto blanco: Se exige un cambio de esencia y forma. Se exige la superación de la pintura, la escultura, la poesía y la música. Se requiere un arte mayor de acuerdo con las exigencias del nuevo espíritu.

En 1947, junto con Beniamino Joppolo, Giorgio Kaisserlian y Milena Milani, redactó el Primer Manifiesto del Espacialismo Es imposible que el hombre pase del lienzo, el bronce, el yeso y la plastilina a las imágenes puras, aéreas, universales y suspendidas, al igual que es imposible que no pase del grafito al lienzo, el bronce, el yeso y la plastilina, sin negar en absoluto la validez eterna de las imágenes creadas con grafito, bronce, lienzo, yeso y plastilina. A esto le siguió el Manifiesto Técnico del Espacialismo en 1951 (La primera forma espacial construida por el hombre es el aerostato. Con el dominio del espacio, el hombre construye la primera arquitectura de la Era Espacial: el avión. Estas arquitecturas espaciales en movimiento darán lugar a las nuevas fantasías del arte. Se está formando una nueva estética, formas luminosas a través del espacio. Movimiento, color, tiempo y espacio los conceptos del nuevo arte).

A esto siguió, en 1952, el Manifiesto del Movimiento Espacial para la Televisión: Nosotros los Espacialistas transmitimos, por primera vez en el mundo, a través de la televisión, nuestras nuevas formas de arte, basadas en los conceptos del espacio, visto bajo un doble aspecto: el primero es el del espacio, antes considerado misterioso y ahora conocido y sondeado, y por tanto utilizado por nosotros como material plástico; el segundo es el de los espacios aún desconocidos del cosmos, que queremos abordar como datos de intuición y misterio, datos propios del arte como adivinación. La televisión es para nosotros un medio que hemos estado esperando como complemento de nuestros conceptos. Estamos encantados de que esta manifestación espacial nuestra, destinada a renovar los campos del arte, se emita desde Italia.

Sus lienzos monocromos, a menudo pintados con spray, llevan la marca de los gestos precisos y seguros del artista que, habiendo dejado atrás los pinceles, maneja hojas de afeitar, cuchillos y sierras. Todo se juega en las sombras con las que la luz rasante enfatiza las soluciones de continuidad.

La obra Il fiore (o Concepto Espacial) de 1952 introduce el movimiento: una flor hecha de láminas de hierro pintadas de amarillo con una serie de agujeros ordenados que se mueven entre ellas. Pero quizá la obra más interesante de este periodo sea la Estructura de Neón para la 9ª Trienal de Milán de 1951. Un neón continuo que se entrelaza varias veces colgado de un techo de color azul (diseñado junto con los arquitectos Baldessari y Grisotti) y que parece cristalizar el movimiento de una antorcha o el movimiento de un boceto sobre el papel (como puede verse en los bocetos preparatorios), similar a los trazados en espiral de Hans Hartung. En los siguientes años 50 produjo una serie de obras cada vez más representativas del pensamiento informal. La serie Stones, la serie Baroque y la serie Plaster. Conoció a Yves Klein, que a su vez le admiraba. Fontana abre un camino hacia la búsqueda del infinito, del espacio, de la espiritualidad. La misma búsqueda de la espiritualidad que Kandinsky, Pollock, Yves Klein y Rothcko.

Fontana llegó a sus obras poéticas más famosas (los cortes en el lienzo) en 1958, reflexionando sobre la lección del Barroco, en la que, como escribió, las figuras parecen salir del plano y continuar en el espacio. Como gestos abiertamente provocadores, algunos de sus lienzos monocromos, como los agujeros y los cortes, también escandalizaron al público por la facilidad con que se podían rehacer. Sobre un fondo cada vez más monocromo, recorta el lienzo con uno o varios cortes, de modo que la ilusión del lienzo como soporte de un dibujo se interrumpe y la obra se convierte en un material que transforma el lienzo en una escultura tridimensional. Los lienzos caracterizados por los cortes también se denominan concepciones espaciales (o esperas) en función del número de cortes. Los lienzos tienen inicialmente muchos cortes también dispuestos en series más o menos ordenadas y están coloreados con anilinas; más tarde se reducen los cortes, se colorean los lienzos con acuarela y se cierran los cortes por detrás con gasa negra. Las siguientes series de obras de Lucio Fontana están agrupadas por temas:

Le Sculture (1925-1967), I Buchi (1949-1968), Le Pietre (1952-1956), I Barocchi (1954-1957), I Gessi (1954-1958), Gli Inchiostri (1956-1959);

Gli Olii (1957-1968), I Tagli (1958-1968), I Quanta (1959-1960), Le Nature (1959-1960), I Metalli (1961-1968), La Fine Di Dio (1963-1964);

I Teatrini (1964-1966), Le Ellissi (1964-1967), Le Ambientazioni (1926-1968), I Disegni (1928-1968), Le Ceramiche (1949-1968).

Había numerosos falsificadores, pero pocos con un signo igualmente seguro. Fontana, para protegerse, escribía frases sin sentido en el reverso de cada lienzo, una simple muletilla para la pericia caligráfica. Fue pintor, escultor, ceramista, mosaiquista, trató el cemento pintado, también practicó la arquitectura. En la Piazza Pozzo Garitta, en Albissola Marina, se encuentra el «Espacio Lucio Fontana», donde, en los años 50 y 60, se encontraba el atelier del artista, que para la «Passeggiata degli Artisti» local realizó el diseño de un mosaico y fundió una escultura de metal.

En Albissola Marina, también trabajó en Via Ferdinando Isola, en el horno «APA Assalini Poggi Albisola». A principios de la década de 1960 mantuvo correspondencia con admiradores, entre ellos el crítico de arte Franco Russoli. En 1963-64 expuso en la exposición Peintures italiennes d»aujourd»hui, organizada en Oriente Medio y África del Norte. Murió en Comabbio, en la provincia de Varese, el 7 de septiembre de 1968, a los 69 años.

En 1982, su esposa Teresita Rasini creó la Fundación Lucio Fontana, a la que legó más de seiscientas obras del artista y de la que fue presidenta hasta su muerte en 1995. La Fundación ha colaborado en la organización de exposiciones en importantes instituciones públicas y privadas como: la gran exposición antológica, la exposición del Guggenheim, la muestra individual itinerante en Japón y la exposición en el Centro Pompidou de París. Actualmente, la presidenta de la fundación es Nini Ardemagni Laurini.

El 12 de abril de 2008, en la sala de subastas Christie»s de Londres, se presentó la obra del autor «Concepto espacial. Waiting», estimada entre 3,5 y 5,5 millones de libras, alcanzó 6.740.500 libras en la subasta de «Arte de posguerra y contemporáneo», lo que equivale a 9.018.789 euros.

A partir del 27 de marzo de 1965, el Studio Fontana acoge la exposición Zero Avantgarde. Se exponen obras de Nobuya Abe, Armando, Bernard Aubertin, Hans Bischoffshausen, Agostino Bonalumi, Pol Bury, Enrico Castellani, Lucio Fontana, Hermann Goepfert, Hans Haacke, Yves Klein, Yayoi Kusama, Walter Leblanc, Adolf Luther, Heinz Mack, Piero Manzoni, Christian Megert, Henk Peeters, Otto Piene, George Rickey, Jan Schoonhoven, Turi Simeti, Jesùs Rafael Soto, Paul Talman, Erwin Thorn, Giancarlo Tognoni, Günther Uecker, Jef Verheyen, Nanda Vigo, Herman de Vries.

Fuentes

1. Lucio Fontana
2. Lucio Fontana
3. ^ Sarah Whitfield, Lucio Fontana, University of California Press, 2000, p68. ISBN 0-520-22622-4
4. ^ Chilvers, Ian. The Oxford Dictionary of Art. Oxford University Press, 10/giu/2004. p. 259. Web. 21 Jun. 2012.
5. ^ Sarah Whitfield, Lucio Fontana, University of California Press, 2000, p. 68. ISBN 0-520-22622-4
6. ^ Richard Kostelanetz, H. R. Brittain, A Dictionary of the Avant-Gardes, Routledge, 2001, p. 216. ISBN 0-415-93764-7
7. ^ a b c d «Press Release: Lucio Fontana: Venice/New York opens at Guggenheim Museum» «Archived copy». Archived from the original on 2012-04-06. Retrieved 2011-10-25.{{cite web}}: CS1 maint: archived copy as title (link) CS1 maint: bot: original URL status unknown (link) Guggenheim Museum, New York.
8. a et b «Beaux Arts magazine» n°74, décembre 1989, p. 136
9. Carla Schulz-Hoffmann: Lucio Fontana. Prestel, München und Bayerische Staatsgemäldesammlungen Staatsgalerie Moderner Kunst, München 1983, ISBN 3-7913-0662-6, S. 7.
10. Lexikon der Kunst. Bd. 2, S. 549. VEB E. A. Seemann Verlag, Leipzig 1989.