Marc Chagall

Alex Rover | julio 15, 2022

Resumen

Marc Chagall (6 de julio de 1887 – 28 de marzo de 1985) fue un artista bielorruso-francés. Fue uno de los primeros modernistas, se asoció con varios estilos artísticos importantes y creó obras en una amplia gama de formatos artísticos, como pintura, dibujos, ilustraciones de libros, vidrieras, escenografías, cerámica, tapices y grabados de bellas artes.

Nació en el antiguo Gran Ducado de Lituania, la actual Bielorrusia, que entonces formaba parte del Imperio Ruso, y era de origen lituano. Antes de la Primera Guerra Mundial, viajó entre San Petersburgo, París y Berlín. Durante este periodo creó su propia mezcla y estilo de arte moderno basado en su idea de la Europa del Este y la cultura popular judía. Pasó los años de la guerra en la Bielorrusia soviética, convirtiéndose en uno de los artistas más destacados del país y miembro de la vanguardia modernista, fundando la Escuela de Arte de Vitebsk antes de partir de nuevo a París en 1923.

El crítico de arte Robert Hughes se refirió a Chagall como «el artista judío por excelencia del siglo XX». Según el historiador de arte Michael J. Lewis, Chagall estaba considerado como «el último superviviente de la primera generación de modernistas europeos». Durante décadas, «también fue respetado como el artista judío más importante del mundo». Utilizando el medio de las vidrieras, realizó ventanas para las catedrales de Reims y Metz, ventanas para la ONU y el Instituto de Arte de Chicago y las ventanas de Jerusalén en Israel. También realizó pinturas a gran escala, como parte del techo de la Ópera de París.

Tuvo dos reputaciones básicas, escribe Lewis: como pionero del modernismo y como importante artista judío. Vivió la «edad de oro» del modernismo en París, donde «sintetizó las formas artísticas del cubismo, el simbolismo y el fauvismo, y la influencia del fauvismo dio lugar al surrealismo». Sin embargo, a lo largo de todas estas fases de su estilo, «siguió siendo un artista judío, cuya obra era una larga ensoñación de la vida en su pueblo natal de Vitebsk». «Cuando Matisse muera», comentó Pablo Picasso en los años 50, «Chagall será el único pintor que quede que entienda lo que es realmente el color».

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Primeros años de vida

Marc Chagall nació en 1887 en Liozna, cerca de la ciudad de Vitebsk (Bielorrusia, entonces parte del Imperio Ruso), en el seno de una familia judía jasídica lituana. En el momento de su nacimiento, la población de Vitebsk era de unos 66.000 habitantes. La mitad de la población era judía. Ciudad pintoresca de iglesias y sinagogas, se la llamaba «el Toledo ruso», en honor a la ciudad cosmopolita del antiguo Imperio español. Como la ciudad estaba construida en su mayor parte de madera, poco de ella sobrevivió a los años de ocupación y destrucción durante la Segunda Guerra Mundial.

Chagall era el mayor de nueve hijos. El nombre de la familia, Shagal, es una variante del nombre Segal, que en una comunidad judía solía llevar una familia levítica. Su padre, Khatskl (Zachar) Shagal, era empleado de un comerciante de arenques, y su madre, Feige-Ite, vendía comestibles en su casa. Su padre trabajaba duro, cargando pesados barriles pero ganando sólo 20 rublos al mes (el salario medio en todo el Imperio Ruso era de 13 rublos al mes). Chagall incluiría más tarde motivos de peces «por respeto a su padre», escribe el biógrafo de Chagall, Jacob Baal-Teshuva. Chagall escribió sobre estos primeros años:

Día tras día, en invierno y en verano, a las seis de la mañana, mi padre se levantaba y se dirigía a la sinagoga. Allí rezaba su habitual oración por algún muerto. A su regreso preparaba el samovar, bebía un poco de té y se ponía a trabajar. Un trabajo infernal, el de un galeote. ¿Por qué tratar de ocultarlo? ¿Cómo contarlo? Ninguna palabra aliviará la suerte de mi padre… Siempre había mucha mantequilla y queso en nuestra mesa. El pan con mantequilla, como un símbolo eterno, nunca estuvo fuera de mis manos infantiles.

Una de las principales fuentes de ingresos de la población judía de la ciudad era la fabricación de ropa que se vendía en todo el Imperio ruso. También fabricaban muebles y diversas herramientas agrícolas. Desde finales del siglo XVIII hasta la Primera Guerra Mundial, el gobierno imperial ruso confinó a los judíos a vivir dentro del Pale of Settlement, que incluía la actual Ucrania, Bielorrusia, Polonia, Lituania y Letonia, lo que se correspondía casi exactamente con el territorio de la Mancomunidad Polaco-Lituana recientemente asumido por la Rusia Imperial. Esto provocó la creación de pueblos-mercado judíos (shtetls) en toda la actual Europa del Este, con sus propios mercados, escuelas, hospitales y otras instituciones comunitarias:  14

Chagall escribió de niño: «Sentí a cada paso que era judío; la gente me lo hacía sentir». Durante un pogromo, Chagall escribió que: «Las lámparas de la calle están apagadas. Siento pánico, especialmente frente a las ventanas de las carnicerías. Allí se pueden ver terneros aún vivos tumbados junto a las hachas y cuchillos de los carniceros». Cuando unos pogromniks le preguntaron: «¿Judío o no?», Chagall recordó haber pensado: «Mis bolsillos están vacíos, mis dedos son sensibles, mis piernas son débiles y quieren sangre. Mi muerte sería inútil. Tenía tantas ganas de vivir». Chagall negó ser judío, lo que llevó a los pogromniks a gritar «¡Muy bien! Váyanse!»

La mayor parte de lo que se sabe sobre los primeros años de la vida de Chagall procede de su autobiografía, Mi vida. En ella, describe la gran influencia que la cultura del judaísmo jasídico tuvo en su vida como artista. Chagall relató cómo se dio cuenta de que las tradiciones judías en las que había crecido estaban desapareciendo rápidamente y que necesitaba documentarlas. La propia Vitebsk había sido un centro de esa cultura desde la década de 1730, con sus enseñanzas derivadas de la Cábala. La estudiosa de Chagall, Susan Tumarkin Goodman, describe los vínculos y las fuentes de su arte con su primer hogar:

El arte de Chagall puede entenderse como la respuesta a una situación que ha marcado durante mucho tiempo la historia de los judíos rusos. Aunque eran innovadores culturales que hacían importantes contribuciones a la sociedad en general, los judíos eran considerados forasteros en una sociedad frecuentemente hostil… El propio Chagall nació en una familia impregnada de vida religiosa; sus padres eran judíos jasídicos observantes que encontraban satisfacción espiritual en una vida definida por su fe y organizada por la oración: 14

Chagall era amigo de Sholom Dovber Schneersohn, y más tarde de Menachem M. Schneerson.

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Educación artística

En el Imperio Ruso de aquella época, los niños judíos no podían asistir a las escuelas o universidades normales. También se restringía su movimiento dentro de la ciudad. Por ello, Chagall recibió su educación primaria en la escuela religiosa judía local, donde estudió hebreo y la Biblia. A los 13 años, su madre intentó inscribirlo en una escuela secundaria normal, y él recordó: «Pero en esa escuela no aceptan a los judíos». Sin dudarlo, mi valiente madre se acercó a un profesor». Le ofreció al director 50 rublos para que lo dejara asistir, y él aceptó.

Un punto de inflexión en su vida artística se produjo cuando se fijó por primera vez en el dibujo de un compañero. Baal-Teshuva escribe que para el joven Chagall, ver a alguien dibujar «era como una visión, una revelación en blanco y negro». Chagall diría más tarde que en la casa de su familia no había ningún tipo de arte y que el concepto le era totalmente ajeno. Cuando Chagall le preguntó a su compañero de escuela cómo había aprendido a dibujar, su amigo le contestó: «Ve a buscar un libro en la biblioteca, idiota, elige cualquier imagen que te guste y simplemente cópiala». Pronto empezó a copiar imágenes de libros y la experiencia le resultó tan gratificante que decidió que quería ser artista.

Finalmente, le confió a su madre: «Quiero ser pintor», aunque ella aún no podía entender su repentino interés por el arte ni por qué elegiría una vocación que «parecía tan poco práctica», escribe Goodman. El joven Chagall explicó: «Hay un lugar en la ciudad; si me admiten y si termino el curso, saldré como un artista normal. Sería muy feliz». Era 1906, y se había fijado en el estudio de Yehuda (Yuri) Pen, un artista realista que también dirigía una pequeña escuela de dibujo en Vitebsk, en la que estaban los futuros artistas El Lissitzky y Ossip Zadkine. Debido a la juventud de Chagall y a su falta de ingresos, Pen se ofreció a enseñarle gratuitamente. Sin embargo, tras unos meses en la escuela, Chagall se dio cuenta de que el retrato académico no se ajustaba a sus deseos.

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Inspiración artística

Goodman señala que durante este periodo en la Rusia Imperial, los judíos tenían dos alternativas básicas para incorporarse al mundo del arte: Una era «ocultar o negar sus raíces judías». La otra alternativa -la que eligió Chagall- era «valorar y expresar públicamente sus raíces judías» integrándolas en su arte. Para Chagall, éste era también su medio de «autoafirmación y una expresión de principios»:  14

El biógrafo de Chagall, Franz Meyer, explica que con las conexiones entre su arte y su vida temprana «el espíritu hassídico sigue siendo la base y la fuente de alimentación de su arte». Lewis añade: «A pesar de lo cosmopolita que se convertiría en un artista, su almacén de imágenes visuales nunca se ampliaría más allá del paisaje de su infancia, con sus calles nevadas, sus casas de madera y sus omnipresentes violinistas… escenas de la infancia tan indeleblemente grabadas en la mente y que las invisten de una carga emocional tan intensa que sólo podría descargarse oblicuamente a través de una repetición obsesiva de los mismos símbolos e ideogramas crípticos… «

Años más tarde, a la edad de 57 años mientras vivía en Estados Unidos, Chagall lo confirmó al publicar una carta abierta titulada «A mi ciudad Vitebsk»:

¿Por qué? ¿Por qué te dejé hace muchos años? … Pensaste, el chico busca algo, busca una sutileza tan especial, ese color que desciende como las estrellas del cielo y se posa, brillante y transparente, como la nieve en nuestros tejados. ¿De dónde lo ha sacado? ¿Cómo podría llegar a un niño como él? No sé por qué no pudo encontrarlo con nosotros, en la ciudad, en su tierra natal. Tal vez el chico esté «loco», pero «loco» por amor al arte. …Pensó: «Puedo ver, estoy grabado en el corazón del chico, pero él sigue «volando», sigue esforzándose por despegar, tiene «viento» en la cabeza». … No viví contigo, pero no tuve un solo cuadro que no respirara con tu espíritu y tu reflejo.

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Imperio ruso (1906-1910)

En 1906 se trasladó a San Petersburgo, que era entonces la capital del Imperio ruso y el centro de la vida artística del país, con sus famosas escuelas de arte. Como a los judíos no se les permitía entrar en la ciudad sin un pasaporte interno, se las arregló para conseguir un pasaporte temporal de un amigo. Se matriculó en una prestigiosa escuela de arte y estudió allí durante dos años. En 1907 empezó a pintar autorretratos y paisajes naturalistas. Chagall era un miembro activo de la logia masónica irregular, el Gran Oriente de los Pueblos de Rusia. Pertenecía a la logia «Vitebsk».

Entre 1908 y 1910, Chagall fue alumno de Léon Bakst en la Escuela de Dibujo y Pintura Zvantseva. Durante su estancia en San Petersburgo, descubrió el teatro experimental y la obra de artistas como Paul Gauguin. Bakst, también judío, era diseñador de arte decorativo y era famoso como dibujante de decorados y trajes para los Ballets Rusos, y ayudó a Chagall actuando como modelo de éxito judío. Bakst se trasladó a París un año después. El historiador de arte Raymond Cogniat escribe que, tras vivir y estudiar arte por su cuenta durante cuatro años, «Chagall entró en la corriente principal del arte contemporáneo. Terminado su aprendizaje, Rusia había desempeñado un papel inicial memorable en su vida»:  30

Chagall permaneció en San Petersburgo hasta 1910, visitando a menudo Vitebsk, donde conoció a Bella Rosenfeld. En Mi vida, Chagall describe su primer encuentro con ella: «Su silencio es mío, sus ojos son míos. Es como si lo supiera todo sobre mi infancia, mi presente, mi futuro, como si pudiera ver a través de mí»:  22 Bella escribió más tarde, sobre su encuentro: «Cuando se vislumbraban sus ojos, eran tan azules como si hubieran caído directamente del cielo. Eran ojos extraños… largos, con forma de almendra… y cada uno parecía navegar por sí mismo, como un barquito».

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Francia (1910-1914)

En 1910, Chagall se trasladó a París para desarrollar su estilo artístico. El historiador de arte y comisario James Sweeney señala que cuando Chagall llegó a París, el cubismo era la forma de arte dominante, y el arte francés seguía dominado por la «perspectiva materialista del siglo XIX». Pero Chagall llegó de Rusia con «un don de color maduro, una respuesta fresca y desvergonzada al sentimiento, un sentimiento de poesía simple y un sentido del humor», añade. Estas nociones eran ajenas al París de la época, por lo que su primer reconocimiento no provino de otros pintores, sino de poetas como Blaise Cendrars y Guillaume Apollinaire: 7 El historiador del arte Jean Leymarie observa que Chagall empezó a pensar en el arte como «algo que emerge del ser interno hacia el exterior, del objeto visto a la efusión psíquica», lo que era lo contrario de la forma cubista de crear.

Por eso entabló amistad con Guillaume Apollinaire y otros artistas de vanguardia, como Robert Delaunay y Fernand Léger. Baal-Teshuva escribe que «el sueño de Chagall de París, la ciudad de la luz y, sobre todo, de la libertad, se había hecho realidad»:  33 Sus primeros días fueron difíciles para Chagall, de 23 años, que se sentía solo en la gran ciudad y no sabía hablar francés. Algunos días «tenía ganas de huir a Rusia, mientras soñaba despierto mientras pintaba, con las riquezas del folclore eslavo, sus experiencias jasídicas, su familia y, sobre todo, Bella».

En París, se matriculó en la Académie de La Palette, una escuela de arte de vanguardia donde enseñaban los pintores Jean Metzinger, André Dunoyer de Segonzac y Henri Le Fauconnier, y también encontró trabajo en otra academia. Pasaba sus horas libres visitando galerías y salones, especialmente el Louvre; entre los artistas que llegó a admirar estaban Rembrandt, los hermanos Le Nain, Chardin, van Gogh, Renoir, Pissarro, Matisse, Gauguin, Courbet, Millet, Manet, Monet, Delacroix y otros. Fue en París donde aprendió la técnica del gouache, que utilizó para pintar escenas bielorrusas. También visitó Montmartre y el Barrio Latino «y fue feliz simplemente respirando el aire parisino», describe Baal-Teshuva en esta nueva fase del desarrollo artístico de Chagall:

Chagall se sentía entusiasmado, embriagado, mientras paseaba por las calles y las orillas del Sena. Todo en la capital francesa le entusiasmaba: las tiendas, el olor a pan fresco por la mañana, los mercados con sus frutas y verduras frescas, los amplios bulevares, los cafés y restaurantes y, sobre todo, la Torre Eiffel.Otro mundo completamente nuevo que se abrió para él fue el caleidoscopio de colores y formas de las obras de los artistas franceses. Chagall revisó con entusiasmo sus múltiples tendencias, teniendo que replantearse su posición como artista y decidir qué vía creativa quería seguir: 33

Durante su estancia en París, Chagall recordaba constantemente su hogar en Vitebsk, ya que en París también vivían muchos pintores, escritores, poetas, compositores, bailarines y otros emigrantes del Imperio Ruso. Sin embargo, «noche tras noche pintaba hasta el amanecer», y sólo entonces se acostaba durante unas horas, y se resistía a las numerosas tentaciones de la gran ciudad por la noche:  44 «Mi patria sólo existe en mi alma», dijo una vez: viii Siguió pintando motivos y temas judíos de sus recuerdos de Vitebsk, aunque incluyó escenas parisinas -la Torre Eiffel en particular- junto con retratos. Muchas de sus obras eran versiones actualizadas de cuadros que había realizado en Rusia, transpuestos en clave fauvista o cubista.

Chagall desarrolló todo un repertorio de motivos extravagantes: figuras fantasmales que flotan en el cielo, … el violinista gigantesco que baila sobre casas de muñecas en miniatura, el ganado y los vientres transparentes y, dentro de ellos, diminutas crías que duermen boca abajo. La mayoría de sus escenas de la vida en Vitebsk las pintó mientras vivía en París, y «en cierto sentido eran sueños», señala Lewis. Su «trasfondo de anhelo y pérdida», con una apariencia distanciada y abstracta, hizo que Apollinaire quedara «impresionado por esta cualidad», llamándolas «¡surnaturel!». Su «animal

Sweeney escribe que «Esta es la contribución de Chagall al arte contemporáneo: el despertar de una poesía de la representación, evitando la ilustración fáctica por un lado, y las abstracciones no figurativas por otro». André Breton dijo que «sólo con él, la metáfora hizo su regreso triunfal a la pintura moderna»:  7

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Rusia y la Bielorrusia soviética (1914-1922)

Como echaba de menos a su prometida, Bella, que seguía en Vitebsk – «pensaba en ella día y noche», escribe Baal-Teshuva-, y temía perderla, Chagall decidió aceptar la invitación de un conocido marchante de arte de Berlín para exponer su obra, con la intención de continuar en Bielorrusia, casarse con Bella y volver con ella a París. Chagall llevó 40 lienzos y 160 gouaches, acuarelas y dibujos para exponer. La exposición, celebrada en la Galería Sturm de Herwarth Walden, fue un gran éxito. «Los críticos alemanes cantaron positivamente sus alabanzas».

Después de la exposición, continuó hasta Vitebsk, donde pensaba quedarse sólo el tiempo necesario para casarse con Bella. Sin embargo, a las pocas semanas comenzó la Primera Guerra Mundial, que cerró la frontera rusa por tiempo indefinido. Un año después se casó con Bella Rosenfeld y tuvieron su primera hija, Ida. Antes del matrimonio, Chagall tuvo dificultades para convencer a los padres de Bella de que sería un marido adecuado para su hija. Les preocupaba que se casara con un pintor de familia pobre y se preguntaban cómo podría mantenerla. Convertirse en un artista de éxito se convirtió ahora en un objetivo y una inspiración. Según Lewis, «los eufóricos cuadros de esta época, que muestran a la joven pareja flotando como un globo sobre Vitebsk -sus edificios de madera facetados a la manera de Delaunay- son los más desenfadados de su carrera». Sus cuadros de bodas fueron también un tema al que volvería en años posteriores al pensar en este periodo de su vida: 75

En 1915, Chagall comenzó a exponer su obra en Moscú, primero en un conocido salón y en 1916 en San Petersburgo. Volvió a mostrar su arte en una exposición moscovita de artistas de vanguardia. Esta exposición le proporcionó reconocimiento, y varios coleccionistas adinerados empezaron a comprar su arte. También comenzó a ilustrar varios libros en yiddish con dibujos en tinta. En 1917 ilustró El mago de I. L. Peretz. Chagall tenía 30 años y había empezado a ser conocido: 77

La Revolución de Octubre de 1917 fue una época peligrosa para Chagall, aunque también ofreció oportunidades. Chagall escribió que llegó a temer las órdenes bolcheviques clavadas en las vallas, escribiendo: «Las fábricas se detenían. Los horizontes se abrían. El espacio y el vacío. No más pan. Las letras negras de los carteles de la mañana me hacían sentir enfermo del corazón». Chagall pasaba a menudo hambre durante días, y más tarde recordaba haber visto «a una novia, a los mendigos y a los pobres desgraciados cargados de fardos», lo que le llevó a concluir que el nuevo régimen había puesto el Imperio ruso «patas arriba como yo pongo mis cuadros». Para entonces era uno de los artistas más distinguidos de la Rusia Imperial y miembro de la vanguardia modernista, que gozaba de privilegios y prestigio especiales como «brazo estético de la revolución». Se le ofreció un notable puesto como comisario de artes visuales del país, pero prefirió algo menos político y, en su lugar, aceptó un trabajo como comisario de artes de Vitebsk. El resultado fue la fundación de la Escuela de Arte de Vitebsk, que, según Lewis, se convirtió en la «escuela de arte más distinguida de la Unión Soviética».

Consiguió para su profesorado algunos de los artistas más importantes del país, como El Lissitzky y Kazimir Malevich. También incorporó a su primer profesor, Yehuda Pen. Chagall trató de crear una atmósfera de colectivo de artistas con mentalidad independiente, cada uno con su propio estilo. Sin embargo, esto pronto resultaría difícil, ya que algunos de los principales miembros del profesorado preferían un arte suprematista de cuadrados y círculos, y desaprobaban el intento de Chagall de crear un «individualismo burgués». Chagall dimitió entonces como comisario y se trasladó a Moscú.

En Moscú le ofrecieron un trabajo como escenógrafo para el recién creado Teatro Estatal Judío de Cámara. A principios de 1921 se puso en marcha con una serie de obras de Sholem Aleichem. Para su inauguración, creó una serie de grandes murales de fondo utilizando técnicas que aprendió de Bakst, su primer maestro. Uno de los murales principales medía 2,7 m de alto por 7,3 m de largo e incluía imágenes de diversos temas animados, como bailarines, violinistas, acróbatas y animales de granja. Un crítico de la época lo llamó «jazz hebreo en pintura». Chagall lo creó como un «almacén de símbolos y dispositivos», señala Lewis. Los murales «constituyeron un hito» en la historia del teatro y fueron precursores de sus posteriores obras a gran escala, como los murales para la Ópera Metropolitana de Nueva York y la Ópera de París: 87

La Primera Guerra Mundial terminó en 1918, pero la Guerra Civil rusa continuó, y la hambruna se extendió. Los Chagall se vieron obligados a trasladarse a una ciudad más pequeña y menos costosa cerca de Moscú, aunque ahora Chagall tenía que desplazarse diariamente a Moscú, utilizando trenes abarrotados. En 1921, trabajó como profesor de arte junto con su amigo el escultor Isaac Itkind en un refugio para niños judíos en los suburbios de Malakhovka, que albergaba a jóvenes refugiados huérfanos a causa de los pogromos: 270 Mientras estaba allí, creó una serie de ilustraciones para el ciclo de poesía en yiddish Grief escrito por David Hofstein, que era otro profesor del refugio de Malakhovka: 273

Tras pasar los años entre 1921 y 1922 viviendo en condiciones primitivas, decidió volver a Francia para poder desarrollar su arte en un país más cómodo. Muchos otros artistas, escritores y músicos también planeaban trasladarse a Occidente. Solicitó un visado de salida y, mientras esperaba su incierta aprobación, escribió su autobiografía, Mi vida: 121

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Francia (1923-1941)

En 1923, Chagall abandonó Moscú para regresar a Francia. En su camino se detuvo en Berlín para recuperar los numerosos cuadros que había dejado allí expuestos diez años antes, antes de que comenzara la guerra, pero no pudo encontrar ni recuperar ninguno de ellos. Sin embargo, tras su regreso a París, volvió a «redescubrir la libre expansión y la plenitud que eran tan esenciales para él», escribe Lewis. Con todas sus primeras obras ya perdidas, empezó a intentar pintar a partir de sus recuerdos de sus primeros años en Vitebsk con bocetos y óleos.

Entabló una relación comercial con el marchante de arte francés Ambroise Vollard. Esto le inspiró a comenzar a crear grabados para una serie de libros ilustrados, incluyendo Las almas muertas de Gogol, la Biblia y las Fábulas de La Fontaine. Estas ilustraciones acabaron siendo sus mejores trabajos de grabado. En 1924, viaja a Bretaña y pinta La fenêtre sur l»Île-de-Bréhat. En 1926 realizó su primera exposición en Estados Unidos, en la galería Reinhardt de Nueva York, que incluía un centenar de obras, aunque no viajó a la inauguración. En su lugar, permaneció en Francia, «pintando incesantemente», señala Baal-Teshuva. No fue hasta 1927 cuando Chagall se dio a conocer en el mundo del arte francés, cuando el crítico e historiador de arte Maurice Raynal le concedió un lugar en su libro Pintores franceses modernos. Sin embargo, Raynal no supo describir con precisión a Chagall ante sus lectores:

Chagall interroga a la vida a la luz de una sensibilidad refinada, ansiosa, infantil, un temperamento ligeramente romántico… una mezcla de tristeza y alegría propia de una visión grave de la vida. Su imaginación, su temperamento, prohíben sin duda una severidad latina de la composición..:  314

Durante este periodo viajó por toda Francia y la Costa Azul, donde disfrutó de los paisajes, la colorida vegetación, el azul del mar Mediterráneo y el suave clima. Hizo repetidos viajes al campo, llevando su cuaderno de dibujo: 9 También visitó países cercanos y más tarde escribió sobre las impresiones que le dejaron algunos de esos viajes:

Me gustaría recordar lo ventajoso que han sido para mí mis viajes fuera de Francia en el sentido artístico, en Holanda o en España, Italia, Egipto, Palestina, o simplemente en el sur de Francia. Allí, en el sur, por primera vez en mi vida, vi ese rico verdor que nunca había visto en mi país. En Holanda creí descubrir esa luz familiar y palpitante, como la luz entre el final de la tarde y el atardecer. En Italia encontré esa paz de los museos que la luz del sol daba vida. En España me alegré de encontrar la inspiración de un pasado místico, aunque a veces cruel, de encontrar el canto de su cielo y de su gente. Y en Oriente encontré inesperadamente la Biblia y una parte de mi propio ser.:  77

Tras regresar a París de uno de sus viajes, Vollard encargó a Chagall la ilustración del Antiguo Testamento. Aunque podría haber completado el proyecto en Francia, utilizó el encargo como excusa para viajar a Israel y conocer por sí mismo Tierra Santa. En 1931, Marc Chagall y su familia viajaron a Tel Aviv invitados por Meir Dizengoff. Dizengoff había animado previamente a Chagall a visitar Tel Aviv en relación con el plan de Dizengoff de construir un Museo de Arte Judío en la nueva ciudad. Chagall y su familia fueron invitados a alojarse en la casa de Dizengoff en Tel Aviv, que más tarde se convertiría en el Salón de la Independencia del Estado de Israel.

Chagall acabó quedándose en Tierra Santa durante dos meses. Chagall se sintió como en casa en Israel, donde mucha gente hablaba yiddish y ruso. Según Jacob Baal-Teshuva, «le impresionó el espíritu pionero de la gente en los kibutzim y se sintió profundamente conmovido por el Muro de las Lamentaciones y los demás lugares sagrados»:  133

Más tarde, Chagall le dijo a un amigo que Israel le causó «la impresión más vívida que jamás había recibido». Wullschlager señala, sin embargo, que mientras Delacroix y Matisse habían encontrado inspiración en el exotismo del norte de África, él, como judío en Israel, tenía una perspectiva diferente. «Lo que realmente buscaba allí no era un estímulo externo, sino una autorización interior de la tierra de sus antepasados, para sumergirse en su trabajo sobre las ilustraciones bíblicas»:  343 Chagall afirmó que «En Oriente encontré la Biblia y parte de mi propio ser».

Como resultado, se sumergió en «la historia de los judíos, sus pruebas, profecías y desastres», señala Wullschlager. Añade que el inicio del encargo supuso un «riesgo extraordinario» para Chagall, ya que por fin se había dado a conocer como pintor contemporáneo de primera fila, pero ahora acabaría con sus temas modernistas y se adentraría en «un pasado antiguo»:  350 Entre 1931 y 1934 trabajó «obsesivamente» en «La Biblia», e incluso fue a Ámsterdam para estudiar detenidamente los cuadros bíblicos de Rembrandt y El Greco, para ver los extremos de la pintura religiosa. Recorrió las calles del barrio judío de la ciudad para volver a sentir el ambiente anterior. Se lo dijo a Franz Meyer:

No he visto la Biblia, la he soñado. Desde la primera infancia, la Biblia me ha cautivado. Siempre me ha parecido y me sigue pareciendo hoy la mayor fuente de poesía de todos los tiempos: 350

Chagall veía el Antiguo Testamento como una «historia humana, … no con la creación del cosmos sino con la creación del hombre, y sus figuras de ángeles están rimadas o combinadas con las humanas», escribe Wullschlager. Señala que en una de sus primeras imágenes bíblicas, «Abraham y los tres ángeles», los ángeles se sientan a charlar ante un vaso de vino «como si acabaran de pasar a cenar»:  350

Regresó a Francia y al año siguiente había completado 32 de un total de 105 planchas. En 1939, al comienzo de la Segunda Guerra Mundial, había terminado 66. Sin embargo, Vollard murió ese mismo año. Cuando la serie se completó en 1956, fue publicada por Edition Tériade. Baal-Teshuva escribe que «las ilustraciones eran impresionantes y fueron muy aclamadas. Una vez más, Chagall había demostrado ser uno de los artistas gráficos más importantes del siglo XX»:  135 Leymarie ha descrito estos dibujos de Chagall como «monumentales» y,

…llenos de inspiración divina, que recorren el destino legendario y la historia épica de Israel desde el Génesis hasta los Profetas, pasando por los Patriarcas y los Héroes. Cada cuadro se convierte en uno con el evento, informando al texto con una intimidad solemne desconocida desde Rembrandt: ix

Poco después de que Chagall empezara a trabajar en la Biblia, Adolf Hitler llegó al poder en Alemania. Se introdujeron leyes antisemitas y se creó el primer campo de concentración en Dachau. Wullschlager describe los primeros efectos en el arte:

Los nazis habían comenzado su campaña contra el arte modernista tan pronto como tomaron el poder. El arte expresionista, cubista, abstracto y surrealista -cualquier cosa intelectual, judía, extranjera, de inspiración socialista o difícil de entender- fue atacado, desde Picasso y Matisse hasta Cézanne y Van Gogh; en su lugar se ensalzó el realismo tradicional alemán, accesible y abierto a la interpretación patriótica:  374

A partir de 1937, un comité dirigido por Joseph Goebbels confiscó unas veinte mil obras de los museos alemanes por considerarlas «degeneradas»:  375 Aunque la prensa alemana se había «desmayado por él», las nuevas autoridades alemanas se burlaban ahora del arte de Chagall, describiéndolos como «judíos verdes, púrpuras y rojos que salen disparados de la tierra, jugueteando con violines, volando por el aire… representando : 376

Después de que Alemania invadiera y ocupara Francia, los Chagall permanecieron ingenuamente en la Francia de Vichy, sin saber que los judíos franceses, con la ayuda del gobierno de Vichy, estaban siendo recogidos y enviados a campos de concentración alemanes, de los que pocos regresarían. El gobierno colaboracionista de Vichy, dirigido por el mariscal Philippe Pétain, inmediatamente después de asumir el poder estableció una comisión para «redefinir la ciudadanía francesa» con el objetivo de despojar a los «indeseables», incluidos los ciudadanos naturalizados, de su nacionalidad francesa. Chagall había estado tan involucrado con su arte, que no fue hasta octubre de 1940, después de que el gobierno de Vichy, a instancias de las fuerzas de ocupación nazis, comenzara a aprobar leyes antisemitas, cuando empezó a comprender lo que estaba sucediendo. Al enterarse de que los judíos estaban siendo expulsados de los puestos públicos y académicos, los Chagall finalmente «despertaron al peligro que enfrentaban». Pero Wullschlager señala que «para entonces estaban atrapados».:  382 Su único refugio podía ser Estados Unidos, pero «no podían pagar el pasaje a Nueva York» ni la cuantiosa fianza que cada inmigrante debía entregar al entrar para garantizar que no se convirtiera en una carga financiera para el país.

Según Wullschlager, «la rapidez con la que Francia se derrumbó asombró a todo el mundo: capituló incluso más rápido de lo que lo había hecho Polonia» un año antes. Las ondas de choque cruzaron el Atlántico… ya que hasta entonces París se había equiparado con la civilización en todo el mundo no nazi»:  388 Sin embargo, el apego de los Chagall a Francia «los cegó ante la urgencia de la situación»:  389 Muchos otros artistas rusos y judíos de renombre acabaron por escapar: entre ellos, Chaïm Soutine, Max Ernst, Max Beckmann, Ludwig Fulda, el escritor Victor Serge y el laureado escritor Vladimir Nabokov, que aunque no era judío, estaba casado con una mujer judía: 1181 El autor ruso Victor Serge describió a muchas de las personas que vivían temporalmente en Marsella y que esperaban emigrar a América:

Aquí hay un callejón de mendigos que reúne los restos de las revoluciones, las democracias y las inteligencias aplastadas… En nuestras filas hay suficientes médicos, psicólogos, ingenieros, pedagogos, poetas, pintores, escritores, músicos, economistas y hombres públicos para vitalizar todo un gran país.:  392

Tras la insistencia de su hija Ida, que «percibió la necesidad de actuar con rapidez»,: 388 y con la ayuda de Alfred Barr, del Museo de Arte Moderno de Nueva York, Chagall se salvó al añadir su nombre a la lista de artistas prominentes cuyas vidas corrían peligro y a los que Estados Unidos debía tratar de sacar. Varian Fry, periodista estadounidense, e Hiram Bingham IV, vicecónsul de Estados Unidos en Marsella, dirigieron una operación de rescate para sacar a artistas e intelectuales de Europa y llevarlos a Estados Unidos proporcionándoles visados falsos. En abril de 1941, Chagall y su esposa fueron despojados de su ciudadanía francesa. Los Chagall se alojaron en un hotel de Marsella donde fueron detenidos junto con otros judíos. Varian Fry consiguió presionar a la policía francesa para que lo liberaran, amenazándoles con un escándalo. Chagall fue uno de los más de 2.000 que fueron rescatados en esta operación. Salió de Francia en mayo de 1941, «cuando ya era casi demasiado tarde», añade Lewis. Picasso y Matisse también fueron invitados a venir a América, pero decidieron quedarse en Francia. Chagall y Bella llegaron a Nueva York el 23 de junio de 1941, el día después de que Alemania invadiera la Unión Soviética:  150 Ida y su marido Michel les siguieron en el tristemente célebre barco de refugiados SS Navemar con una gran caja de obras de Chagall. Un encuentro fortuito de posguerra en un café francés entre Ida y el analista de inteligencia Konrad Kellen hizo que éste llevara más cuadros a su regreso a Estados Unidos.

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Estados Unidos (1941-1948)

Incluso antes de llegar a Estados Unidos en 1941, Chagall recibió el tercer premio del Premio Carnegie en 1939 por «Les Fiancés». Después de estar en América descubrió que ya había alcanzado «la estatura internacional», escribe Cogniat, aunque se sentía mal adaptado en este nuevo papel en un país extranjero cuya lengua aún no sabía hablar. Se convirtió en una celebridad sobre todo en contra de su voluntad, sintiéndose perdido en el entorno extraño: 57

Al cabo de un tiempo empezó a instalarse en Nueva York, que estaba llena de escritores, pintores y compositores que, como él, habían huido de Europa durante las invasiones nazis. Vivió en el número 4 de la calle 74 Este. Pasó tiempo visitando galerías y museos, y se hizo amigo de otros artistas, como Piet Mondrian y André Breton:  155

Baal-Teshuva escribe que a Chagall le «encantaba» ir a los barrios de Nueva York donde vivían los judíos, especialmente el Lower East Side. Allí se sentía como en casa, disfrutando de la comida judía y pudiendo leer la prensa en yiddish, que se convirtió en su principal fuente de información, ya que aún no hablaba inglés.

Los artistas contemporáneos aún no entendían, ni siquiera les gustaba, el arte de Chagall. Según Baal-Teshuva, «tenían poco en común con un narrador folclórico de extracción ruso-judía con propensión al misticismo». La Escuela de París, a la que se referían como «surrealismo parisino», significaba poco para ellos.:  155 Sin embargo, estas actitudes empezarían a cambiar cuando Pierre Matisse, hijo del reconocido artista francés Henri Matisse, se convirtió en su representante y gestionó las exposiciones de Chagall en Nueva York y Chicago en 1941. Una de las primeras exposiciones incluía 21 de sus obras maestras de 1910 a 1941. El crítico de arte Henry McBride escribió sobre esta exposición para el New York Sun:

Chagall es tan gitano como se puede ver… estos cuadros hacen más por su reputación que cualquier cosa que hayamos visto antes… Sus colores brillan con poesía… su trabajo es auténticamente ruso como la canción de un barquero del Volga…

El coreógrafo Léonide Massine, del Ballet Theatre de Nueva York, le ofreció un encargo para diseñar los decorados y el vestuario de su nuevo ballet, Aleko. Este ballet escenificaría las palabras de la narración en verso de Alexander Pushkin Los gitanos con la música de Tchaikovsky. En un principio, el ballet estaba previsto que se estrenara en Nueva York, pero como medida de ahorro se trasladó a México, donde los costes laborales eran más baratos que en Nueva York. Aunque Chagall ya había hecho montajes escénicos en Rusia, éste era su primer ballet, y le daría la oportunidad de visitar México. Allí comenzó a apreciar rápidamente «las formas primitivas y el colorido arte de los mexicanos», señala Cogniat. Encontró «algo muy relacionado con su propia naturaleza», e hizo todos los detalles de color para los decorados mientras estaba allí. Finalmente, creó cuatro grandes telones de fondo y encargó a costureras mexicanas la confección de los trajes de ballet.

Cuando el ballet se estrenó en el Palacio de Bellas Artes de Ciudad de México el 8 de septiembre de 1942, se consideró un «éxito notable». Entre el público se encontraban otros famosos pintores de murales que acudieron a ver la obra de Chagall, como Diego Rivera y José Clemente Orozco. Según Baal-Teshuva, cuando terminó el último compás de la música, «hubo un aplauso tumultuoso y 19 llamadas al telón, con el propio Chagall siendo llamado al escenario una y otra vez». La producción se trasladó entonces a Nueva York, donde se presentó cuatro semanas después en el Metropolitan Opera y la respuesta se repitió, «de nuevo Chagall fue el héroe de la noche»:  158 El crítico de arte Edwin Denby escribió sobre el estreno para el New York Herald Tribune que la obra de Chagall:

se ha convertido en una exposición teatralizada de cuadros gigantes… Supera todo lo que Chagall ha hecho a escala de caballete, y es una experiencia impresionante, de un tipo que uno apenas espera en el teatro.

Después de que Chagall regresara a Nueva York en 1943, la actualidad comenzó a interesarle más, lo que se reflejó en su arte, donde pintó temas como la Crucifixión y escenas de guerra. Se enteró de que los alemanes habían destruido la ciudad en la que se había criado, Vitebsk, y se angustió mucho: 159 También se enteró de los campos de concentración nazis. Durante un discurso en febrero de 1944, describió algunos de sus sentimientos:

Mientras tanto, el enemigo bromea diciendo que somos una «nación estúpida». Pensó que cuando empezara a masacrar a los judíos, todos, en nuestro dolor, lanzaríamos de repente el mayor grito profético, al que se unirían los humanistas cristianos. Pero, después de dos mil años de «cristianismo» en el mundo -digamos lo que queramos- pero, con pocas excepciones, sus corazones están callados… Veo que los artistas de las naciones cristianas se quedan sentados; ¿quién les ha oído hablar? No se preocupan por ellos mismos, y nuestra vida judía no les concierne: 89

En el mismo discurso atribuyó a la Rusia soviética el mérito de haber hecho más por salvar a los judíos:

Los judíos le estarán siempre agradecidos. ¿Qué otro gran país ha salvado a un millón y medio de judíos de las manos de Hitler y ha compartido su último trozo de pan? ¿Qué país abolió el antisemitismo? ¿Qué otro país dedicó al menos un trozo de tierra como región autónoma para los judíos que quisieran vivir allí? Todo esto, y más, pesa en la balanza de la historia: 89

El 2 de septiembre de 1944, Bella murió repentinamente debido a una infección vírica, que no fue tratada debido a la escasez de medicamentos en tiempos de guerra. Como resultado, dejó de trabajar durante muchos meses, y cuando reanudó la pintura sus primeros cuadros se dedicaron a preservar la memoria de Bella. Wullschlager escribe sobre el efecto en Chagall: «A medida que se sucedían las noticias sobre el Holocausto en curso en los campos de concentración nazis, Bella ocupó su lugar en la mente de Chagall con los millones de víctimas judías». Incluso consideró la posibilidad de que su «exilio de Europa hubiera minado su voluntad de vivir»:  419

Tras un año viviendo con su hija Ida y su marido Michel Gordey, inició un romance con Virginia Haggard, hija del diplomático Sir Godfrey Digby Napier Haggard y sobrina nieta del escritor Sir Henry Rider Haggard; su relación duró siete años. Tuvieron un hijo juntos, David McNeil, nacido el 22 de junio de 1946. Haggard recordó sus «siete años de plenitud» con Chagall en su libro Mi vida con Chagall (Robert Hale, 1986).

Unos meses después de que los aliados consiguieran liberar París de la ocupación nazi, con la ayuda de los ejércitos aliados, Chagall publicó una carta en un semanario de París, «A los artistas de París»:

En los últimos años me he sentido desgraciado por no poder estar con vosotros, mis amigos. Mi enemigo me obligó a tomar el camino del exilio. En ese trágico camino, perdí a mi esposa, la compañera de mi vida, la mujer que fue mi inspiración. Quiero decir a mis amigos de Francia que ella se une a mí en este saludo, ella que amó tan fielmente a Francia y al arte francés. Su última alegría fue la liberación de París… Ahora, cuando París sea liberada, cuando el arte de Francia resucite, también el mundo entero se liberará, de una vez por todas, de los enemigos satánicos que querían aniquilar no sólo el cuerpo, sino también el alma, el alma, sin la cual no hay vida, ni creatividad artística..:  101

En 1946, su obra era cada vez más reconocida. El Museo de Arte Moderno de Nueva York organizó una gran exposición que representaba 40 años de su obra y que ofreció a los visitantes una de las primeras impresiones completas de la naturaleza cambiante de su arte a lo largo de los años. La guerra había terminado y empezó a hacer planes para volver a París. Según Cogniat, «descubrió que estaba aún más profundamente apegado que antes, no sólo a la atmósfera de París, sino a la propia ciudad, a sus casas y a sus vistas». Chagall resumió sus años de vida en América:

He vivido aquí en América durante la guerra inhumana en la que la humanidad se abandonó a sí misma… He visto el ritmo de la vida. He visto a América luchando con los aliados… la riqueza que ha distribuido para aliviar a la gente que tuvo que sufrir las consecuencias de la guerra… Me gusta América y los americanos… la gente de allí es franca. Es un país joven con las cualidades y los defectos de la juventud. Es una delicia querer a gente así… Sobre todo me impresiona la grandeza de este país y la libertad que da.:  170

Regresó definitivamente durante el otoño de 1947, donde asistió a la inauguración de la exposición de sus obras en el Museo Nacional de Arte Moderno.

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Francia (1948-1985)

Tras regresar a Francia, viajó por toda Europa y eligió vivir en la Costa Azul, que por aquel entonces se había convertido en una especie de «centro artístico». Matisse vivía cerca de Saint-Paul-de-Vence, a unos once kilómetros al oeste de Niza, mientras que Picasso vivía en Vallauris. Aunque vivían cerca y a veces trabajaban juntos, existía una rivalidad artística entre ellos, ya que sus obras eran muy diferentes, y nunca llegaron a ser amigos a largo plazo. Según la amante de Picasso, Françoise Gilot, Picasso seguía teniendo un gran respeto por Chagall, y una vez le dijo,

Cuando Matisse muera, Chagall será el único pintor que quede que entienda lo que es el color… Sus lienzos están realmente pintados, no sólo revueltos. Algunas de las últimas cosas que ha hecho en Vence me convencen de que no ha habido nadie desde Renoir que tenga la sensación de luz que tiene Chagall».

En abril de 1952, Virginia Haggard dejó a Chagall por el fotógrafo Charles Leirens; ella misma se convirtió en fotógrafa profesional.

La hija de Chagall, Ida, se casó con el historiador de arte Franz Meyer en enero de 1952, y sintiendo que su padre echaba de menos la compañía de una mujer en su casa, le presentó a Valentina (Vava) Brodsky, una mujer de origen judío ruso similar, que había dirigido un exitoso negocio de sombreros en Londres. Se convirtió en su secretaria y, al cabo de unos meses, aceptó quedarse sólo si Chagall se casaba con ella. El matrimonio tuvo lugar en julio de 1952: 183 -aunque seis años después, cuando hubo un conflicto entre Ida y Vava, «Marc y Vava se divorciaron y volvieron a casarse inmediatamente bajo un acuerdo más favorable a Vava» (Jean-Paul Crespelle, autor de Chagall, l»Amour le Reve et la Vie, citado en Haggard: Mi vida con Chagall).

En 1954, fue contratado como decorador para la producción de Robert Helpmann de la ópera Le Coq d»Or de Rimsky-Korsakov en la Royal Opera House, Covent Garden, pero se retiró. El diseñador australiano Loudon Sainthill fue contratado a corto plazo en su lugar.

En los años siguientes pudo producir no sólo pinturas y arte gráfico, sino también numerosas esculturas y cerámicas, como azulejos, jarrones pintados, platos y jarras. También empezó a trabajar en formatos más grandes, produciendo grandes murales, vidrieras, mosaicos y tapices.

En 1963, Chagall recibió el encargo de pintar el nuevo techo de la Ópera de París (Palais Garnier), un majestuoso edificio del siglo XIX y monumento nacional. André Malraux, Ministro de Cultura de Francia, quería algo único y decidió que Chagall sería el artista ideal. Sin embargo, esta elección del artista causó controversia: algunos se opusieron a que un judío ruso decorara un monumento nacional francés; a otros les disgustó que el techo del edificio histórico fuera pintado por un artista moderno. Algunas revistas escribieron artículos condescendientes sobre Chagall y Malraux, sobre lo que Chagall comentó a un escritor:

Realmente me la tenían jurada… Es increíble la forma en que los franceses se resienten de los extranjeros. Vives aquí la mayor parte de tu vida. Te conviertes en ciudadano francés naturalizado… trabajas por nada decorando sus catedrales, y aún así te desprecian. No eres uno de ellos.:  196

No obstante, Chagall continuó con el proyecto, que le llevó un año completar. El lienzo final tenía casi 220 metros cuadrados y requirió 200 kilos de pintura. Tenía cinco secciones que se pegaron a paneles de poliéster y se izaron hasta el techo de 21 metros. Las imágenes que Chagall pintó en el lienzo rendían homenaje a los compositores Mozart, Wagner, Mussorgsky, Berlioz y Ravel, así como a actores y bailarines famosos: 199

Se presentó al público el 23 de septiembre de 1964 en presencia de Malraux y de 2.100 invitados. El corresponsal en París del New York Times escribió: «Por una vez, los mejores asientos estaban en el círculo superior: 199 Baal-Teshuva escribe:

Para empezar, la gran araña de cristal que colgaba del centro del techo estaba apagada… el cuerpo de ballet al completo subió al escenario, tras lo cual, en honor a Chagall, la orquesta de la ópera tocó el final de la «Sinfonía Júpiter» de Mozart, el compositor favorito de Chagall. Durante los últimos compases de la música, la lámpara de araña se iluminó, dando vida a la pintura del techo del artista en todo su esplendor, lo que provocó el aplauso del público.

Tras la inauguración del nuevo techo, «incluso los más acérrimos opositores al encargo parecieron callar», escribe Baal-Teshuva. «Unánimemente, la prensa declaró que la nueva obra de Chagall era una gran contribución a la cultura francesa». Malraux dijo más tarde: «¿Qué otro artista vivo podría haber pintado el techo de la Ópera de París de la forma en que lo hizo Chagall?… Es ante todo uno de los grandes coloristas de nuestro tiempo… muchos de sus lienzos y el techo de la Ópera representan imágenes sublimes que se cuentan entre la mejor poesía de nuestro tiempo, al igual que Tiziano produjo la mejor poesía de su época»:  199 En su discurso al público, Chagall explicó el significado de la obra:

Allí arriba, en mi cuadro, he querido reflejar, como un espejo en un ramo, los sueños y las creaciones de los cantantes y de los músicos, recordar el movimiento del público que se viste de colores abajo, y honrar a los grandes compositores de ópera y de ballet… Ahora ofrezco esta obra como un regalo de gratitud a Francia y a su École de Paris, sin la cual no habría color ni libertad: 151

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Color

Según Cogniat, en toda la obra de Chagall durante todas las etapas de su vida, eran sus colores los que atraían y captaban la atención del espectador. Durante sus primeros años, su gama estaba limitada por su énfasis en la forma y sus cuadros nunca dieron la impresión de ser dibujos pintados. Añade: «Los colores son una parte viva e integral del cuadro y nunca son pasivamente planos o banales como una idea de última hora. Esculpen y animan el volumen de las formas… se permiten vuelos de fantasía e invención que añaden nuevas perspectivas y tonos graduados y mezclados… Sus colores ni siquiera intentan imitar a la naturaleza, sino que sugieren movimientos, planos y ritmos».

Era capaz de transmitir imágenes impactantes con sólo dos o tres colores. Cogniat escribe: «Chagall no tiene rival en esta capacidad de dar una vívida impresión de movimiento explosivo con el uso más simple de los colores…» A lo largo de su vida, sus colores crearon una «atmósfera vibrante» que se basaba en «su propia visión personal»:  60

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Asunto

La vida temprana de Chagall le dejó una «poderosa memoria visual y una inteligencia pictórica», escribe Goodman. Después de vivir en Francia y experimentar la atmósfera de libertad artística, su «visión se disparó y creó una nueva realidad, que se basaba tanto en su mundo interior como en el exterior». Pero fueron las imágenes y los recuerdos de sus primeros años en Bielorrusia los que sustentarían su arte durante más de 70 años.:  13

Según Cogniat, hay ciertos elementos en su arte que han permanecido permanentes y se han visto a lo largo de su carrera. Uno de ellos es la elección de los temas y la forma de retratarlos. «El elemento más evidentemente constante es su don para la alegría y su compasión instintiva, que incluso en los temas más serios le impide dramatizar…»:  89 Los músicos han sido una constante durante todas las etapas de su obra. Desde que se casó, «los amantes se han buscado, se han abrazado, se han acariciado, han flotado en el aire, se han encontrado en coronas de flores, se han estirado y se han abalanzado como el paso melodioso de sus vívidos sueños diurnos. Los acróbatas se contorsionan con la gracia de las flores exóticas en el extremo de sus tallos; las flores y el follaje abundan por todas partes». Wullschlager explica las fuentes de estas imágenes:

Para él, los payasos y los acróbatas siempre se parecían a las figuras de las pinturas religiosas… La evolución de las obras de circo… refleja un enturbiamiento gradual de su visión del mundo, y los artistas de circo dieron paso al profeta o al sabio en su obra, una figura en la que Chagall volcó su ansiedad a medida que Europa se oscurecía, y ya no podía confiar en la lumiére-liberté de Francia para inspirarse:  337

Chagall describió su amor por la gente del circo:

¿Por qué me conmueven tanto sus maquillajes y muecas? Con ellos puedo avanzar hacia nuevos horizontes… Chaplin busca hacer en el cine lo que yo intento hacer en mis cuadros. Es quizás el único artista de hoy con el que podría llevarme bien sin tener que decir una sola palabra: 337

Sus primeros cuadros solían ser de la ciudad donde nació y creció, Vitebsk. Cogniat señala que son realistas y dan la impresión de una experiencia de primera mano al captar un momento de acción, a menudo con una imagen dramática. En sus últimos años, como por ejemplo en la «serie de la Biblia», los temas eran más dramáticos. Conseguía mezclar lo real con lo fantástico, y combinado con su uso del color las imágenes eran siempre al menos aceptables, si no impactantes. Nunca intentó presentar la realidad pura, sino que siempre creó sus atmósferas a través de la fantasía: 91 En todos los casos, el «tema más persistente de Chagall es la vida misma, en su simplicidad o en su complejidad oculta…». Presenta para nuestro estudio lugares, personas y objetos de su propia vida».

Tras absorber las técnicas del fauvismo y el cubismo (bajo la influencia de Jean Metzinger y Albert Gleizes), Chagall fue capaz de mezclar estas tendencias estilísticas con su propio estilo folclórico. Dio a la sombría vida de los judíos jasídicos los «matices románticos de un mundo encantado», señala Goodman. Al combinar los aspectos del modernismo con su «lenguaje artístico único», fue capaz de captar la atención de críticos y coleccionistas de toda Europa. En general, su infancia en una ciudad provinciana de Bielorrusia le proporcionó una fuente continua de estímulos imaginativos. Chagall se convertiría en uno de los muchos emigrantes judíos que más tarde se convertirían en artistas de renombre, todos ellos habiendo formado parte de «las minorías más numerosas y creativas de Rusia», señala Goodman: 13

La Primera Guerra Mundial, que terminó en 1918, había desplazado a casi un millón de judíos y destruido lo que quedaba de la cultura provincial de los shtetl que había definido la vida de la mayoría de los judíos de Europa del Este durante siglos. Goodman señala: «El desvanecimiento de la sociedad judía tradicional dejó a artistas como Chagall con poderosos recuerdos que ya no podían alimentarse de una realidad tangible. En cambio, esa cultura se convirtió en una fuente emocional e intelectual que existía únicamente en la memoria y la imaginación… Tan rica había sido la experiencia, que le sostuvo durante el resto de su vida»:  15 Sweeney añade que «si se le pide a Chagall que explique sus cuadros, respondería: «No los entiendo en absoluto. No son literatura. Sólo son disposiciones pictóricas de imágenes que me obsesionan…»:  7

En 1948, tras regresar a Francia desde Estados Unidos después de la guerra, vio por sí mismo la destrucción que la guerra había traído a Europa y a las poblaciones judías. En 1951, como parte de un libro conmemorativo dedicado a ochenta y cuatro artistas judíos asesinados por los nazis en Francia, escribió un poema titulado «Para los artistas masacrados: 1950», que inspiró cuadros como el Cantar de David (ver foto):

Veo el fuego, el humo y el gas; subiendo a la nube azul, volviéndola negra. Veo el pelo arrancado, los dientes arrancados. Me abruman con mi paleta rabiosa. Me paro en el desierto ante montones de botas, ropa, ceniza y estiércol, y murmuro mi Kaddish. Y mientras me levanto de mis cuadros, el David pintado desciende hacia mí, arpa en mano. Quiere ayudarme a llorar y a recitar capítulos de los Salmos:  114-115

Lewis escribe que Chagall «sigue siendo el artista visual más importante que ha dado testimonio del mundo de los judíos de Europa Oriental… y se convirtió inadvertidamente en el testigo público de una civilización ya desaparecida». Aunque el judaísmo tiene inhibiciones religiosas sobre el arte pictórico de muchos temas religiosos, Chagall consiguió utilizar sus imágenes de fantasía como una forma de metáfora visual combinada con la imaginería popular. Su «El violinista en el tejado», por ejemplo, combina un escenario de pueblo con un violinista como forma de mostrar el amor judío por la música como algo importante para el espíritu judío.

La música desempeñó un papel importante en la configuración de los temas de su obra. Si bien más tarde llegó a amar la música de Bach y Mozart, durante su juventud se vio influenciado sobre todo por la música de la comunidad jasídica en la que se crió. El historiador del arte Franz Meyer señala que una de las principales razones de la naturaleza poco convencional de su obra está relacionada con el hassidismo que inspiró el mundo de su infancia y juventud y que, de hecho, se imprimió en la mayoría de los judíos de Europa del Este desde el siglo XVIII. Escribe: «Para Chagall ésta es una de las fuentes más profundas, no de inspiración, sino de una determinada actitud espiritual… el espíritu hassídico sigue siendo la base y la fuente de alimentación de su arte»:  24 En una charla que dio Chagall en 1963 durante su visita a Estados Unidos, comentó algunas de esas impresiones.

Sin embargo, Chagall tenía una relación compleja con el judaísmo. Por un lado, consideraba que su origen cultural judío ruso era crucial para su imaginación artística. Pero por muy ambivalente que fuera respecto a su religión, no pudo evitar recurrir a su pasado judío para obtener material artístico. De adulto, no era un judío practicante, pero a través de sus pinturas y vidrieras, intentaba continuamente sugerir un «mensaje más universal», utilizando tanto temas judíos como cristianos.

Durante unos dos mil años una reserva de energía nos ha alimentado y sostenido, y ha llenado nuestras vidas, pero durante el último siglo se ha abierto una brecha en esta reserva, y sus componentes han comenzado a desintegrarse: Dios, la perspectiva, el color, la Biblia, la forma, la línea, las tradiciones, las llamadas humanidades, el amor, la devoción, la familia, la escuela, la educación, los profetas y el propio Cristo. ¿Acaso yo también he dudado en mi época? He pintado cuadros al revés, he decapitado personas y las he disecado, esparciendo los trozos por el aire, todo en nombre de otra perspectiva, de otro tipo de composición pictórica y de otro formalismo: 29

También se esforzó por distanciar su obra de un único enfoque judío. En la inauguración del Museo Chagall de Niza dijo: «Mi pintura no representa el sueño de un pueblo, sino de toda la humanidad».

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Vidrieras

Una de las principales contribuciones de Chagall al arte ha sido su trabajo con las vidrieras. Este medio le permitía expresar aún más su deseo de crear colores intensos y frescos y tenía la ventaja añadida de que la luz natural y la refracción interactuaban y cambiaban constantemente: todo, desde la posición en la que se encontraba el espectador hasta el tiempo que hacía en el exterior, alteraba el efecto visual (aunque no es el caso de sus vidrieras de Hadassah). Hasta 1956, cuando tenía casi 70 años, no diseñó las ventanas de la iglesia de Assy, su primer gran proyecto. Luego, de 1958 a 1960, realizó las vidrieras de la catedral de Metz.

En 1960, comenzó a crear vidrieras para la sinagoga del Centro Médico Hadassah de la Universidad Hebrea de Jerusalén. Leymarie escribe que «para iluminar la sinagoga tanto espiritual como físicamente», se decidió que las doce ventanas, que representaban a las doce tribus de Israel, se llenaran de vidrieras. Chagall concibió la sinagoga como «una corona ofrecida a la reina judía», y las vidrieras como «joyas de fuego translúcido», escribe. Chagall dedicó los dos años siguientes a la tarea, y una vez terminada, en 1961, las vidrieras se expusieron en París y luego en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Se instalaron permanentemente en Jerusalén en febrero de 1962. Cada una de las doce ventanas mide aproximadamente 11 pies de alto y 8 pies (2,4 m) de ancho, mucho más grandes que todo lo que había hecho antes. Cogniat los considera «su mayor obra en el campo de las vidrieras», aunque Virginia Haggard McNeil recoge la decepción de Chagall por el hecho de que fueran a ser iluminados con luz artificial, y por tanto no cambiaran según las condiciones de la luz natural.

El filósofo francés Gaston Bachelard comentó que «Chagall lee la Biblia y, de repente, los pasajes se convierten en luz»: xii En 1973, Israel lanzó una serie de 12 sellos con imágenes de las vidrieras.

Las ventanas simbolizan las doce tribus de Israel que fueron bendecidas por Jacob y Moisés en los versículos que concluyen el Génesis y el Deuteronomio. En esos libros, señala Leymarie, «el moribundo Moisés repitió el acto solemne de Jacob y, en un orden algo diferente, también bendijo a las doce tribus de Israel que estaban a punto de entrar en la tierra de Canaán…». En la sinagoga, donde las ventanas están distribuidas de la misma manera, las tribus forman una guardia de honor simbólica alrededor del tabernáculo»: xii Leymarie describe el significado físico y espiritual de las ventanas:

La esencia de las Ventanas de Jerusalén reside en el color, en la capacidad mágica de Chagall para animar la materia y transformarla en luz. Las palabras no tienen el poder de describir el color de Chagall, su espiritualidad, su cualidad cantora, su deslumbrante luminosidad, su flujo cada vez más sutil y su sensibilidad a las inflexiones del alma y los transportes de la imaginación. Es a la vez joya y espuma, reverberante y penetrante, que irradia luz desde un interior desconocido: xii

En la ceremonia de inauguración en 1962, Chagall describió sus sentimientos sobre las ventanas:

Para mí, una vidriera es un tabique transparente entre mi corazón y el corazón del mundo. La vidriera tiene que ser seria y apasionada. Es algo que eleva y estimula. Tiene que vivir a través de la percepción de la luz. Leer la Biblia es percibir una determinada luz, y la vidriera tiene que hacerla evidente a través de su sencillez y su gracia… Estos pensamientos han anidado en mí durante muchos años, desde que mis pies pisaron Tierra Santa, cuando me preparé para crear grabados de la Biblia. Me fortalecieron y me animaron a llevar mi modesto regalo al pueblo judío, ese pueblo que vivió aquí hace miles de años, entre los demás pueblos semíticos:  145-146

En 1964 Chagall creó una vidriera, titulada Paz, para la ONU en honor a Dag Hammarskjöld, el segundo secretario general de la ONU que murió en un accidente aéreo en África en 1961. La vidriera tiene unos 4,6 m de ancho y 3,7 m de alto y contiene símbolos de paz y amor junto con símbolos musicales. En 1967 dedicó una vidriera a John D. Rockefeller en la Union Church de Pocantico Hills, Nueva York.

La iglesia de Fraumünster en Zúrich (Suiza), fundada en 853, es conocida por sus cinco grandes vidrieras creadas por Chagall en 1967. Cada vidriera mide 9,8 metros de alto por 0,91 metros de ancho. El historiador de la religión James H. Charlesworth señala que es «sorprendente la presencia de símbolos cristianos en las obras de un artista que procede de un entorno judío estricto y ortodoxo». Supone que Chagall, debido a su origen ruso, utilizaba a menudo iconos rusos en sus cuadros, con sus interpretaciones de los símbolos cristianos. Explica que los temas que elegía solían derivar de historias bíblicas, y con frecuencia retrataban la «obediencia y el sufrimiento del pueblo elegido por Dios». Uno de los paneles representa a Moisés recibiendo la Torá, con rayos de luz que salen de su cabeza. En la parte superior de otro panel hay una representación de la crucifixión de Jesús.

En 1978 empezó a crear vidrieras para la iglesia de San Esteban de Maguncia (Alemania). Hoy en día, 200.000 visitantes al año acuden a la iglesia, y «turistas de todo el mundo peregrinan hasta el monte de San Esteban, para ver las brillantes vidrieras azules del artista Marc Chagall», afirma la página web de la ciudad. «San Esteban es la única iglesia alemana para la que Chagall ha creado vidrieras».

El sitio web también señala: «Los colores se dirigen directamente a nuestra conciencia vital, porque hablan de optimismo, esperanza y deleite en la vida», dice Monseñor Klaus Mayer, que imparte la obra de Chagall en mediaciones y libros. Mantuvo correspondencia con Chagall durante 1973, y logró convencer al «maestro del color y del mensaje bíblico» de que creara un signo para el vínculo judeo-cristiano y el entendimiento internacional. Siglos antes, Maguncia había sido «la capital de la judería europea», y albergaba la mayor comunidad judía de Europa, señala el historiador John Man. En 1978, a la edad de 91 años, Chagall creó la primera ventana, a la que siguieron ocho más. El colaborador de Chagall, Charles Marq, complementó la obra de Chagall añadiendo varias vidrieras con los colores típicos de Chagall.

La iglesia de Todos los Santos de Tudeley es la única iglesia del mundo que tiene todas sus doce ventanas decoradas por Chagall. Los otros tres edificios religiosos con conjuntos completos de ventanas de Chagall son la sinagoga del Centro Médico Hadassah, la Capilla de Le Saillant, en Limousin, y la Iglesia de la Unión de Pocantico Hills, en Nueva York.

Las ventanas de Tudeley fueron encargadas por Sir Henry y Lady Rosemary d»Avigdor-Goldsmid como homenaje a su hija Sarah, que murió en 1963 a los 21 años en un accidente de navegación frente a Rye. Cuando Chagall llegó para la dedicación de la ventana oriental en 1967, y vio la iglesia por primera vez, exclamó «¡C»est magnifique! Je les ferai tous!» («¡Es hermoso! ¡Los haré todos!») Durante los diez años siguientes, Chagall diseñó las once ventanas restantes, realizadas de nuevo en colaboración con el vidriero Charles Marq en su taller de Reims, en el norte de Francia. Las últimas ventanas se instalaron en 1985, justo antes de la muerte de Chagall.

En el lado norte de la catedral de Chichester hay una vidriera diseñada y creada por Chagall a la edad de 90 años. La vidriera, su último trabajo por encargo, se inspiró en el Salmo 150: «Que todo lo que respira alabe al Señor», a sugerencia del deán Walter Hussey. La ventana fue inaugurada por la Duquesa de Kent en 1978.

Chagall visitó Chicago a principios de la década de 1970 para instalar su mural Las cuatro estaciones, y en ese momento se inspiró para crear un conjunto de vidrieras para el Instituto de Arte de Chicago. Tras conversaciones con el Instituto de Arte y una mayor reflexión, Chagall convirtió las vidrieras en un homenaje al Bicentenario americano y, en particular, al compromiso de Estados Unidos con la libertad cultural y religiosa. Las ventanas aparecieron de forma destacada en la película de 1986 Ferris Bueller»s Day Off. De 2005 a 2010, las ventanas fueron trasladadas debido a la construcción cercana de una nueva ala del Instituto de Arte, y para la limpieza de los archivos.

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Murales, decorados y trajes de teatro

Chagall trabajó por primera vez en escenografía en 1914, mientras vivía en Rusia, bajo la inspiración del diseñador teatral y artista Léon Bakst. Fue durante este periodo en el teatro ruso cuando las ideas anteriormente estáticas de la escenografía estaban, según Cogniat, «siendo barridas en favor de un sentido totalmente arbitrario del espacio con diferentes dimensiones, perspectivas, colores y ritmos»:  66 Estos cambios atrajeron a Chagall, que había estado experimentando con el cubismo y quería una forma de animar sus imágenes. Diseñando murales y escenografías, los «sueños de Chagall cobraron vida y se convirtieron en un movimiento real».

Por ello, Chagall desempeñó un papel importante en la vida artística rusa de la época y «fue una de las fuerzas más importantes en el impulso actual hacia el antirrealismo» que ayudó a la nueva Rusia a inventar creaciones «sorprendentes». Muchos de sus diseños se realizaron para el Teatro Judío de Moscú, que puso en escena numerosas obras judías de dramaturgos como Gogol y Singe. Las escenografías de Chagall ayudaron a crear atmósferas ilusorias que se convirtieron en la esencia de las representaciones teatrales.

Tras abandonar Rusia, pasaron veinte años antes de que se le ofreciera de nuevo la posibilidad de diseñar decorados teatrales. En los años intermedios, sus pinturas seguían incluyendo arlequines, payasos y acróbatas, que, según Cogniat, «transmiten su apego sentimental y su nostalgia por el teatro». Su primer encargo de diseño de decorados después de Rusia fue para el ballet «Aleko» en 1942, mientras vivía en Estados Unidos. En 1945 también se le encargó el diseño de los decorados y el vestuario de El pájaro de fuego de Stravinsky. Estos diseños contribuyeron en gran medida a mejorar su reputación en Estados Unidos como artista importante y, a partir de 2013, siguen siendo utilizados por el New York City Ballet.

Cogniat describe cómo los diseños de Chagall «sumergen al espectador en un luminoso y colorido país de las hadas en el que las formas se definen bruscamente y los propios espacios parecen animados con torbellinos o explosiones». Su técnica de utilizar el color teatral de este modo alcanzó su punto álgido cuando Chagall regresó a París y diseñó los decorados de Dafnis y Chloé, de Ravel, en 1958.

En 1964 repintó el techo de la Ópera de París utilizando 220 m2 de lienzo. Pintó dos murales monumentales que cuelgan en lados opuestos del nuevo Metropolitan Opera del Lincoln Center de Nueva York, inaugurado en 1966. Las obras, The Sources of Music (Las fuentes de la música) y The Triumph of Music (El triunfo de la música), que cuelgan del nivel más alto de los balcones y se extienden hasta el nivel del vestíbulo de la Grand Tier, se terminaron en Francia y se enviaron a Nueva York, y están cubiertas por un sistema de paneles durante las horas en las que el teatro de la ópera recibe luz solar directa para evitar que se decoloren. También diseñó los decorados y el vestuario de una nueva producción de Die Zauberflöte para la compañía, que se estrenó en febrero de 1967 y se utilizó hasta 1981.

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Tapices

Chagall también diseñó tapices que fueron tejidos bajo la dirección de Yvette Cauquil-Prince, que también colaboró con Picasso. Estos tapices son mucho más raros que sus pinturas, y sólo 40 de ellos llegaron al mercado comercial. Chagall diseñó tres tapices para el vestíbulo estatal de la Knesset de Israel, junto con mosaicos para 12 suelos y un mosaico mural.

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Cerámica y escultura

Chagall comenzó a aprender sobre cerámica y escultura mientras vivía en el sur de Francia. La cerámica se puso de moda en la Costa Azul y se crearon varios talleres en Antibes, Vence y Vallauris. Recibió clases junto a otros artistas conocidos, como Picasso y Fernand Léger. Al principio, Chagall pintaba piezas de cerámica ya existentes, pero pronto se dedicó a diseñar las suyas propias, con lo que empezó a trabajar como escultor como complemento de su pintura.

Tras experimentar con la alfarería y la vajilla, pasó a realizar grandes murales de cerámica. Sin embargo, nunca estuvo satisfecho con los límites impuestos por los segmentos de azulejos cuadrados, que, según Cogniat, «le imponían una disciplina que impedía la creación de una imagen plástica»:  76

La autora Serena Davies escribe que «Cuando murió en Francia en 1985 -el último maestro superviviente del modernismo europeo, que sobrevivió dos años a Joan Miró- había experimentado de primera mano las grandes esperanzas y las aplastantes decepciones de la revolución rusa, y había sido testigo del fin del Pale of Settlement, de la casi aniquilación de la judería europea y de la obliteración de Vitebsk, su ciudad natal, donde sólo 118 de una población de 240.000 personas sobrevivieron a la Segunda Guerra Mundial».

El último trabajo de Chagall fue una obra de arte encargada por el Instituto de Rehabilitación de Chicago. La maqueta titulada Job estaba terminada, pero Chagall murió justo antes de que se terminara el tapiz. Yvette Cauquil-Prince estaba tejiendo el tapiz bajo la supervisión de Chagall y fue la última persona que trabajó con él. Abandonó la casa de Vava y Marc Chagall a las 4 de la tarde del 28 de marzo, después de haber discutido e igualado los colores finales de la pintura de la maqueta para el tapiz. Murió esa misma noche.

Su relación con su identidad judía era «irresuelta y trágica», afirma Davies. Habría muerto sin los ritos judíos, si un desconocido judío no se hubiera adelantado a rezar el kaddish, la oración judía por los muertos, sobre su ataúd. Chagall está enterrado junto a su última esposa, Valentina «Vava» Brodsky Chagall, en el cementerio multiconfesional de la tradicional ciudad de artistas de Saint-Paul-de-Vence, en la región francesa de Provenza.

La biógrafa de Chagall, Jackie Wullschlager, lo elogia como «pionero del arte moderno y uno de sus más grandes pintores figurativos… inventó un lenguaje visual que registró la emoción y el terror del siglo XX». Y añade:

En sus lienzos se lee el triunfo del modernismo, el avance del arte hacia una expresión de la vida interior que… es uno de los legados más importantes del siglo pasado. Al mismo tiempo, Chagall se vio personalmente envuelto en los horrores de la historia europea entre 1914 y 1945: guerras mundiales, revolución, persecución étnica, asesinato y exilio de millones de personas. En una época en la que muchos artistas importantes huían de la realidad en favor de la abstracción, él destiló sus experiencias de sufrimiento y tragedia en imágenes a la vez inmediatas, sencillas y simbólicas a las que todo el mundo podía responder: 4

Los historiadores del arte Ingo Walther y Rainer Metzger se refieren a Chagall como «poeta, soñador y aparición exótica». Añaden que, a lo largo de su dilatada vida, el «papel de forastero y excéntrico artístico» le resultó natural, ya que parecía ser una especie de intermediario entre mundos: «como judío con un desprecio señorial por la antigua prohibición de crear imágenes; como ruso que iba más allá del ámbito de la autosuficiencia familiar; o como hijo de padres pobres, que crecía en una familia numerosa y necesitada». Sin embargo, llegó a establecerse en el sofisticado mundo de los «elegantes salones artísticos»:  7

Gracias a su imaginación y a sus sólidos recuerdos, Chagall pudo utilizar motivos y temas típicos en la mayoría de sus obras: escenas de pueblo, vida campesina y vistas íntimas del pequeño mundo de la aldea judía (shtetl). Sus figuras tranquilas y sus gestos sencillos contribuyeron a producir un «sentido monumental de la dignidad» al traducir los rituales judíos cotidianos en un «reino intemporal de tranquilidad icónica»:  8 Leymarie escribe que Chagall «trascendió los límites de su siglo. Ha desvelado posibilidades insospechadas por un arte que había perdido el contacto con la Biblia, y al hacerlo ha logrado una síntesis totalmente nueva de la cultura judía ignorada durante mucho tiempo por la pintura». Añade que, aunque el arte de Chagall no puede limitarse a la religión, sus «contribuciones más conmovedoras y originales, lo que él llamaba »su mensaje», son las extraídas de fuentes religiosas o, más precisamente, bíblicas»: x

Walther y Metzger tratan de resumir la contribución de Chagall al arte:

Su vida y su arte se sumaron a esta imagen de un visionario solitario, un ciudadano del mundo con mucho del niño todavía en él, un extranjero perdido en el asombro, una imagen que el artista hizo todo lo posible por cultivar. Profundamente religioso y con un profundo amor a la patria, su obra es posiblemente el más urgente llamamiento a la tolerancia y al respeto de todo lo diferente que los tiempos modernos puedan hacer: 7

André Malraux lo elogió. Dijo: «es el mayor creador de imágenes de este siglo. Ha mirado nuestro mundo con la luz de la libertad, y lo ha visto con los colores del amor».

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Mercado del arte

Un óleo de Chagall de 1928, Les Amoureux, de 117,3 x 90,5 cm, que representa a Bella Rosenfeld, la primera esposa del artista y su hogar adoptivo París, se vendió por 28,5 millones de dólares (con tasas) en Sotheby»s Nueva York, el 14 de noviembre de 2017, casi duplicando el récord de subasta de Chagall, de 27 años, de 14,85 millones de dólares.

En octubre de 2010, su cuadro Bestiaire et Musique, que representa a una novia y un violinista flotando en un cielo nocturno entre artistas de circo y animales, «fue el lote estrella» en una subasta en Hong Kong. Cuando se vendió por 4,1 millones de dólares, se convirtió en el cuadro occidental contemporáneo más caro jamás vendido en Asia.

En 2013, se descubrieron obras de Chagall hasta ahora desconocidas en el alijo de obras de arte escondidas por el hijo de uno de los marchantes de arte de Hitler, Hildebrand Gurlitt.

En la década de 1990, Daniel Jamieson escribió The Flying Lovers of Vitebsk (Los amantes voladores de Vitebsk), una obra sobre la vida de Chagall y su compañera Bella. Se ha reestrenado en múltiples ocasiones, la última en 2020 con Emma Rice como directora de una producción que se retransmitió en directo desde el Bristol Old Vic y luego se puso a disposición para su visualización a la carta, en colaboración con teatros de todo el mundo. Esta producción contó con Marc Antolin en el papel de Chagall y Audrey Brisson interpretando a Bella Chagall; producida durante la epidemia de COVID, requirió que todo el equipo estuviera en cuarentena para hacer posible la representación y la transmisión en directo.

A lo largo de su vida, Chagall recibió varias distinciones:

Chagall, un corto documental de 1963, presenta a Chagall. Ganó el Premio de la Academia de 1964 al Mejor Documental de Tema Corto.

Debido a su fama internacional y a la popularidad de su arte, varios países han emitido sellos conmemorativos en su honor con ejemplos de sus obras. En 1963, Francia emitió un sello con su cuadro La pareja casada de la Torre Eiffel. En 1969, Israel emitió un sello con su cuadro El Rey David. En 1973, Israel emitió una serie de 12 sellos con imágenes de las vidrieras que creó para la Sinagoga del Centro Médico de la Universidad Hebrea Hadassah; cada vidriera se hizo para representar una de las «Doce Tribus de Israel».

En 1987, como homenaje para reconocer el centenario de su nacimiento en Bielorrusia, siete naciones se comprometieron en un programa especial ómnibus y emitieron sellos de correos en su honor. Los países que emitieron los sellos fueron Antigua y Barbuda, Dominica, Gambia, Ghana, Sierra Leona y Granada, que en conjunto produjeron 48 sellos y 10 hojas de recuerdo. Aunque todos los sellos representan sus diversas obras maestras, los nombres de las obras de arte no figuran en los sellos.

También hubo varias exposiciones importantes de la obra de Chagall durante su vida y después de su muerte.

Durante la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Invierno de 2014 en Sochi, una carroza con nubes y bailarines, similar a la de Chagall, pasó volando por encima de 130 bailarines disfrazados, 40 zancudos y un violinista que tocaba música folclórica.

Fuentes

1. Marc Chagall
2. Marc Chagall
3. ^ UK: /ʃæˈɡæl/ sha-GAL,[4] US: /ʃəˈɡɑːl, ʃəˈɡæl/ shə-GA(H)L;[5][6] French: [maʁk ʃaɡal]; Yiddish: מאַרק זאַכאַראָוויטש שאַגאַל; Russian: Марк Заха́рович Шага́л [ˈmark ʂɐˈɡal]; Belarusian: Марк Захаравіч Шагал [ˈmark ʂaˈɣal].
4. ^ Most sources uncritically repeat the information that he was born on 7 July 1887, without specifying whether this was a Gregorian or Julian date. However, this date is incorrect. He was born on 24 June 1887 under the then Julian calendar, which translates to 6 July 1887 in the Gregorian calendar, the gap between the calendars in 1887 being 12 days. Chagall himself miscalculated the Gregorian date when he arrived in Paris in 1910, using the then-current 13-day gap, not realising that this applied to births that occurred only from 1900 onwards. For further details, see Marc Chagall and His Times: A Documentary Narrative, p. 65.
5. Uladzimir Dzianisau, New documents on biography of family history of Marc Chagall, Marc-Chagall-Wohnmuseum, Witebsk (Memento vom 1. Mai 2011 im Internet Archive)
6. Das julianische Datum 24. Juni entsprach im 19. Jahrhundert dem gregorianischen Datum 6. Juli, ab 1900 aber dem 7. Juli. Häufig wird deshalb fälschlich das letzte Datum als Geburtsdatum Marc Chagalls gegeben.
7. a b c d Werner Haftmann, Marc Chagall, (DuMont) Köln 1977, ISBN 3-7701-0453-6
8. Belinturist: Marc Chagall (Memento vom 14. September 2011 im Internet Archive)
9. ^ Chagall, Marc. My Life, Orion Press (1960)
10. ^ Yohanan Petrovsky-Shtern, The Golden Age Shtetl: A New History of Jewish Life in East Europe, Princeton University Press, 2014
11. ^ La nuova enciclopedia dell»arte, Garzanti Editore, Milano, 1986
12. ^ (FR) Nina Berberova, Les Francs-maçons russes du XXe siècle, Actes Sud, 1990, p. 113, «sub voce»
13. ^ a b H. W. Janson, History of Art, Harry N. Abrams Publishers, New York, 1962
14. Marc Chagall on Art and Culture Standford Universty Press. Viitattu 7.7.2019.
15. a b Walther & Metzger s. 15
16. Walther & Metzger s. 16