Marlon Brando

gigatos | diciembre 15, 2022

Resumen

Marlon Brando Jr. (3 de abril de 1924 – 1 de julio de 2004) fue un actor estadounidense. Considerado uno de los actores más influyentes del siglo XX, recibió numerosos galardones a lo largo de su carrera, que abarcó seis décadas, entre ellos dos premios de la Academia, dos Globos de Oro, un premio del Festival de Cannes y tres premios de cine de la Academia Británica. Brando fue también un activista de muchas causas, en particular del movimiento por los derechos civiles y de varios movimientos de nativos americanos. Tras estudiar con Stella Adler en la década de 1940, se le reconoce el mérito de haber sido uno de los primeros actores en llevar el sistema de interpretación Stanislavski y el método de interpretación, derivado del sistema Stanislavski, al gran público.

Inicialmente fue aclamado y recibió su primera nominación al Oscar al Mejor Actor Protagonista por interpretar el papel de Stanley Kowalski en la adaptación cinematográfica de 1951 de la obra de Tennessee Williams Un tranvía llamado deseo, papel que ya había interpretado con éxito en Broadway. Recibió más elogios, y un primer Oscar y un Globo de Oro, por su interpretación de Terry Malloy en On the Waterfront, y su retrato del rebelde líder de una banda de moteros Johnny Strabler en The Wild One demostró ser una imagen perdurable en la cultura popular. Brando recibió nominaciones al Oscar por interpretar a Emiliano Zapata en ¡Viva Zapata! (y al comandante de las Fuerzas Aéreas Lloyd Gruver en Sayonara (1957), adaptación de la novela de James A. Michener de 1954.

En la década de 1960, la carrera de Brando sufrió un declive comercial y crítico. Dirigió y protagonizó el western de culto One-Eyed Jacks, un fracaso comercial y de crítica, tras el cual protagonizó una serie de notables fracasos de taquilla, empezando por Motín en la Bounty (1962). Tras diez años de malos resultados, aceptó hacer una prueba para interpretar a Vito Corleone en El Padrino (1972), de Francis Ford Coppola. Consiguió el papel y ganó su segundo Oscar y un Globo de Oro con una interpretación que los críticos consideran de las mejores de su carrera. Rechazó el Oscar por «el trato que la industria cinematográfica da actualmente a los indios americanos… y también por los recientes sucesos de Wounded Knee», enviando a Sacheen Littlefeather a recoger el premio en su nombre y a declarar sus motivos para rechazarlo. El Padrino se convirtió en la película más taquillera de la historia y, junto con su nominación al Oscar por El último tango en París (1972), Brando volvió a situarse entre las estrellas más taquilleras.

Tras un paréntesis a principios de la década de 1970, Brando se contentó en general con ser un actor de carácter muy bien pagado en papeles secundarios, como Jor-El en Superman (1978), como el coronel Kurtz en Apocalypse Now (1979) y Adam Steiffel en La fórmula (1980), antes de tomarse un descanso de nueve años del cine. Según el Libro Guinness de los Récords, Brando cobró la cifra récord de 3,7 millones de dólares (17 millones en dólares ajustados a la inflación) y el 11,75% de los beneficios brutos por 13 días de trabajo en Superman.

El American Film Institute clasificó a Brando como la cuarta mayor estrella de cine entre las estrellas masculinas que debutaron en la pantalla antes de 1950. Fue uno de los seis actores incluidos en 1999 por la revista Time en su lista de las 100 personas más importantes del siglo. En esta lista, Time también designó a Brando «Actor del Siglo».

Brando nació en Omaha, Nebraska, el 3 de abril de 1924, hijo de Marlon Brando padre (1895-1965), fabricante de pesticidas y piensos químicos, y de Dorothy Julia Pennebaker (1897-1954). Brando tenía dos hermanas mayores, llamadas Jocelyn (1919-2005) y Frances (1922-1994). Su ascendencia era principalmente alemana, holandesa, inglesa e irlandesa. Su antepasado inmigrante patrilineal, Johann Wilhelm Brandau, llegó a Nueva York a principios del siglo XVIII procedente del Palatinado alemán. También es descendiente de Louis DuBois, un hugonote francés que llegó a Nueva York hacia 1660. Su bisabuelo materno, Myles Joseph Gahan, fue un inmigrante irlandés que sirvió como médico en la Guerra Civil estadounidense. En 1995 concedió una entrevista en Irlanda en la que dijo: «Nunca he sido tan feliz en mi vida. Cuando bajé del avión sentí una oleada de emociones. Nunca me he sentido tan a gusto en un lugar como aquí. Me estoy planteando seriamente la ciudadanía irlandesa». Brando fue educado como científico cristiano.

Su madre, conocida como Dodie, era poco convencional para su época; fumaba, llevaba pantalones y conducía coches. Actriz y administradora teatral, ayudó a Henry Fonda a iniciar su carrera como actor. Sin embargo, era alcohólica y a menudo su marido tenía que llevarla a casa desde los bares de Chicago. En su autobiografía, Songs My Mother Taught Me (Canciones que me enseñó mi madre), Brando expresó su tristeza al escribir sobre su madre: «La angustia que le producía la bebida era que prefería emborracharse a cuidar de nosotros». Dodie y el padre de Brando acabaron uniéndose a Alcohólicos Anónimos. Brando albergaba mucha más enemistad hacia su padre, afirmando: «Yo era su tocayo, pero nada de lo que hacía le gustaba o siquiera le interesaba. Disfrutaba diciéndome que no podía hacer nada bien. Tenía la costumbre de decirme que nunca llegaría a nada». A los cuatro años, su institutriz adolescente abusó sexualmente de Brando. Brando se encariñó con ella y se angustió cuando le dejó. Durante el resto de su vida, Brando estuvo angustiado por su pérdida. Alrededor de 1930, los padres de Brando se trasladaron a Evanston, Illinois, cuando el trabajo de su padre le llevó a Chicago, pero se separaron en 1935, cuando Brando tenía 11 años. Su madre se llevó a los tres niños a Santa Ana, California, donde vivieron con su madre. Los padres de Brando se reconciliaron en 1937, y al año siguiente dejaron Evanston y se mudaron juntos a una granja en Libertyville, Illinois, una pequeña ciudad al norte de Chicago. Entre 1939 y 1941, trabajó como acomodador en el único cine del pueblo, The Liberty.

Brando, cuyo apodo en la infancia era «Bud», fue un imitador desde su juventud. Desarrolló la habilidad de absorber los gestos de los niños con los que jugaba y mostrarlos de forma espectacular sin salirse del personaje. Fue presentado a Wally Cox, el chico del barrio, y ambos fueron amigos íntimos hasta la muerte de Cox en 1973. En la película biográfica de TCM Brando: The Documentary, un amigo de la infancia, George Englund, recuerda que cuando Brando empezaba a actuar imitaba a las vacas y los caballos de la granja familiar para distraer a su madre de la bebida. Su hermana Jocelyn fue la primera en dedicarse a la interpretación, yendo a estudiar a la Academia Americana de Arte Dramático de Nueva York. Actuó en Broadway y luego en el cine y la televisión. La hermana de Brando, Frances, dejó la universidad en California para estudiar arte en Nueva York. Brando se había retrasado un año en la escuela y más tarde fue expulsado del Libertyville High School por ir en moto por los pasillos.

Fue enviado a la Academia Militar Shattuck de Minnesota, donde su padre había estudiado antes que él. Brando destacó en teatro y obtuvo buenos resultados en la escuela. En su último año (1943), fue puesto en libertad condicional por insubordinarse ante un coronel visitante durante unas maniobras. Se le confinó en su habitación, pero se escabulló a la ciudad y le pillaron. El claustro de profesores votó a favor de su expulsión, aunque los alumnos le apoyaron, pues consideraban que la expulsión era demasiado dura. Le invitaron a volver al año siguiente, pero decidió abandonar el instituto. Brando trabajó como excavador de zanjas como trabajo de verano organizado por su padre. Intentó alistarse en el ejército, pero el reconocimiento médico reveló que una lesión de fútbol que había sufrido en Shattuck le había dejado una rodilla dañada. Fue clasificado 4-F y no fue admitido.

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Nueva York y actuación

Brando decidió seguir a sus hermanas a Nueva York, estudiando en la American Theatre Wing Professional School, parte del Dramatic Workshop de la New School, con el influyente director alemán Erwin Piscator. En un documental de 1988, Marlon Brando: The Wild One, la hermana de Brando, Jocelyn, recordaba: «Participó en una obra escolar y le gustó…. Así que decidió que iría a Nueva York a estudiar interpretación porque era lo único que le había gustado. Eso fue cuando tenía 18 años». En el episodio de A&E Biography sobre Brando, George Englund dijo que Brando se aficionó a la interpretación en Nueva York porque «allí le aceptaban. No le criticaban. Era la primera vez en su vida que oía cosas buenas sobre sí mismo». Pasó sus primeros meses en Nueva York durmiendo en sofás de amigos. Durante un tiempo vivió con Roy Somlyo, que más tarde se convertiría en productor de Broadway ganador de cuatro premios Emmy.

Brando fue un ávido alumno y defensor de Stella Adler, de quien aprendió las técnicas del sistema Stanislavski. Esta técnica animaba al actor a explorar tanto los aspectos internos como los externos para realizar plenamente el personaje representado. La extraordinaria perspicacia y sentido del realismo de Brando se hicieron evidentes muy pronto. Adler solía contar que, cuando enseñaba a Brando, había dado instrucciones a la clase para que actuaran como gallinas, y añadió que una bomba nuclear estaba a punto de caer sobre ellas. La mayoría de la clase cacareó y corrió como loca, pero Brando se sentó tranquilamente y fingió poner un huevo. Cuando Adler le preguntó por qué había decidido reaccionar así, respondió: «Soy una gallina, ¿qué sé yo de bombas?». A pesar de ser considerado comúnmente como un actor de método, Brando no estaba de acuerdo. Decía aborrecer las enseñanzas de Lee Strasberg:

Cuando tuve éxito, Lee Strasberg intentó atribuirse el mérito de haberme enseñado a actuar. Nunca me enseñó nada. Se habría atribuido el sol y la luna si hubiera creído que podía salirse con la suya. Era un hombre ambicioso y egoísta que explotaba a los asistentes al Actors Studio e intentaba proyectarse como oráculo y gurú de la interpretación. Algunos le adoraban, pero yo nunca supe por qué. A veces iba al Actors Studio los sábados por la mañana porque Elia Kazan daba clases, y solía haber muchas chicas guapas, pero Strasberg nunca me enseñó a actuar. Sí lo hizo Stella (Adler) y, más tarde, Kazan.

Brando fue el primero en aportar un enfoque natural a la interpretación en el cine. Según cuenta Dustin Hoffman en su Masterclass online, Brando solía hablar con los cámaras y con sus compañeros actores sobre su fin de semana incluso después de que el director llamara a la acción. Una vez que Brando sentía que podía emitir el diálogo con la misma naturalidad que esa conversación, empezaba el diálogo. En su documental de 2015, Listen To Me Marlon, dijo antes que los actores eran como los cereales del desayuno, es decir, que eran predecibles. Los críticos dirían más tarde que Brando estaba siendo difícil, pero los actores que trabajaron con él dirían que todo formaba parte de su técnica.

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Primeros años de carrera: 1944-1951

Brando utilizó sus conocimientos del sistema Stanislavski para sus primeros papeles de verano en Sayville, Nueva York, en Long Island. Brando estableció un patrón de comportamiento errático e insubordinado en los pocos espectáculos en los que había participado. Su comportamiento hizo que le echaran del reparto de la producción de la New School en Sayville, pero poco después le descubrieron en una obra producida localmente. Luego, en 1944, llegó a Broadway en el drama agridulce I Remember Mama, interpretando al hijo de Mady Christians. Los Lunts querían que Brando interpretara el papel del hijo de Alfred Lunt en O Mistress Mine, y Lunt incluso le entrenó para su audición, pero la lectura de Brando durante la audición fue tan desganada que no pudieron contratarle. Los críticos de teatro de Nueva York le votaron «Actor joven más prometedor» por su papel de veterano angustiado en Truckline Café, aunque la obra fue un fracaso comercial. En 1946, apareció en Broadway como el joven héroe del drama político A Flag is Born, negándose a aceptar un salario superior al de Actors» Equity. Ese mismo año, Brando interpretó el papel de Marchbanks junto a Katharine Cornell en la reposición de su producción de Candida, uno de sus papeles emblemáticos. Ese mismo año, Cornell también le dio el papel de Mensajero en su producción de Antígona, de Jean Anouilh. También se le ofreció la oportunidad de interpretar a uno de los personajes principales en el estreno en Broadway de The Iceman Cometh (El hombre de hielo viene), de Eugene O»Neill, pero rechazó el papel tras quedarse dormido mientras intentaba leer el enorme guión y declarar que la obra estaba «ineptamente escrita y mal construida».

En 1945, el agente de Brando le recomendó que aceptara un papel coprotagonista en El águila tiene dos cabezas con Tallulah Bankhead, producida por Jack Wilson. Bankhead había rechazado el papel de Blanche Dubois en Un tranvía llamado deseo, que Williams había escrito para ella, para hacer una gira de la obra durante la temporada 1946-1947. Bankhead reconoció el potencial de Brando, a pesar de su desdén (compartido por la mayoría de los veteranos de Broadway) por el método de interpretación, y aceptó contratarlo a pesar de que su audición no fue buena. Los dos chocaron mucho durante la gira previa a Broadway, ya que Bankhead le recordaba a Brando a su madre, por ser de su edad y también por tener problemas con la bebida. Wilson toleraba en gran medida el comportamiento de Brando, pero llegó a su límite cuando éste murmuró durante un ensayo general poco antes del estreno, el 28 de noviembre de 1946. «Me da igual lo que hiciera tu abuela», exclamó Wilson, «y esas cosas del Método, ¡quiero saber qué vas a hacer!». Brando, a su vez, alzó la voz y actuó con gran fuerza y pasión. «Fue maravilloso», recordó un miembro del reparto. «Todo el mundo le abrazaba y le besaba. Salió tambaleándose del escenario y me dijo: »No creen que puedas actuar si no sabes gritar»».

Sin embargo, los críticos no fueron tan amables. Una reseña de la actuación de Brando en el estreno afirmaba que Brando «todavía estaba construyendo su personaje, pero de momento no impresiona». Un crítico de Boston comentó sobre la prolongada escena de la muerte de Brando: «Brando parecía un coche en el centro de Manhattan buscando aparcamiento». Recibió mejores críticas en las siguientes paradas de la gira, pero lo que sus colegas recordaban eran sólo indicios ocasionales del talento que demostraría más tarde. «Hubo algunos momentos en los que estuvo realmente magnífico», admitió Bankhead a un entrevistador en 1962. «Era un gran actor joven cuando quería, pero la mayor parte del tiempo ni siquiera podía oírle en el escenario».

Brando mostró su apatía por la producción demostrando unos modales escandalosos sobre el escenario. Intentó por todos los medios arruinársela», afirmó el director de escena de Bankhead. «Casi la vuelve loca: rascándose la entrepierna, hurgándose la nariz, haciendo cualquier cosa». Tras varias semanas de viaje, llegaron a Boston, momento en el que Bankhead ya estaba lista para despedirle. Esto resultó ser una de las mayores bendiciones de su carrera, ya que le liberó para interpretar el papel de Stanley Kowalski en la obra de Tennessee Williams de 1947 Un tranvía llamado deseo, dirigida por Elia Kazan. Además, la propia Bankhead, en su carta en la que declinaba la invitación de Williams para interpretar el papel de Blanche, dio a Brando este sonoro -aunque ácido- respaldo:

Tengo una sugerencia para el casting. Conozco a un actor que puede encarnar al bruto Stanley Kowalski. Quiero decir, un cerdo total de un hombre sin sensibilidad o gracia de ningún tipo. Marlon Brando sería perfecto como Stanley. Acabo de despedir al canalla de mi obra, El águila tiene dos cabezas, y sé de buena tinta que está buscando trabajo.

Pierpont escribe que John Garfield era la primera opción para el papel, pero «planteó exigencias imposibles». Fue decisión de Kazan recurrir al mucho menos experimentado (y técnicamente demasiado joven para el papel) Brando. En una carta fechada el 29 de agosto de 1947, Williams confiaba a su agente Audrey Wood: «No se me había ocurrido antes el excelente valor que tendría el casting de un actor muy joven para este papel. Humaniza el personaje de Stanley en el sentido de que se convierte en la brutalidad y la insensibilidad de la juventud en lugar de un viejo vicioso … De la lectura de Brando surgió un nuevo valor que fue, con diferencia, la mejor lectura que he oído nunca». Brando basó su interpretación de Kowalski en el boxeador Rocky Graziano, a quien había estudiado en un gimnasio local. Graziano no sabía quién era Brando, pero asistió a la producción con entradas proporcionadas por el joven. Dijo: «Se levantó el telón y en el escenario está ese hijo de puta del gimnasio, y está haciendo de mí».

En 1947, Brando realizó una prueba de pantalla para un primer guión de Warner Brothers de la novela Rebelde sin causa (1944), que no guardaba ninguna relación con la película que finalmente se produjo en 1955. La prueba de pantalla se incluye como extra en el DVD de 2006 de Un tranvía llamado deseo.

El primer papel de Brando en la pantalla fue el de un amargado veterano parapléjico en The Men (1950). Pasó un mes en cama en el Birmingham Army Hospital de Van Nuys para prepararse para el papel. El crítico del New York Times Bosley Crowther escribió que Brando como Ken «es tan vívidamente real, dinámico y sensible que su ilusión es completa» y señaló: «De silencios rígidos y congelados puede arremeter en una furia apasionada con el frenesí lacrimógeno y agitado de un cable tenso cortado de repente.»

Según cuenta el propio Brando, es posible que esta película fuera la causa de que su situación en el servicio militar pasara de 4-F a 1-A. Había sido operado de la rodilla de truco y ya no era lo suficientemente debilitante como para ser excluido del servicio militar. Se había sometido a una operación quirúrgica en la rodilla dañada, y ya no era lo suficientemente debilitante como para ser excluido del servicio militar obligatorio. Cuando Brando se presentó en el centro de reclutamiento, respondió a un cuestionario diciendo que su raza era «humana», que su color era «entre blanco y beige» y que le había dicho a un médico del ejército que era psiconeurótico. Cuando la junta de reclutamiento le remitió a un psiquiatra, Brando explicó que había sido expulsado de la escuela militar y que tenía graves problemas con la autoridad. Casualmente, el psiquiatra conocía a un médico amigo de Brando. Brando evitó el servicio militar durante la guerra de Corea.

Al principio de su carrera, Brando empezó a utilizar carteles en lugar de memorizar sus diálogos. A pesar de las objeciones de varios de los directores de cine con los que trabajó, Brando creía que así aportaba realismo y espontaneidad a sus interpretaciones. De otro modo, parecería estar recitando el discurso de un escritor. En el documental de televisión The Making of Superman: The Movie, Brando explicó:

Si no sabes cuáles son las palabras, pero tienes una idea general de lo que son, entonces miras la tarjeta y le das la sensación al espectador, con suerte, de que la persona está realmente buscando lo que va a decir, que no sabe qué decir.

«Algunos pensaban que Brando utilizaba las tarjetas por pereza o incapacidad para memorizar sus líneas. Una vez en el plató de El Padrino, le preguntaron a Brando por qué quería tener sus líneas impresas». Él respondió: «Porque así puedo leerlas».

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Salto a la fama: 1951-1954

Brando llevó a la pantalla su interpretación de Stanley Kowalski en Un tranvía llamado deseo (1951), de Tennessee William. Este papel está considerado como uno de los mejores de Brando. Le valió su primera nominación al Oscar en la categoría de Mejor Actor.

También fue nominado al año siguiente por ¡Viva Zapata! (1952), un relato ficticio de la vida del revolucionario mexicano Emiliano Zapata. La película narraba la educación campesina de Zapata, su ascenso al poder a principios del siglo XX y su muerte. La película fue dirigida por Elia Kazan y coprotagonizada por Anthony Quinn. En el biopic Marlon Brando: The Wild One, Sam Shaw dice: «En secreto, antes de empezar la película, fue a México, al mismo pueblo donde vivía y había nacido Zapata, y allí estudió los patrones de habla de la gente, su comportamiento, su movimiento». La mayoría de los críticos se centraron en el actor más que en la película, y Time y Newsweek publicaron críticas muy favorables.

Años más tarde, en su autobiografía, Brando comentó: «Tony Quinn, a quien admiraba profesionalmente y apreciaba personalmente, interpretaba a mi hermano, pero fue extremadamente frío conmigo mientras rodábamos esa película. Durante nuestras escenas juntos, percibí un resentimiento hacia mí, y si le proponía tomar una copa después del trabajo, o bien me rechazaba o bien se mostraba hosco y hablaba poco. Sólo años después supe por qué». Brando explicó que, para crear tensión en la pantalla entre ambos, «Gadg» (Kazan) le había dicho a Quinn -que había asumido el papel de Stanley Kowalski en Broadway después de que Brando terminara- que Brando no había quedado impresionado con su trabajo. Tras conseguir el efecto deseado, Kazan nunca le dijo a Quinn que le había engañado. Sólo muchos años después, tras comparar notas, Brando y Quinn se dieron cuenta del engaño.

La siguiente película de Brando, Julio César (1953), recibió críticas muy favorables. Brando interpretó a Marco Antonio. Aunque la mayoría reconoció el talento de Brando, algunos críticos consideraron que su «murmullo» y otras idiosincrasias delataban una falta de fundamentos interpretativos y, cuando se anunció su casting, muchos dudaron de sus posibilidades de éxito. Dirigida por Joseph L. Mankiewicz y coprotagonizada por el actor de teatro británico John Gielgud, Brando realizó una interpretación impresionante, especialmente durante el célebre discurso de Antonio: «Amigos, romanos, compatriotas…». Gielgud quedó tan impresionado que le ofreció una temporada completa en el Hammersmith Theatre, oferta que Brando declinó. En su biografía sobre el actor, Stefan Kanfer escribe: «La autobiografía de Marlon dedica una línea a su trabajo en esa película: Entre todos esos profesionales británicos, »para mí entrar en un plató de cine e interpretar a Marco Antonio era asín» -otro ejemplo de su persistente autodenigración, y totalmente incorrecto». Kanfer añade que, tras una proyección de la película, el director John Huston comentó: «¡Cristo! Fue como si se abriera la puerta de un horno: el calor salía de la pantalla. No conozco a otro actor que pueda hacer eso». Durante el rodaje de Julio César, Brando se enteró de que Elia Kazan había cooperado con los investigadores del Congreso, nombrando a toda una serie de «subversivos» ante el Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara de Representantes (HUAC). Según cuentan, Brando estaba disgustado por la decisión de su mentor, pero volvió a trabajar con él en On The Waterfront. «Ninguno de nosotros es perfecto», escribió más tarde en sus memorias, «y creo que Gadg ha perjudicado a otros, pero sobre todo a sí mismo».

En 1953, Brando también protagonizó The Wild One, conduciendo su propia motocicleta Triumph Thunderbird 6T. Los importadores de Triumph se mostraron ambivalentes ante la exposición, ya que el tema era la toma de una pequeña ciudad por bandas de motociclistas. La película fue criticada en su momento por su violencia gratuita, y Time declaró: «El efecto de la película no es arrojar luz sobre el problema público, sino disparar adrenalina por las venas del cinéfilo». Al parecer, Brando no se llevaba bien con el director húngaro László Benedek ni con su coprotagonista Lee Marvin.

Para desconcierto expreso de Brando, la película inspiró la rebelión adolescente y le convirtió en un modelo a seguir para la naciente generación del rock and roll y futuras estrellas como James Dean y Elvis Presley. Tras el estreno de la película, las ventas de chaquetas de cuero y motocicletas se dispararon. Reflexionando sobre la película en su autobiografía, Brando llegó a la conclusión de que no había envejecido muy bien, pero dijo:

Me identifiqué con Johnny más que en la mayoría de los papeles que he interpretado en el cine o en el teatro, y por eso creo que lo interpreté con más sensibilidad y simpatía de lo que preveía el guión. Hay una frase en la película en la que gruñe: «Nadie me dice lo que tengo que hacer». Así es exactamente como me he sentido toda mi vida.

Ese mismo año, Brando coprotagonizó, junto a su compañero de estudio William Redfield, una producción de verano de la obra de George Bernard Shaw Arms and the Man.

En 1954, Brando protagonizó On the Waterfront, una película policíaca sobre la violencia sindical y la corrupción entre los estibadores. La película, dirigida por Elia Kazan y escrita por Budd Schulberg, estaba protagonizada por Karl Malden, Lee J. Cobb, Rod Steiger y, en su debut cinematográfico, Eva Marie Saint. Cuando se le ofreció inicialmente el papel, Brando -todavía picado por el testimonio de Kazan ante el HUAC- renunció y el papel de Terry Malloy estuvo a punto de recaer en Frank Sinatra. Según el biógrafo Stefan Kanfer, el director creía que Sinatra, que se había criado en Hoboken (donde transcurre y se rodó la película), funcionaría como Malloy, pero finalmente el productor Sam Spiegel convenció a Brando para el papel, fichándolo por 100.000 dólares. «Kazan no protestó porque, según confesó posteriormente, »siempre preferí a Brando antes que a nadie»».

Brando ganó el Oscar por su papel del estibador irlandés-americano Terry Malloy en On the Waterfront. Su interpretación, estimulada por su compenetración con Eva Marie Saint y la dirección de Kazan, fue elogiada como un tour de force. Para la escena en la que Terry se lamenta de sus fracasos, diciendo I coulda been a contender, convenció a Kazan de que la escena guionizada no era realista. El guión de Schulberg hacía que Brando actuara toda la escena con su personaje encañonado por su hermano Charlie, interpretado por Rod Steiger. Brando insistió en apartar suavemente la pistola, diciendo que Terry nunca creería que su hermano fuera a apretar el gatillo y dudando de que pudiera continuar su discurso mientras temía tener una pistola apuntándole. Kazan dejó que Brando improvisara y más tarde expresó su profunda admiración por la comprensión instintiva de Brando, diciendo:

Lo extraordinario de su interpretación, en mi opinión, es el contraste de la fachada de tipo duro y la extrema delicadeza y suavidad de su comportamiento. ¿Qué otro actor, cuando su hermano saca una pistola para obligarle a hacer algo vergonzoso, pondría la mano en la pistola y la apartaría con la delicadeza de una caricia? ¿Quién si no podría leer «¡Oh, Charlie!» en un tono de reproche tan cariñoso y tan melancólico que sugiere la terrible profundidad del dolor? … Si hay una interpretación mejor por parte de un hombre en la historia del cine en América, no sé cuál es.

Tras su estreno, On the Waterfront recibió elogiosas críticas de la crítica y fue un éxito comercial, con una recaudación estimada de 4,2 millones de dólares en la taquilla norteamericana en 1954. En su reseña del 29 de julio de 1954, el crítico de The New York Times A. H. Weiler alabó la película, calificándola de «un uso de la pantalla extraordinariamente poderoso, emocionante e imaginativo por parte de profesionales dotados». El crítico de cine Roger Ebert alabó la película, afirmando que Brando y Kazan cambiaron para siempre la interpretación en el cine estadounidense y la añadió a su lista de «Grandes películas». En su autobiografía, Brando se mostró típicamente desdeñoso con su interpretación: «El día que Gadg me mostró la película completa, estaba tan deprimido por mi actuación que me levanté y abandoné la sala de proyección… Pensé que era un gran fracaso. Pensé que había sido un gran fracaso». Después de que Brando ganara el Oscar al Mejor Actor, la estatuilla fue robada. Mucho después, apareció en una casa de subastas londinense, que se puso en contacto con el actor y le informó de su paradero.

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Éxitos de taquilla y debut como director: 1954-1959

Tras On the Waterfront, Brando siguió siendo uno de los actores más taquilleros, pero la crítica consideraba cada vez más que sus interpretaciones eran insulsas y carecían de la intensidad y el compromiso de sus primeros trabajos, especialmente los realizados con Kazan. En 1954 interpretó a Napoleón en la película Désirée. Según su compañera de reparto Jean Simmons, el contrato de Brando le obligó a protagonizar la película. Se esforzó poco en el papel, alegando que no le gustaba el guión, y más tarde tachó toda la película de «superficial y lúgubre». Brando despreciaba especialmente al director Henry Koster.

Brando y Simmons volvieron a formar pareja en la adaptación cinematográfica del musical Guys and Dolls (1955). Guys and Dolls sería el primer y último papel de Brando en un musical. Time consideró la película «falsa al original en su sentimiento», comentando que Brando «canta en un tenor lejano que a veces tiende a ser plano». Al aparecer en la entrevista Person to Person de Edward Murrow a principios de 1955, admitió tener problemas con su voz de cantante, que calificó de «bastante terrible». En el documental de 1965 Meet Marlon Brando, reveló que el producto final que se escuchó en la película era el resultado de innumerables tomas de canto que se cortaron en una sola y más tarde bromeó: «No podía dar una nota ni con un bate de béisbol; algunas notas las perdía por márgenes extraordinarios… Cosieron mis palabras en una canción con tanta fuerza que, cuando la pronuncié delante de la cámara, casi me asfixio». Las relaciones entre Brando y su coprotagonista Frank Sinatra también eran frías: «Los dos hombres eran diametralmente opuestos: Marlon necesitaba varias tomas; Frank detestaba repetirse». Al parecer, en su primer encuentro, Sinatra se burló: «No me vengas con esa mierda del Actors Studio». Brando bromeó más tarde: «Frank es el tipo de hombre que, cuando muera, irá al cielo y le echará la bronca a Dios por dejarle calvo». Frank Sinatra llamó a Brando «el actor más sobrevalorado del mundo», y se refirió a él como «mumbles». La película tuvo éxito comercial, aunque no de crítica: costó 5,5 millones de dólares hacerla y recaudó 13 millones.

Brando interpretó a Sakini, un intérprete japonés del ejército estadounidense en el Japón de posguerra, en La casa de té de la luna de agosto (1956). A Pauline Kael no le impresionó especialmente la película, pero señaló que «Marlon Brando se moría de hambre para interpretar al intérprete Sakini, y parece como si estuviera disfrutando de la hazaña: habla con acento de loco, sonríe como un niño, se inclina hacia delante y hace movimientos complicados con las piernas. Es inofensivamente genial (y sin duda se le echa de menos cuando está fuera de la pantalla), aunque el papel, pícaro y feo, no le permite hacer lo que se le da mejor, y es posible que sea menos eficaz en él de lo que lo habría sido un actor de menor categoría». En Sayonara (1957) interpretó a un oficial de las Fuerzas Aéreas de Estados Unidos. Newsweek consideró la película una «historia aburrida del encuentro de los dos», pero no obstante fue un éxito de taquilla. Según la biografía del actor escrita por Stefan Kanfer, el representante de Brando, Jay Kanter, negoció un rentable contrato por el que Brando recibía el diez por ciento de la recaudación, lo que le situaba en la categoría de millonario. La película fue controvertida por tratar abiertamente el tema del matrimonio interracial, pero tuvo un gran éxito y obtuvo 10 nominaciones a los Oscar, con Brando nominado a Mejor Actor. La película ganó cuatro premios de la Academia. Teahouse y Sayonara fueron las primeras de una serie de películas que Brando se esforzaría por hacer durante la siguiente década y que contenían mensajes socialmente relevantes, y se asoció con Paramount para establecer su propia productora llamada Pennebaker, cuyo propósito declarado era desarrollar películas que contuvieran «un valor social que mejorara el mundo». El nombre era un homenaje a su madre, fallecida en 1954. Según todos los indicios, Brando quedó destrozado por su muerte, y su biógrafo Peter Manso declaró a A&E»s Biography: «Ella era la única que podía darle su aprobación como nadie más podía hacerlo y, tras la muerte de su madre, parece que a Marlon deja de importarle». Brando nombró a su padre para dirigir a Pennebaker. En el mismo especial de A&E, George Englund afirma que Brando le dio el puesto a su padre porque «le daba a Marlon la oportunidad de dispararle, de rebajarle y disminuirle».

En 1958, Brando apareció en The Young Lions, tiñéndose el pelo de rubio y adoptando un acento alemán para el papel, que más tarde admitió que no le convencía. La película está basada en la novela de Irwin Shaw, y la interpretación de Brando del personaje de Christian Diestl fue controvertida para su época. Más tarde escribió: «El guión original seguía de cerca el libro, en el que Shaw pintaba a todos los alemanes como caricaturas malvadas, especialmente a Christian, a quien retrataba como símbolo de todo lo malo del nazismo; era malo, desagradable, despiadado, un cliché del mal…. Pensé que la historia debía demostrar que no hay personas intrínsecamente »malas» en el mundo, sino que pueden ser fácilmente engañadas». Shaw y Brando incluso aparecieron juntos en una entrevista televisada con el corresponsal de la CBS David Schoenbrun y, durante un ampuloso intercambio, Shaw acusó a Brando de que, como la mayoría de los actores, era incapaz de interpretar a un villano redomado; Brando respondió afirmando: «Nadie crea un personaje salvo un actor. Yo interpreto el papel; ahora él existe. Es mi creación». The Young Lions también cuenta con la única aparición de Brando en una película con su amigo y rival Montgomery Clift (aunque no compartieron ninguna escena juntos). Brando cerró la década apareciendo en The Fugitive Kind (1960) junto a Anna Magnani. La película se basaba en otra obra de Tennessee Williams, pero no tuvo el éxito de Un tranvía llamado deseo. Los Angeles Times calificó los personajes de Williams de «psicológicamente enfermos o simplemente feos» y The New Yorker de «melodrama de maíz».

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One-Eyed Jacks y Motín en el Bounty

En 1961, Brando debutó como director en el western One-Eyed Jacks. En un principio, la película iba a ser dirigida por Stanley Kubrick, pero éste fue despedido al principio de la producción. Paramount nombró entonces director a Brando. Brando interpreta al protagonista, Rio, y Karl Malden a su compañero «Dad» Longworth. El reparto cuenta con Katy Jurado, Ben Johnson y Slim Pickens. Sin embargo, la inclinación de Brando por las repeticiones y la exploración de personajes como actor se trasladó a su faceta de director, y la película pronto se salió del presupuesto; Paramount esperaba que la película durara tres meses, pero el rodaje se alargó hasta seis y el coste se duplicó hasta superar los seis millones de dólares. La inexperiencia de Brando como montador también retrasó la posproducción y Paramount acabó tomando el control de la película. Brando escribió más tarde: «Paramount dijo que no le gustaba mi versión de la historia; yo había hecho mentir a todo el mundo excepto a Karl Malden. El estudio cortó la película en pedazos y le convirtió a él también en un mentiroso. Para entonces, estaba aburrido de todo el proyecto y lo abandoné». One-Eyed Jacks tuvo una acogida desigual por parte de la crítica.

La repulsión de Brando hacia la industria del cine supuestamente estalló en el rodaje de su siguiente película, el remake de Metro-Goldwyn-Mayer de Motín en la Bounty, que se rodó en Tahití. El actor fue acusado de sabotear deliberadamente casi todos los aspectos de la producción. El 16 de junio de 1962, The Saturday Evening Post publicó un artículo de Bill Davidson con el titular «Seis millones de dólares tirados a la basura: el motín de Marlon Brando». El director de Motín, Lewis Milestone, afirmaba que los ejecutivos «se merecen lo que les pasa cuando dan a un actor jamón, un niño petulante, el control total de una película cara.» Motín en la Bounty estuvo a punto de hundir a MGM y, aunque el proyecto había sufrido retrasos ajenos al comportamiento de Brando, las acusaciones perseguirían al actor durante años, ya que los estudios empezaron a temer la difícil reputación de Brando. Los críticos también empezaron a fijarse en sus fluctuaciones de peso.

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Declive de la taquilla: 1963-1971

Distraído por su vida personal y desilusionado con su carrera, Brando empezó a ver la actuación como un medio para alcanzar un fin económico. Los críticos protestaron cuando empezó a aceptar papeles en películas que muchos consideraban por debajo de su talento, o le criticaron por no estar a la altura de los mejores papeles. Brando, que hasta entonces sólo había firmado contratos a corto plazo con estudios cinematográficos, firmó en 1961 un contrato de cinco películas con Universal Studios que le perseguiría durante el resto de la década. El americano feo (1963) fue la primera de estas películas. Basada en la novela de 1958 del mismo título que Pennebaker había adquirido, la película, en la que aparecía la hermana de Brando, Jocelyn, tuvo una acogida bastante positiva, pero murió en taquilla. Brando fue nominado a un Globo de Oro por su interpretación. Todas las demás películas de Brando para Universal durante este periodo, incluidas Bedtime Story (1964), The Appaloosa (1966), A Countess from Hong Kong (1967) y The Night of the Following Day (1969), también fueron fracasos comerciales y de crítica. La Condesa, en particular, fue una decepción para Brando, que esperaba trabajar con uno de sus héroes, el director Charlie Chaplin. La experiencia resultó infeliz; a Brando le horrorizaba el estilo didáctico de dirección de Chaplin y su enfoque autoritario. Brando también apareció en 1965 en el thriller de espionaje Morituri, que tampoco atrajo al público.

Brando reconoció su declive profesional, escribiendo más tarde: «Algunas de las películas que hice durante los años sesenta tuvieron éxito; otras no. Algunas, como La noche del día siguiente, las hice sólo por dinero; otras, como Candy, las hice porque un amigo me lo pidió y no quise rechazarlo… En cierto modo, considero mi madurez como los años de Fuck You». Candy fue especialmente espantosa para muchos; una película de farsa sexual de 1968 dirigida por Christian Marquand y basada en la novela de 1958 de Terry Southern, la película satiriza las historias pornográficas a través de las aventuras de su ingenua heroína, Candy, interpretada por Ewa Aulin. En general, se considera el punto más bajo de la carrera de Brando. The Washington Post observó: «La autoindulgencia de Brando durante una docena de años le está costando a él y a su público su talento». En el número de marzo de 1966 de The Atlantic, Pauline Kael escribió que en sus días de rebeldía, Brando «era antisocial porque sabía que la sociedad era una mierda; era un héroe para la juventud porque era lo bastante fuerte como para no aguantar la mierda», pero ahora Brando y otros como él se habían convertido en «bufones, burlándose descarada y patéticamente de su reputación pública». En una crítica anterior de The Appaloosa en 1966, Kael escribió que el actor estaba «atrapado en otro perro de película… No es la primera vez que el Sr. Brando nos ofrece una caricatura del solitario inarticulado e incondicional con los párpados pesados y la boca adenoideamente abierta». Aunque fingió indiferencia, a Brando le dolió el vapuleo de la crítica, y admitió en la película de 2015 Listen to Me Marlon: «Pueden pegarte todos los días y no tienes forma de defenderte. Fui muy convincente en mi pose de indiferencia, pero era muy sensible y me dolió mucho.»

Brando interpretó a un oficial del ejército gay reprimido en Reflejos en un ojo dorado, dirigida por John Huston y coprotagonizada por Elizabeth Taylor. El papel resultó ser uno de sus más aclamados en años, y Stanley Crouch se maravilló: «El principal logro de Brando fue retratar la taciturna pero estoica melancolía de los pulverizados por las circunstancias». En general, la película recibió críticas mixtas. Otra película notable fue The Chase (1966), que emparejó al actor con Arthur Penn, Robert Duvall, Jane Fonda y Robert Redford. La película trata temas como el racismo, la revolución sexual, la corrupción en las pequeñas ciudades y el vigilantismo. La película fue recibida mayoritariamente de forma positiva.

¡Brando citó Burn! (1969) como su película personal favorita de las que había hecho, escribiendo en su autobiografía: «Creo que hice algunas de las mejores interpretaciones que he hecho nunca en esa película, pero poca gente fue a verla». Brando dedicó un capítulo completo a la película en sus memorias, afirmando que el director, Gillo Pontecorvo, era el mejor director con el que había trabajado junto a Kazan y Bernardo Bertolucci. Brando también detalló sus enfrentamientos con Pontecorvo en el rodaje y cómo «casi nos matamos el uno al otro». Basada libremente en acontecimientos de la historia de Guadalupe, la película tuvo una acogida hostil por parte de la crítica. En 1971, Michael Winner le dirigió en la película británica de terror The Nightcomers, con Stephanie Beacham, Thora Hird, Harry Andrews y Anna Palk. Se trata de una precuela de La vuelta de tuerca, que más tarde se convirtió en la película de 1961 Los inocentes. La interpretación de Brando le valió una nominación al BAFTA al mejor actor, pero la película fue un fracaso de taquilla.

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El Padrino y El último tango en París

Durante la década de 1970, Brando era considerado «inbancable». Los críticos despreciaban cada vez más su trabajo y no aparecía en un éxito de taquilla desde Los jóvenes leones en 1958, el último año en que había figurado entre las diez estrellas más taquilleras y el año de su última nominación al Oscar, por Sayonara. La actuación de Brando como Vito Corleone, el «Don», en El Padrino (1972), la adaptación de Francis Ford Coppola de la novela homónima de Mario Puzo publicada en 1969, supuso un punto de inflexión en su carrera, le devolvió al Top Ten y le valió su segundo Oscar al Mejor Actor.

El jefe de producción de Paramount, Robert Evans, que había dado un anticipo a Puzo para que escribiera El Padrino y así Paramount poseyera los derechos cinematográficos, contrató a Coppola después de que muchos directores importantes hubieran rechazado la película. Evans quería un director italoamericano que pudiera dotar a la película de autenticidad cultural. Coppola también era barato. Evans era consciente de que la última película de Paramount sobre la mafia, La hermandad (1968), había sido un fracaso de taquilla, y creía que en parte se debía a que el director, Martin Ritt, y el protagonista, Kirk Douglas, eran judíos y la película carecía de un auténtico sabor italiano. En un principio, el estudio pretendía que la película fuera una producción de bajo presupuesto ambientada en la época contemporánea y sin actores importantes, pero el fenomenal éxito de la novela dio a Evans la influencia necesaria para convertir El Padrino en una película de prestigio.

John Marley (nominado al Oscar al mejor actor de reparto por Love Story, la exitosa película de Paramount de 1970, que interpretó al productor de cine Jack Woltz), el italoamericano Richard Conte (que interpretó a Don Emilio Barzini, el rival mortal de Don Corleone) y el productor de cine italiano Carlo Ponti. Coppola admitió en una entrevista de 1975: «Al final nos dimos cuenta de que teníamos que atraer al mejor actor del mundo. Así de sencillo. Eso se reducía a Laurence Olivier o Marlon Brando, que son los mejores actores del mundo». La copia holográfica de la lista de reparto de Coppola muestra el nombre de Brando subrayado.

Evans le dijo a Coppola que había estado pensando en Brando para el papel dos años antes, y Puzo se había imaginado a Brando en el papel cuando escribió la novela y de hecho le había escrito sobre el papel, así que Coppola y Evans lo redujeron a Brando. (Irónicamente, Olivier competiría con Brando por el Oscar al mejor actor por su papel en Sleuth. Superó a Brando en los premios del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York de 1972). Albert S. Ruddy, a quien Paramount encargó la producción de la película, estaba de acuerdo con la elección de Brando. Sin embargo, los ejecutivos del estudio Paramount se opusieron al casting de Brando debido a su reputación de difícil y a su larga serie de fracasos en taquilla. Brando también tenía en su contra One-Eyed Jacks, una producción problemática que hizo perder dinero a Paramount cuando se estrenó en 1961. El presidente de Paramount Pictures, Stanley Jaffe, le dijo a un exasperado Coppola: «Mientras yo sea presidente de este estudio, Marlon Brando no estará en esta película, y no le permitiré que siga hablando de ello».

Al final, Jaffe puso tres condiciones para contratar a Brando: Que aceptara unos honorarios muy por debajo de lo que solía cobrar; que aceptara la responsabilidad financiera de cualquier retraso en la producción que su comportamiento costara; y que se sometiera a una prueba de pantalla. Coppola convenció a Brando para que se sometiera a una prueba de «maquillaje» grabada en vídeo, en la que Brando se maquilló a sí mismo (utilizó bolas de algodón para simular las mejillas hinchadas del personaje). Coppola había temido que Brando fuera demasiado joven para interpretar al Don, pero quedó electrizado por la caracterización del actor como jefe de una familia criminal. Aun así, tuvo que luchar con el estudio para conseguir el papel del temperamental actor. El propio Brando tenía dudas, declarando en su autobiografía: «Nunca había interpretado a un italiano, y no creía que pudiera hacerlo con éxito». Finalmente, Charles Bluhdorn, presidente de la empresa matriz de Paramount, Gulf+Western, se convenció para que Brando interpretara el papel; cuando vio la prueba de pantalla, preguntó asombrado: «¿Qué estamos viendo? ¿Quién es este viejo guineano?». Brando fue contratado por un módico precio de 50.000 dólares, pero en su contrato se le asignaba un porcentaje de la recaudación según una escala móvil: 1% de la recaudación por cada 10 millones de dólares por encima de un umbral de 10 millones, hasta el 5% si la película superaba los 60 millones. Según Evans, Brando revendió sus puntos en la película por 100.000 dólares, ya que necesitaba fondos urgentemente. «Esos 100.000 dólares le costaron 11 millones», afirma Evans.

En una entrevista de 1994 que puede encontrarse en el sitio web de la Academy of Achievement, Coppola insistía: «El Padrino era una película muy poco apreciada cuando la estábamos haciendo. Estaban muy descontentos con ella. No les gustaba el reparto. No les gustaba cómo la rodaba. Siempre estaba a punto de ser despedido». Cuando Brando se enteró, amenazó con abandonar la película, y escribió en sus memorias: «Creo firmemente que los directores tienen derecho a la independencia y a la libertad para realizar su visión, aunque Francis dejó las caracterizaciones en nuestras manos y tuvimos que averiguar qué hacer». En una entrevista televisiva de 2010 con Larry King, Al Pacino también habló de cómo el apoyo de Brando le ayudó a mantener el papel de Michael Corleone en la película, a pesar de que Coppola quería despedirle. Pacino también explicó en la entrevista con Larry King que, aunque Coppola expresó su decepción por las primeras escenas de Pacino, no amenazó específicamente con despedirle; el propio Coppola se sentía presionado por los ejecutivos del estudio, desconcertados por la actuación de Pacino. En la misma entrevista, Pacino atribuye a Coppola el mérito de haberle conseguido el papel. Brando se portó muy bien durante el rodaje, animado por un reparto que incluía a Pacino, Robert Duvall, James Caan y Diane Keaton. En el artículo de Vanity Fair «The Godfather Wars», Mark Seal escribe: «Con los actores, como en la película, Brando ejerció de cabeza de familia. Rompió el hielo brindando por el grupo con una copa de vino». »Cuando éramos jóvenes, Brando era como el padrino de los actores», dice Robert Duvall. »Solía reunirme con Dustin Hoffman en Cromwell»s Drugstore, y si mencionábamos su nombre una vez, lo mencionábamos 25 veces en un día». Caan añade: »El primer día que conocimos a Brando todo el mundo estaba asombrado»».

La actuación de Brando fue elogiada por la crítica. «Pensé que sería interesante interpretar a un gángster, quizá por primera vez en el cine, que no fuera como esos tipos malos que interpretaba Edward G. Robinson, sino que fuera una especie de héroe, un hombre al que respetar», recordaba Brando en su autobiografía. «Además, como tenía tanto poder y una autoridad incuestionable, pensé que sería un contraste interesante interpretarlo como un hombre amable, a diferencia de Al Capone, que pegaba a la gente con bates de béisbol». Más tarde, Duvall declaró maravillado a A&E»s Biography: «Minimizó la sensación de principio. En otras palabras, restaba importancia a la palabra acción. Se ponía delante de la cámara igual que antes. ¡Corten! Todo era lo mismo. Realmente no había comienzo. Aprendí mucho viéndolo». Brando ganó el Oscar al Mejor Actor por su interpretación, pero lo rechazó, convirtiéndose en el segundo actor en rechazar un premio al Mejor Actor (después de George C. Scott por Patton). No asistió a la ceremonia de entrega, por lo que envió a la activista por los derechos de los indígenas estadounidenses Sacheen Littlefeather (que apareció vestida completamente de apache) para que diera las razones de Brando. Dijo que se debían al «trato que reciben hoy los indios americanos por parte de la industria cinematográfica… y en las reposiciones de televisión y cine y también con los recientes sucesos de Wounded Knee». En el momento de la ceremonia se estaba produciendo la ocupación de Wounded Knee en 1973. Brando había escrito un discurso para que lo leyera Littlefeather, pero, según explicó, no se le permitió por falta de tiempo. En el discurso escrito, Brando añadió que esperaba que su rechazo al Oscar se viera como «un esfuerzo sincero por centrar la atención en una cuestión que podría muy bien determinar si este país tiene o no derecho a decir a partir de este momento que creemos en los derechos inalienables de todas las personas a seguir siendo libres e independientes en tierras que han sustentado su vida más allá del recuerdo vivo».

El actor siguió a El Padrino con la película de Bernardo Bertolucci El último tango en París (1972), en la que actuó junto a Maria Schneider, pero la notable interpretación de Brando amenazó con verse eclipsada por el revuelo causado por el contenido sexual de la película. Brando interpreta a un reciente viudo estadounidense llamado Paul, que inicia una relación sexual anónima con una joven parisina prometida llamada Jeanne. Al igual que en películas anteriores, Brando se negó a memorizar sus diálogos para muchas escenas; en su lugar, escribió sus diálogos en tarjetas y las colocó por todo el plató para facilitar su consulta, dejando a Bertolucci el problema de mantenerlos fuera del encuadre. La película contiene varias escenas intensas y gráficas en las que interviene Brando, entre ellas la de Paul violando analmente a Jeanne utilizando mantequilla como lubricante, que supuestamente no fue consentida. La actriz confirmó que no hubo sexo real, pero se quejó de que no se le informó de lo que incluiría la escena hasta poco antes del rodaje.

Bertolucci también rodó una escena que mostraba los genitales de Brando, pero en 1973 explicó: «Me había identificado tanto con Brando que la corté por vergüenza a mí mismo. Mostrarle desnudo habría sido como mostrarme desnudo a mí». Schneider declaró en una entrevista que «Marlon dijo que se sentía violado y manipulado por ello y que tenía 48 años. Y era Marlon Brando!». Al igual que Schneider, Brando confirmó que el sexo fue simulado. Bertolucci dijo de Brando que era «un monstruo como actor y un encanto como ser humano». Brando se negó a hablar con Bertolucci durante 15 años después de que finalizara la producción. Bertolucci dijo:

Pensé que era como un diálogo en el que él respondía a mis preguntas. Al final de la película, cuando la vio, descubrí que se había dado cuenta de lo que estábamos haciendo, de que estaba transmitiendo gran parte de su propia experiencia. Y se enfadó mucho conmigo, y le dije: «Escucha, eres un adulto. Mayor que yo. ¿No te diste cuenta de lo que estabas haciendo?» Y no me habló durante años.

Sin embargo;

Le llamé un día del 93, creo, yo estaba en Los Ángeles y mi mujer rodaba una película. En primer lugar, contestó al teléfono y me hablaba como si nos hubiéramos visto un día antes. Me dijo: «Ven aquí». Le dije: «¿Cuándo?» Dijo: «Ahora». Recuerdo que conducía por Mulholland Drive hacia su casa y pensaba: «Creo que no lo conseguiré, creo que me estrellaré antes de…». Estaba tan emocionado.

En la película también se ve el furioso y emotivo enfrentamiento final de Paul con el cadáver de su esposa muerta. Sin embargo, la controvertida película fue un éxito y Brando entró por última vez en la lista de las diez estrellas más taquilleras. Su reparto le reportó 3 millones de dólares. Los miembros votantes de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas volvieron a nominar a Brando como Mejor Actor, su séptima nominación. Aunque Brando ganó los premios del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York en 1973, no asistió a la ceremonia ni envió a un representante a recoger el premio si ganaba.

Pauline Kael, en la crítica de The New Yorker, escribió: «El gran avance cinematográfico ha llegado por fin. Bertolucci y Brando han cambiado la faz de una forma de arte». Brando confesó en su autobiografía: «A día de hoy no puedo decir de qué iba Last Tango in Paris», y añadió que la película «me exigió un gran pulso emocional conmigo mismo, y cuando terminó, decidí que nunca más iba a destruirme emocionalmente para hacer una película».

En 1973, Brando quedó desolado por la muerte de su mejor amigo de la infancia, Wally Cox. Brando durmió con el pijama de Cox y arrancó sus cenizas a su viuda. Ella iba a demandar su devolución, pero finalmente dijo: «Creo que Marlon necesita las cenizas más que yo».

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Finales de los 70

En 1976, Brando apareció en The Missouri Breaks junto a su amigo Jack Nicholson. La película también reunió al actor con el director Arthur Penn. Como describe el biógrafo Stefan Kanfer, Penn tuvo dificultades para controlar a Brando, que parecía decidido a pasarse de la raya con su papel de rufián fronterizo convertido en asesino a sueldo Robert E. Lee Clayton: «Marlon lo convirtió en un psicópata travestido. Ausente durante la primera hora de la película, Clayton entra a caballo, colgado boca abajo, caparazonado con piel de ante blanca, al estilo de Littlefeather. Habla con acento irlandés sin motivo aparente. Durante la siguiente hora, también sin motivo aparente, Clayton adopta la entonación de un imbécil de la clase alta británica y de una anciana de la frontera, con un vestido de abuelita y un gorro a juego. Penn, que creía en dejar hacer a los actores, consintió a Marlon hasta el final». Los críticos no fueron amables, y The Observer calificó la interpretación de Brando como «una de las muestras más extravagantes de grandedamerie desde Sarah Bernhardt», mientras que The Sun se quejaba: «Marlon Brando, a sus cincuenta y dos años, tiene la barriga descuidada de un sesentón, el pelo blanco de un septuagenario y la falta de disciplina de un precoz niño de doce». Sin embargo, Kanfer señaló: «Aunque su obra tardía fue recibida con desaprobación, un nuevo examen demuestra que a menudo, en medio de la escena más pedestre, se producía un acontecimiento repentino y luminoso, un destello del viejo Marlon que demostraba lo capaz que seguía siendo».

En 1978, Brando narró la versión inglesa de Raoni, un documental franco-belga dirigido por Jean-Pierre Dutilleux y Luiz Carlos Saldanha que se centraba en la vida de Raoni Metuktire y en cuestiones relacionadas con la supervivencia de las tribus indígenas del centro-norte de Brasil. Brando interpretó a Jor-El, el padre de Superman, en la película de 1978 Superman. Aceptó el papel sólo con la seguridad de que se le pagaría una gran suma por lo que equivalía a un pequeño papel, que no tendría que leer el guión de antemano y que sus líneas se mostrarían en algún lugar fuera de cámara. En un documental incluido en la edición en DVD de Superman de 2001 se reveló que le pagaron 3,7 millones de dólares por dos semanas de trabajo. Brando también rodó escenas para la secuela de la película, Superman II, pero después de que los productores se negaran a pagarle el mismo porcentaje que recibió por la primera película, les denegó el permiso para utilizar el metraje. «Pedí mi porcentaje habitual», recuerda en sus memorias, «pero se negaron, y yo también». Sin embargo, tras la muerte de Brando, el metraje se reincorporó a la nueva versión de la película de 2006, Superman II: The Richard Donner Cut, y a la «secuela suelta» de 2006, Superman Returns, en la que se remasterizaron imágenes de archivo usadas y no usadas de él como Jor-El en las dos primeras películas de Superman para una escena en la Fortaleza de la Soledad, y se utilizó la voz en off de Brando en toda la película. En 1979, hizo una rara aparición en televisión en la miniserie Roots: The Next Generations, en la que interpreta a George Lincoln Rockwell; por su actuación ganó un premio Primetime Emmy al mejor actor de reparto en una miniserie o película.

Brando interpretó al coronel Walter E. Kurtz en la epopeya sobre Vietnam Apocalypse Now (1979), de Francis Ford Coppola. Interpreta a un condecorado oficial de las Fuerzas Especiales del Ejército de EE.UU. que se vuelve renegado y dirige su propia operación en Camboya, siendo temido tanto por los militares estadounidenses como por los vietnamitas. Brando cobró un millón de dólares a la semana por tres semanas de trabajo. La película llamó la atención por su larga y problemática producción, como el documental de Eleanor Coppola Hearts of Darkness: A Filmmaker»s Apocalypse de Eleanor Coppola: Brando llegó al rodaje con sobrepeso, Martin Sheen sufrió un infarto y el mal tiempo destruyó varios decorados caros. El estreno de la película también se pospuso varias veces mientras Coppola editaba millones de metros de metraje. En el documental, Coppola habla de lo asombrado que se quedó cuando un Brando con sobrepeso se presentó para sus escenas y, sintiéndose desesperado, decidió retratar a Kurtz, que aparece demacrado en la historia original, como un hombre que había mimado todos los aspectos de sí mismo. Coppola: «Ya pesaba mucho cuando le contraté y me prometió que se iba a poner en forma y yo me imaginé que, si pesaba, me vendría bien. Pero estaba tan gordo que era muy, muy tímido al respecto… Era muy, muy inflexible sobre cómo no quería retratarse a sí mismo de esa manera «. Brando admitió a Coppola que no había leído el libro El corazón de las tinieblas, como le había pedido el director, y ambos pasaron días explorando la historia y el personaje de Kurtz, para gran beneficio económico del actor, según el productor Fred Roos: «El reloj corría en este acuerdo que tenía y teníamos que terminarlo en tres semanas o entraríamos en un sobrecoste muy caro… Francis y Marlon hablaban del personaje y pasaban días enteros. Y esto es a instancias de Marlon… y aún así le pagan por ello».

Tras su estreno, Apocalypse Now fue aclamada por la crítica, al igual que la interpretación de Brando. Su susurro de las últimas palabras de Kurtz «¡El horror! El horror!», se ha hecho especialmente famoso. Roger Ebert, escribiendo en el Chicago Sun-Times, defendió el controvertido desenlace de la película, opinando que el final, «con los difusos y melancólicos monólogos de Brando y la violencia final, parece mucho más satisfactorio de lo que podría ser cualquier final convencional». Brando recibió unos honorarios de 2 millones de dólares, más el 10% del alquiler bruto en salas y el 10% de los derechos de venta en televisión, con lo que ganó unos 9 millones de dólares.

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Trabajos posteriores

Tras encarnar al magnate del petróleo Adam Steiffel en La fórmula (1980), que fue mal recibida por la crítica, Brando anunció su retirada de la actuación. Sin embargo, regresó en 1989 en A Dry White Season, basada en la novela de André Brink de 1979 contra el apartheid. Brando aceptó hacer la película gratis, pero se peleó con el director Euzhan Palcy por el montaje; incluso hizo una rara aparición en televisión en una entrevista con Connie Chung para expresar su desaprobación. En sus memorias, sostuvo que Palcy «había cortado la película tan mal, pensé, que el drama inherente a este conflicto era vago en el mejor de los casos». Brando recibió elogios por su interpretación, obteniendo una nominación al Oscar al Mejor Actor Secundario y ganando el Premio al Mejor Actor en el Festival de Cine de Tokio.

Brando obtuvo críticas entusiastas por su caricatura de su papel de Vito Corleone como Carmine Sabatini en El novato (1990). En su crítica original, Roger Ebert escribió: «Ha habido muchas películas en las que las estrellas han repetido los triunfos de sus papeles, pero ¿alguna estrella lo ha hecho de forma más triunfal que Marlon Brando en The Freshman?». Variety también alabó la interpretación de Brando como Sabatini y señaló: «La sublime interpretación cómica de Marlon Brando eleva a The Freshman de la comedia screwball a un peculiar nicho en la historia del cine.» Brando protagonizó junto a su amigo Johnny Depp el éxito de taquilla Don Juan DeMarco (1995), en la que también compartió créditos con la cantante Selena en su única aparición cinematográfica, y en la controvertida The Brave (1997) de Depp, que nunca se estrenó en Estados Unidos.

Actuaciones posteriores, como su aparición en Cristóbal Colón: El Descubrimiento (1992) (por la que fue nominado a un Raspberry como «Peor Actor de Reparto»), La Isla del Dr. Moreau (en la que ganó un Raspberry como «Peor Actor de Reparto») (1996), y su apenas reconocible aparición en Dinero Gratis (1998), le valieron algunas de las peores críticas de su carrera. El guionista de La isla del Dr. Moreau, Ron Hutchinson, diría más tarde en sus memorias, Clinging to the Iceberg: Writing for a Living on the Stage and in Hollywood (2017), que Brando saboteó la producción de la película al enemistarse y negarse a cooperar con sus colegas y el equipo de rodaje.

A diferencia de sus predecesoras inmediatas, la última película terminada de Brando, The Score (2001), fue recibida en general positivamente. En la película, en la que interpreta a un perista, actuó junto a Robert De Niro.

Tras la muerte de Brando, se publicó la novela Fan-Tan. Brando concibió la novela con el director Donald Cammell en 1979, pero no se publicó hasta 2005.

La notoriedad de Brando, su problemática vida familiar y su obesidad atrajeron más atención que su carrera como actor. Aumentó mucho de peso en la década de 1970; a principios y mediados de la década de 1990 pesaba más de 140 kg y padecía diabetes de tipo 2. A lo largo de su carrera tuvo fluctuaciones de peso que, en general, atribuyó a sus años de carrera. A lo largo de su carrera experimentó fluctuaciones de peso que, en general, atribuyó a sus años de comer en exceso por estrés seguidos de dietas compensatorias. También se ganó la reputación de ser difícil en el rodaje, a menudo incapaz de memorizar sus diálogos y menos interesado en seguir las indicaciones que en enfrentarse al director con exigencias extrañas. En sus últimos años también se atrevió con la innovación. Entre junio de 2002 y noviembre de 2004, la Oficina de Patentes y Marcas de EE.UU. emitió varias patentes a su nombre, todas ellas relacionadas con un método para tensar parches de batería (por ejemplo, la patente estadounidense 6.812.392).

En 2004, Brando grabó pistas de voz para el personaje Mrs. Sour en la película de animación inédita Big Bug Man. Este fue su último papel y su único papel como personaje femenino.

Amigo íntimo durante mucho tiempo del artista Michael Jackson, Brando visitaba regularmente su rancho Neverland, donde descansaba durante semanas. Brando también participó en los dos días de conciertos de celebración del 30 aniversario de la carrera en solitario del cantante, en 2001, y protagonizó su vídeo musical «You Rock My World», de 13 minutos de duración, ese mismo año.

El hijo del actor, Miko, fue guardaespaldas y asistente de Jackson durante varios años, y era amigo del cantante. «La última vez que mi padre salió de casa para ir a algún sitio, para pasar algún tipo de tiempo, fue con Michael Jackson», declaró Miko. «Le encantaba… Tenía un chef 24 horas, seguridad 24 horas, ayuda 24 horas, cocina 24 horas, servicio de limpieza 24 horas. Simplemente carta blanca». «Michael fue fundamental para ayudar a mi padre en los últimos años de su vida. Por eso siempre estaré en deuda con él. Papá tenía dificultades para respirar en sus últimos días, y estaba con oxígeno la mayor parte del tiempo. Le encantaba la naturaleza, así que Michael le invitaba a Neverland. Papá podía nombrar todos los árboles y las flores, pero al estar con oxígeno le resultaba difícil desplazarse y verlos todos, ya que era un lugar muy grande. Así que Michael le compró a papá un carrito de golf con un tanque de oxígeno portátil para que pudiera dar una vuelta y disfrutar de Nunca Jamás. Iban de un lado a otro: Michael Jackson, Marlon Brando, con un tanque de oxígeno en un carrito de golf». En abril de 2001, Brando fue hospitalizado con neumonía.

En 2004, Brando firmó un contrato con el director de cine tunecino Ridha Behi y comenzó la preproducción de un proyecto que se titularía Brando y Brando. Hasta una semana antes de su muerte, estaba trabajando en el guión en previsión de una película que se estrenaría en julio.

El 1 de julio de 2004, Brando murió de insuficiencia respiratoria por fibrosis pulmonar con insuficiencia cardiaca congestiva en el Centro Médico de la UCLA. En un principio se ocultó la causa de la muerte, alegando su abogado razones de privacidad. También padecía diabetes y cáncer de hígado. Poco antes de su muerte, y a pesar de necesitar una máscara de oxígeno para respirar, grabó su voz para aparecer en El Padrino: El Juego, una vez más como Don Vito Corleone. Sin embargo, Brando sólo grabó una línea debido a su estado de salud, y se contrató a un imitador para que terminara sus líneas. Su única línea grabada se incluyó en el juego final como homenaje al actor. Algunas líneas adicionales de su personaje se tomaron directamente de la película. Karl Malden, coprotagonista de Brando en tres películas (Un tranvía llamado deseo, On the Waterfront y One-Eyed Jacks), habló en un documental que acompaña al DVD de Un tranvía llamado deseo sobre una llamada telefónica que recibió de Brando poco antes de su muerte. Un angustiado Brando le dijo a Malden que no paraba de caerse. Malden quiso ir a verle, pero Brando se lo impidió diciéndole que no tenía sentido. Tres semanas después, Brando había muerto. Al parecer, poco antes de morir se negó a que le introdujeran tubos de oxígeno en los pulmones, lo que, según le dijeron, era la única forma de prolongar su vida.

Brando fue incinerado y sus cenizas se depositaron junto a las de su buen amigo Wally Cox y otro viejo amigo, Sam Gilman. Luego fueron esparcidas en parte en Tahití y en parte en el Valle de la Muerte. En 2007, se rodó una película biográfica de 165 minutos sobre Brando para Turner Classic Movies, Brando: The Documentary, producida por Mike Medavoy (albacea testamentario de Brando).

Brando era conocido por su tumultuosa vida personal y su gran número de parejas e hijos. Fue padre de al menos 11 hijos, tres de ellos adoptados. En 1976 declaró a un periodista francés: «La homosexualidad está tan de moda que ya no es noticia. Como un gran número de hombres, yo también he tenido experiencias homosexuales, y no me avergüenzo. Nunca he prestado mucha atención a lo que la gente piensa de mí. Pero si hay alguien que está convencido de que Jack Nicholson y yo somos amantes, que siga haciéndolo. Lo encuentro divertido».

En Songs My Mother Taught Me (Canciones que me enseñó mi madre), Brando escribió que conoció a Marilyn Monroe en una fiesta en la que ella tocaba el piano, sin que nadie se diera cuenta, que tuvieron una aventura y mantuvieron una relación intermitente durante muchos años, y que recibió una llamada telefónica de ella varios días antes de que muriera. También afirmó haber tenido otros muchos romances, aunque en su autobiografía no habló de sus matrimonios, sus esposas ni sus hijos.

Conoció a la actriz y bailarina nisei Reiko Sato a principios de la década de 1950. Aunque su relación se enfrió, siguieron siendo amigos durante el resto de la vida de Sato, que dividió su tiempo entre Los Ángeles y Tetiaroa en sus últimos años. En 1954, Dorothy Kilgallen informó de que eran pareja.

Brando quedó prendado de la actriz mexicana Katy Jurado tras verla en High Noon. Se conocieron cuando Brando rodaba Viva Zapata en México. Brando dijo a Joseph L. Mankiewicz que le atraían «sus ojos enigmáticos, negros como el infierno, apuntándote como flechas ardientes». Su primera cita se convirtió en el comienzo de un largo romance que duró muchos años y alcanzó su punto álgido cuando trabajaron juntos en One-Eyed Jacks (1960), película dirigida por Brando.

Brando conoció a la actriz Rita Moreno en 1954 e iniciaron una relación amorosa. Moreno reveló más tarde en sus memorias que, cuando se quedó embarazada de Brando, éste le preparó un aborto. Cuando el aborto fue un fracaso y Brando se enamoró de Tarita Teriipaia, Moreno intentó suicidarse con una sobredosis de somníferos de Brando. Años después de su ruptura, Moreno interpretó a su interés amoroso en la película La noche del día siguiente.

Brando se casó con la actriz Anna Kashfi en 1957. Kashfi nació en Calcuta y se trasladó a Gales desde la India en 1947. Es hija de un obrero siderúrgico galés de ascendencia irlandesa, William O»Callaghan, que había sido superintendente de los ferrocarriles estatales indios, y de su esposa galesa Phoebe. Sin embargo, en su libro Brando for Breakfast, Kashfi afirmó que era medio india y que O»Callaghan era su padrastro. Afirmaba que su padre biológico era indio y que ella era fruto de una «alianza no registrada» entre sus padres. Brando y Kashfi tuvieron un hijo, Christian Brando, el 11 de mayo de 1958; se divorciaron en 1959.

En 1960, Brando se casó con Movita Castaneda, una actriz mexicano-estadounidense; el matrimonio se anuló en 1968 tras descubrirse que su matrimonio anterior seguía activo. Castaneda había aparecido en la primera película de Motín en la Bounty en 1935, unos 27 años antes del remake de 1962 con Brando como Fletcher Christian. Tuvieron dos hijos juntos: Miko Castaneda Brando (nacido en 1961) y Rebecca Brando (nacida en 1966).

La actriz francesa Tarita Teriipaia, que interpretó al interés amoroso de Brando en Motín en la Bounty, se convirtió en su tercera esposa el 10 de agosto de 1962. Tenía 20 años, 18 menos que Brando, que estaba encantado con su ingenuidad. Como Teriipaia era francófona nativa, Brando llegó a dominar el idioma y concedió numerosas entrevistas en francés. Brando y Teriipaia tuvieron dos hijos: Simon Teihotu Brando (nacido en 1963) y Tarita Cheyenne Brando (1970-1995). Brando también adoptó a la hija de Teriipaia, Maimiti Brando (nacida en 1977) y a su sobrina, Raiatua Brando (nacida en 1982). Brando y Teriipaia se divorciaron en julio de 1972.

Tras la muerte de Brando, la hija de la actriz Cynthia Lynn afirmó que Brando había tenido un romance de corta duración con su madre, que aparecía con Brando en Bedtime Story, y que este romance dio lugar a su nacimiento en 1964. A finales de los sesenta y principios de los ochenta, Brando mantuvo una tormentosa y duradera relación con la actriz Jill Banner.

Brando mantuvo una larga relación con su ama de llaves María Cristina Ruiz, con la que tuvo tres hijos: Ninna Priscilla Brando (nacida el 13 de mayo de 1989), Myles Jonathan Brando (nacido el 16 de enero de 1992) y Timothy Gahan Brando (nacido el 6 de enero de 1994). Brando también adoptó a Petra Brando-Corval (nacida en 1972), hija de su asistente Caroline Barrett y del novelista James Clavell.

La estrecha amistad de Brando con Wally Cox fue objeto de rumores. Brando le dijo a un periodista: «Si Wally hubiera sido una mujer, me habría casado con él y habríamos vivido felices para siempre». Sin embargo, dos de las esposas de Cox rechazaron la sugerencia de que el amor fuera algo más que platónico.

El nieto de Brando, Tuki Brando (nacido en 1990), hijo de Cheyenne Brando, es modelo de moda. Entre sus numerosos nietos también figuran Prudence Brando y Shane Brando, hijos de Miko C. Brando; los hijos de Rebecca Brando; y los tres hijos de Teihotu Brando, entre otros.

Se ha dicho que Stephen Blackehart es hijo de Brando, pero Blackehart niega esta afirmación.

En 2018, Quincy Jones y Jennifer Lee afirmaron que Brando había mantenido una relación sexual con el cómico y actor de Superman III Richard Pryor. La hija de Pryor, Rain Pryor, rebatió posteriormente la afirmación.

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Estilo de vida

Brando se ganó la reputación de «chico malo» por sus arrebatos y payasadas en público. Según la revista Los Angeles, «Brando era el rock and roll antes de que nadie supiera lo que era el rock and roll». Su comportamiento durante el rodaje de Motín en la Bounty (1962) pareció reforzar su reputación de estrella difícil. Se le culpó de un cambio de director y de un presupuesto desorbitado, aunque él se desentendió de cualquier responsabilidad. El 12 de junio de 1973, Brando le rompió la mandíbula al paparazzo Ron Galella. Galella había seguido a Brando, que estaba acompañado por el presentador Dick Cavett, después de una grabación de The Dick Cavett Show en Nueva York. Pagó un acuerdo extrajudicial de 40.000 dólares y sufrió una infección en la mano. La siguiente vez que Galella fotografió a Brando, en una gala benéfica para la American Indians Development Association en 1974, llevaba un casco de fútbol americano.

El rodaje de Motín en la Bounty afectó profundamente a la vida de Brando, que se enamoró de Tahití y sus gentes. Compró un atolón de 12 islas, Tetiaroa, y en 1970 contrató a un joven arquitecto de Los Ángeles, Bernard Judge, ganador de varios premios, para que construyera allí su casa y su aldea natural sin expoliar el medio ambiente. Se creó un laboratorio medioambiental que protegía las aves marinas y las tortugas, y durante muchos años lo visitaron grupos de estudiantes. El huracán de 1983 destruyó muchas de las estructuras, incluido su complejo turístico. Un hotel con el nombre de Brando, The Brando Resort Brando era un radioaficionado activo, con los indicativos KE6PZH y FO5GJ (este último desde su isla). En los registros de la Comisión Federal de Comunicaciones (FCC) figuraba como Martin Brandeaux para preservar su intimidad.

En el episodio de A&E Biography sobre Brando, el biógrafo Peter Manso comenta: «Por un lado, ser una celebridad permitía a Marlon vengarse del mundo que tan profundamente le había herido, que tan profundamente le había marcado. Por otro lado, lo odiaba porque sabía que era falso y efímero». En el mismo programa, otro biógrafo, David Thomson, relata: «Muchísima gente que trabajó con él, y que llegó a trabajar con él con las mejores intenciones, se marchó desesperada diciendo que es un niño mimado. Hay que hacer las cosas a su manera o se va con una historia enorme sobre cómo fue agraviado, ofendido, y creo que eso encaja con el patrón psicológico de que era un niño agraviado».

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Activismo político

En 1946, Brando actuó en la obra sionista de Ben Hecht Ha nacido una bandera. Asistió a algunos actos de recaudación de fondos para John F. Kennedy en las elecciones presidenciales de 1960. En agosto de 1963, participó en la Marcha sobre Washington junto con otras celebridades como Harry Belafonte, James Garner, Charlton Heston, Burt Lancaster y Sidney Poitier. Junto con Paul Newman, Brando también participó en las marchas por la libertad. Brando apoyó a Lyndon B. Johnson en las elecciones presidenciales de 1964.

En otoño de 1967, Brando visitó Helsinki, Finlandia, en una fiesta benéfica organizada por UNICEF en el Teatro Municipal de Helsinki. La gala fue televisada en trece países. La visita de Brando se basó en la hambruna que había visto en Bihar, India, y presentó a la prensa y a los invitados la película que había rodado allí. Habló en favor de los derechos del niño y de la ayuda al desarrollo en los países en vías de desarrollo.

Tras el asesinato de Martin Luther King Jr. en 1968, Brando asumió uno de los compromisos más firmes en favor de la obra de King. Poco después de la muerte de King, anunció que renunciaba al papel protagonista de una importante película (The Arrangement) (1969), cuya producción estaba a punto de comenzar, para dedicarse al movimiento por los derechos civiles. «Sentí que era mejor ir a descubrir dónde está, qué es ser negro en este país, de qué va todo este furor», dijo Brando en el programa de entrevistas nocturno de la ABC Joey Bishop Show. En el episodio biográfico de A&E sobre Brando, el actor y coprotagonista Martin Sheen afirma: «Nunca olvidaré la noche en que dispararon al reverendo King y puse las noticias y Marlon estaba paseando por Harlem con el alcalde Lindsay. Y había francotiradores y muchos disturbios y él seguía caminando y hablando por esos barrios con el alcalde Lindsay. Fue uno de los actos de coraje más increíbles que vi, y significó mucho e hizo mucho».

La participación de Brando en el movimiento por los derechos civiles comenzó mucho antes de la muerte de King. A principios de la década de 1960, aportó miles de dólares a la Southern Christian Leadership Conference (S.C.L.C.) y a un fondo de becas creado para los hijos del líder del N.A.A.C.P. de Mississippi asesinado, Medgar Evers. En 1964, Brando fue detenido en un «fish-in» celebrado para protestar por la ruptura de un tratado que había prometido a los nativos americanos derechos de pesca en Puget Sound. Para entonces, Brando ya había participado en películas que transmitían mensajes sobre los derechos humanos: Sayonara, que abordaba el romance interracial, y The Ugly American, que describía la conducta de los funcionarios estadounidenses en el extranjero y sus efectos nocivos en los ciudadanos de otros países. Durante un tiempo, también donó dinero al Partido de las Panteras Negras y se consideraba amigo de su fundador, Bobby Seale. También pronunció un panegírico tras el asesinato de Bobby Hutton a manos de la policía. Brando puso fin a su apoyo financiero al grupo por su percepción de su creciente radicalización, concretamente por un pasaje de un panfleto de los Panteras publicado por Eldridge Cleaver en el que se abogaba por la violencia indiscriminada, «por la Revolución».

Brando también era partidario del Movimiento Indio Americano. En la ceremonia de entrega de los premios de la Academia de 1973, Brando se negó a aceptar el Oscar por su actuación en El Padrino. Sacheen Littlefeather le representó en la ceremonia. Apareció vestida de apache y declaró que, debido al «mal trato que reciben los nativos americanos en la industria cinematográfica», Brando no aceptaría el premio. Esto ocurrió mientras continuaba el enfrentamiento en Wounded Knee. El acontecimiento acaparó la atención de los medios de comunicación estadounidenses y de todo el mundo. Sus partidarios y participantes lo consideraron un acontecimiento importante y una victoria para el movimiento.

Al margen de su trabajo cinematográfico, Brando compareció ante la Asamblea de California en apoyo de una ley de vivienda justa y se unió personalmente a los piquetes en las manifestaciones de protesta contra la discriminación en las urbanizaciones en 1963.

También fue un activista contra el apartheid. En 1964, favoreció el boicot de sus películas en Sudáfrica para evitar que se proyectaran ante un público segregado. En 1975 participó en una manifestación de protesta contra las inversiones estadounidenses en Sudáfrica y por la liberación de Nelson Mandela. En 1989, Brando también protagonizó la película A Dry White Season, basada en la novela homónima de André Brink.

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Comentarios sobre los judíos y Hollywood

En una entrevista en la revista Playboy en enero de 1979, Brando dijo: «Se ha mancillado a todas las razas, pero nunca se ha visto una imagen de un judío porque los judíos estaban muy atentos a ello, y con razón. Nunca permitieron que se mostrara en pantalla. Los judíos han hecho tanto por el mundo que, supongo, te sientes más decepcionado porque no prestaron atención a eso».

Brando hizo un comentario similar en Larry King Live en abril de 1996, diciendo:

Hollywood está dirigido por judíos; es propiedad de judíos, y deberían tener una mayor sensibilidad sobre el tema de la gente que sufre. Porque han explotado… hemos visto al negro y al bola de grasa, hemos visto al chino, hemos visto al peligroso japonés de ojos rasgados, hemos visto al astuto filipino, hemos visto de todo, pero nunca vimos al judío. Porque ellos sabían perfectamente, que ahí es donde se juntan los carros.

Larry King, que era judío, replicó: «Cuando dices… cuando dices algo así, le estás haciendo el juego a la gente antisemita que dice que los judíos son…» Brando interrumpió: «No, no, porque seré el primero en valorar a los judíos honestamente y decir »Gracias a Dios por los judíos»».

Jay Kanter, agente, productor y amigo de Brando, le defendió en Daily Variety: «Marlon me ha hablado durante horas de su afición por el pueblo judío, y es un conocido partidario de Israel». Del mismo modo, Louie Kemp, en su artículo para Jewish Journal, escribió: «Puede que le recuerden como Don Vito Corleone, Stanley Kowalski o el inquietante coronel Walter E. Kurtz en »Apocalypse Now», pero yo recuerdo a Marlon Brando como un mensch y un amigo personal del pueblo judío cuando más lo necesitaba».

Brando fue uno de los actores más respetados de la posguerra. El American Film Institute lo considera la cuarta mayor estrella masculina cuyo debut en la pantalla se produjo antes o durante 1950 (ocurrió en 1950). Se ganó el respeto de la crítica por sus memorables interpretaciones y su carismática presencia en pantalla. Contribuyó a popularizar el «método de actuación». Se le considera uno de los mejores actores de cine del siglo XX.

La Enciclopedia Británica lo describe como «el más célebre de los actores del método, y su forma de hablar, entre dientes, marcó su rechazo de la formación dramática clásica. Sus interpretaciones verdaderas y apasionadas le convirtieron en uno de los mejores actores de su generación». También se señala la aparente paradoja de su talento: «Se le considera el actor más influyente de su generación, aunque su abierto desdén por la profesión de actor… a menudo se manifestaba en forma de elecciones cuestionables e interpretaciones poco inspiradas. Sin embargo, sigue siendo una presencia fascinante en la pantalla, con una amplia gama emocional y un sinfín de idiosincrasias compulsivamente observables».

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Influencia cultural

Marlon Brando es un icono cultural con una popularidad duradera. Su ascenso a la fama nacional en la década de 1950 tuvo un profundo efecto en la cultura estadounidense. Según la crítica de cine Pauline Kael, «Brando representaba una reacción contra la manía de seguridad de la posguerra. Como protagonista, el Brando de principios de los cincuenta no tenía código, sólo sus instintos. Era una evolución del líder gángster y del forajido. Era antisocial porque sabía que la sociedad era una mierda; era un héroe para la juventud porque era lo bastante fuerte como para no aceptar la mierda … Brando representaba una versión contemporánea del americano libre … Brando sigue siendo el actor estadounidense más apasionante de la pantalla». La socióloga Dra. Suzanne McDonald-Walker afirma: «Marlon Brando, con chaqueta de cuero, vaqueros y mirada malhumorada, se convirtió en un icono cultural que resumía »la carretera» en toda su gloria inconformista». Su interpretación del líder de la banda Johnny Strabler en The Wild One se ha convertido en una imagen icónica, utilizada tanto como símbolo de rebeldía como accesorio de moda que incluye una chaqueta de motociclista estilo Perfecto, una gorra ladeada, vaqueros y gafas de sol. El corte de pelo de Johnny inspiró la moda de las patillas, que siguieron James Dean y Elvis Presley, entre otros. Dean copió ampliamente el estilo de actuación de Brando y Presley utilizó la imagen de Brando como modelo para su papel en Jailhouse Rock. La escena «I coulda been a contender» de On the Waterfront, según el autor de Brooklyn Boomer, Martin H. Levinson, es «una de las escenas más famosas de la historia del cine, y la frase en sí se ha convertido en parte del léxico cultural de Estados Unidos». Un ejemplo de la perdurabilidad de la popular imagen de Brando en «Wild One» fue el lanzamiento en 2009 de réplicas de la chaqueta de cuero que llevaba el personaje de Brando, Johnny Strabler. Las chaquetas fueron comercializadas por Triumph, el fabricante de las motocicletas Triumph Thunderbird que aparecen en The Wild One, y tenían licencia oficial del patrimonio de Brando.

Brando también era considerado un símbolo sexual masculino. Linda Williams escribe: «Marlon Brando, el símbolo sexual masculino estadounidense por excelencia de finales de los cincuenta y principios de los sesenta». Brando fue uno de los primeros iconos lésbicos que, junto con James Dean, influyeron en el look y la imagen de sí misma de las marimachos en los años cincuenta y posteriores.

Brando también ha sido inmortalizado en la música; en particular, se le menciona en la letra de «It»s Hard to Be a Saint in the City» de Bruce Springsteen, en la que una de las primeras líneas dice «I could walk like Brando right in to the sun» («Podría caminar como Brando hasta el sol»), y en «Pocahontas» de Neil Young como homenaje a su apoyo a los nativos americanos durante toda su vida y en la que aparece sentado junto al fuego con Neil y Pocahontas. También se le menciona en «Vogue» de Madonna, «Is This What You Wanted» de Leonard Cohen en el álbum New Skin for the Old Ceremony, «Eyeless» de Slipknot en su álbum homónimo y, más recientemente, en la canción titulada simplemente «Marlon Brando» del álbum de 2017 Forced Witness del cantante australiano Alex Cameron. La canción de Bob Dylan de 2020 «My Own Version of You» hace referencia a una de sus actuaciones más famosas en la frase: «I»ll take the Scarface Pacino and the Godfather Brando…».

También es uno de los muchos rostros que aparecen en la portada del álbum de The Beatles «Sgt Pepper»s Lonely Hearts Club Band», justo encima del modelo de cera de Ringo Starr.

Las películas de Brando, junto con las de James Dean, hicieron que Honda se adelantara con sus anuncios «You Meet the Nicest People on a Honda», para frenar la asociación negativa que las motocicletas habían adquirido con rebeldes y forajidos.

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Puntos de vista sobre la actuación

En su autobiografía Songs My Mother Taught Me (Canciones que me enseñó mi madre), Brando observó:

Siempre he pensado que una de las ventajas de la interpretación es que da a los actores la oportunidad de expresar sentimientos que normalmente no pueden desahogar en la vida real. Las emociones intensas que uno lleva dentro pueden salir humeantes por la nuca, y supongo que en términos de psicodrama esto puede ser útil. En retrospectiva, supongo que mi inseguridad emocional de niño -las frustraciones de que no me dejaran ser quien era, de querer amor y no poder conseguirlo, de darme cuenta de que no valía nada- puede haberme ayudado como actor, al menos en cierta medida. Probablemente me dio una intensidad que la mayoría de la gente no tiene.

También confesó que, aunque sentía una gran admiración por el teatro, no volvió a él tras su éxito inicial principalmente porque el trabajo le dejaba agotado emocionalmente:

Lo que más recuerdo de Un tranvía llamado deseo es la dureza emocional de actuar en ella seis noches y dos tardes. Trate de imaginar lo que era salir al escenario a las 8:30 cada noche teniendo que gritar, chillar, llorar, romper platos, dar patadas a los muebles, dar puñetazos a las paredes y experimentar las mismas emociones intensas y desgarradoras noche tras noche, tratando cada vez de evocar en el público las mismas emociones que yo sentía. Era agotador.

Brando atribuyó en repetidas ocasiones a Stella Adler y a su conocimiento de la técnica interpretativa de Stanislavski el mérito de aportar realismo al cine estadounidense, pero también añadió:

Esta escuela de interpretación sirvió bien al teatro y al cine estadounidenses, pero era restrictiva. El teatro estadounidense nunca ha sido capaz de presentar Shakespeare o un drama clásico de ningún tipo de forma satisfactoria. Sencillamente, no tenemos el estilo, la consideración por la lengua o la disposición cultural… En Shakespeare no se puede murmurar. No se puede improvisar y hay que ceñirse estrictamente al texto. El teatro inglés tiene un sentido del lenguaje que nosotros no reconocemos … En Estados Unidos, la lengua inglesa se ha convertido casi en un patois.

En el documental de 2015 Listen to Me Marlon, Brando compartió sus pensamientos sobre interpretar una escena de muerte, declarando: «Es una escena difícil de interpretar. Tienes que hacerles creer que te estás muriendo… Intenta pensar en el momento más íntimo que hayas tenido en tu vida». Sus actores favoritos eran Spencer Tracy, John Barrymore, Fredric March, James Cagney y Paul Muni. También mostró admiración por Sean Penn, Jack Nicholson, Johnny Depp y Daniel Day-Lewis.

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Legado financiero

A su muerte en 2004, Brando dejó un patrimonio valorado en 21,6 millones de dólares. Según Forbes, en 2005 su patrimonio aún rondaba los 9 millones de dólares, y ese año la revista lo nombró una de las celebridades fallecidas con más ingresos del mundo.

En diciembre de 2019, el Rolex GMT Master Ref. 1675 que Brando lució en Apocalypse Now, la película épica de Francis Ford Coppola sobre la guerra de Vietnam, se anunció que se vendería en una subasta, con un precio previsto de hasta un millón de dólares.

El American Film Institute nombró a Brando la cuarta mayor estrella masculina cuyo debut en la pantalla se produjo antes o durante 1950, y la revista TIME lo incluyó en su lista Time 100: The Most Important People of the Century. También fue nombrado uno de los 10 «Iconos del siglo» por la revista Variety.

Notas

Citas

Bibliografía

Fuentes

1. Marlon Brando
2. Marlon Brando
3. ^ a b Sancton, Julian. «Thou Shalt Not Take Marlon Brando»s Name in Vain.» Archived July 13, 2016, at the Wayback Machine. Vanity Fair, April 20, 2009. Retrieved December 23, 2017.
4. ^ a b Barnes, Mike. «Anna Kashfi, Actress and First Wife of Marlon Brando, Dies at 80.» Archived December 24, 2017, at the Wayback Machine. The Hollywood Reporter, August 25, 2015. Retrieved December 23, 2017.
5. ^ Schulberg, Budd. «Marlon Brando: The King Who Would Be Man». The Hive. Archived from the original on June 23, 2017. Retrieved August 16, 2017.
6. ^ Jones, Dylan (August 14, 2014). Elvis Has Left the Building: The Day the King Died. The Overlook Press. ISBN 9781468310429. Archived from the original on August 5, 2020. Retrieved November 12, 2016.
7. Liste der Filmpreise für Marlon Brando auf imdb.com
8. Genealogies of some of the Old Dutch Families of Greene County (Memento vom 4. Juli 2007 im Internet Archive); New England Historic Genealogical Society (Memento vom 22. November 2005 im Internet Archive); nach anderen Quellen, z. B. Manso, stammten die Vorfahren aus dem Elsass
9. Manso, S. 1–19
10. St. James Encyclopedia of Popular Culture
11. ^ a b c Marlon Brando – La rinascita della recitazione moderna