Michael Curtiz

Dimitris Stamatios | enero 11, 2023

Resumen

Michael Curtiz (24 de diciembre de 1886 – 10 de abril de 1962) fue un director de cine húngaro-estadounidense, reconocido como uno de los directores más prolíficos de la historia: 67 Dirigió películas clásicas de la era muda y otras muchas durante la Edad de Oro de Hollywood, cuando prevalecía el sistema de estudios. la Edad de Oro de Hollywood, cuando prevalecía el sistema de estudios.

Curtiz ya era un director muy conocido en Europa cuando Warner Bros. le invitó a Hollywood en 1926, cuando tenía 39 años. Ya había dirigido 64 películas en Europa, y pronto ayudó a Warner Bros. a convertirse en el estudio cinematográfico de mayor crecimiento. Dirigió 102 películas durante su carrera en Hollywood, la mayoría en Warners, donde dirigió a diez actores nominados al Oscar. James Cagney y Joan Crawford ganaron su único Oscar bajo la dirección de Curtiz. Puso en pantalla por primera vez a Doris Day y John Garfield, y convirtió en estrellas a Errol Flynn, Olivia de Havilland y Bette Davis. Él mismo fue nominado cinco veces y ganó dos, una como mejor cortometraje por Hijos de la libertad y otra como mejor director por Casablanca.

Curtiz fue uno de los que introdujeron en Hollywood un estilo visual que utilizaba una iluminación artística, movimientos de cámara amplios y fluidos, planos con grúa y ángulos de cámara inusuales. Era versátil y podía manejar cualquier género cinematográfico: melodrama, comedia, historia de amor, cine negro, musical, historia bélica, western, terror o epopeya histórica. Siempre prestó atención al aspecto humano de cada historia, afirmando que «los problemas humanos y fundamentales de la gente real» eran la base de todo buen drama.

Curtiz contribuyó a popularizar el clásico de espadachines con películas como Capitán Blood (1935) y Las aventuras de Robin Hood (1938). Dirigió muchos otros dramas considerados clásicos: Ángeles con caras sucias (1938), El lobo de mar (1941), Casablanca (1942) y Mildred Pierce (1945). Dirigió importantes musicales, como Yankee Doodle Dandy (1942), This Is the Army (1943) y White Christmas (1954), y realizó comedias con Life With Father (1947) y We»re No Angels (1955).

Curtiz nació como Manó Kaminer en el seno de una familia judía de Budapest en 1886, donde su padre era carpintero y su madre cantante de ópera. En 1905, cambió su nombre húngaro por el de Mihály Kertész. Curtiz tuvo una educación de clase media baja. En una entrevista recordó que su familia vivía en un estrecho apartamento, donde tenía que compartir una pequeña habitación con sus dos hermanos y una hermana. «Muchas veces pasamos hambre», añadió: 20

Tras terminar el bachillerato, estudió en la Universidad de Markoszy, seguida de la Real Academia de Teatro y Arte de Budapest, antes de iniciar su carrera.

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Actor

Curtiz se sintió atraído por el teatro cuando era niño en Hungría. Cuando tenía 8 años, construyó un pequeño teatro en el sótano de su casa familiar, donde él y cinco de sus amigos representaban obras. Montaban el escenario, con decorados y atrezzo, y Curtiz las dirigía.

Después de graduarse en la universidad a los 19 años, aceptó un trabajo como actor en una compañía de teatro ambulante, donde empezó a trabajar como uno de sus actores ambulantes. De ese trabajo pasó a ser pantomímico en un circo durante un tiempo, pero luego volvió a unirse a otro grupo de actores ambulantes durante unos años más. Representaban obras de Ibsen y Shakespeare en varios idiomas, según el país en el que estuvieran. Actuaron por toda Europa, incluyendo Francia, Hungría, Italia y Alemania, y llegó a aprender cinco idiomas. Tenía varias responsabilidades:

Teníamos que hacer de todo: carteles, imprimir programas, decorar, arreglar el vestuario y, a veces, incluso colocar las sillas en los auditorios. A veces viajábamos en tren, a veces en diligencia, a veces a caballo. A veces actuábamos en ayuntamientos, a veces en pequeños restaurantes sin ningún tipo de decorado. A veces dábamos espectáculos al aire libre. Aquellos actores ambulantes eran las personas más bondadosas que he conocido. Hacían cualquier cosa por los demás.

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Director

Trabajó como Mihály Kertész en el Teatro Nacional Húngaro en 1912: 5 y fue miembro del equipo húngaro de esgrima en los Juegos Olímpicos de Estocolmo. Kertész dirigió el primer largometraje húngaro, Hoy y mañana (Ma és holnap, 1912), en el que también tuvo un papel protagonista. Le siguió otra película, El último bohemio (Az utolsó bohém, también de 1912)…:  163

Curtiz empezó a vivir en varias ciudades de Europa para trabajar en películas mudas en 1913. Primero fue a estudiar al estudio Nordisk de Dinamarca, lo que le llevó a trabajar como actor y ayudante de dirección de August Blom en el primer largometraje danés de varios rollos, Atlantis (1913).

Tras el comienzo de la Primera Guerra Mundial en 1914, regresó a Hungría, donde sirvió en el ejército durante un año, antes de ser herido luchando en el frente ruso. Curtiz escribió sobre ese periodo:

La embriagadora alegría de vivir se había interrumpido, el mundo se había vuelto loco… Nos enseñaron a matar. Fui reclutado en el Ejército del Emperador … Después ocurrieron muchas cosas: destrucción, miles de personas silenciadas para siempre, lisiadas o enviadas a tumbas anónimas. Luego vino el colapso . El destino me había perdonado: 22

Se le asignó la realización de documentales para recaudar fondos para la Cruz Roja en Hungría. En 1917, fue nombrado director de producción de Phoenix Films, el principal estudio de Budapest, donde permaneció hasta que abandonó Hungría: 173. Sin embargo, ninguna de las películas que dirigió allí se conserva intacta, y la mayoría se han perdido por completo: 173.

En 1918 se había convertido en uno de los directores más importantes de Hungría, habiendo dirigido para entonces unas 45 películas.. 163  163 Sin embargo, tras el final de la guerra, en 1919, el nuevo gobierno comunista nacionalizó la industria cinematográfica, por lo que decidió regresar a Viena para dirigir películas allí.

Curtiz trabajó brevemente en UFA GmbH, una empresa cinematográfica alemana, donde aprendió a dirigir grandes grupos de figurantes disfrazados, así como a utilizar tramas complicadas, ritmos rápidos y temas románticos. Su carrera comenzó realmente gracias a su trabajo para el conde Alexander Kolowrat (conocido como Sascha), con quien realizó al menos 21 películas para el estudio cinematográfico del conde, Sascha Films. Curtiz escribió más tarde que en Sascha «aprendió las leyes básicas del arte cinematográfico, que, en aquellos días, había progresado más en Viena que en ningún otro lugar»:  173

Entre las películas que dirigió figuran epopeyas bíblicas como Sodoma y Gomorra (1922) y Die Sklavenkönigin (1924) (titulada Luna de Israel en Estados Unidos). También realizó Tacones rojos (1925) y La mariposa de oro (1926), y en una ocasión dirigió a Greta Garbo, de 14 años, en Suecia. Durante este periodo, tendió a especializarse en la dirección de dos tipos de películas, comedias ligeras y sofisticadas o espectáculos históricos:  173 Lanzó la carrera de Lucy Doraine, que llegó a convertirse en una estrella internacional, así como la de Lili Damita, que más tarde se casó con Errol Flynn.: 173

La luna de Israel (1924) era un espectáculo sobre la esclavitud de los hijos de Israel y su milagrosa liberación a través del Mar Rojo. Rodada en Viena con un reparto de 5.000 personas, su tema era la historia de amor entre una doncella israelita y un príncipe egipcio. 163 Paramount Pictures compró los derechos de la película para competir con Los diez mandamientos, de Cecil B. DeMille. Sin embargo, La luna de Israel llamó la atención de Jack y Harry Warner, y Harry viajó a Europa en 1926 sólo para conocer a Curtiz y verle trabajar como director.

A la Warner le impresionó que Curtiz hubiera desarrollado un estilo visual único, muy influido por el expresionismo alemán, con planos altos de grúa y ángulos de cámara inusuales. La película también demostró que a Curtiz le gustaba incluir el melodrama romántico «frente a acontecimientos de gran importancia histórica, por conducir a sus personajes a crisis y obligarles a tomar decisiones morales», según Rosenzweig.:  136 Ofreció a Curtiz un contrato como director en su nuevo estudio cinematográfico de Hollywood, Warner Bros, donde dirigiría una epopeya similar que se había planeado, El arca de Noé (1928). Cuando Curtiz aceptó la oferta de Warner, ya era un director prolífico, que había realizado 64 películas en países como Hungría, Austria y Dinamarca.: 3

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1920s

Curtiz llegó a Estados Unidos en el verano de 1926: 63 años y empezó a dirigir en Warner Bros. con el nombre anglicismo de Michael Curtiz. Durante lo que fue un periodo de 28 años en Warner Bros. dirigió 86 películas, entre ellas su mejor obra.

Aunque era un cineasta experimentado, ya con 38 años, la Warners le asignó la dirección de una serie de películas de calidad media para iniciarle, la primera de las cuales fue El tercer grado (1926). Curtiz utilizó una técnica de cámara única, visible en los dramáticos ángulos de cámara, en un estilo que un crítico suponía que otros directores envidiarían.

Sin embargo, aprender inglés rápidamente fue un obstáculo inmediato, ya que no tenía tiempo libre. Cuando Jack Warner le dio la película para que la dirigiera, Curtiz recuerda: «No sabía hablar ni una palabra de inglés». Era una historia romántica sobre la vida en la cárcel y los gángsters de Chicago, un lugar en el que nunca había estado, sobre personajes del hampa estadounidense que nunca había conocido.

Para adquirir experiencia directa sobre el tema, Curtiz convenció al sheriff de Los Ángeles para que le dejara pasar una semana en la cárcel. «Cuando salí, sabía lo que necesitaba para la película».

Curtiz creía firmemente que había que investigar primero el trasfondo de cada historia y hacerlo a fondo antes de empezar una película. Decía que siempre que alguien le preguntaba cómo él, un extranjero, podía hacer películas americanas, les decía: «los seres humanos son iguales en todo el mundo. Las emociones humanas son internacionales». Trató sus primeras películas en Estados Unidos como experiencias de aprendizaje:

Lo único que es diferente en las distintas partes del mundo son las costumbres… Pero esas costumbres son fáciles de averiguar si sabes leer e investigar. En el centro hay una buena biblioteca pública. Allí puedes abrir un libro y averiguar cualquier cosa que quieras saber.

Aunque la barrera del idioma dificultaba la comunicación con el reparto y el equipo, siguió invirtiendo tiempo en la preparación. Antes de dirigir su primer western, por ejemplo, pasó tres semanas leyendo sobre la historia de Texas y la vida de sus hombres importantes. Consideró necesario seguir estudiando tan intensamente la cultura y las costumbres estadounidenses para preparar la mayoría de los demás géneros cinematográficos. Pero estaba bastante satisfecho en Hollywood:

Es espléndido trabajar en este país. Uno tiene todo a mano para trabajar. El director no tiene que preocuparse más que de sus ideas. Puede concentrarse en ellas sin preocuparse de su producción.

The Third Degree (1926), disponible en la Biblioteca del Congreso, hizo buen uso de la experiencia de Curtiz en el uso de cámaras en movimiento para crear escenas expresionistas, como una secuencia rodada desde la perspectiva de una bala en movimiento. Fue la primera de las ocho películas de Curtiz protagonizadas por Dolores Costello.

Warner Bros. hizo que Curtiz dirigiera otras tres historias mediocres para asegurarse de que podía asumir proyectos de mayor envergadura, tiempo durante el cual pudo familiarizarse con sus métodos y trabajar con los técnicos, incluidos los cámaras, que utilizaría en producciones posteriores…»:  137 Como explica su biógrafo James C. Robertson, «en cada caso, Curtiz se esforzó valientemente, pero sin éxito, por revitalizar unos guiones poco convincentes mediante un espectacular trabajo de cámara y unas sólidas interpretaciones centrales, las características más notables de todas esas películas»:  137

En una visita a Hollywood en 1927, Ilya Tolstoi, hijo de León Tolstoi, que había sido amigo de Curtiz en Europa, quiso que dirigiera varias películas basadas en las novelas de su padre. Eligió a Curtiz porque ya conocía el lugar y sus gentes. Durante este periodo, Warner Bros. empezó a experimentar con películas sonoras. Le asignaron a Curtiz la dirección de dos películas parcialmente mudas y parcialmente sonoras: Tenderloin (1928) y Noah»s Ark (1928), ambas también protagonizadas por Costello.

El Arca de Noé incluía dos historias paralelas, una que narraba el diluvio bíblico y otra un romance de la época de la Primera Guerra Mundial. Fue la primera película épica de la Warner Bros. y, al encargar la producción a Curtiz, esperaban asegurar su éxito. La secuencia culminante de la inundación se consideró «espectacular» en su momento, observó el historiador Richard Schickel,: 31 mientras que el biógrafo James C. Robertson dijo que era «uno de los incidentes más espectaculares de la historia del cine»:  16 Su reparto estaba formado por más de 10.000 extras. Sin embargo, la reedición de la película en 1957 recortó una hora de la duración original de 2 horas y 15 minutos. La historia fue una adaptación escrita por Bess Meredyth, que se casó con Curtiz unos años más tarde.

El éxito de crítica de estas películas de Curtiz contribuyó a que Warner Bros se convirtiera en el estudio de mayor crecimiento de Hollywood.

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1930s

En 1930, Curtiz dirigió Mammy (1930), la cuarta película de Al Jolson tras haber participado en la primera película verdaderamente sonora de Hollywood, The Jazz Singer (1927). Durante la década de 1930, Curtiz dirigió al menos cuatro películas cada año.

Aunque se trata de proyectos poco habituales para Warner Bros, Curtiz dirigió dos películas de terror para el estudio, Doctor X (1932) y El misterio del museo de cera (1933), ambas en el primer Technicolor, con numerosas escenas atmosféricas rodadas en el solar trasero del estudio.

Otra película que supuso un gran avance fue 20.000 años en Sing Sing (1932), protagonizada por los entonces poco conocidos actores Spencer Tracy y Bette Davis en una de sus primeras películas. Louis B. Mayer, director de MGM, vio la película y quedó tan impresionado por la interpretación de Tracy que lo contrató para formar parte de la nómina de estrellas de MGM: 221

La carrera estadounidense de Curtiz no despegó realmente hasta 1935: 63 A principios de los años treinta, Warner Bros. luchaba por competir con la mayor MGM, que estrenaba dramas costumbristas como La reina Cristina (1933), con Greta Garbo, La isla del tesoro (1934), con Wallace Beery, y El conde de Montecristo (1934), por lo que decidieron arriesgarse y producir su propio drama costumbrista.

Hasta entonces, era un género en el que Warners había asumido que nunca podría tener éxito, debido a sus elevados presupuestos de producción, durante los años de la Gran Depresión. Sin embargo, en marzo de 1935, Warners anunció que produciría Capitán Blood (1935), un drama de acción y espadachines basado en la novela de Rafael Sabatini y dirigido por Curtiz:  63 Estaría protagonizada por un extra entonces desconocido, Errol Flynn, junto a la poco conocida Olivia de Havilland.

La película fue un gran éxito con críticas positivas. Fue nominada al Oscar a la mejor película y, aunque no fue nominado, Curtiz recibió el segundo mayor número de votos a la mejor dirección, únicamente a través de votos escritos. También convirtió en estrellas a Flynn y de Havilland, y elevó a Curtiz a la categoría de principal director del estudio..:  63

Curtiz continuó el exitoso género de películas de aventuras protagonizadas por Flynn (a menudo con de Havilland) que incluían La carga de la Brigada Ligera (1936), una representación de la Brigada Ligera británica durante la Guerra de Crimea. La película, otra ganadora del Oscar, tuvo más éxito de taquilla que El capitán Blood:  64 Le siguió Las aventuras de Robin Hood (1938, codirigida con William Keighley, a quien Curtiz sustituyó), la más rentable de ese año,: 64 ganadora de tres premios de la Academia y nominada a la mejor película. Figura en la lista de las 100 mejores películas de Rotten Tomatoes.

Siendo ésta su tercera película juntos, Flynn y de Havilland continuaron protagonizando otras películas de gran éxito bajo su dirección, incluyendo La vida privada de Elizabeth y Essex (1939), coprotagonizada por Bette Davis. Davis protagonizó una película de Curtiz en la mayoría de los años de la década de 1930:  73 Debido a la alta productividad cinematográfica de Curtiz, Warner Bros. creó una unidad especial para sus películas, lo que le permitió dirigir dos equipos de rodaje. Uno trabajaba con él durante el rodaje y el otro preparaba todo para la siguiente película.

John Garfield fue uno de los descubrimientos de Curtiz, con su debut en Cuatro hijas (1938), seguido de un papel coprotagonista en su secuela, Cuatro esposas (1939). Curtiz descubrió a Garfield, un actor de teatro, por casualidad, cuando se encontró con una prueba de pantalla desechada que había hecho, y pensó que era muy bueno. Garfield había asumido que no había superado la prueba de pantalla y ya estaba regresando a Nueva York disgustado. Curtiz fue entonces a Kansas City para interceptar el tren, donde bajó a Garfield y lo llevó de vuelta a Hollywood. Más tarde, Garfield también coprotagonizó El lobo de mar (1941), de Curtiz.

En Cuatro hijas, Garfield actuó junto a Claude Rains, que protagonizaría 10 películas de Curtiz a lo largo de su carrera, seis de ellas en la década de 1930. Garfield y Rains «estuvieron brillantes juntos en este clásico de Curtiz injustamente olvidado», dice el biógrafo Patrick J. McGrath sobre Cuatro hijas. Garfield la consideraba su «oscura obra maestra». La crítica alabó su papel: «Quizá el mayor acontecimiento relacionado con Cuatro hijas en la lectura de la crítica sea el debut de John Garfield, un joven y brillante actor reclutado de los escenarios de Broadway». Similar aprobación recibió de The New York Times, que calificó la actuación de Garfield de «amargamente brillante… una de las mejores películas de la carrera de cualquiera». Garfield y Rains coprotagonizaron al año siguiente Hijas valientes (1939), de Curtiz.

Tras protagonizar Ángeles con caras sucias (1938), de Curtiz, James Cagney fue nominado al Oscar por primera vez. El Círculo de Críticos de Cine de Nueva York le votó como mejor actor por su interpretación en la película, donde encarnaba a un matón que se redime. Curtiz también fue nominado de nuevo, consolidando aún más su estatus como el director más importante del estudio.:  64 Curtiz fue nominado al Oscar de 1938 al mejor director tanto por Angels with Dirty Faces como por Four Daughters, perdiendo ante Frank Capra por You Can»t Take It with You. Curtiz, sin embargo, había dividido sus votos entre las dos películas y tenía en realidad el mayor número de votos agregados de la Academia.

Al año siguiente, Curtiz dirigió Hijos de la libertad (1939), protagonizada por Claude Rains, en una película biográfica ganadora de un Oscar que dramatiza la contribución judía a la independencia de Estados Unidos:  44 Curtiz también consiguió uno de los mejores trabajos de Edward G. Robinson en Kid Galahad (1937), en la que Robinson interpretaba a un duro y sardónico, pero bondadoso entrenador de boxeo. La película estaba coprotagonizada por Bette Davis y Humphrey Bogart.

Tres westerns dirigidos por Curtiz también protagonizados por Flynn fueron Dodge City (1939), Santa Fe Trail (1940) coprotagonizada por el futuro presidente de los EE.UU. Ronald Reagan,

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1940s

En la década de 1940 siguieron estrenándose otras películas aclamadas por la crítica dirigidas por Curtiz, como El halcón marino (1940), Bombardero en picado (1941), El lobo de mar (1941), Casablanca (1942), Yankee Doodle Dandy (1942), Esto es el ejército (1943), Mildred Pierce (1945) y La vida con papá (1947).

Uno de los mayores éxitos de 1940 fue El halcón del mar, protagonizada por Errol Flynn en el papel de un aventurero al estilo de Sir Francis Drake. Flora Robson interpretaba a la reina Isabel I, y Claude Rains hacía de embajador español, cuyo trabajo consistía en despistar a la reina, que sospechaba con razón que la Armada española estaba a punto de intentar invadir Inglaterra. Algunos críticos consideraron que la historia era equivalente a los acontecimientos reales que estaban teniendo lugar entonces en Europa, y la describieron como una «diatriba apenas velada contra el aislacionismo estadounidense al borde de la Segunda Guerra Mundial». El columnista de cine Boyd Martin se dio cuenta de las similitudes:

El paralelismo de los sueños de imperio complacidos por el rey Felipe de España y los aparentemente disfrutados momentáneamente por Hitler es tan obvio que no escapará a la detección ni siquiera del más joven seguidor de cine que lea su periódico y vaya a ver la película… Al disponer de un paralelismo, el Sr. Curtiz monta su Halcón marino codo con codo con la historia contemporánea.

Dive Bomber (la película fue bien recibida por el público, siendo calificada como la sexta película más popular de ese año. Ninguna otra película anterior a Pearl Harbor igualó la calidad de sus escenas de vuelo. La columnista de cine Louella Parsons escribió: «Dive Bomber vuelve a alegrarnos de ser americanos protegidos por una Marina tan competente como la nuestra».

El rodaje en la activa base naval de San Diego exigía un gran cuidado, especialmente en las secuencias aéreas. Curtiz rodó cada metro de Bombardero en picado con ayuda de la Marina y bajo su estricto escrutinio. Para crear tomas realistas, montó cámaras en los aviones de la Marina para conseguir «increíbles tomas desde el punto de vista», llevando a los espectadores al interior de la cabina durante el vuelo. También instaló cámaras bajo las alas de los aviones para dramatizar los despegues del Enterprise, un portaaviones botado unos años antes. Bosley Crowther, del New York Times, hizo una buena crítica:

La Warner ha fotografiado esta película en uno de los technicolores más magníficos jamás vistos… masas de aviones de brillantes colores, alineados en impresionantes filas alrededor de una base aérea o en las enormes cubiertas de vuelo de los portaaviones, y rugiendo en plateada majestuosidad, ala a ala, a través de los ilimitados cielos de la Costa Oeste. Nunca antes una película de aviación ha sido tan vívida en sus imágenes, ha transmitido tal sensación de solidez tangible cuando nos muestra cosas sólidas o ha estado tan llena de luz solar y aire limpio cuando las cámaras están en el aire. Salvo algunas tomas mal encuadradas, el trabajo es casi perfecto.

Edward G. Robinson protagonizó El lobo de mar (1941), su segunda película dirigida por Curtiz. Encarnó al desbocado y dictatorial capitán de un barco en una adaptación de una de las novelas más conocidas de Jack London. Robinson dijo que el personaje que representaba «era un nazi en todo menos en el nombre», lo cual, observó Robinson, era relevante para el estado del mundo en aquel momento. John Garfield e Ida Lupino interpretaron a los jóvenes amantes que intentan escapar de su tiranía. Algunas críticas describieron la película como una de las «joyas ocultas de Curtiz… una de las obras más complejas de Curtiz». Robinson quedó impresionado por la intensa personalidad de Garfield, que en su opinión pudo contribuir a su muerte a los 39 años:

John Garfield era uno de los mejores actores jóvenes que he conocido, pero su pasión por el mundo era tan intensa que temí que cualquier día le diera un infarto. No pasó mucho tiempo antes de que lo tuviera.

Curtiz dirigió otra película de la Fuerza Aérea, Capitanes de las nubes (1942), sobre la Real Fuerza Aérea Canadiense. Estaba protagonizada por James Cagney y Brenda Marshall. Según Hal B. Wallis, su productor, se convirtió en la producción más extensa y difícil de Warner Bros. y todo tuvo que trasladarse a Canadá: 76 Al igual que Dive Bomber, las vívidas escenas aéreas filmadas en Technicolor fueron otra característica que atrajo la atención de la crítica, y la película fue nominada a Mejor Dirección Artística y Mejor Cinematografía en Color.

Curtiz dirigió Casablanca (1942), un drama romántico de la época de la Segunda Guerra Mundial descrito por Roger Ebert en 1996 como una de las películas más populares de la historia. Entre sus estrellas estaban Humphrey Bogart, en el papel de un expatriado que vive en Marruecos, e Ingrid Bergman como una mujer que intenta escapar de los nazis. En el reparto secundario figuran Paul Henreid, Claude Rains, Conrad Veidt, Sidney Greenstreet y Peter Lorre. La película recibió ocho nominaciones al Oscar y ganó tres, incluyendo una para Curtiz como Mejor Director. En 2012, la revista Time describió Casablanca como «la mejor película jamás rodada».

Poco después de terminar Capitanes de las nubes, pero antes de Casablanca, Curtiz dirigió el biopic musical Yankee Doodle Dandy (1942), una película sobre el cantante, bailarín y compositor George M. Cohan. Estaba protagonizada por James Cagney en un papel totalmente opuesto al que había interpretado cuatro años antes en Angels with Dirty Faces, de Curtiz. Mientras que la película anterior se convirtió en el punto álgido de la carrera de Cagney en la interpretación de un gángster, un papel que interpretó en muchas películas anteriores, en esta película, un musical abiertamente patriótico, Cagney demuestra su considerable talento para el baile y el canto. Fue el papel favorito de Cagney en su carrera.

La valiente interpretación de Cagney le valió su único Oscar al mejor actor. Para Warner Bros. se convirtió en su mayor éxito de taquilla en la historia de la compañía hasta ese momento, nominada a nueve premios de la Academia y ganadora de cuatro. El éxito de la película también supuso un punto álgido en la carrera de Curtiz, que fue nominado como Mejor Director. La película ha pasado a los anales de Hollywood como un clásico cinematográfico, conservado en el Registro Nacional de Películas de Estados Unidos de la Biblioteca del Congreso por ser «cultural, histórica o estéticamente significativo».

Otra película patriótica de Curtiz fue This Is the Army (1943), un musical adaptado de la obra teatral con partitura de Irving Berlin. En plena Segunda Guerra Mundial, la película levantó la moral de los soldados y del público. Entre sus diecinueve canciones, destaca la interpretación de Kate Smith de «God Bless America». Como resultado de los numerosos elementos populares y genéricos de la película, como el combate terrestre y aéreo, el reclutamiento, el entrenamiento y la marcha, así como la comedia, el romance, la canción y el baile, fue la película de temática bélica de mayor éxito financiero de todas las realizadas durante la Segunda Guerra Mundial.

Durante este periodo, Curtiz también dirigió la película de propaganda de la II Guerra Mundial Misión a Moscú (1943), un filme encargado a petición del Presidente Franklin D. Roosevelt en apoyo del aliado estadounidense y británico, la Unión Soviética, que en aquel momento contenía al 80% de todas las fuerzas alemanas mientras repelían la invasión nazi de Rusia. La película fue bien recibida por la crítica y fue un éxito de taquilla, pero pronto resultó controvertida por suscitar fuertes sentimientos anticomunistas. Curtiz se tomó las críticas como algo personal y prometió no volver a dirigir una película abiertamente política, promesa que cumplió: 148

Mildred Pierce (1945) se basó en la novela de James M. Cain. Su protagonista, Joan Crawford, realizó una de las mejores interpretaciones de su carrera, en la que interpreta a una madre y empresaria de éxito que lo sacrifica todo por su hija malcriada, interpretada por Ann Blyth.

Cuando Crawford aceptó el papel de Warner Bros, su carrera de 18 años en MGM estaba en declive. Había sido una de las estrellas más destacadas y mejor pagadas de Hollywood, pero sus películas empezaron a perder dinero y, a finales de la década de 1930, fue calificada de «veneno para la taquilla». En lugar de permanecer en MGM y ver cómo nuevos talentos más jóvenes acaparaban la atención del estudio con mejores papeles, abandonó MGM y firmó un contrato con Warner Bros. con un salario reducido.

En un principio, Curtiz quería a Barbara Stanwyck para el papel. Sin embargo, Crawford, que para entonces llevaba dos años sin participar en una película, hizo todo lo posible por conseguir el papel. Rara vez una gran estrella estaba dispuesta a hacer una prueba para Curtiz. Ya era consciente de que «el Sr. Mike Curtiz me odiaba… No quiero esos grandes hombros anchos», dijo. Durante su lectura de una emotiva escena mientras él la observaba, le vio tan sobrecogido por su interpretación que se echó a llorar, y entonces le dijo: «Te quiero, nena».

Para ayudar a Crawford a prepararse para ciertas escenas judiciales, Curtiz la llevó al centro de la ciudad, donde pasaron tiempo visitando cárceles y viendo juicios criminales. Al fotografiarla, utilizó cuidadosas técnicas de cámara de cine negro, un estilo que aprendió en Europa, para resaltar los rasgos del rostro de Crawford, utilizando ricos brillos en blanco y negro. Era consciente de que Crawford cuidaba con esmero su imagen en la pantalla y de que realmente le importaba la calidad. Crawford aprendió a apreciar el genio de Curtiz con la cámara. Eve Arden, nominada como Mejor Actriz de Reparto por la película, dijo que «Curtiz era uno de los pocos directores que sabía lo que quería y era capaz de expresarse con exactitud, incluso con su divertido acento húngaro».

Mildred Pierce fue nominada a seis premios de la Academia, incluido el de mejor película. Sólo Crawford ganó el de Mejor Actriz, su primer y único Oscar. El autor de la novela, James M. Cain, le regaló un ejemplar encuadernado en piel de Mildred Pierce: «A Joan Crawford, que dio vida a Mildred como siempre había esperado que fuera, y que tiene mi gratitud de por vida». La película devolvió a Crawford a las filas de las grandes estrellas.

Tras el éxito de la película, Jack Warner concedió a Curtiz dos nuevos y excepcionales contratos en agradecimiento, aumentando su salario y reduciendo a dos el número de películas que tenía que dirigir cada año.

Curtiz dirigió a William Powell e Irene Dunne en La vida con papá (1947), una comedia familiar. Fue un gran éxito en Estados Unidos, y fue nominada a cuatro premios de la Academia, incluido el de Mejor Actor para Powell. A lo largo de su carrera, Powell actuó en 97 películas; su tercera y última nominación fue por este filme. Una crítica afirmó: «Está magnífico en el papel, al que dota de todos los atributos de pompa, dignidad, engreimiento inconsciente y completa adorabilidad. La suya es una de las grandes interpretaciones cinematográficas del año… que corona una larga vida en la pantalla».

A finales de la década de 1940, Curtiz llegó a un nuevo acuerdo con Warner Bros. en virtud del cual el estudio y su propia productora compartirían los costes y beneficios de sus siguientes películas, que se estrenarían a través de Warner Bros. «Voy a intentar crear mi propia productora y convertir en estrellas a desconocidos. Se está haciendo imposible fichar a las grandes estrellas, porque están atadas para los próximos dos años», dijo. También afirmó que, a la hora de contratar a un actor, le importa menos su físico que su personalidad. «Si son guapos, eso es algo extra. Pero yo busco personalidad».

Pronto se dio cuenta de que las buenas historias eran aún más difíciles de conseguir: «Los estudios pagan lo que sea por buenas historias… las compran antes de que nadie pueda conseguirlas», se quejaba. Se dice que la historia de Life With Father costó al estudio 300.000 dólares, y que el presupuesto total para hacer la película fue de unos 3 millones de dólares. Sin embargo, las siguientes películas no tuvieron mucho éxito, ya fuera por los cambios que se produjeron en la industria cinematográfica en este periodo o porque Curtiz «no tenía habilidad para dar forma a la totalidad de una película»…:  191 En cualquier caso, como dijo el propio Curtiz: «Sólo te aprecian en la medida en que llevas la pasta a la taquilla. Al día siguiente te tiran a la cuneta».:  332

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1950s

Las películas de Curtiz siguieron abarcando una amplia gama de géneros, como biopics, comedias y musicales. Algunas de sus películas más taquilleras y mejor recibidas fueron Young Man with a Horn (1950), Jim Thorpe – All-American (1951), The Story of Will Rogers (1952), White Christmas (1954), We»re No Angels (1955) y King Creole (1958).

El joven de la corneta (1950), protagonizada por Kirk Douglas, Lauren Bacall y Doris Day, narra el ascenso y la caída de un músico de jazz, basado en la vida real del cornetista Bix Beiderbecke. Curtiz dirigió otra película biográfica, Jim Thorpe – All-American (1951), esta vez protagonizada por Burt Lancaster, basada en la historia real de un atleta nativo americano que ganó más medallas de oro que ningún otro atleta en los Juegos Olímpicos de Estocolmo de 1912. La película recibió elogios como una de las más convincentes de todas las películas deportivas.

Curtiz siguió con Te veré en mis sueños (1952), con Doris Day y Danny Thomas. La película es una biografía musical del letrista Gus Kahn. Era la cuarta película de Day dirigida por Curtiz, quien la había seleccionado por primera vez y le había dado un papel protagonista en su primera película, Romance en alta mar (1948). Le sorprendió que le ofrecieran un papel protagonista en su primera película, y admitió ante Curtiz que era una cantante sin experiencia como actriz. Lo que le gustó a Curtiz de ella tras la audición fue que «era honesta», dijo, sin miedo a decirle que no era actriz. Eso, y la observación de que «sus pecas la hacían parecer la All-American Girl», dijo. Day sería el descubrimiento del que más alardearía más adelante en su carrera.

The Story of Will Rogers (1952), también una biografía, contaba la historia del humorista y estrella de cine Will Rogers, interpretado por Will Rogers Jr., su hijo.

La larga asociación entre Curtiz y Warner Bros. acabó en una amarga batalla judicial. Tras la ruptura de su relación con Warner Bros., Curtiz continuó dirigiendo por cuenta propia a partir de 1954. El egipcio (1954, basada en la novela de Mika Waltari sobre Sinuhe) para la Fox fue protagonizada por Jean Simmons, Victor Mature y Gene Tierney. Dirigió muchas películas para Paramount, entre ellas White Christmas, We»re No Angels y King Creole. White Christmas (1954), la segunda adaptación de Curtiz de un musical de Irving Berlin, fue un gran éxito de taquilla, la película más taquillera de 1954. La protagonizaron Bing Crosby, Danny Kaye, Rosemary Clooney y Vera-Ellen.

Otro musical, King Creole (1958), estaba protagonizado por Elvis Presley y Carolyn Jones. Cuando le pidieron que dirigiera a Presley, que entonces era el «rey del rock and roll», Curtiz sólo pudo reírse, suponiendo que Presley sería incapaz de actuar. Sin embargo, tras unas cuantas conversaciones con él, su opinión cambió: «Empecé a sentarme y a fijarme», dijo Curtiz, y añadió: «Le garantizo que sorprenderá a todo el mundo. Tiene un talento formidable. Además, conseguirá el respeto que tanto desea». Durante el rodaje, Presley era siempre el primero en llegar al plató. Cuando le decían lo que tenía que hacer, por inusual o difícil que fuera, decía simplemente: «Usted manda, Sr. Curtiz».

El guión, la música y la interpretación se unieron para producir una película extraordinaria, como Presley nunca había hecho en su carrera. Recibió buenas críticas: La revista Variety declaró que la película «Muestra a la joven estrella como un actor más que correcto». The New York Times también le dedicó una crítica favorable: «En cuanto al Sr. Presley, en su tercer intento en la pantalla, es un placer encontrarle haciendo algo más que gritar y contonearse en Bourbon Street. Actuar es su tarea en este escaparate astutamente tapizado, y lo hace, así que ayúdanos, por encima de una valla». Presley agradeció más tarde a Curtiz que le diera la oportunidad de demostrar su potencial como actor; de sus 33 películas, Elvis la consideraba su favorita.

La última película que dirigió Curtiz fue Los comancheros, estrenada seis meses antes de su muerte por cáncer, el 10 de abril de 1962. Curtiz estaba enfermo durante el rodaje, pero la estrella John Wayne se hizo cargo de la dirección los días en que Curtiz estaba demasiado enfermo para trabajar. Wayne no quiso ser codirector.

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Preparación

Curtiz siempre invertía el tiempo necesario para preparar todos los aspectos de una película antes del rodaje. En lo que a mí respecta», dijo, «el principal trabajo en la dirección de una película es preparar una historia para la pantalla… Nada es tan importante…». Nada es tan importante… Un director puede compararse al general de campo de un ejército. Debe saber con más claridad que nadie lo que va a suceder, lo que cabe esperar… Creo que éste es un buen plan de trabajo».

Al dedicar tiempo a la preparación, redujo los retrasos una vez iniciada la producción, lo que le permitió producir unas seis películas al año hasta la década de 1940. Realizó Front Page Woman (1935) en sólo tres semanas, que contenía diálogos rápidos de periódicos con Bette Davis, y luego rodó Captain Blood completamente en el estudio de sonido sin tener que salir de él.

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Cinematografía

Sidney Rosenzweig argumenta que Curtiz tenía su propio estilo personal, que ya estaba establecido en el momento de su traslado a América: «planos con grúas altas para establecer el entorno de una historia; ángulos de cámara inusuales y composiciones complejas en las que los personajes a menudo están enmarcados por objetos físicos; mucho movimiento de cámara; planos subjetivos, en los que la cámara se convierte en el ojo del personaje; e iluminación de alto contraste con charcos de sombras»…:  6-7 Aljean Harmetz afirma que, «la visión de Curtiz de cualquier película… era casi totalmente visual».:  183-184

Pocos meses después de llegar a Hollywood como nuevo director de Warner Bros., Curtiz explicó que quería que los espectadores tuvieran la sensación de estar presenciando realmente una historia en la pantalla:

Para lograr este fin, la cámara debe asumir muchas personalidades. En la mayoría de los casos, asume la personalidad del público. En los momentos en que el interés es mayor y la ilusión del público es mayor, la cámara se coloca alternativamente en la posición de los distintos personajes, a medida que la carga dramática pasa de un actor a otro. Esto implica muchos movimientos de la cámara. Si se corta en cada posición de modo que parece saltar de un lugar a otro, el efecto es notable y la recepción de la historia se ve empañada. En muchos casos, por tanto, la cámara debe moverse de una posición a otra sin detenerse, como lo haría una persona.

Al preparar las escenas, a Curtiz le gustaba compararse con un artista, pintando con personajes, luz, movimiento y fondo sobre un lienzo. Sin embargo, durante su carrera, este «individualismo», dice Robertson, «se ocultó a la vista del público» y se infravaloró porque, a diferencia de muchos otros directores, las películas de Curtiz abarcaban un espectro tan amplio de géneros diferentes: 2 Por lo tanto, muchos lo consideraban más un maestro técnico versátil que trabajaba bajo la dirección de Warner Bros. que un autor con un estilo único y reconocible: 2

Hal B. Wallis, productor de muchas de las películas de Curtiz, incluida Robin Hood, siempre vigilaba los presupuestos. Escribió a Jack Warner durante el rodaje de esa película: «En su entusiasmo por hacer grandes tomas y composiciones y utilizar los grandes valores de producción de esta película, es, por supuesto, más probable que se exceda que nadie… Ayer no intenté detener a Mike cuando estaba en la grúa haciendo tomas de establecimiento»:  123

El propio Curtiz rara vez expresó por escrito su filosofía o su estilo cinematográfico, ya que siempre estaba demasiado ocupado haciendo películas, por lo que no existe ninguna autobiografía y sólo unas pocas entrevistas en los medios de comunicación:  3 Su hermano observó que Curtiz era «tímido, casi humilde» en su vida privada, en contraposición a su actitud de «tomar las riendas» en el trabajo. Su hermano añadió que «no quería que nadie escribiera un libro sobre él. Se negaba incluso a hablar de la idea». Cuando una vez le pidieron que resumiera su filosofía a la hora de hacer películas, Curtiz dijo: «Pongo en mis películas todo el arte que creo que el público puede soportar».

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Tipos de relatos

Antes de llegar a Hollywood, Curtiz siempre tenía en cuenta la historia antes de empezar a trabajar en una película. El interés humano de una historia era clave, junto con el desarrollo de la trama a medida que avanzaba la película. Así lo explica:

Primero busco el «interés humano» cuando me dan una historia. Si ese interés predomina sobre la acción, creo que la historia es buena. Siempre es mi deseo contar esa historia como si la cámara fuera una persona relatando los incidentes de un suceso.

Su actitud no cambió cuando se incorporó a un gran estudio, a pesar de que le daban grandes espectáculos para dirigir. Ya en los años 40, seguía prefiriendo las «películas caseras». Decía que era «porque quiero tratar los problemas humanos y fundamentales de la gente real. Esa es la base de todo buen drama. Es cierto incluso en un espectáculo, donde nunca debes olvidar la humanidad subyacente y la identidad de tus personajes por espléndidos que sean el escenario o las situaciones». Sin embargo, también opinaba que incluso con la misma historia, cinco directores diferentes producirían cinco versiones distintas. «No habría dos iguales», dijo, ya que la «obra de cada director es reflejo de sí mismo».

El historiador cinematográfico Peter Wollen afirma que, a lo largo de toda la carrera de Curtiz, sus películas retrataron a personajes que tenían que «enfrentarse a la injusticia, la opresión, la trampa, el desplazamiento y el exilio»:  85 Cita ejemplos de películas de Curtiz que lo corroboran: 20.000 años en Sing Sing (1932) trataba el tema de la alienación social, mientras que Capitán Blood, Las aventuras de Robin Hood y El halcón del mar se ocupaban de un monarca tirano que amenazaba la libertad de los ingleses de a pie»: 90 Wollen afirma:

Los argumentos a favor de Curtiz como autor se basan en su increíble capacidad para encontrar el estilo adecuado para cada película. Si muestra una coherencia temática en varios géneros, es en su preferencia constante por subrayar las luchas de los rebeldes y los oprimidos contra los arraigados y poderosos: 74

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Hábitos personales

Curtiz siempre fue extremadamente activo: trabajaba jornadas muy largas, practicaba varios deportes en su tiempo libre y a menudo se le encontraba durmiendo bajo una ducha de agua fría.: 188 Se saltaba los almuerzos porque interferían en su trabajo y, en su opinión, a menudo le cansaban. Por ello, despreciaba a los actores que almorzaban, pues consideraba que los «vagos del almuerzo» no tenían energía para trabajar por las tardes..:  188

Wallis decía que era «un demonio para el trabajo». Se levantaba cada mañana a las 5 y solía quedarse en el estudio hasta las 8 o las 9 de la noche. Odiaba irse a casa al final del día, decía Wallis. Con su alto nivel de energía, también cuidaba hasta el más mínimo detalle en el plató.

Para ampliar sus experiencias vitales en EE.UU., como rara vez viajaba fuera de Hollywood, tendía a mostrarse inquieto y curioso por todo lo que había en la zona cuando iba a rodar. Wallis, que como productora le acompañaba a menudo, observó que lo exploraba todo:

Tenía sed de conocimiento; quería ver las salas de billar, los albergues de mala muerte, las secciones chinas, los barrios bajos… todo lo extraño, exótico y sórdido para poder ampliar los conocimientos que daban a sus cuadros su asombroso grado de realismo.

Se ganó el apodo de «Iron Mike» de sus amigos, ya que intentaba mantenerse en buena forma física jugando al polo cuando tenía tiempo, y poseía una cuadra de caballos para su recreo en casa. Atribuía su forma física y su nivel de energía exclusivamente a la sobriedad. Incluso con su enorme éxito y riqueza a lo largo de los años, no se dejaba «acariciar en el regazo del lujo».

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Trabajar con colegas

El lado negativo de su dedicación era un comportamiento a menudo insensible, que muchos atribuían a sus raíces húngaras. Fay Wray, que trabajó con Curtiz en El misterio del museo de cera, dijo: «Sentía que no era de carne y hueso, que formaba parte del acero de la cámara»..:  126 Curtiz no era popular entre la mayoría de sus colegas, muchos de los cuales le consideraban arrogante.:  7 Tampoco lo negaba, y explicaba: «Cuando veo a un vago o a una despreocupada, me pongo duro. Soy muy crítico con los actores, pero si encuentro un actor de verdad, soy el primero en apreciarlo»:  124

No obstante, Bette Davis, que era poco conocida en 1932, hizo cinco películas más con él, aunque discutieron constantemente cuando rodaron La cabaña en el algodón (1932), uno de sus primeros papeles. Tenía una mala opinión de los actores en general, y decía que la interpretación «es en un cincuenta por ciento una gran bolsa de trucos. El otro cincuenta por ciento debería ser talento y habilidad, aunque rara vez lo es». En general, se llevaba bastante bien con sus estrellas, como demuestra su capacidad para atraer y conservar a algunos de los mejores actores de Hollywood. Se llevaba muy bien con Claude Rains, a quien dirigió en diez películas.:  190

Curtiz tenía dificultades con el inglés, ya que estaba demasiado ocupado rodando como para aprender el idioma. A veces utilizaba pantomimas para mostrar lo que quería que hiciera un actor, lo que dio lugar a muchas anécdotas divertidas sobre su elección de palabras al dirigir. David Niven nunca olvidó la frase de Curtiz «traed los caballos vacíos» cuando quería «sacar los caballos sin jinete», hasta el punto de que la utilizó para el título de sus memorias. Historias similares abundan: Para la escena final de Casablanca, Curtiz pidió al escenógrafo un «caniche» en el suelo para que los pasos mojados de los actores pudieran verse en cámara. Al día siguiente, el escenógrafo trajo un perrito sin darse cuenta de que Curtiz quería decir «charco» y no «caniche». Pero no todos los actores que trabajaron a las órdenes de Curtiz se divertían tanto con sus malapropismos. Edward G. Robinson, a quien Curtiz dirigió en El lobo de mar, tenía una opinión diferente sobre las desventajas lingüísticas de los extranjeros en Hollywood:

Podrían llenar un libro. Aunque no sospechara que los has oído todos, hace tiempo que decidí que no me aburriría a mí mismo ni a ti con Curtizismos, Pasternakismos, Goldwynismos o Gaborismos. Demasiados escritores han hecho una industria artesanal de la denuncia del mal uso de la lengua inglesa por parte de la gente de Hollywood.

En 1918 se casó con la actriz Lucy Doraine y se divorciaron en 1923. Tuvo un largo romance con Lili Damita a partir de 1925 y a veces se dice que se casó con ella, pero el estudioso del cine Alan K. Rode afirma en su biografía de Curtiz de 2017 que se trata de una leyenda moderna y que no hay pruebas contemporáneas que la respalden. En sus obituarios no se menciona tal matrimonio.

Curtiz había abandonado Europa antes del ascenso del nazismo: otros miembros de su familia tuvieron menos suerte. Una vez pidió a Jack Warner, que iba a Budapest en 1938, que se pusiera en contacto con su familia y les ayudara a conseguir visados de salida. Warner consiguió llevar a la madre de Curtiz a Estados Unidos, donde pasó el resto de su vida viviendo con su hijo. No pudo rescatar a la única hermana de Curtiz, a su marido ni a sus tres hijos, que fueron enviados a Auschwitz, donde su marido y dos de los niños fueron asesinados: 124

Curtiz ingresó parte de su sueldo en el Fondo Europeo del Cine, una asociación benévola que ayudaba a los refugiados europeos del mundo del cine a establecerse en Estados Unidos.

En 1933, Curtiz se nacionalizó estadounidense. A principios de la década de 1940, se había hecho bastante rico, ganaba 3.600 dólares a la semana y poseía una importante finca, completa con campo de polo: 76 Uno de sus compañeros habituales de polo era Hal B. Wallis, que había conocido a Curtiz a su llegada al país y había entablado una estrecha amistad con él. La esposa de Wallis, la actriz Louise Fazenda, y la tercera esposa de Curtiz, Bess Meredyth, actriz y guionista, mantenían una estrecha amistad desde antes del matrimonio de Curtiz con Meredyth en 1929. Curtiz tuvo numerosas aventuras; Meredyth le abandonó una vez durante un breve periodo, pero siguieron casados hasta 1961, cuando se separaron: 121 Permanecieron casados hasta la muerte de él. Era la ayudante de Curtiz siempre que tenía que lidiar con guiones u otros elementos que superaban sus conocimientos de inglés, y a menudo la llamaba para pedirle consejo cuando se le presentaba algún problema durante el rodaje..: 123  123

Curtiz fue el padrastro del director de cine y televisión John Meredyth Lucas, que habla de él en su autobiografía Eighty Odd Years in Hollywood.

Curtiz murió de cáncer el 10 de abril de 1962, a los 75 años. En el momento de su muerte, vivía solo en un pequeño apartamento en Sherman Oaks, California. Está enterrado en el cementerio Forest Lawn Memorial Park de Glendale, California.

Curtiz dirigió algunas de las películas más conocidas del siglo XX, logrando numerosas interpretaciones premiadas de actores. Antes de trasladarse a Hollywood desde su Hungría natal, cuando tenía 38 años, ya había dirigido 64 películas en Europa. Pronto ayudó a Warner Bros. a convertirse en el estudio de mayor crecimiento del país, dirigiendo 102 películas durante su carrera en Hollywood, más que ningún otro director.:  67 Jack Warner, que descubrió a Curtiz tras ver una de sus películas épicas en Europa, le llamó «el mejor director de Warner Brothers».

Dirigió a 10 actores nominados al Oscar: Paul Muni, John Garfield, James Cagney, Walter Huston, Humphrey Bogart, Claude Rains, Joan Crawford, Ann Blyth, Eve Arden y William Powell. Cagney y Crawford ganaron sus únicos premios de la Academia bajo la dirección de Curtiz, y Cagney en televisión atribuyó más tarde parte de su éxito al «inolvidable Michael Curtiz». El propio Curtiz fue nominado cinco veces y ganó como Mejor Director por Casablanca.

Se ganó la reputación de ser un duro capataz con sus actores, ya que controlaba hasta el más mínimo detalle en el plató. Su experiencia como director desde 1912 y su dedicación al arte le convirtieron en un perfeccionista. Tenía un dominio asombroso de los detalles técnicos. Hal B. Wallis, que produjo varias de sus películas más importantes, incluida Casablanca, dijo que Curtiz siempre había sido su director favorito:

Era un director soberbio, con un dominio asombroso de la iluminación, el ambiente y la acción. Podía hacer cualquier tipo de película: melodrama, comedia, western, epopeya histórica o historia de amor.

Algunos, como el guionista Robert Rossen, se preguntan si Curtiz «ha sido juzgado erróneamente por la historia del cine», ya que no se le incluye entre los que a menudo se consideran grandes directores, como John Ford, Howard Hawks, Orson Welles y Alfred Hitchcock: «Era obviamente un talento muy atento a los movimientos creativos de su época, como el expresionismo alemán, el genio del sistema de estudios de Hollywood, géneros como el cine negro y las posibilidades que ofrecían las estrellas de talento».

La historiadora del cine Catherine Portuges ha descrito a Curtiz como uno de los «más enigmáticos de los directores de cine, y a menudo infravalorado»:  161 El teórico del cine Peter Wollen quiso «resucitar» la reputación crítica de Curtiz, observando que, con su enorme experiencia y empuje, «podía arrancar significados inesperados de un guión a través de su dirección de actores y cinematógrafos»:  75

Curtiz también ganó un Oscar en la categoría de Mejor Cortometraje (dos rollos) por Hijos de la libertad.

Seis de las películas de Curtiz fueron nominadas a la Mejor Película: Capitán Blood (1935), Las aventuras de Robin Hood (1938), Cuatro hijas (1938), Yankee Doodle Dandy (1942), Casablanca (1943) y Mildred Pierce (1945). De todas ellas, sólo Casablanca ganó el premio a la mejor película.

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Actuaciones dirigidas en los Oscar

El American Film Institute clasificó Casablanca en el puesto 3 y Yankee Doodle Dandy en el 98 de su lista de las mejores películas estadounidenses. Las aventuras de Robin Hood y Mildred Pierce fueron nominadas para la lista.

Fuentes

1. Michael Curtiz
2. Michael Curtiz
3. ^ In Hungarian eastern name order Kaminer Manó
4. ^ In Hungarian eastern name order Kertész Mihály
5. ^ Other spellings that various biographers have used are Kertész Mihály, Michael Courtice, Michael Kertesz, Mihaly Kertesz, Michael Kertész, and Kertész Kaminer Manó
6. ^ According to biographer James C. Robertson, because Curtiz had given different accounts about his early life during his career, exact details about his early years have not been confirmed.[6]: 5  For example, he said that he once ran away from home to perform in various acts with a circus.
7. ^ Some sources state that Jack L. Warner, Harry»s younger brother, was who offered Curtiz a contract. In either case, Curtiz initially wanted to throw him off the set while he was working, since visitors made him nervous.[15]
8. «8th Academy Awards (1936)». Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas (en inglés). Consultado el 23 de octubre de 2015.
9. «The 11th Academy Awards – 1939». Archivado desde el original el 4 de septiembre de 2012.
10. «15th Academy Awards (1943)». Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas (en inglés). Consultado el 23 de octubre de 2015.
11. ^ „Michael Curtiz”, Gemeinsame Normdatei, accesat în 10 decembrie 2014
12. a b Michael Hanisch in Filmspiegel, Nr. 7, 1987, S. 25.
13. Meist als Der Stern von Damaskus bezeichnet, nach Zeitungsberichten aus der Zeit der Veröffentlichung (zum Beispiel hier oder hier dürfte aber Die Sterne … der Originaltitel gewesen sein)