Oleksandr Arjípenko
gigatos | enero 11, 2022
Resumen
Alexander Porfyrovych Archipenko fue un escultor estadounidense de origen ucraniano, nacido en Kiev el 30 de mayo de 1887 y fallecido en Nueva York el 25 de febrero de 1964.
Hijo de un ingeniero, Alexander Archipenko también estudió matemáticas. Al artista le fascinaba la relación entre el arte y la ciencia. Se formó en pintura y escultura en Kiev y Moscú de 1902 a 1906. Durante este periodo, quedó fascinado por los iconos, frescos y mosaicos bizantinos de Kiev. Tras una estancia en Moscú, se trasladó a París en 1908, donde entró en contacto con los movimientos de vanguardia, en particular con el grupo cubista. Se instala en La Ruche, 2, passage de Dantzig, un antiguo pabellón de vinos de la Exposición Universal de 1889 reconvertido en estudio de artistas. Trabajaba solo, y prefería ir al Louvre a estudiar la escultura griega arcaica antes que ir a las Bellas Artes, donde despreciaba la enseñanza académica. El artista ya había recriminado a sus profesores de la escuela de arte de Kiev, que acabaron expulsándolo. Influido por Rodin hasta sus obras presentadas en Moscú en 1906, se impuso como uno de los líderes de la escultura de vanguardia a los 24 años.
En 1910, expuso en el Salón de los Independientes de París. El viernes 21 de abril de 1911, en el 27º Salón de los Independientes, las obras de Albert Gleizes, Jean Metzinger, Robert Delaunay, Henri Le Fauconnier, André Lhote, Joseph Csaky y Archipenko fueron objeto de una crítica incendiaria digna de la provocada por la exposición de los fauves. Considerados como «cubos maestros», incluso Guillaume Apollinaire se sintió desconcertado por esta exposición. Se les reprochó la desviación del cubismo, su caricatura e incluso su antiacademismo. Se lamentó la ausencia de Picasso y Braque (que expusieron en exclusiva con la galería de Daniel-Henry Kahnweiler) en esta exposición.
Su primera exposición individual tuvo lugar en Alemania, en el Museo Folkwang Hagen, en 1912. Ese año abre una escuela de arte en París y se incorpora a la Section d»Or, produciendo sus primeras pinturas en relieve: las esculturas. En octubre de 1912, en la Galerie de la Boétie, se organiza la primera exposición del grupo Section d»Or, con Léger, Gleizes, Metzinger, Gris, Marcel Duchamp, Raymond Duchamp-Villon, Jacques Villon, Lhote, La Fresnaye, Marcoussis y Archipenko. Treinta y un artistas con doscientos cuadros sin la presencia de Picasso. Esta exposición tiene un carácter didáctico: el cubismo entró en una fase teórica cuatro años después de su nacimiento. La exposición del grupo Section d»Or provocó duras críticas a estas obras revolucionarias: Apollinaire las defendió en sus columnas de L»Intransigeant o en los prefacios de los catálogos.
En 1913, cuatro de sus obras se expusieron en el Armory Show de Nueva York. Realizó sus primeros grabados, que se reprodujeron en la publicación futurista italiana Lacerba en 1914. Participó en el Salón de los Independientes en 1914 y en la Bienal de Venecia en 1920. Durante los años de guerra, el artista vivió en Cimiez, cerca de Niza. De 1919 a 1921, viajó a Ginebra, Zúrich, París, Londres, Bruselas, Atenas y otras ciudades europeas para exponer su obra. Su primera exposición individual en Estados Unidos tuvo lugar en 1921 en Nueva York, en la Société Anonyme. En 1923, abandonó Berlín para ir a Estados Unidos, donde, a lo largo de los años, abrió varias escuelas de arte en Nueva York, Woodstock, Los Ángeles y Chicago. Durante los siguientes treinta años, enseñó en Estados Unidos en escuelas de arte y universidades, incluso en la efímera Nueva Bauhaus. Se convirtió en ciudadano estadounidense en 1928.
En 1933, expuso en el Pabellón de Ucrania de Chicago en el marco de la Feria Mundial del Siglo del Progreso. De 1937 a 1939, fue instructor asociado en la Nueva Escuela de Artes Industriales de la Bauhaus en Chicago. La mayoría de las obras del artista en los museos alemanes fueron confiscadas por los nazis con la intención de depurar el arte degenerado. En 1947, creó esculturas que se iluminaban desde dentro. Acompañó una exposición itinerante de su obra por toda Alemania en 1955 y 1956. Comenzó a escribir su libro Archipenko: 50 años de creación 1908-1958, que se publicó en 1960. El libro contiene contribuciones de cincuenta historiadores del arte y textos de Archipenko sobre la creación artística. Fue elegido miembro de la Academia Americana de las Artes y las Letras en 1962.
Para Archipenko, «es difícil clasificar la obra de un artista en períodos». Y añade: «Nunca pertenecí a las escuelas: me expulsaron de ellas. Investigué, inventé y experimenté, luego me imitaron… Para todo artista, el arte es un flujo creativo ascendente hacia el descubrimiento individual de la verdad en las formas de la naturaleza y los períodos son sólo cajas en la mente de los críticos.
El problema que plantea la escultura según Archipenko es el volumen y la conexión de las masas entre sí. En esto es aún más extremo que escultores modernos como Brancusi o Duchamp-Villon que, como él, son miembros del grupo de la Sección de Oro. Su tema principal es el del vacío, que tiene la fuerza del objeto ausente y, por tanto, crea volumen. La simplificación y la obviedad de los volúmenes manteniendo el aspecto figurativo son los principios de su escultura. Su arte se caracteriza por un gran rigor matemático y da un lugar predominante al cuerpo femenino. Le gusta recordar la omnipresencia de los ídolos de piedra de los antiguos eslavos en su infancia.
Picasso había desarrollado las primeras reglas de esta gramática escultórica: la policromía, la integración de los más diversos materiales, el uso rítmico de los planos y la aparición de formas abiertas. Al igual que la pintura, la escultura cubista se ocupa principalmente de la relación entre los objetos y el espacio, de los volúmenes y vacíos que los separan o en los que se insertan. La influencia del futurismo italiano, sobre todo a través de Boccioni, a quien Archipenko conoció en 1912, le llevó a crear formas dinámicas. Archipenko exploró especialmente la dialéctica de las formas cóncavas y convexas.
Desarrolló un estilo personal con masas corporales estereométricamente simplificadas, figuras espacialmente erguidas, formas biseladas, ángulos agudos, fracturas cristalinas a partir del inventario formal del cubismo y se inspiró también en el manierismo.
Con la excepción de Boccioni, ningún escultor ha planteado el análisis del espacio, el problema central de esta década, como un absoluto. Ningún artista ha impulsado la interacción entre el volumen y el vacío de forma tan personal hacia dominios expresivos y líricos, dinámicos y estatuarios. Ha logrado una unión entre el rigor formal y el atractivo lúdico. Ha unificado en una sola forma los cuatro elementos escurridizos: el espacio, la transparencia, la luz y el reflejo, dando como resultado una escultura moderna de forma cóncava.
Torso (1909) es su primera escultura de tendencia cubista. Muestra cómo desarticula los volúmenes y los perfora para hacer penetrar el espacio.
En 1909 y el año siguiente, todavía no conocía el cubismo y se inspiró en las esculturas plegadas de Barlach o Köllwitz (Mujer y gato en 1910 o Mujer con gato en 1911). En 1911-12, se despliegan, y se percibe la influencia cubista en sus muslos y brazos hinchados o, por el contrario, un eticismo (Mujer caminando en 1912). A partir de 1911, participó activamente en el movimiento cubista. Los problemas plásticos que su escultura abordaba en aquella época eran decididamente nuevos: los volúmenes llenos, la relación entre los vacíos y los volúmenes llenos en el hueco. Quería simbolizar la «realidad ausente». Con «Femme qui marche», en 1912, esgrimió por primera vez una cabeza en negativo. En 1912, identificó su tema favorito: la interpenetración del cuerpo y el espacio, el desarrollo de las curvas cóncavas y convexas para que la forma escultórica se vuelva de alguna manera perceptible a través de su matriz. Desarrolló su propia teoría de las formas complementarias: todo vacío genera su antítesis imaginaria.
Con Medrano, creada en 1912, creó su primer ensamblaje de varios materiales pintados (vidrio, madera y metal). En constante investigación artística, desarrolló nuevos métodos de creación y creó una interacción entre la pintura y la escultura. Con Medrano I Le Jongleur, en 1912, utilizó la madera, el vidrio y el alambre metálico para crear muñecas articuladas que se asemejan a arlequines de madera, utilizando vidrio, láminas de metal, alambre, conos cilíndricos y discos dinamizados con pintura policromada. Con esta liberación de la forma, Archipenko rompió con la escultura tradicional y se estableció como uno de los maestros de la vanguardia. Revivió un género descuidado desde el siglo XVII por la escultura occidental, la policromía.
Sus esculturas creadas en 1912 son relieves de yeso pintados. Entre la pintura y la escultura, estudió la relación recíproca entre la forma y el color, uno acentuando o disminuyendo el otro. Estas dos artes se unifican o se contraponen a nivel visual y espiritual, según el objetivo.
De 1913 a 1916, la forma dominó la realidad. Con La danza, en 1912, definió un espacio interior ascendente impregnado de ligereza a través del arabesco formado por una pareja. Organizó esta escultura en torno al vacío. En esta obra sobre el vacío y la plenitud, se cuidó de no completar los cuerpos, cuyos miembros detuvo cuando la plasticidad se lo ordenó introduciendo el vacío como actor, como en Mujer en 1915, cuya cabeza se dibuja alrededor de un hueco.
En 1913, creó una escultura de alambre que Apollinaire llamó «en baleine de parapluie». Más tarde, su tratamiento del cubismo giraría hacia el constructivismo.
Con La Boxe, en 1913, el artista intentó traducir la energía brutal del deporte en formas abstractas. Los boxeadores se reducen a formas afiladas que se entrelazan entre sí y chocan violentamente, los músculos son sustituidos por una energía rítmica.
Tête constructiviste (1913) está formada por un ensamblaje de planos. El gondolero (1914) está compuesto en secciones ligeramente desplazadas para dar una sensación de movimiento en la perspectiva futurista, y Naturaleza muerta (1915) es uno de sus pocos cuadros en relieve.
A su llegada a Estados Unidos, a principios de los años 20, adoptó la tradición: la suavidad prevalece, perfecta y relajada. Con Femme (1920), volvió inmediatamente a la escultura con una alta figura de metal sobre un panel pintado. Se volvió tradicional.
De 1924 a 1928 desarrolló la Archipentura. La archipeintura de 1924 son lienzos puestos en movimiento por motores hábilmente ocultos: un mecanismo eléctrico en la base del aparato pone en movimiento el marco central y miles de fragmentos pintados aparecen en la superficie sucesivamente para formar un cuadro completo. Este invento se puso en práctica en Nueva York. Su investigación ha sido siempre la animación visual de sus obras, ya sea perforándolas en la masa para que el espacio penetre en ellas, o utilizando materiales como el vidrio, la madera o el metal, e incluso para sus esculturas-pinturas añadiendo color.
En Famille (1935) es una obra concentrada con influencia del constructivismo.
En las dos dimensiones, también hay una obra excepcional como esta figura femenina en gouache, cuyas masas marrones y blancas alternadas crean el relieve del cuerpo (Moonlight in 1937).
En los años 40 y 50, continuó sus exploraciones artísticas con materiales y técnicas. Para el «Figure assise», por ejemplo, utilizó plástico cortado y encendido. Retoma sus formas iniciales, en su mayoría desaparecidas, en formatos gigantescos (Figures d»acier en 1951, Cléopâtre en 1957). En los años 50, se dio cuenta de que se había equivocado en su orientación durante algún tiempo y se dedicó a hacer un pastiche de sus inicios o a reconstruirlos, ya que muchas de sus obras no sobrevivieron a la Primera Guerra Mundial.
A partir de finales de los años 50, vuelve a su estilo cubo-constructivista, con figuras muy geométricas, conservando los vacíos significativos, y casi siempre simétricas (Kimono en 1961 o Roi Salomon en 1963).
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Fuentes
