Orson Welles

Dimitris Stamatios | julio 22, 2023

Resumen

George Orson Welles (6 de mayo de 1915 – 10 de octubre de 1985) fue un director, actor, guionista y productor estadounidense recordado por su innovador trabajo en radio, teatro y cine. Se le considera uno de los cineastas más grandes e influyentes de todos los tiempos.

A los 20 años, Welles dirigió producciones teatrales de gran repercusión para el Federal Theatre Project, como una adaptación de Macbeth con un reparto íntegramente afroamericano y el musical político The Cradle Will Rock. En 1937, fundó con John Houseman el Mercury Theatre, una compañía independiente de teatro de repertorio que presentó una serie de producciones en Broadway hasta 1941, entre ellas Caesar (1937), una adaptación de Julio César de William Shakespeare.

En 1938, su serie de antología radiofónica The Mercury Theatre on the Air dio a Welles la plataforma para alcanzar la fama internacional como director y narrador de una adaptación radiofónica de la novela de H. G. Wells La guerra de los mundos, que hizo creer a algunos oyentes que se estaba produciendo una invasión de seres extraterrestres. Aunque los informes de pánico eran en su mayoría falsos y exagerados, lanzaron a Welles, de 23 años, a la notoriedad.

Su primera película fue Ciudadano Kane (1941), considerada una de las mejores películas de la historia, que coescribió, produjo, dirigió y protagonizó en el papel de Charles Foster Kane. Welles dirigió otros doce largometrajes, entre los que destacan Los magníficos Amberson (1942), La dama de Shanghai (1947), Touch of Evil (1958), The Trial (1962), Chimes at Midnight (1966) y F for Fake (1973). Su peculiar estilo de dirección se caracterizó por formas narrativas estratificadas y no lineales, usos de la iluminación como el claroscuro, ángulos de cámara inusuales, técnicas de sonido tomadas de la radio, planos de enfoque profundo y tomas largas. Ha sido elogiado como «el autor definitivo»: 6

Welles era ajeno al sistema de estudios y luchó por el control creativo de sus proyectos al principio con los grandes estudios cinematográficos de Hollywood y más tarde con diversos financiadores independientes de toda Europa, donde pasó la mayor parte de su carrera. Muchas de sus películas fueron muy editadas o quedaron inéditas. Algunas, como Touch of Evil, se han reeditado minuciosamente a partir de sus notas. Con un desarrollo que abarca casi 50 años, la última película de Welles, The Other Side of the Wind, se estrenó póstumamente en 2018.

Welles se casó tres veces, una de ellas con Rita Hayworth, y tuvo tres hijos. Conocido por su voz de barítono, Welles actuó en teatro, radio y cine. Fue mago durante toda su vida, y destacó por presentar espectáculos de variedades para las tropas en los años de la guerra. En 2002, fue elegido el mejor director de cine de todos los tiempos en dos encuestas del British Film Institute entre directores y críticos. En 2018, The Daily Telegraph lo incluyó en la lista de los 50 mejores actores de Hollywood de todos los tiempos.

George Orson Welles nació el 6 de mayo de 1915 en Kenosha, Wisconsin, hijo de Richard Head Welles (1883-1924). Recibió el nombre de uno de sus bisabuelos, el influyente abogado de Kenosha Orson S. Head, y de su hermano George Head: 37 George Ade, que conoció a los padres de Welles en un crucero por las Indias Occidentales a finales de 1914, contó una historia alternativa sobre el origen de su nombre y segundo nombre. Ade viajaba con un amigo, Orson Wells (sin parentesco), y los dos se sentaron en la misma mesa que el señor y la señora Richard Welles. La Sra. Welles estaba embarazada en aquel momento y, cuando se despidieron, les dijo que había disfrutado tanto de su compañía que, si el niño era varón, pensaba ponerle su nombre: George Orson.

A pesar de la riqueza de su familia, Welles pasó apuros en su infancia. Sus padres se separaron y se mudaron a Chicago en 1919. Su padre, que hizo fortuna como inventor de una popular lámpara para bicicletas, se volvió alcohólico y dejó de trabajar. La madre de Welles, pianista, tocaba durante las conferencias de Dudley Crafts Watson en el Instituto de Arte de Chicago para mantener a su hijo y a sí misma; el mayor de los hijos de Welles, «Dickie», fue internado a una edad temprana porque tenía dificultades de aprendizaje. Beatrice murió de hepatitis en un hospital de Chicago el 10 de mayo de 1924, justo después del noveno cumpleaños de Welles: 326 El Gordon String Quartet, predecesor del Berkshire String Quartet, que había hecho su primera aparición en su casa en 1921, tocó en el funeral de Beatrice.

Tras la muerte de su madre, Welles dejó de dedicarse a la música. Se decidió que pasaría el verano con la familia Watson en una colonia artística privada en el pueblo de Wyoming, en la región de los Finger Lakes de Nueva York, establecida por Lydia Avery Coonley Ward: 8 Allí tocó y se hizo amigo de los hijos del Aga Khan, incluido el príncipe Aly Khan, de 12 años. Luego, en lo que Welles describió más tarde como «un periodo agitado» de su vida, vivió en un apartamento de Chicago con su padre y Maurice Bernstein, un médico de Chicago que había sido amigo íntimo de sus padres. Welles asistió brevemente a la escuela pública: 133 antes de que su padre, alcohólico, abandonara los negocios y se lo llevara de viaje a Jamaica y Extremo Oriente. A su regreso, se instalaron en un hotel de Grand Detour, Illinois, propiedad de su padre. Cuando el hotel se incendió, Welles y su padre volvieron a la carretera: 9

«Durante los tres años que Orson vivió con su padre, algunos observadores se preguntaban quién cuidaba de quién», escribió el biógrafo Frank Brady: 9

«En cierto modo, nunca fue realmente un chico joven», dijo Roger Hill, que se convirtió en profesor y amigo de Welles durante toda su vida: 24

Welles asistió brevemente a la escuela pública de Madison, Wisconsin, matriculado en cuarto curso.: 9 El 15 de septiembre de 1926 ingresó en el Todd Seminary for Boys,: 3 una costosa escuela independiente de Woodstock, Illinois, a la que su hermano mayor, Richard Ives Welles, había asistido diez años antes hasta que fue expulsado por mal comportamiento.: 48 En la Todd School, Welles cayó bajo la influencia de Roger Hill, un profesor que más tarde fue director de la Todd. Hill proporcionó a Welles un entorno educativo ad hoc que resultó inestimable para su experiencia creativa, ya que le permitió concentrarse en los temas que le interesaban. Welles realizó y puso en escena allí experimentos y producciones teatrales.

«Todd proporcionó a Welles muchas experiencias valiosas», escribió el crítico Richard France. «Pudo explorar y experimentar en un ambiente de aceptación y estímulo. Además de un teatro, la propia emisora de radio de la escuela estaba a su disposición»: 27 La primera experiencia radiofónica de Welles fue en la emisora Todd, donde interpretó una adaptación de Sherlock Holmes escrita por él: 7

El 28 de diciembre de 1930, cuando Welles tenía 15 años, su padre murió de insuficiencia cardíaca y renal a la edad de 58 años, solo en un hotel de Chicago. Poco antes, Welles había anunciado a su padre que dejaría de verle, creyendo que así incitaría a su padre a abstenerse de beber. Como consecuencia, Orson se sintió culpable porque creía que su padre se había emborrachado hasta morir por su culpa. El testamento de su padre dejaba en manos de Orson el nombramiento de su tutor. Cuando Roger Hill declinó, Welles eligió a Maurice Bernstein.: 71-72

Tras graduarse en Todd en mayo de 1931, Welles obtuvo una beca para el Harvard College, mientras que su mentor, Roger Hill, le recomendó que asistiera al Cornell College de Iowa. En lugar de matricularse, prefirió viajar. Estudió durante unas semanas en el Art Institute de Chicago: 117 con Boris Anisfeld, quien le animó a dedicarse a la pintura.: 18

Welles volvía ocasionalmente a Woodstock, el lugar que acabó nombrando cuando le preguntaron en una entrevista en 1960: «¿Dónde está su hogar?». Welles respondió: «Supongo que es Woodstock, Illinois, si es que está en algún sitio. Allí estudié cuatro años. Si intento pensar en un hogar, es ese».

Tras la muerte de su padre, Welles viajó a Europa utilizando una pequeña parte de su herencia. Welles cuenta que, durante un viaje a pie y pintando por Irlanda, entró en el Gate Theatre de Dublín y afirmó que era una estrella de Broadway. El director del Gate, Hilton Edwards, dijo más tarde que no le había creído, pero que le impresionó su descaro y la apasionada audición que hizo: 134 Welles debutó en el teatro Gate el 13 de octubre de 1931, en la adaptación de Ashley Dukes de Jew Suss, en el papel del duque Karl Alexander de Württemberg. Interpretó pequeños papeles secundarios en posteriores producciones del Gate, y produjo y diseñó producciones propias en Dublín. En marzo de 1932, Welles actuó en The Circle, de W. Somerset Maugham, en el Abbey Theatre de Dublín, y viajó a Londres en busca de más trabajo en el teatro. Al no poder obtener un permiso de trabajo, regresó a Estados Unidos: 327-330

Welles consideró que su fama era efímera y se dedicó a un proyecto de escritura en la Todd School que tuvo un éxito inmenso, titulado primero Everybody’s Shakespeare y posteriormente The Mercury Shakespeare. Welles viajó al norte de África mientras trabajaba en miles de ilustraciones para la serie de libros educativos Everybody’s Shakespeare, serie que se mantuvo en imprenta durante décadas.

En 1933, Roger y Hortense Hill invitaron a Welles a una fiesta en Chicago, donde Welles conoció a Thornton Wilder. Wilder consiguió que Welles conociera a Alexander Woollcott en Nueva York para que le presentara a Katharine Cornell, que estaba montando una compañía de teatro de repertorio. El marido de Cornell, el director Guthrie McClintic, contrató inmediatamente a Welles y le dio tres papeles..: 46-49 Romeo y Julieta, Los Barretts de Wimpole Street y Cándida estuvieron de gira durante 36 semanas a partir de noviembre de 1933, y la primera de las más de 200 representaciones tuvo lugar en Buffalo, Nueva York.: 330-331

En 1934, Welles consiguió su primer trabajo en la radio -con la American School of the Air- gracias al actor y director Paul Stewart, que le presentó al director Knowles Entrikin: 331 Ese verano, Welles organizó un festival de teatro con la Todd School en la Opera House de Woodstock, Illinois, e invitó a Micheál Mac Liammóir y Hilton Edwards, del Gate Theatre de Dublín, a aparecer junto a luminarias de la escena neoyorquina en producciones como Trilby, Hamlet, The Drunkard y Tsar Paul. En el antiguo parque de bomberos de Woodstock también rodó su primera película, un cortometraje de ocho minutos titulado The Hearts of Age (Los corazones de la edad): 330-331

El 14 de noviembre de 1934, Welles se casó con la socialité y actriz de Chicago Virginia Nicolson: 332 (a menudo mal escrito «Nicholson») en una ceremonia civil en Nueva York. Para apaciguar a los Nicolson, furiosos por la fuga de la pareja, se celebró una ceremonia formal el 23 de diciembre de 1934 en la mansión de Nueva Jersey de la madrina de la novia. Welles lució un traje prestado por su amigo George Macready: 182

Una producción revisada de Romeo y Julieta de Katharine Cornell se estrenó el 20 de diciembre de 1934 en el Martin Beck Theatre de Nueva York. La producción de Broadway atrajo la atención de John Houseman, un productor teatral de 19 años (que interpretaba a Tybalt), que estaba haciendo un casting para el papel principal de la primera producción de una de las obras en verso de Archibald MacLeish, Panic. 144-158 El 22 de marzo de 1935, Welles debutó en la serie de radio de la CBS The March of Time, interpretando una escena de Panic para un reportaje sobre la producción teatral: 70-71

En 1935, Welles complementaba sus ingresos en el teatro como actor de radio en Manhattan, trabajando con muchos actores que más tarde formarían el núcleo de su Mercury Theatre en programas como America’s Hour, Cavalcade of America, Columbia Workshop y The March of Time.: 331-332 «Un año después de su debut, Welles podía reclamar su pertenencia a esa élite de actores de radio que cobraban salarios sólo superados por los de las estrellas de cine mejor pagadas», escribió el crítico Richard France.: 172

Proyecto Federal de Teatro

El Proyecto Federal de Teatro (1935-39), que formaba parte de la Administración para el Progreso de las Obras (Works Progress Administration), fue un programa del New Deal para financiar el teatro y otros espectáculos artísticos en vivo y programas de entretenimiento en Estados Unidos durante la Gran Depresión. Se creó como medida de ayuda para emplear a artistas, escritores, directores y trabajadores teatrales. Bajo la dirección nacional de Hallie Flanagan, se convirtió en un verdadero teatro nacional que creaba arte relevante, fomentaba la experimentación y la innovación, y hacía posible que millones de estadounidenses vieran teatro en directo por primera vez.

John Houseman, director de la Unidad de Teatro Negro de Nueva York, invitó a Welles a unirse al Proyecto Federal de Teatro en 1935. Lejos de estar desempleado – «tenía tanto trabajo que se me había olvidado cómo dormir»-, Welles invirtió gran parte de sus 1.500 dólares semanales ganados en la radio en sus producciones teatrales, evitando así la burocracia administrativa y montando los proyectos con mayor rapidez y profesionalidad. «Roosevelt dijo una vez que yo era el único operador de la historia que había desviado dinero ilegalmente a un proyecto de Washington», dijo Welles.: 11-13

El Federal Theatre Project era el entorno ideal en el que Welles podía desarrollar su arte. Su finalidad era el empleo, por lo que pudo contratar a cualquier número de artistas, artesanos y técnicos, y llenó el escenario de intérpretes: 3 La compañía para la primera producción, una adaptación de Macbeth de William Shakespeare con un reparto íntegramente afroamericano, llegó a ser de 150 personas. La producción se conoció como el Macbeth vudú porque Welles cambió el escenario a una isla mítica que sugería la corte haitiana del rey Henri Christophe,: 179-180 con el vudú haitiano desempeñando el papel de la brujería escocesa.: 86 La obra se estrenó el 14 de abril de 1936 en el teatro Lafayette de Harlem y fue recibida con entusiasmo. A sus 20 años, Welles fue aclamado como un prodigio. La producción realizó una gira nacional de 4.000 millas que incluyó dos semanas en la Exposición del Centenario de Texas, en Dallas.

El siguiente montaje fue la farsa Caballo come sombrero, una adaptación de Welles y Edwin Denby de El sombrero de paja italiano, una farsa en cinco actos de 1851 de Eugène Marin Labiche y Marc-Michel.: 114 La obra se presentó del 26 de septiembre al 5 de diciembre de 1936 en el Maxine Elliott’s Theatre de Nueva York,: 334 y contó con Joseph Cotten en su primer papel protagonista…: 34 Le siguió una adaptación de Dr. Faustus que utilizaba la luz como principal elemento escénico unificador en un escenario casi negro, presentada del 8 de enero al 9 de mayo de 1937, en el Maxine Elliott’s Theatre.: 335

Fuera del ámbito del Federal Theatre Project,: 100 el compositor estadounidense Aaron Copland eligió a Welles para dirigir El segundo huracán (1937), una opereta con libreto de Edwin Denby. Presentada en la Henry Street Settlement Music School de Nueva York en beneficio de los estudiantes de secundaria, la producción se estrenó el 21 de abril de 1937 y se representó durante las tres funciones programadas: 337

En 1937, Welles ensayó la opereta política de Marc Blitzstein The Cradle Will Rock. El estreno estaba previsto para el 16 de junio de 1937, en su primer preestreno público. Debido a los severos recortes federales en los proyectos Works Progress, se canceló el estreno del espectáculo en el Maxine Elliott Theatre. El teatro fue cerrado y vigilado para evitar que se utilizara material adquirido por el gobierno para una producción comercial de la obra. En un movimiento de última hora, Welles anunció a los espectadores que el espectáculo se trasladaba al Venice, a 20 manzanas de distancia. Parte del reparto, y parte del equipo y el público, recorrieron la distancia a pie. Los músicos del sindicato se negaron a actuar en un teatro comercial a cambio de salarios más bajos. El sindicato de actores declaró que la producción pertenecía al Proyecto Federal de Teatro y no podía representarse fuera de ese contexto sin permiso. A falta de la participación de los miembros del sindicato, The Cradle Will Rock comenzó con Blitzstein presentando el espectáculo y tocando el acompañamiento de piano en el escenario, con algunos miembros del reparto actuando desde el público. Esta representación improvisada fue bien recibida por el público.

Teatro Mercury

Rompiendo con el Federal Theatre Project en 1937, Welles y Houseman fundaron su propia compañía de repertorio, a la que llamaron Mercury Theatre. El nombre se inspiró en el título de la revista iconoclasta The American Mercury: 119-120 Welles fue productor ejecutivo, y la compañía original incluía a actores como Joseph Cotten, George Coulouris, Geraldine Fitzgerald, Arlene Francis, Martin Gabel, John Hoyt, Norman Lloyd, Vincent Price, Stefan Schnabel e Hiram Sherman.

«Creo que fue el mayor talento directorial que hemos tenido en el teatro», dijo Lloyd sobre Welles en una entrevista de 2014. «Cuando veías una producción de Welles, veías que el texto había sido afectado, la puesta en escena era notable, los decorados eran inusuales, la música, el sonido, la iluminación, una totalidad de todo. No habíamos tenido un hombre así en nuestro teatro. Fue el primero y sigue siendo el más grande».

El Mercury Theatre abrió sus puertas el 11 de noviembre de 1937 con César, la adaptación de la tragedia de Shakespeare Julio César realizada por Welles con ropa moderna, convertida en un tour de force antifascista que Joseph Cotten describió más tarde como «tan vigorosa, tan contemporánea que puso a Broadway de cabeza»: 108 El decorado era completamente abierto, sin telón, y la pared de ladrillo del escenario estaba pintada de rojo oscuro. Los cambios de escena se conseguían sólo con iluminación: 165 En el escenario había una serie de contrahuellas; en una de ellas se cortaron cuadrados a intervalos y se colocaron luces debajo, apuntando hacia arriba para evocar la «catedral de luz» de los mítines de Nuremberg. «Lo escenificó como un melodrama político que hubiera ocurrido la noche anterior», dijo Lloyd.

A partir del 1 de enero de 1938, César se representó en repertorio con Las vacaciones del zapatero; ambas producciones se trasladaron al Teatro Nacional, más grande. Les siguieron Heartbreak House (29 de abril de 1938) y La muerte de Danton (5 de noviembre de 1938).: 344 Además de presentarse en una versión reducida de oratorio en el Mercury Theatre los domingos por la noche en diciembre de 1937, The Cradle Will Rock estuvo en el Windsor Theatre durante 13 semanas (del 4 de enero al 2 de abril de 1938)…: 340 Tal fue el éxito del Mercury Theatre que Welles apareció en la portada de la revista Time, totalmente maquillado como el capitán Shotover en Heartbreak House, en el número del 9 de mayo de 1938, tres días después de su 23 cumpleaños.

El 6 de abril de 1938, durante una producción de César, Orson Welles apuñaló accidentalmente a Joseph Holland con un cuchillo de acero durante la escena 1 del tercer acto, en la que Bruto traiciona a César; se utilizó un cuchillo de verdad por la forma en que captaba dramáticamente la luz durante la escena. Holland tardó un mes en recuperarse de la herida, y este incidente dañó permanentemente las relaciones entre ambos.

Simultáneamente a su trabajo en el teatro, Welles trabajó mucho en la radio como actor, guionista, director y productor, a menudo sin reconocimiento: 77 Entre 1935 y 1937 llegó a ganar hasta 2.000 dólares a la semana, yendo de un estudio de radio a otro a tal velocidad que apenas llegaba a tiempo para repasar sus líneas antes de salir al aire. Mientras dirigía Voodoo Macbeth, Welles se desplazaba entre Harlem y el centro de Manhattan tres veces al día para cumplir con sus compromisos radiofónicos..: 172

Además de continuar como actor de repertorio en The March of Time, en otoño de 1936 Welles adaptó e interpretó Hamlet en un primer episodio de dos partes del Columbia Workshop de CBS Radio. Su actuación como locutor en la presentación en abril de 1937 del drama en verso de Archibald MacLeish The Fall of the City supuso un importante avance en su carrera radiofónica: 78 y convirtió a Welles, de 21 años, en una estrella de la noche a la mañana…: 46

En julio de 1937, la Mutual Network le dio a Welles una serie de siete semanas para adaptar Los Miserables. Fue su primer trabajo como guionista-director para radio,: 338 el debut radiofónico del Mercury Theatre, y uno de los primeros y mejores logros de Welles.: 160 Inventó el uso de la narración en la radio.: 88

«Al convertirse en el centro del proceso de narración, Welles fomentó la impresión de autoadulación que perseguiría su carrera hasta el día de su muerte», escribió el crítico Andrew Sarris. «Sin embargo, en su mayor parte, Welles fue singularmente generoso con los demás miembros de su reparto e inspiró en ellos una lealtad que iba más allá de la llamada de la profesionalidad»: 8

Ese septiembre, la Mutual eligió a Welles para interpretar a Lamont Cranston, también conocido como La Sombra. Interpretó el papel de forma anónima hasta mediados de septiembre de 1938.

El Teatro Mercury en el aire

Tras los éxitos teatrales del Mercury Theatre, CBS Radio invitó a Orson Welles a crear un programa de verano durante 13 semanas. La serie comenzó el 11 de julio de 1938, titulada inicialmente First Person Singular (Primera persona singular), con la fórmula de que Welles sería el protagonista de cada programa. Unos meses más tarde, el programa pasó a llamarse The Mercury Theatre on the Air: 12 El programa semanal, de una hora de duración, presentaba obras radiofónicas basadas en obras literarias clásicas, con música original compuesta y dirigida por Bernard Herrmann.

La adaptación radiofónica del Mercury Theatre de La guerra de los mundos, de H. G. Wells, el 30 de octubre de 1938, lanzó a Welles a la fama. Se dice que la combinación de la forma de boletín informativo de la representación con los hábitos de los oyentes de girar el dial entre pausas creó una confusión generalizada entre los oyentes que no oyeron la introducción, aunque se ha cuestionado el alcance de esta confusión. Se dice que cundió el pánico entre los oyentes que creyeron las noticias ficticias sobre una invasión marciana. El mito del resultado creado por la combinación se divulgó como un hecho en todo el mundo y fue mencionado despectivamente por Adolf Hitler en un discurso público.

La creciente fama de Welles atrajo ofertas de Hollywood, señuelos a los que Welles, de mentalidad independiente, se resistió al principio. El Mercury Theatre on the Air, que había sido un programa sostenible (sin patrocinio), fue adquirido por Campbell Soup y rebautizado como The Campbell Playhouse. El Mercury Theatre on the Air hizo su última emisión el 4 de diciembre de 1938, y The Campbell Playhouse comenzó cinco días después.

Welles comenzó a desplazarse de California a Nueva York para las dos emisiones dominicales de The Campbell Playhouse tras firmar un contrato cinematográfico con RKO Pictures en agosto de 1939. En noviembre de 1939, la producción se trasladó de Nueva York a Los Ángeles: 353

Después de 20 programas, Campbell empezó a ejercer un mayor control creativo y tenía el control total sobre la selección de las historias. Cuando su contrato con Campbell llegó a su fin, Welles decidió no firmar para otra temporada. Tras la emisión del 31 de marzo de 1940, Welles y Campbell se separaron amistosamente.: 221-226

El presidente de RKO Radio Pictures, George Schaefer, acabó ofreciéndole a Welles lo que generalmente se considera el mejor contrato ofrecido a un cineasta, y mucho menos a uno que no había probado nada. El contrato, por el que se comprometía a escribir, producir, dirigir y actuar en dos películas, subordinaba los intereses financieros del estudio al control creativo de Welles y rompía todos los precedentes al concederle el derecho al montaje final: 1-2 Tras firmar un acuerdo resumido con la RKO el 22 de julio, Welles firmó un contrato completo de 63 páginas el 21 de agosto de 1939.: 353 Los estudios de Hollywood se resintieron amargamente del acuerdo y la prensa especializada se burló insistentemente de él.: 2

Ciudadano Kane

La RKO rechazó las dos primeras propuestas de Welles, pero aceptó la tercera: Ciudadano Kane. Welles coescribió, produjo y dirigió la película, e interpretó el papel principal. Welles concibió el proyecto con el guionista Herman J. Mankiewicz, que escribía obras radiofónicas para The Campbell Playhouse: 16 Mankiewicz basó el esbozo original del guión cinematográfico en la vida de William Randolph Hearst, a quien conocía socialmente y llegó a odiar tras ser exiliado del círculo de Hearst: 231

Tras acordar el argumento y los personajes, Welles entregó a Mankiewicz 300 páginas de notas y le encargó que escribiera el primer borrador del guión bajo la supervisión de John Houseman. Welles escribió su propio borrador: 54 luego condensó y reorganizó drásticamente ambas versiones y añadió escenas propias. La industria acusó a Welles de infravalorar la contribución de Mankiewicz al guión, pero Welles respondió a los ataques diciendo: «Al final, naturalmente, era yo quien hacía la película, después de todo, quien tenía que tomar las decisiones. Utilicé lo que quise de Mank y, con razón o sin ella, me quedé con lo que me gustaba de las mías»: 54

El proyecto de Welles atrajo a algunos de los mejores técnicos de Hollywood, como el director de fotografía Gregg Toland. Para el reparto, Welles recurrió principalmente a actores de su Mercury Theatre. El rodaje de Ciudadano Kane duró diez semanas.

Los periódicos de Hearst prohibieron toda referencia a Ciudadano Kane y ejercieron una enorme presión sobre la comunidad cinematográfica de Hollywood para obligar a la RKO a archivar la película: 111 El jefe de la RKO, George Schaefer, recibió una oferta en metálico de Louis B. Mayer, de MGM, y de otros ejecutivos de grandes estudios si destruía el negativo y las copias existentes de la película: 112

Mientras esperaba el estreno de Ciudadano Kane, Welles produjo y dirigió la producción original de Broadway de Native Son, un drama escrito por Paul Green y Richard Wright basado en la novela de Wright. Protagonizada por Canada Lee, la obra se representó del 24 de marzo al 28 de junio de 1941 en el St. James Theatre. La producción de Mercury fue la última vez que Welles y Houseman trabajaron juntos: 12

Ciudadano Kane tuvo un estreno limitado y la película recibió elogios abrumadores de la crítica. Fue elegida la mejor película de 1941 por el National Board of Review y el New York Film Critics Circle. La película obtuvo nueve nominaciones a los Oscar, pero sólo ganó el de mejor guión original, compartido por Mankiewicz y Welles. Variety informó de que la votación en bloque de los extras de la pantalla privó a Ciudadano Kane de los Oscar a la mejor película y al mejor actor (Welles), y es probable que prejuicios similares fueran responsables de que la película no recibiera ningún premio técnico..: 117

El retraso en el estreno de la película y su desigual distribución contribuyeron a unos resultados mediocres en taquilla. En 1942, Ciudadano Kane se retiró de las salas de cine. En la Francia de la posguerra, sin embargo, la reputación de la película creció después de que se viera por primera vez en 1946: 117-118 En Estados Unidos, comenzó a ser revalorizada después de que empezara a aparecer en televisión en 1956. Ese año también se reestrenó en los cines,: 119 y el crítico de cine Andrew Sarris la describió como «la gran película americana» y «la obra que influyó en el cine más profundamente que ninguna otra película americana desde El nacimiento de una nación». Ciudadano Kane es considerada una de las mejores películas de la historia.

Los Magníficos Amberson

La segunda película de Welles para la RKO fue The Magnificent Ambersons, adaptada por Welles de la novela de Booth Tarkington, ganadora del Premio Pulitzer. Toland no estaba disponible, así que Stanley Cortez fue nombrado director de fotografía. El meticuloso Cortez trabajó con lentitud y la película se retrasó con respecto al calendario y superó el presupuesto. Antes de la producción, se renegoció el contrato de Welles, revocando su derecho a controlar el montaje final. The Magnificent Ambersons estuvo en producción del 28 de octubre de 1941 al 22 de enero de 1942.

Durante el rodaje de la película, Welles también produjo una serie de radio semanal de media hora, The Orson Welles Show. Muchos de los actores de Ambersons participaron en la serie radiofónica de la CBS, que se emitió del 15 de septiembre de 1941 al 2 de febrero de 1942: 525

Viaje al miedo

A petición de RKO, Welles trabajó en una adaptación del thriller de espionaje Viaje al miedo, de Eric Ambler, coescrito con Joseph Cotten. Además de actuar en la película, Welles fue el productor. La dirección corrió a cargo de Norman Foster. Welles dijo más tarde que tenían tanta prisa que el director de cada escena era determinado por quien estuviera más cerca de la cámara: 165

Journey into Fear estuvo en producción del 6 de enero al 12 de marzo de 1942.

Trabajo de guerra

A finales de noviembre de 1941, Welles fue nombrado embajador de buena voluntad en América Latina por Nelson Rockefeller, coordinador estadounidense de Asuntos Interamericanos y principal accionista de RKO Radio Pictures: 244 La misión de la OCIAA era la diplomacia cultural, promoviendo la solidaridad hemisférica y contrarrestando la creciente influencia de las potencias del Eje en América Latina. : 10-11 El gobierno brasileño pidió a John Hay Whitney, jefe de la División Cinematográfica de la agencia, que produjera un documental sobre la celebración anual del Carnaval de Río, que tendría lugar a principios de febrero de 1942: 40-41 En un telegrama del 20 de diciembre de 1941, Whitney escribió a Welles: «Personalmente creo que usted haría una gran contribución a la solidaridad hemisférica con este proyecto»: 65

La OCIAA patrocinó giras culturales a Latinoamérica y nombró embajadores de buena voluntad a George Balanchine y el American Ballet, Bing Crosby, Aaron Copland, Walt Disney, John Ford y Rita Hayworth. Welles fue informado exhaustivamente en Washington, D.C., inmediatamente antes de su partida hacia Brasil, y la especialista en cine Catherine L. Benamou, especialista en asuntos latinoamericanos, considera «no improbable» que formara parte de los embajadores de buena voluntad a los que se pidió que, además de sus tareas culturales, recabaran información para el gobierno de Estados Unidos. Concluye que la aceptación por parte de Welles de la petición de Whitney fue «una elección lógica y patriótica»..: 245-247

Además de trabajar en su malogrado proyecto cinematográfico It’s All True, Welles fue responsable de programas de radio, conferencias, entrevistas y charlas informales como parte de su misión cultural patrocinada por la OCIAA, que fue considerada un éxito.: 192 Habló de temas que iban desde Shakespeare a las artes visuales en reuniones de la élite brasileña, y sus dos emisiones de radio intercontinentales en abril de 1942 tenían como objetivo particular comunicar al público estadounidense que el presidente Vargas era un aliado de los Aliados. La misión de embajador de Welles se amplió para permitirle viajar a otras naciones, entre ellas Argentina, Bolivia, Chile, Colombia, Ecuador, Guatemala, México, Perú y Uruguay.: 247-249, 328 Welles trabajó durante más de medio año sin recibir compensación alguna.: 189

Las expectativas de Welles eran modestas. «Todo es verdad no iba a hacer historia en el cine, ni era su intención», dijo más tarde. «Pretendía ser una ejecución perfectamente honorable de mi trabajo como embajador de buena voluntad, llevando entretenimiento al Hemisferio Norte que les mostrara algo sobre el Sur»: 253

En julio de 1941, Welles concibió Todo es verdad como una película ómnibus que mezclaba documental y docuficción: 27 en un proyecto que hacía hincapié en la dignidad del trabajo y celebraba la diversidad cultural y étnica de Norteamérica. Iba a ser su tercera película para la RKO, tras Ciudadano Kane (1941) y Los magníficos Amberson (1942).: 109 Duke Ellington fue contratado para componer un segmento con el título provisional de «La historia del jazz», extraído de la autobiografía de Louis Armstrong de 1936, Swing That Music.: 232-233 Armstrong fue elegido para interpretarse a sí mismo en la breve dramatización de la historia de la interpretación del jazz, desde sus raíces hasta su lugar en la cultura estadounidense de los años 40.: 109 «The Story of Jazz» entraría en producción en diciembre de 1941.: 119-120

Mercury Productions compró al documentalista Robert J. Flaherty las historias de otros dos segmentos: «Mi amigo Bonito» y «La silla del capitán»: 33, 326 Adaptado por Norman Foster y John Fante, «Mi amigo Bonito» fue el único segmento del original Todo es verdad que entró en producción.: 109 El rodaje tuvo lugar en México entre septiembre y diciembre de 1941, con Norman Foster como director bajo la supervisión de Welles.: 311

En diciembre de 1941, la Oficina del Coordinador de Asuntos Interamericanos pidió a Welles que rodara una película en Brasil que mostrara el Carnaval de Río de Janeiro: 65 Con el rodaje de «Mi amigo Bonito» completado en sus dos terceras partes, Welles decidió que podía cambiar la geografía de It’s All True e incorporar la historia de Flaherty a una película ómnibus sobre Latinoamérica, apoyando la política de buena vecindad de la administración Roosevelt, que Welles defendía firmemente. : 41, 246 En este concepto revisado, «La historia del jazz» fue sustituida por la historia de la samba, una forma musical con una historia comparable y que llegó a fascinar a Welles. También decidió hacer un episodio arrancado de los titulares sobre el viaje épico de cuatro pobres pescadores brasileños, los jangadeiros, que se habían convertido en héroes nacionales. Welles dijo más tarde que ésta era la historia más valiosa: 15

Requerido para filmar el Carnaval de Río de Janeiro a principios de febrero de 1942, Welles se apresuró a editar The Magnificent Ambersons y terminar sus escenas de actuación en Journey into Fear. Puso fin a su lucrativo programa de radio en la CBS: 189 2 de febrero, voló a Washington, D.C., para una sesión informativa, y luego montó un montaje aproximado de Ambersons en Miami con el editor Robert Wise.: 369-370 Welles grabó la narración de la película la noche antes de partir hacia Sudamérica: «Fui a la sala de proyección a eso de las cuatro de la mañana, lo hice todo y luego me subí al avión y me fui a Río… y al fin de la civilización tal y como la conocemos»: 115

Welles partió para Brasil el 4 de febrero y comenzó a filmar en Río el 8 de febrero de 1942.: 369-370 En aquel momento no parecía que los demás proyectos cinematográficos de Welles fueran a verse interrumpidos, pero, como escribió la historiadora del cine Catherine L. Benamou, «el nombramiento de embajador sería el primero de una serie de puntos de inflexión que conducirían -en ‘zigs’ y ‘zags’, más que en línea recta- a la pérdida de Welles del control total de la dirección de The Magnificent Ambersons y It’s All True, la cancelación de su contrato con el estudio de radio RKO, la expulsión de su compañía Mercury Productions del lote de RKO y, finalmente, la suspensión total de It’s All True»: 46

En 1942, RKO Pictures sufrió importantes cambios bajo una nueva dirección. Nelson Rockefeller, el principal patrocinador del proyecto de Brasil, abandonó su consejo de administración, y el principal patrocinador de Welles en la RKO, el presidente del estudio George Schaefer, dimitió. La RKO tomó el control de Ambersons y editó la película en lo que el estudio consideraba un formato comercial. Los intentos de Welles por proteger su versión acabaron fracasando. En Sudamérica, Welles solicitó recursos para terminar Todo es verdad. Con una cantidad limitada de película en blanco y negro y una cámara muda, pudo terminar de rodar el episodio sobre los jangadeiros, pero la RKO se negó a seguir apoyando la producción de la película.

«Así que me despidieron de la RKO», recordó Welles más tarde. «E hicieron una gran publicidad del hecho de que me había ido a Sudamérica sin guión y había tirado todo ese dinero a la basura. Nunca me recuperé de aquel ataque»: 188 Más tarde, en 1942, cuando RKO Pictures empezó a promocionar su nuevo lema corporativo, «Showmanship In Place of Genius: Un nuevo trato en la RKO»: 29 Welles lo entendió como una referencia a él.: 188

Welles regresó a Estados Unidos el 22 de agosto de 1942, después de más de seis meses en Sudamérica. Produjo y presentó las dos primeras horas de una emisión de siete horas de duración, de costa a costa, sobre la campaña de bonos de guerra, titulada I Pledge America. Emitido el 29 de agosto de 1942 en la Blue Network, el programa fue presentado en cooperación con el Departamento del Tesoro de los Estados Unidos, Western Union (que enviaba suscripciones de bonos gratuitamente) y los Servicios Voluntarios de Mujeres Estadounidenses. Con 21 orquestas de baile y una veintena de estrellas del teatro, la pantalla y la radio, la emisión recaudó más de 10 millones de dólares, más de 146 millones de dólares en la actualidad.

El 12 de octubre de 1942, Cavalcade of America presentó la obra radiofónica de Welles, Admiral of the Ocean Sea, una mirada entretenida y objetiva a la leyenda de Cristóbal Colón.

«Pertenece a un periodo en el que la unidad hemisférica era un asunto crucial y se dedicaban muchos programas al patrimonio común de las Américas», escribió el historiador de la radiodifusión Erik Barnouw. «Muchos de esos programas se traducían al español y al portugués y se emitían en América Latina, para contrarrestar los muchos años de éxito de la propaganda del Eje en esa zona. El Eje, tratando de azuzar a Latinoamérica contra Angloamérica, había enfatizado constantemente las diferencias entre ambos. Se convirtió en el trabajo de la radio americana enfatizar su experiencia común y su unidad esencial»: 3

Almirante de la Mar Océana, también conocido como Columbus Day, comienza con las palabras «Hola americanos» -el título que Welles elegiría para su propia serie cinco semanas más tarde-: 373

Hello Americans, una serie de radio de la CBS emitida entre el 15 de noviembre de 1942 y el 31 de enero de 1943, fue producida, dirigida y presentada por Welles bajo los auspicios de la Oficina del Coordinador de Asuntos Interamericanos. El programa semanal de 30 minutos promovía la comprensión y la amistad interamericanas, basándose en la investigación acumulada para la malograda película It’s All True. La serie se produjo al mismo tiempo que la otra serie de Welles en la CBS, Ceiling Unlimited (9 de noviembre de 1942 – 1 de febrero de 1943), patrocinada por la Lockheed-Vega Corporation. El programa fue concebido para glorificar la industria de la aviación y dramatizar su papel en la Segunda Guerra Mundial. Los programas de Welles se consideraron una importante contribución al esfuerzo bélico: 64

Durante la guerra, Welles trabajó en programas de radio patrióticos como Command Performance, G.I. Journal, Mail Call, Nazi Eyes on Canada, Stage Door Canteen y Treasury Star Parade.

A principios de 1943, las dos series de radio simultáneas (Ceiling Unlimited, Hello Americans) que Orson Welles creó para la CBS para apoyar el esfuerzo bélico habían terminado. En 1943 también había terminado el rodaje de la adaptación cinematográfica de Jane Eyre, y esos honorarios, además de los ingresos procedentes de sus habituales papeles como estrella invitada en la radio, hicieron posible que Welles cumpliera el sueño de su vida. Se puso en contacto con la Liga de Ayuda a la Guerra del Sur de California y propuso un espectáculo que se convirtió en una gran carpa, en parte circo y en parte espectáculo de magia. Ofreció sus servicios como mago y director, 40 e invirtió unos 40.000 dólares de su propio dinero en un espectáculo que coprodujo con su amigo Joseph Cotten: The Mercury Wonder Show for Service Men. Los miembros de las fuerzas armadas de EE.UU. tenían entrada gratuita, mientras que el público en general debía pagar: 26 El espectáculo entretuvo a más de 1.000 miembros del servicio cada noche, y los beneficios se destinaron a la War Assistance League, una organización benéfica para el personal del servicio militar.

El desarrollo del espectáculo coincidió con la resolución de la cambiante situación de Welles en mayo de 1943, cuando finalmente fue declarado 4-F -no apto para el servicio militar- por diversas razones médicas. «Me sentía culpable por la guerra», dijo Welles a su biógrafa Barbara Leaming. «Me sentía culpable por mi condición de civil»: 86 Había sido acosado públicamente sobre su patriotismo desde Ciudadano Kane, cuando la prensa de Hearst empezó a preguntarle insistentemente por qué Welles no había sido llamado a filas.

El Mercury Wonder Show se celebró del 3 de agosto al 9 de septiembre de 1943 en una carpa de 80 por 120 pies situada en el 900 de Cahuenga Boulevard, en el corazón de Hollywood: 26

En el intermedio del 7 de septiembre de 1943, la radio KMPC entrevistó a miembros del público y del reparto de The Mercury Wonder Show, incluidos Welles y Rita Hayworth, que se habían casado ese mismo día. Welles comentó que The Mercury Wonder Show se había representado para unos 48.000 miembros de las fuerzas armadas de EE.UU.: 129

La idea de hacer un programa de variedades radiofónico se le ocurrió a Welles tras su éxito como presentador sustituto de cuatro episodios consecutivos (del 14 de marzo al 4 de abril de 1943) de The Jack Benny Program, el programa más popular de la radio, cuando Benny contrajo una neumonía en una gira de actuaciones por bases militares. The Orson Welles Almanac, un programa de variedades de media hora de duración emitido del 26 de enero al 19 de julio de 1944 en la Columbia Pacific Network, presentaba sketches cómicos, magia, lectura de mentes, música y lecturas de obras clásicas. Muchos de los espectáculos se originaron en campamentos militares estadounidenses, donde Welles y su compañía de repertorio e invitados entretenían a las tropas con una versión reducida de The Mercury Wonder Show. Las actuaciones del grupo de jazz de estrellas que Welles reunía para el espectáculo eran tan populares que la banda se convirtió en un espectáculo habitual y fue una fuerza importante para reavivar el interés por el jazz tradicional de Nueva Orleans: 85  El 15 de mayo de 1944, Welles entró a formar parte de la nómina del Tesoro de Estados Unidos como consultor experto mientras durara la guerra, con un anticipo de un dólar al año. Por recomendación del presidente Franklin D. Roosevelt, el Secretario del Tesoro Henry Morgenthau pidió a Welles que dirigiera la Quinta Campaña de Préstamos de Guerra, que comenzó el 12 de junio con un programa de radio de una hora en las cuatro cadenas, emitido desde Texarkana, Texas. El programa, que incluía una declaración del Presidente, definía las causas de la guerra y animaba a los estadounidenses a comprar 16.000 millones de dólares en bonos para financiar el desembarco de Normandía y la fase más violenta de la Segunda Guerra Mundial. Welles p

Welles hizo una ardiente campaña por Roosevelt en 1944. Partidario y orador de campaña de FDR durante mucho tiempo, ocasionalmente enviaba al presidente ideas y frases que a veces se incorporaban a lo que Welles caracterizaba como «discursos menos importantes».: 372, 374 Una de estas ideas fue el chiste de lo que llegó a llamarse el discurso de Fala, el discurso que Roosevelt pronunció el 23 de septiembre ante el Sindicato Internacional de Camioneros y que abrió la campaña presidencial de 1944.

Welles hizo campaña por la candidatura Roosevelt-Truman casi a tiempo completo en el otoño de 1944, viajando a casi todos los estados: 373-374 en detrimento de su propia salud: 219 Además de sus discursos radiofónicos, sustituyó a Roosevelt, frente al candidato presidencial republicano Thomas E. Dewey, en el Foro del New York Herald Tribune emitido el 18 de octubre en la Blue Network: 292 Welles acompañó a FDR en su último mitin de campaña, hablando en un acto el 4 de noviembre en el Fenway Park de Boston ante 40.000 personas, y participó en una histórica emisión de la campaña de la víspera de las elecciones el 6 de noviembre en las cuatro cadenas de radio:: 166-167

El 21 de noviembre de 1944, Welles comenzó su asociación con This Is My Best, una serie radiofónica de la CBS que produciría, dirigiría, escribiría y presentaría brevemente (del 13 de marzo al 24 de abril de 1945). Escribió una columna política llamada Orson Welles’ Almanac (más tarde titulada Orson Welles Today) para The New York Post de enero a noviembre de 1945, y defendió la continuación de las políticas del New Deal de FDR y su visión internacional, en particular la creación de las Naciones Unidas y la causa de la paz mundial: 84

El 12 de abril de 1945, día de la muerte de Franklin D. Roosevelt, la cadena Blue-ABC reunió a todo su personal ejecutivo y a líderes nacionales para rendir homenaje al difunto presidente. «Entre los programas destacados que atrajeron una amplia atención se encontraba un homenaje especial pronunciado por Orson Welles», informó la revista Broadcasting. Welles habló a las 22:10, hora de guerra del Este, desde Hollywood, y subrayó la importancia de continuar la obra de FDR: «Él no tiene necesidad de homenajes y nosotros, que le amábamos, no tenemos tiempo para lágrimas… Nuestros hijos y hermanos combatientes no pueden detenerse esta noche para conmemorar la muerte de aquel cuyo nombre dará nombre a la época en que vivimos.»

Welles presentó otra emisión especial sobre la muerte de Roosevelt la noche siguiente: «Debemos avanzar más allá de la mera muerte hacia ese mundo libre que fue la esperanza y la labor de su vida»: 242

Dedicó el episodio del 17 de abril de This Is My Best a Roosevelt y al futuro de Estados Unidos en vísperas de la Conferencia de las Naciones Unidas sobre Organización Internacional. Welles fue asesor y corresponsal de la cadena de radio Blue-ABC en la cobertura de la conferencia de San Francisco que formó la ONU, celebrada entre el 24 de abril y el 23 de junio de 1945. Presentó un programa dramático de media hora escrito por Ben Hecht el día de la inauguración de la conferencia, y los domingos por la tarde (del 29 de abril al 10 de junio) dirigió un debate semanal desde el Auditorio Cívico de San Francisco.

El forastero

En otoño de 1945, Welles empezó a trabajar en The Stranger (1946), un drama de cine negro sobre un investigador de crímenes de guerra que sigue la pista de un fugitivo nazi de alto rango hasta un idílico pueblo de Nueva Inglaterra. Edward G. Robinson, Loretta Young y Welles son los protagonistas.

El productor Sam Spiegel planeó inicialmente contratar al director John Huston, que había reescrito el guión de Anthony Veiller. Cuando Huston se alistó en el ejército, Welles tuvo la oportunidad de dirigir y demostrar que era capaz de hacer una película en el plazo previsto y sin exceder el presupuesto: 19 -algo que estaba tan ansioso por hacer que aceptó un contrato desventajoso. Una de sus concesiones era que se sometería al estudio en cualquier disputa creativa.: 309-310

El Extranjero fue el primer trabajo de Welles como director de cine en cuatro años.: 391 Le dijeron que si la película tenía éxito, podría firmar un contrato de cuatro películas con International Pictures: 379 Welles recibió cierto grado de control creativo: 19 y se esforzó por personalizar la película y desarrollar un tono de pesadilla: 2:30 Trabajó en la reescritura general del guión y escribió escenas al principio de la película que fueron rodadas pero posteriormente cortadas por los productores: 186 Rodó en tomas largas que frustraron en gran medida el control dado al montador Ernest J. Nims según los términos del contrato: 15:45

El extranjero fue la primera película comercial que utilizó imágenes documentales de los campos de concentración nazis. Welles había visto las imágenes a principios de mayo de 1945: como corresponsal y moderador en la Conferencia de la ONU sobre Organización Internacional: 304 Escribió sobre las imágenes del Holocausto en su columna sindicada del New York Post el 7 de mayo de 1945: 56-57

Terminada un día antes de lo previsto y por debajo del presupuesto: 379-380 El desconocido fue la única película de Welles que fue un éxito de taquilla en su estreno. Costó 1,034 millones de dólares y 15 meses después de su estreno había recaudado 3,216 millones. A las pocas semanas de terminar la película, International Pictures renunció al contrato de cuatro películas que le había prometido a Welles. No se dio ninguna razón, pero quedó la impresión de que The Stranger no daría dinero: 381

En todo el mundo

En el verano de 1946, Welles se trasladó a Nueva York para dirigir el musical de Broadway Around the World, una adaptación teatral de la novela de Julio Verne La vuelta al mundo en ochenta días con libro de Welles y música de Cole Porter. El productor Mike Todd, que más tarde produciría la exitosa adaptación cinematográfica de 1956, se retiró de la fastuosa y costosa producción, dejando a Welles a cargo de las finanzas. Cuando Welles se quedó sin dinero, convenció al presidente de Columbia Pictures, Harry Cohn, para que enviara el dinero suficiente para continuar con el espectáculo, y a cambio Welles prometió escribir, producir, dirigir y protagonizar una película para Cohn sin cobrar nada más. El espectáculo fracasó pronto debido a la escasa recaudación, y Welles no pudo reclamar las pérdidas en sus impuestos.

Radio (1946)

En 1946, Welles inició dos nuevas series radiofónicas: Mercury Summer Theatre of the Air, para la CBS, y Orson Welles Commentaries, para la ABC. Mientras que Mercury Summer Theatre presentaba adaptaciones de media hora de algunos programas de radio clásicos de Mercury de la década de 1930, el primer episodio era una condensación de su obra de teatro Around the World, y es la única grabación de la música de Cole Porter para el proyecto. Varios actores originales de Mercury regresaron para la serie, así como Bernard Herrmann. Welles invirtió sus ganancias en su fallida obra teatral. Commentaries fue un vehículo político para él, continuando los temas de su columna del New York Post. De nuevo, Welles carecía de un enfoque claro, hasta que la NAACP llamó su atención sobre el caso de Isaac Woodard. Welles prestó mucha atención a la causa de Woodard.

La última emisión de los Comentarios de Orson Welles, el 6 de octubre de 1946, marcó el final de los programas radiofónicos del propio Welles..: 401

La dama de Shanghai

La película que Welles se vio obligado a hacer a cambio de la ayuda de Harry Cohn para financiar la producción teatral La vuelta al mundo fue La dama de Shanghai, rodada en 1947 para Columbia Pictures. Previsto como un modesto thriller, el presupuesto se disparó después de que Cohn sugiriera que la entonces segunda esposa de Welles, Rita Hayworth, fuera coprotagonista.

A Cohn no le gustó el primer montaje de Welles, sobre todo la confusión de la trama y la falta de primeros planos, y no estaba de acuerdo con el uso brechtiano de la ironía y la comedia negra, especialmente en una farsesca escena del tribunal. Cohn ordenó un extenso montaje y nuevos rodajes. Tras un arduo trabajo de edición por parte del estudio, se eliminó aproximadamente una hora del primer montaje de Welles, incluida gran parte de una escena culminante de enfrentamiento en la sala de atracciones de un parque de atracciones. Además de expresar su descontento por los cortes, Welles se mostró horrorizado sobre todo por la partitura musical. La película fue considerada un desastre en Estados Unidos en el momento de su estreno, aunque el tiroteo final en un salón de espejos (el uso de espejos es un motivo recurrente de Welles) se ha convertido desde entonces en una piedra de toque del cine negro. Poco después del estreno, Welles y Hayworth finalizaron su divorcio.

Aunque La dama de Shanghai fue aclamada en Europa, no fue aceptada en Estados Unidos hasta décadas más tarde, donde se considera un clásico del cine negro. La película Monsieur Verdoux, inspirada en Chaplin, iba a ser dirigida por Welles y protagonizada por Chaplin, pero luego fue Chaplin quien la dirigió, aunque la idea se atribuyó a Welles.

Macbeth

Antes de 1948, Welles convenció a Republic Pictures para que le permitiera dirigir una versión de bajo presupuesto de Macbeth, que contaba con decorados y vestuarios muy estilizados y un reparto de actores que sincronizaban los labios con una banda sonora pregrabada, una de las muchas técnicas innovadoras de recorte de gastos que Welles desplegó en un intento de hacer una película épica con recursos de serie B. El guión, adaptado por Welles, es una violenta reelaboración del original de Shakespeare, cortando y pegando libremente líneas en nuevos contextos mediante una técnica de collage y reconstruyendo Macbeth como un choque de ideologías paganas y protocristianas. Algunos rasgos del famoso vudú de Welles

En un principio, Republic consideró que la película era una obra importante, pero decidió que no le interesaban los acentos escoceses y retrasó su estreno durante casi un año tras las primeras reacciones negativas de la prensa, como el comentario de Life de que la película de Welles «masacra vilmente a Shakespeare». Welles se marchó a Europa, mientras el coproductor y colaborador de toda la vida Richard Wilson retocaba la banda sonora. Welles regresó y recortó 20 minutos de la película a petición de Republic y grabó una narración para cubrir algunas lagunas. La película fue calificada de desastre. Macbeth tuvo admiradores influyentes en Europa, especialmente el poeta y cineasta francés Jean Cocteau, que alabó el «poder crudo e irreverente» de la película y el cuidado diseño de las tomas, y describió a los personajes como rondando «los pasillos de algún metro onírico, una mina de carbón abandonada y sótanos en ruinas que rezuman agua».

En Italia protagonizó el papel de Cagliostro en la película de 1948 Magia negra. Su coprotagonista, Akim Tamiroff, impresionó tanto a Welles que Tamiroff aparecería en cuatro de las producciones de Welles durante las décadas de 1950 y 1960.

Al año siguiente, Welles interpretó a Harry Lime en El tercer hombre, de Carol Reed, junto a Joseph Cotten, su amigo y coprotagonista de Ciudadano Kane, con guión de Graham Greene y una memorable partitura de Anton Karas.

Unos años más tarde, el productor radiofónico británico Harry Alan Towers resucitaría al personaje de Lime en la serie radiofónica Las aventuras de Harry Lime.

Welles apareció como César Borgia en la película italiana de 1949 Príncipe de los zorros, con Tyrone Power y Everett Sloane, antiguo alumno del Mercury Theatre, y como el guerrero mongol Bayan en la versión cinematográfica de 1950 de la novela La rosa negra (de nuevo con Tyrone Power).

Otelo

En esa época, Welles invertía el dinero que ganaba actuando en una versión cinematográfica autofinanciada de la obra de Shakespeare Otelo. De 1949 a 1951, Welles trabajó en Otelo, rodando en Italia y Marruecos. La película contó con los amigos de Welles, Micheál Mac Liammóir como Iago y Hilton Edwards como Brabantio, el padre de Desdémona. Suzanne Cloutier interpretó a Desdémona y Robert Coote, antiguo alumno del Campbell Playhouse, apareció como Roderigo, socio de Iago.

El rodaje se suspendió varias veces cuando Welles se quedó sin fondos y se marchó para trabajar como actor, como se explica detalladamente en las memorias publicadas por MacLiammóir, Put Money in Thy Purse. Las copias de los estrenos estadounidenses tenían una banda sonora técnicamente defectuosa, que sufría un corte de sonido en cada momento de silencio. La hija de Welles, Beatrice Welles-Smith, restauró Otelo en 1992 para su reestreno. La restauración incluyó la reconstrucción de la partitura original de Angelo Francesco Lavagnino, que originalmente era inaudible, y la adición de efectos de sonido ambiente estéreo, que no estaban en la película original. La restauración se estrenó con éxito en los cines de Estados Unidos.

En 1952, Welles siguió encontrando trabajo en Inglaterra tras el éxito del programa radiofónico de Harry Lime. Harry Alan Towers ofreció a Welles otra serie, The Black Museum, que se emitió durante 52 semanas con Welles como presentador y narrador. El director Herbert Wilcox ofreció a Welles el papel de la víctima asesinada en Trent’s Last Case, basada en la novela de E. C. Bentley. En 1953, la BBC contrató a Welles para leer durante una hora fragmentos del poema épico de Walt Whitman Song of Myself. Towers volvió a contratar a Welles para interpretar al profesor Moriarty en la serie radiofónica Las aventuras de Sherlock Holmes, protagonizada por John Gielgud y Ralph Richardson.

Welles regresó brevemente a Estados Unidos para hacer su primera aparición en televisión, protagonizando la presentación Omnibus de El rey Lear, emitida en directo por la CBS el 18 de octubre de 1953. Dirigida por Peter Brook, la producción contó con Natasha Parry, Beatrice Straight y Arnold Moss.

En 1954, el director George More O’Ferrall ofreció a Welles el papel principal en el segmento «Lord Mountdrago» de Tres casos de asesinato, coprotagonizada por Alan Badel. Herbert Wilcox dio a Welles el papel de antagonista en Trouble in the Glen, junto a Margaret Lockwood, Forrest Tucker y Victor McLaglen. Su viejo amigo John Huston le dio el papel de Padre Mapple en su adaptación cinematográfica de Moby Dick, de Herman Melville, protagonizada por Gregory Peck en 1956.

Sr. Arkadin

El siguiente trabajo de Welles como director fue la película Mr. Arkadin (1955), producida por su mentor político de los años cuarenta, Louis Dolivet. Se rodó en Francia, Alemania, España e Italia con un presupuesto muy limitado. Basada libremente en varios episodios del programa de radio de Harry Lime, Welles interpreta a un multimillonario que contrata a un hombre para que indague en los secretos de su pasado. La película está protagonizada por Robert Arden, que había trabajado en la serie Harry Lime; la tercera esposa de Welles, Paola Mori, cuya voz fue doblada por la actriz Billie Whitelaw; y las estrellas invitadas Akim Tamiroff, Michael Redgrave, Katina Paxinou y Mischa Auer. Frustrado por su lento progreso en la sala de montaje, el productor Dolivet apartó a Welles del proyecto y terminó la película sin él. Finalmente, se editarían cinco versiones diferentes de la película, dos en español y tres en inglés. La versión que terminó Dolivet se retituló Informe confidencial. En 2005, Stefan Droessler, del Museo del Cine de Múnich, supervisó la reconstrucción de los elementos de la película conservados.

Proyectos televisivos

En 1955, Welles también dirigió dos series de televisión para la BBC. La primera fue Orson Welles’ Sketch Book, una serie de seis programas de 15 minutos en los que Welles dibujaba en un cuaderno para ilustrar sus recuerdos ante la cámara (temas como el rodaje de It’s All True y el caso de Isaac Woodard), y la segunda fue Around the World with Orson Welles, una serie de seis crónicas de viaje ambientadas en diferentes lugares de Europa (como Viena, el País Vasco, entre Francia y España, e Inglaterra). Welles ejercía de anfitrión y entrevistador, y sus comentarios incluían datos documentales y sus propias observaciones personales (una técnica que seguiría explorando en obras posteriores).

Durante el episodio 3 de Sketchbook, Welles arremete deliberadamente contra el abuso de los poderes policiales en todo el mundo. El episodio comienza con la historia de Isaac Woodard, un veterano afroamericano del Pacífico Sur durante la Segunda Guerra Mundial que es acusado falsamente por el conductor de un autobús de estar borracho y alterar el orden público. Woodard no es detenido de inmediato, sino que es golpeado hasta dejarlo inconsciente casi hasta la muerte y cuando por fin recupera la consciencia queda permanentemente ciego. Cuando los médicos del ejército estadounidense le localizan, tres semanas más tarde, ya no hay nada que hacer. Welles asegura al público que él personalmente se encargó de que se hiciera justicia con este policía, aunque no menciona qué tipo de justicia se impartió. A continuación, Welles da otros ejemplos de policías a los que se da más poder y autoridad de los necesarios. El título de este episodio es «La policía».

En 1956, Welles terminó Retrato de Gina. Dejó la única copia en su habitación del Hotel Ritz de París. Las latas de la película permanecerían en un armario de objetos perdidos del hotel durante varias décadas, donde fueron descubiertas en 1986, tras la muerte de Welles.

En 1956, Welles regresó a Hollywood.

Empezó a rodar un piloto proyectado para Desilu, propiedad de Lucille Ball y su marido Desi Arnaz, que recientemente habían comprado los antiguos estudios RKO. La película era The Fountain of Youth (La fuente de la juventud), basada en una historia de John Collier. En un principio se consideró que no era viable como piloto, por lo que la película no se emitió hasta 1958, y ganó el premio Peabody a la excelencia.

Welles actuó como estrella invitada en programas de televisión como I Love Lucy. En la radio, fue narrador de Tomorrow (17 de octubre de 1956), un drama sobre el holocausto nuclear producido y distribuido por ABC y la Administración Federal de Defensa Civil.

El siguiente papel de Welles en el cine fue en Man in the Shadow para Universal Pictures en 1957, protagonizada por Jeff Chandler.

Toque de maldad

Welles permaneció en Universal para dirigir (y coprotagonizar con) Charlton Heston la película de 1958 Touch of Evil, basada en la novela de Whit Masterson Badge of Evil. Welles, que en un principio sólo había sido contratado como actor, fue ascendido a director por los estudios Universal ante la insistencia de Charlton Heston..: 154 La película reunió a muchos actores y técnicos con los que Welles había trabajado en Hollywood en la década de 1940, entre ellos el cámara Russell Metty (El desconocido), el maquillador Maurice Seiderman (Ciudadano Kane) y los actores Joseph Cotten, Marlene Dietrich y Akim Tamiroff. El rodaje transcurrió sin contratiempos, Welles terminó dentro del plazo y el presupuesto previstos y los jefes del estudio elogiaron los rushes diarios. Sin embargo, tras el final de la producción, el estudio reeditó la película, volvió a rodar escenas y rodó nuevas escenas expositivas para aclarar la trama: 175-176 Welles escribió un memorándum de 58 páginas en el que esbozaba sugerencias y objeciones, afirmando que la película ya no era su versión, sino la del estudio, pero que, como tal, seguía dispuesto a colaborar en ella: 175-176

En 1978, se descubrió y publicó una versión preliminar más larga de la película.

Mientras Universal rehacía Touch of Evil, Welles comenzó a rodar en México su adaptación de la novela de Miguel de Cervantes Don Quijote, protagonizada por Mischa Auer como Quijote y Akim Tamiroff como Sancho Panza.

Continuó rodando Don Quijote en España e Italia, pero sustituyó a Mischa Auer por Francisco Reiguera, y reanudó los trabajos como actor. En Italia, en 1959, Welles dirigió sus propias escenas como el rey Saúl en la película David y Goliat, de Richard Pottier. En Hong Kong, coprotagonizó con Curt Jürgens la película de Lewis Gilbert Ferry to Hong Kong. En 1960, coprotagonizó en París la película de Richard Fleischer Crack in the Mirror. En Yugoslavia, protagonizó la película Los tártaros, de Richard Thorpe, y La batalla del Neretva, de Veljko Bulajić.

A lo largo de los años sesenta, el rodaje del Quijote continuó de forma intermitente hasta el final de la década, ya que Welles evolucionó varias veces el concepto, el tono y el final. Aunque ya había rodado y montado una versión completa de la película al menos una vez, siguió jugando con el montaje hasta bien entrada la década de 1980; nunca completó una versión de la película con la que estuviera plenamente satisfecho y desechaba el metraje existente y rodaba metraje nuevo. (En una ocasión, tenía listo un montaje completo en el que Quijote y Sancho Panza acaban yendo a la luna, pero consideró que el final quedaba obsoleto tras los alunizajes de 1969 y quemó 10 bobinas de esta versión). A medida que avanzaba el proceso, Welles fue poniendo voz a todos los personajes y proporcionando la narración. En 1992, el director Jesús Franco construyó una película a partir de las partes del Quijote que había dejado Welles. Parte de la película estaba muy deteriorada. Mientras que el material de Welles fue acogido con interés, la postproducción de Franco fue recibida con duras críticas.

En 1961, Welles dirigió En la tierra de Don Quijote, una serie de ocho episodios de media hora para la cadena de televisión italiana RAI. De forma similar a la serie La vuelta al mundo con Orson Welles, presentaban crónicas de viajes por España e incluían a la esposa de Welles, Paola, y a su hija, Beatrice. Aunque Welles hablaba italiano con fluidez, la cadena no estaba interesada en que narrara en italiano debido a su acento, y la serie permaneció inédita hasta 1964, cuando la cadena añadió su propia narración en italiano. Finalmente, se publicaron versiones de los episodios con la partitura musical original que Welles había aprobado, pero sin la narración.

El juicio

En 1962, Welles dirigió su adaptación de El proceso, basada en la novela de Franz Kafka y producida por Michael y Alexander Salkind. En el reparto figuraban Anthony Perkins como Josef K, Jeanne Moreau, Romy Schneider, Paola Mori y Akim Tamiroff. Durante el rodaje de exteriores en Zagreb, Welles fue informado de que los Salkind se habían quedado sin dinero, lo que significaba que no podía haber construcción de decorados. Welles, acostumbrado a rodar en localizaciones desconocidas, no tardó en filmar los interiores en la Gare d’Orsay, una estación de ferrocarril abandonada de París. Welles pensó que el lugar poseía un «modernismo a lo Julio Verne» y un melancólico sentido de la «espera», ambos adecuados para Kafka. Para mantenerse en el espíritu de Kafka, Welles instaló la sala de montaje junto con el montador de la película, Frederick Muller (como Fritz Muller), en la vieja oficina del jefe de estación, fría y deprimente. La película fracasó en taquilla. Peter Bogdanovich observaría más tarde que Welles encontraba la película escandalosamente divertida. Welles también dijo a un entrevistador de la BBC que era su mejor película. Durante el rodaje de The Trial, Welles conoció a Oja Kodar, que más tarde se convertiría en su pareja y colaboradora durante los últimos 20 años de su vida.: 428

Welles interpretó a un director de cine en La Ricotta (1963), el segmento de Pier Paolo Pasolini de la película Ro.Go.Pa.G., aunque su conocida voz fue doblada por el escritor italiano Giorgio Bassani: 516 Siguió aceptando los trabajos que encontraba actuando, narrando o presentando obras ajenas, y empezó a rodar Chimes at Midnight, que terminó en 1965.

Campanadas a medianoche

Rodada en España, Campanadas a medianoche se basaba en la obra de Welles, Cinco reyes, en la que extraía material de seis obras de Shakespeare para contar la historia de Sir John Falstaff (Welles) y su relación con el príncipe Hal (la narración de la película, a cargo de Ralph Richardson, está tomada del cronista Raphael Holinshed). 249 Welles tenía a la película en alta estima: «Es mi película favorita, sí. Si quisiera entrar en el cielo basándome en una película, ésa es la que ofrecería»: 203

En 1966, Welles dirigió una película para la televisión francesa, una adaptación de La historia inmortal, de Karen Blixen. Estrenada en 1968, está protagonizada por Jeanne Moreau, Roger Coggio y Norman Eshley. La película tuvo éxito en los cines franceses. En esa época, Welles se reencontró con Oja Kodar y le entregó una carta que le había escrito y que había guardado durante cuatro años; no volverían a separarse. Inmediatamente iniciaron una colaboración tanto personal como profesional. La primera de ellas fue una adaptación de La heroína de Blixen, destinada a ser una obra de acompañamiento de La historia inmortal y protagonizada por Kodar. Desgraciadamente, la financiación desapareció tras un día de rodaje. Después de terminar esta película, apareció en un breve cameo como el cardenal Wolsey en la adaptación de Fred Zinnemann de Un hombre para todas las estaciones, papel por el que fue muy aclamado.

En 1967, Welles empezó a dirigir The Deep, basada en la novela Dead Calm de Charles Williams y rodada frente a las costas de Yugoslavia. En el reparto figuraban Jeanne Moreau, Laurence Harvey y Kodar. Financiado personalmente por Welles y Kodar, no pudieron obtener los fondos necesarios para completar el proyecto, que fue abandonado unos años más tarde tras la muerte de Harvey. Las imágenes que se conservan fueron editadas y publicadas por el Filmmuseum München. En 1968 Welles empezó a rodar un especial de televisión para la CBS bajo el título Orson’s Bag, que combinaba un diario de viaje, sketches cómicos y una condensación de la obra de Shakespeare El mercader de Venecia con Welles en el papel de Shylock. En 1969 Welles volvió a llamar al montador Frederick Muller para que trabajara con él en la reedición del material e instalaron salas de montaje en los estudios Safa Palatino de Roma. La financiación del espectáculo enviada por la CBS a Welles en Suiza fue embargada por Hacienda. Sin financiación, el espectáculo no se completó. El Filmmuseum München publicó los fragmentos de película que se conservan.

En 1969, Welles autorizó el uso de su nombre para un cine en Cambridge, Massachusetts. El Orson Welles Cinema estuvo en funcionamiento hasta 1986, y Welles hizo una aparición personal en 1977. También en 1969, interpretó un papel secundario en La carta del Kremlin, de John Huston. Atraído por las numerosas ofertas que recibió para trabajar en televisión y cine, y molesto por un escándalo sensacionalista que informaba de su romance con Kodar, Welles abandonó el montaje de El Quijote y regresó a Estados Unidos en 1970.

Welles regresó a Hollywood, donde siguió autofinanciando sus proyectos cinematográficos y televisivos. Mientras continuaban las ofertas para actuar, narrar y presentar, Welles también se encontró muy solicitado en los programas de entrevistas de televisión. Hizo frecuentes apariciones para Dick Cavett, Johnny Carson, Dean Martin y Merv Griffin.

El principal objetivo de Welles durante sus últimos años fue The Other Side of the Wind, un proyecto que se rodó intermitentemente entre 1970 y 1976. Coescrita por Welles y Oja Kodar, es la historia de un director de cine envejecido (John Huston) que busca fondos para completar su última película. En el reparto figuran Peter Bogdanovich, Susan Strasberg, Norman Foster, Edmond O’Brien, Cameron Mitchell y Dennis Hopper. Financiada por patrocinadores iraníes, la propiedad de la película cayó en un atolladero legal tras la destitución del Sha de Irán. Las disputas legales mantuvieron la película en su estado inacabado hasta principios de 2017 y finalmente se estrenó en noviembre de 2018.

Welles interpretó a Luis XVIII de Francia en la película Waterloo (1970), y narró las escenas iniciales y finales de la comedia histórica Empezad la revolución sin mí (1970).

En 1971, Welles dirigió una breve adaptación de Moby Dick, una representación unipersonal en un escenario desnudo, que recordaba a su producción teatral de 1955 Moby Dick – Rehearsed. Aunque no llegó a completarse, fue estrenada por el Filmmuseum München. También apareció en Ten Days’ Wonder, coprotagonizada por Anthony Perkins y dirigida por Claude Chabrol (que le correspondió con un pequeño papel en Other Wind), basada en una novela policíaca de Ellery Queen. Ese mismo año, la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas le concedió un Premio Honorífico de la Academia «por su superlativo arte y versatilidad en la creación de películas cinematográficas.» Welles fingió estar fuera de la ciudad y envió a John Huston a reclamar el premio, dando las gracias a la Academia en una película. En su discurso, Huston criticó a la Academia por entregar el premio mientras se negaba a apoyar los proyectos de Welles.

En 1972, Welles actuó como narrador en pantalla para la versión documental cinematográfica del libro de Alvin Toffler Future Shock (1970). Trabajando de nuevo para un productor británico, Welles interpretó a Long John Silver en La isla del tesoro (1972), del director John Hough, una adaptación de la novela de Robert Louis Stevenson, que había sido la segunda historia emitida por The Mercury Theatre on the Air en 1938. Fue la última vez que interpretó el papel protagonista en una gran película. Welles también colaboró en el guión, aunque su autoría se atribuyó al seudónimo «O. W. Jeeves». W. Jeeves». En algunas versiones de la película, el diálogo original grabado por Welles fue redoblado por Robert Rietty.

En 1973, Welles completó F for Fake, una película de ensayo personal sobre el falsificador de arte Elmyr de Hory y el biógrafo Clifford Irving. Basada en un documental ya existente de François Reichenbach, incluía nuevo material con Oja Kodar, Joseph Cotten, Paul Stewart y William Alland. Para esta película se recreó un fragmento de la emisión de La guerra de los mundos de Welles en los años treinta; sin embargo, ninguno de los diálogos que se escuchan en la película coincide realmente con los que se emitieron originalmente. Welles filmó un tráiler de cinco minutos, rechazado en Estados Unidos, que incluía varias tomas de un Kodar en topless.

Welles presentó una serie antológica británica, Orson Welles’s Great Mysteries, durante la temporada televisiva 1973-74. Sus breves introducciones a los 26 episodios de media hora fueron rodadas en julio de 1973 por Gary Graver. Sus breves introducciones a los 26 episodios de media hora fueron rodadas en julio de 1973 por Gary Graver: 443 El año 1974 también vio a Welles prestar su voz para el remake de ese año del thriller clásico de Agatha Christie Diez negritos, producido por su antiguo socio, Harry Alan Towers y protagonizado por un reparto internacional que incluía a Oliver Reed, Elke Sommer y Herbert Lom.

En 1975, Welles narró el documental Bugs Bunny: Superstar, centrado en los dibujos animados de Warner Bros. de la década de 1940. También en 1975, el American Film Institute concedió a Welles su tercer Lifetime Achievement Award (los dos primeros fueron para el director John Ford y el actor James Cagney). En la ceremonia, Welles proyectó dos escenas de la película The Other Side of the Wind, casi terminada.

En 1976, Paramount Television compró a Orson Welles los derechos de todas las historias de Nero Wolfe escritas por Rex Stout. Welles había querido hacer una serie de películas de Nero Wolfe, pero Rex Stout -que desconfiaba de las adaptaciones de Hollywood en vida tras dos decepcionantes películas de los años treinta- lo rechazó. Paramount planeaba empezar con una película para la ABC-TV y esperaba convencer a Welles para que continuara el papel en una miniserie. Frank D. Gilroy fue contratado para escribir el guión televisivo y dirigir el telefilme con la garantía de que Welles lo protagonizaría, pero en abril de 1977 Welles se había retirado. En 1980, Associated Press informó de «la clara posibilidad» de que Welles protagonizara una serie de Nero Wolfe para la NBC. Una vez más, Welles abandonó el proyecto debido a diferencias creativas y William Conrad fue elegido para el papel: 87-88

En 1979, Welles terminó su documental Filming Othello, en el que participaron Michael MacLiammoir y Hilton Edwards. Realizado para la televisión de Alemania Occidental, también se estrenó en los cines. Ese mismo año, Welles finalizó su piloto autoproducido para la serie de televisión The Orson Welles Show, que incluía entrevistas con Burt Reynolds, Jim Henson y Frank Oz y contaba con la participación de los Teleñecos y Angie Dickinson. Al no encontrar interés en la cadena, el piloto nunca llegó a emitirse. También en 1979, Welles apareció en la película biográfica El secreto de Nikola Tesla, y en un cameo en La película de los Teleñecos como Lew Lord.

A finales de la década de 1970, Welles participó en una serie de famosos anuncios de televisión. Durante dos años fue el portavoz ante la cámara de los viñedos Paul Masson, y las ventas crecieron un tercio durante el tiempo en que Welles entonó lo que se convirtió en un popular eslogan: «No venderemos ningún vino antes de tiempo». También fue la voz de la larga campaña de Carlsberg «Probablemente la mejor cerveza del mundo», promocionó el jerez Domecq en la televisión británica y narró los anuncios de Findus, aunque los anuncios reales se han visto eclipsados por un famoso blooper reel de grabaciones de voz, conocido como el Frozen Peas reel. También hizo anuncios para el Preview Subscription Television Service, que se emitieron en emisoras de todo el país, como WCLQ.

En 1981, Welles presentó el documental The Man Who Saw Tomorrow (El hombre que vio el mañana), sobre el profeta del Renacimiento Nostradamus. En 1982, la BBC emitió The Orson Welles Story en la serie Arena. Entrevistado por Leslie Megahey, Welles examinó su pasado con gran detalle, y también se entrevistó a varias personas de su pasado profesional. Se reeditó en 1990 como With Orson Welles: Historias de una vida en el cine. Welles narró los temas «Defender» del álbum de Manowar Fighting the World de 1987 y «Dark Avenger» de su álbum de 1982, Battle Hymns. También grabó la introducción del concierto para las actuaciones en directo de Manowar que dice: «Damas y caballeros, desde los Estados Unidos de América, todos saluden a Manowar». Manowar ha utilizado esta introducción en todos sus conciertos desde entonces.

Durante la década de 1980, Welles trabajó en proyectos cinematográficos como The Dreamers, basada en dos relatos de Isak Dinesen y protagonizada por Oja Kodar, y Orson Welles’ Magic Show, que reutilizaba material de su fallido piloto de televisión. Otro proyecto en el que trabajó fue Filming the Trial, el segundo de una serie de documentales sobre sus largometrajes. Aunque se rodó mucho para estos proyectos, ninguno se completó. Al final, el Filmmuseum München publicó todos ellos.

En 1984, Welles narró la breve serie de televisión Scene of the Crime. Durante los primeros años de Magnum, P.I., Welles fue la voz del personaje invisible Robin Masters, un famoso escritor y playboy. La muerte de Welles obligó a eliminar a este personaje secundario de la serie. En un oblicuo homenaje a Welles, los productores de Magnum, P.I. concluyeron ambiguamente ese arco argumental haciendo que un personaje acusara a otro de haber contratado a un actor para representar a Robin Masters. También en este penúltimo año lanzó un sencillo musical, titulado «I Know What It Is to Be Young (But You Don’t Know What It Is to Be Old)», que grabó con el sello italiano Compagnia Generale del Disco. La canción fue interpretada con la Nick Perito Orchestra y los Ray Charles Singers y producida por Jerry Abbott (padre del guitarrista «Dimebag Darrell» Abbott).

Los últimos papeles cinematográficos antes de la muerte de Welles incluyeron trabajos de voz en las películas de animación Viaje encantado (1984) y la película de animación Los Transformers: La película (1986), en la que puso voz al supervillano devorador de planetas Unicron. Su última aparición en el cine fue en la película independiente Alguien a quien amar (1987), de Henry Jaglom, estrenada dos años después de su muerte pero producida antes de su doblaje en Transformers: La película. Su última aparición en televisión fue en el programa Moonlighting. Grabó una introducción para un episodio titulado «The Dream Sequence Always Rings Twice» (La secuencia del sueño siempre suena dos veces), que se rodó parcialmente en blanco y negro. El episodio se emitió cinco días después de su muerte y se dedicó a su memoria.

A mediados de la década de 1980, Henry Jaglom grabó conversaciones de almuerzo con Welles en Ma Maison de Los Ángeles, así como en Nueva York. Las transcripciones editadas de estas sesiones aparecen en el libro de Peter Biskind de 2013 My Lunches With Orson: Conversations Between Henry Jaglom and Orson Welles.

Relaciones y familia

Orson Welles y la actriz y socialité Virginia Nicolson (1916-1996), nacida en Chicago, se casaron el 14 de noviembre de 1934: 332 La pareja se separó en diciembre de 1939: 226 y se divorciaron el 1 de febrero de 1940. Tras soportar los romances de Welles en Nueva York, Virginia se enteró de que Welles se había enamorado de la actriz mexicana Dolores del Río: 227

Encaprichado con ella desde la adolescencia, Welles conoció a del Río en el rancho de Darryl Zanuck: 206 poco después de mudarse a Hollywood en 1939: 168 Su relación se mantuvo en secreto hasta 1941, cuando del Río solicitó el divorcio de su segundo marido. Aparecieron juntos abiertamente en Nueva York mientras Welles dirigía la producción teatral de Mercury Native Son: 212 Actuaron juntos en la película Viaje al miedo (1943). Su relación llegó a su fin debido, entre otras cosas, a las infidelidades de Welles. Del Río regresó a México en 1943, poco antes de que Welles se casara con Rita Hayworth.

Welles se casó con Rita Hayworth el 7 de septiembre de 1943:: 278 Se divorciaron el 10 de noviembre de 1947:: 142 Durante su última entrevista, grabada para The Merv Griffin Show la noche anterior a su muerte, Welles calificó a Hayworth como «una de las mujeres más queridas y dulces que jamás hayan existido… y estuvimos mucho tiempo juntos… tuve la suerte de haber estado con ella más tiempo que con cualquiera de los otros hombres de su vida.»

En 1955, Welles se casó con la actriz Paola Mori (de soltera, condesa Paola di Gerfalco), una aristócrata italiana que interpretó a Raina Arkadin en su película de 1955, Mr. La pareja inició un apasionado romance, y se casaron ante la insistencia de los padres de ella: 168 Se casaron en Londres el 8 de mayo de 1955,: 417, 419 y nunca se divorciaron.

La artista y actriz croata Oja Kodar se convirtió en la compañera personal y profesional de Welles a partir de 1966, y vivieron juntos durante los últimos 20 años de su vida.: 255-258

Welles tuvo tres hijas de sus matrimonios: Christopher Welles Feder (y Beatrice Welles (nacida en 1955, con Paola Mori).: 419

Se cree que Welles tuvo un hijo, el director británico Michael Lindsay-Hogg (nacido en 1940), con la actriz irlandesa Geraldine Fitzgerald, entonces esposa de Sir Edward Lindsay-Hogg, 4º baronet. Cuando Lindsay-Hogg tenía 16 años, su madre divulgó a regañadientes los rumores generalizados de que su padre era Welles, y ella los negó, pero con tal detalle que él dudó de su veracidad..: 15 Fitzgerald eludió el tema durante el resto de su vida. Lindsay-Hogg conocía a Welles, trabajó con él en el teatro y se reunió con él a intervalos durante toda la vida de Welles. Tras enterarse de que la hija mayor de Welles, Chris, su compañera de juegos de la infancia, sospechaba desde hacía tiempo que era su hermano, Lindsay-Hogg inició una prueba de ADN que resultó no ser concluyente. En su autobiografía de 2011, Lindsay-Hogg informó que sus dudas fueron resueltas por la amiga íntima de su madre, Gloria Vanderbilt, quien escribió que Fitzgerald le había dicho que Welles era su padre: 265-267 Una biografía de Welles de 2015 por Patrick McGilligan, sin embargo, informa de la imposibilidad de la paternidad de Welles: Fitzgerald salió de Estados Unidos para Irlanda en mayo de 1939, y su hijo fue concebido antes de su regreso a finales de octubre, mientras que Welles no viajó al extranjero durante ese período…: 602

Tras la muerte de Rebecca Welles Manning, se descubrió que un hombre llamado Marc McKerrow era su hijo -y, por tanto, descendiente directo de Orson Welles y Rita Hayworth- después de que solicitara que se desclasificaran sus registros de adopción. Aunque McKerrow y Rebecca no llegaron a conocerse debido al cáncer de ella, estuvieron en contacto antes de su muerte y él asistió a su funeral. Las reacciones de McKerrow a la revelación y su encuentro con Oja Kodar están documentadas en la película de 2008 Prodigal Sons (Hijos pródigos), de su hermana Kim Reed. McKerrow murió el 18 de junio de 2010, repentinamente mientras dormía, a la edad de 44. Su muerte fue «…causada por complicaciones de un ataque nocturno» relacionado con un accidente de coche y la lesión resultante cuando era más joven.

En la década de 1940, Welles mantuvo una breve relación con Maila Nurmi, quien, según la biografía Glamour Ghoul: The Passions and Pain of the Real Vampira, Maila Nurmi, se quedó embarazada; como Welles estaba entonces casado con Hayworth, Nurmi dio al niño en adopción. Sin embargo, el niño mencionado en el libro nació en 1944. Nurmi reveló en una entrevista semanas antes de su muerte, en enero de 2008, cómo conoció a Welles en una oficina de casting de Nueva York en la primavera de 1946.

A pesar de una leyenda urbana promovida por Welles, no está emparentado con Gideon Welles, Secretario de Marina de Abraham Lincoln en tiempos de guerra. El mito se remonta al primer artículo periodístico escrito sobre Welles – «Caricaturista, actor, poeta y sólo 10 años»- en el número del 19 de febrero de 1926 de The Capital Times. El artículo afirmaba falsamente que descendía de «Gideon Welles, que fue miembro del gabinete del presidente Lincoln».: 311 Según presenta Charles Higham en un cuadro genealógico que introduce su biografía de Welles de 1985, el padre de Orson Welles era Richard Head Welles (nacido Wells), hijo de Richard Jones Wells, hijo de Henry Hill Wells (que tenía un tío llamado Gideon Wells), hijo de William Hill Wells, hijo de Richard Wells (1734-1801).

Características físicas

En su biografía de 1956, Peter Noble describe a Welles como «un hombre magnífico, de más de dos metros de altura, apuesto, con ojos brillantes y una voz gloriosamente resonante»: 19 Welles contaba que un especialista de la voz le dijo una vez que había nacido para ser un heldentenor, un tenor heroico, pero que cuando era joven y trabajaba en el Gate Theatre de Dublín, forzó su voz hasta convertirla en un bajo-barítono.: 144

Ya de bebé, Welles era propenso a las enfermedades, como la difteria, el sarampión, la tos ferina y la malaria. Desde la infancia padeció asma, dolores de cabeza sinusales y dolor de espalda: 8 que más tarde se descubrió que estaban causados por anomalías congénitas de la columna vertebral. Los problemas de pies y tobillos que padeció a lo largo de su vida fueron consecuencia de sus pies planos: 560 «A medida que fue creciendo», escribió Brady, «su mala salud se vio agravada por las largas horas que le permitían mantener una temprana afición por el alcohol y el tabaco»:: 8

En 1928, a la edad de 13 años, Welles ya medía más de 1,83 m y pesaba más de 81,6 kg: 50 En su pasaporte constaba que medía 192 cm, tenía el pelo castaño y los ojos verdes: 229

«Las dietas de choque, las drogas y los corsés le habían adelgazado para sus primeros papeles cinematográficos», escribió su biógrafo Barton Whaley. «Luego, siempre de vuelta al consumo gargantuesco de comida hipercalórica y alcohol. En el verano de 1949, cuando tenía 34 años, su peso había aumentado hasta los 104 kg. En 1953, pasó de 113 a 125 kg. Después de 1960, permaneció permanentemente obeso»: 329

Creencias religiosas

En una ocasión, cuando Peter Bogdanovich le preguntó por su religión, Welles contestó bruscamente que no era asunto suyo, y a continuación le informó erróneamente de que había sido criado como católico: 12

Aunque la familia Welles ya no era devota, era episcopaliana de cuarta generación y, antes de eso, cuáquera y puritana: 12

El funeral del padre de Welles, Richard H. Welles, fue episcopal.

En abril de 1982, cuando el entrevistador Merv Griffin le preguntó por sus creencias religiosas, Welles respondió: «Intento ser cristiano. En realidad no rezo, porque no quiero aburrir a Dios»: 576 Casi al final de su vida, Welles estaba cenando en Ma Maison, su restaurante favorito de Los Ángeles, cuando el propietario, Patrick Terrail, le transmitió una invitación del jefe de la Iglesia Ortodoxa Griega, que pedía a Welles que fuera su invitado de honor en la divina liturgia de la catedral de Santa Sofía. Welles respondió: «Por favor, dígale que agradezco mucho esa oferta, pero soy ateo»: 104-105

«Orson nunca bromeó ni se burló de las creencias religiosas de los demás», escribió su biógrafo Barton Whaley. «Lo aceptaba como un artefacto cultural, adecuado para los nacimientos, muertes y matrimonios de extraños e incluso de algunos amigos, pero sin significado emocional o intelectual para él mismo»: 12

Welles fue políticamente activo desde el principio de su carrera. Se mantuvo alineado con la política de izquierdas y la izquierda estadounidense durante toda su vida, y siempre definió su orientación política como «progresista». Demócrata, criticó abiertamente el racismo en Estados Unidos y la práctica de la segregación: 46 Fue un firme partidario de Franklin D. Roosevelt y del New Deal y a menudo hablaba por radio en apoyo de la política progresista. Hizo una gran campaña a favor de Roosevelt en las elecciones de 1944. Welles no apoyó la candidatura presidencial en 1948 del segundo vicepresidente de Roosevelt, Henry A. Wallace, por el Partido Progresista, y más tarde describió a Wallace como «un prisionero del Partido Comunista». p. 66

En una conversación de 1983 con su amigo Roger Hill, Welles recordó: «Durante una cena en la Casa Blanca, cuando yo hacía campaña por Roosevelt, en un brindis, con bastante descaro, dijo: ‘Orson, tú y yo somos los dos mejores actores vivos hoy’. Esa noche, en privado, y en varias ocasiones más, me instó a presentarme como candidato al Senado por California o Wisconsin. No era el único»: 115 En los años ochenta, Welles seguía expresando su admiración por Roosevelt, pero también describía su presidencia como «una semidictadura». p. 187

Durante una aparición en 1970 en The Dick Cavett Show, Welles afirmó haber conocido a Hitler mientras hacía senderismo en Austria con un profesor que era un «nazi en ciernes». Afirmó que Hitler no le causó ninguna impresión y que no le recuerda. Dijo que no tenía ninguna personalidad: «Era invisible. No había nada hasta que había 5.000 personas gritando sieg heil».

Durante varios años escribió una columna en un periódico sobre temas políticos y pensó en presentarse como candidato al Senado de Estados Unidos en 1946, representando a su estado natal de Wisconsin, escaño que finalmente ganó Joseph McCarthy.

Las actividades políticas de Welles aparecieron en las páginas 155-157 de Red Channels, la publicación anticomunista que, en parte, alimentó la ya floreciente Lista Negra de Hollywood. Welles se encontraba en Europa en pleno auge del Miedo a los Rojos, una razón más para que la clase dirigente de Hollywood lo condenara al ostracismo.

En 1970, Welles narró (pero no escribió) un registro político satírico sobre el ascenso del presidente Richard Nixon titulado The Begatting of the President.

Fue miembro vitalicio de la Hermandad Internacional de Magos y de la Sociedad de Magos Americanos.

La noche del 9 de octubre de 1985, Welles grabó su última entrevista en el programa de televisión sindicado The Merv Griffin Show, en la que aparecía con la biógrafa Barbara Leaming. «Tanto Welles como Leaming hablaron de la vida de Welles, y el segmento fue un interludio nostálgico», escribió el biógrafo Frank Brady: 590-591 Welles regresó a su casa de Hollywood y trabajó hasta altas horas de la madrugada escribiendo las instrucciones para el proyecto que él y Gary Graver planeaban rodar en la UCLA al día siguiente. Welles murió en algún momento de la mañana del 10 de octubre, tras un ataque al corazón.: 453 Fue encontrado por su chófer hacia las 10 de la mañana; el primero de los amigos de Welles en llegar fue Paul Stewart.: 295-297 Welles tenía 70 años en el momento de su muerte.

Welles fue incinerado por acuerdo previo con el albacea de su herencia, Greg Garrison,: 592 cuyo consejo sobre cómo hacer apariciones lucrativas en televisión en la década de 1970 hizo posible que Welles pagara una parte de los impuestos que debía a Hacienda: 549-550 A un breve funeral privado asistieron Paola Mori y las tres hijas de Welles, la primera vez que estaban juntas. Sólo se invitó a unos pocos amigos íntimos: Garrison, Graver, Roger Hill: 298 y el príncipe Alessandro Tasca di Cuto. Chris Welles Feder describió más tarde el funeral como una experiencia horrible: 1-9

Un homenaje público en su memoria: 593 tuvo lugar el 2 de noviembre de 1985 en el Directors Guild of America Theater de Los Ángeles. El anfitrión Peter Bogdanovich presentó a los oradores, entre los que se encontraban Charles Champlin, Geraldine Fitzgerald, Greg Garrison, Charlton Heston, Roger Hill, Henry Jaglom, Arthur Knight, Oja Kodar, Barbara Leaming, Janet Leigh, Norman Lloyd, Dan O’Herlihy, Patrick Terrail y Robert Wise.: 299-300

«Sé cuáles eran sus sentimientos respecto a su muerte», escribió más tarde Joseph Cotten. «No quería un funeral; quería ser enterrado tranquilamente en un pequeño lugar de España. No quería servicios conmemorativos…». Cotten declinó asistir al programa conmemorativo; en su lugar, envió un breve mensaje, que terminaba con las dos últimas líneas de un soneto de Shakespeare que Welles le había enviado en su cumpleaños más reciente:: 216

Pero si mientras tanto pienso en ti, querido amigo,Todas las pérdidas se restauran y las penas terminan.: 217

En 1987, las cenizas de Welles fueron trasladadas a Ronda (España) y enterradas en un viejo pozo cubierto de flores en la finca rural de un viejo amigo, el torero Antonio Ordóñez.

El hecho de que Welles recurriera a la autoproducción hizo que muchos de sus últimos proyectos se filmaran poco a poco o no se completaran. Welles financió sus últimos proyectos a través de sus propias actividades de recaudación de fondos. A menudo también aceptaba otros trabajos para obtener dinero con el que financiar sus propias películas.

Don Quijote

A mediados de la década de 1950, Welles comenzó a trabajar en Don Quijote, inicialmente por encargo de la cadena de televisión CBS. Welles amplió la película a largometraje, desarrollando el guión para llevar a Quijote y Sancho Panza a la era moderna. El rodaje se interrumpió con la muerte de Francisco Reiguera, el actor que interpretaba al Quijote, en 1969. Orson Welles continuó editando la película hasta principios de los años setenta. En el momento de su muerte, la película seguía siendo en gran parte una colección de secuencias en diversos estados de montaje. El proyecto y, lo que es más importante, la concepción que Welles tenía del mismo, cambiaron radicalmente con el tiempo.

Una versión supervisada por Oja Kodar, con la ayuda de Jess Franco, ayudante de dirección durante la producción, se estrenó en 1992 con malas críticas.

Frederick Muller, montador de El proceso, Chimes at Midnight y el especial de la CBS Orson Bag, trabajó en el montaje de tres bobinas de la versión original, sin retoques. Cuando en 2013 un periodista de Time Out le pidió su opinión, dijo que creía que si se hubiera estrenado sin reedición de imágenes pero añadiendo sonido y música ad hoc, probablemente habría tenido bastante éxito.

El mercader de Venecia

En 1969, Welles recibió un encargo televisivo para rodar una adaptación condensada de El mercader de Venecia: xxxiv Welles completó la película en 1970, pero el negativo terminado fue posteriormente robado misteriosamente de su oficina de producción en Roma: 234 Una versión restaurada y reconstruida de la película, realizada utilizando el guión original y las notas del compositor, se estrenó en las ceremonias previas a la inauguración de la 72ª edición del Festival Internacional de Cine de Venecia, junto a Otelo, en 2015.

El otro lado del viento

En 1970, Welles comenzó a rodar The Other Side of the Wind. La película narra los esfuerzos de un director de cine (interpretado por John Huston) por terminar su última película en Hollywood y se desarrolla en gran parte en una lujosa fiesta. En 1972, según Welles, el rodaje estaba «completado en un 96%»,: 546 aunque en 1979 Welles sólo había editado unos 40 minutos de la película: 320 Ese mismo año, las complicaciones legales sobre la propiedad de la película llevaron el negativo a una cámara acorazada de París. En 2004, el director Peter Bogdanovich, que actuó en la película, anunció su intención de completar la producción.

El 28 de octubre de 2014, la productora Royal Road Entertainment, con sede en Los Ángeles, anunció que había negociado un acuerdo, con la ayuda del productor Frank Marshall, y que compraría los derechos para completar y estrenar The Other Side of the Wind. Bogdanovich y Marshall planeaban completar la película casi terminada de Welles en Los Ángeles, con el objetivo de tenerla lista para su proyección el 6 de mayo de 2015, centenario del nacimiento de Welles. Royal Road Entertainment y el productor alemán Jens Koethner Kaul adquirieron los derechos en manos de Les Films de l’Astrophore y el difunto Mehdi Boushehri. Llegaron a un acuerdo con Oja Kodar, que heredó la propiedad de la película de Welles, y Beatrice Welles, gestora del patrimonio de Welles; pero a finales de 2015, los esfuerzos para completar la película estaban en punto muerto.

En marzo de 2017, Netflix adquirió los derechos de distribución de la película. Ese mes, el negativo original, los dailies y otras secuencias llegaron a Los Ángeles para su posproducción; la película se completó en 2018. La película se estrenó en el 75º Festival Internacional de Cine de Venecia el 31 de agosto de 2018.

El 2 de noviembre de 2018, la película se estrenó en cines selectos y en Netflix, cuarenta y ocho años después de que comenzara la fotografía principal.

Algunas secuencias se incluyen en los documentales Working with Orson Welles (1993), Orson Welles: One Man Band (1995) y, más recientemente, They’ll Love Me When I’m Dead (2018).

Otras películas y guiones inacabados

Too Much Johnson es una película cómica de 1938 escrita y dirigida por Welles. Concebida como el aspecto cinematográfico de la representación teatral de Welles en el Mercury Theatre de la comedia de William Gillette de 1894, la película no se editó por completo ni se proyectó públicamente. Too Much Johnson se consideró una película perdida hasta agosto de 2013, con noticias de que se había descubierto una copia prístina en Italia en 2008. Estaba previsto que una copia restaurada por el museo George Eastman House se estrenara el 9 de octubre de 2013 en el Festival de Cine Mudo de Pordenone, y que posteriormente se estrenara en Estados Unidos. La película se proyectó en un único pase en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles el 3 de mayo de 2014. Una única función de Too Much Johnson, el 2 de febrero de 2015, en el Film Forum de Nueva York, fue un gran éxito. Producida por Bruce Goldstein y adaptada y dirigida por Allen Lewis Rickman, contó con los Film Forum Players con piano en directo.

El corazón de las tinieblas fue la primera película proyectada por Welles, en 1940. Se planificó con sumo detalle y se filmaron algunas tomas de prueba; el material se ha perdido. Estaba previsto rodarla íntegramente en tomas largas desde el punto de vista del narrador, Marlow, que sería interpretado por Welles; su reflejo se vería ocasionalmente en la ventana mientras su barco navegaba río abajo. El proyecto se abandonó por falta de presupuesto, y en su lugar se rodó Ciudadano Kane.: 30-33, 355-356

En 1941, Welles planeó una película con su pareja de entonces, la actriz mexicana Dolores del Río. Santa era una adaptación de la novela del escritor mexicano Federico Gamboa. La película habría supuesto el debut de Dolores del Río en el cine mexicano. Welles realizó una corrección del guión en 13 secuencias extraordinarias. El elevado salario exigido por del Río detuvo el proyecto. En 1943, la película se terminó finalmente con los decorados de Welles, dirigidos por Norman Foster y protagonizados por la actriz mexicana Esther Fernández.

En 1941 Welles también planeó un drama mexicano con Dolores del Río, que entregó a la RKO para que lo presupuestara. La película era una versión cinematográfica de la novela homónima de Calder Marshall. En la historia, del Río interpretaría a Elena Medina, «la chica más guapa del mundo», y Welles a un americano que se ve enredado en una misión para desbaratar un complot nazi para derrocar al gobierno mexicano. Welles planeaba rodar en México, pero el gobierno mexicano tenía que aprobar la historia, y esto nunca ocurrió.

En 1941, Welles recibió el apoyo del obispo Fulton Sheen para una nueva versión de la vida de Cristo, ambientada en el Oeste americano en la década de 1890. Tras finalizar el rodaje de Ciudadano Kane, Welles, Perry Ferguson y Gregg Toland buscaron localizaciones en Baja California y México. Welles escribió un guión con diálogos extraídos de los Evangelios de Marcos, Mateo y Lucas. «Todas las palabras de la película debían proceder de la Biblia, sin diálogos originales, pero realizada como una especie de primitiva americana», dijo Welles, «ambientada en el país fronterizo del siglo pasado». El proyecto no realizado fue retomado por Welles en la década de 1950, cuando escribió un segundo guión no rodado, que se rodaría en Egipto.: 361-362

En un principio, Welles no quería dirigir It’s All True, un documental de 1942 sobre Sudamérica, pero tras su abandono por parte de la RKO, pasó gran parte de la década de 1940 intentando comprar el negativo de su material a la RKO, para poder editarlo y estrenarlo de alguna forma. El metraje permaneció oculto en cámaras acorazadas durante décadas y se dio por perdido. Más de 50 años después, parte del material superviviente (pero no todo) se publicó en el documental de 1993 It’s All True: Based on an Unfinished Film de Orson Welles.

En 1944, Welles escribió el primer borrador del guión de Monsieur Verdoux, una película que también pretendía dirigir. Charlie Chaplin aceptó inicialmente protagonizarla, pero más tarde cambió de opinión, alegando que nunca antes había sido dirigido por otra persona en un largometraje. Chaplin compró los derechos cinematográficos y realizó la película él mismo en 1947, con algunos cambios. La película final atribuye a Chaplin el guión, «basado en una idea de Orson Welles».

Welles pasó unos nueve meses, entre 1947 y 1948, coescribiendo el guión de Cyrano de Bergerac junto con Ben Hecht, un proyecto que Welles debía dirigir para Alexander Korda. Empezó a buscar localizaciones en Europa mientras rodaba Magia negra, pero Korda no tenía dinero, así que vendió los derechos a Columbia Pictures, que acabó despidiendo a Welles del proyecto, y luego vendió los derechos a United Artists, que a su vez hizo una versión cinematográfica en 1950, que no se basaba en el guión de Welles.: 106-108

Después de que Welles estrenara en 1946 la elaborada versión teatral musical de esta novela de Julio Verne, que incluía 38 decorados diferentes, en 1947 rodó en Marruecos algunas secuencias de prueba para una versión cinematográfica. Las imágenes nunca se editaron, la financiación nunca llegó y Welles abandonó el proyecto. Nueve años más tarde, Mike Todd, productor del espectáculo, realizó su propia y premiada versión cinematográfica del libro: 402

Moby Dick – Rehearsed fue una versión cinematográfica de la metaobra londinense de Welles de 1955, protagonizada por Gordon Jackson, Christopher Lee, Patrick McGoohan y con Welles como Ahab. Utilizando decorados desnudos y minimalistas, Welles alternaba un reparto de actores del siglo XIX ensayando una producción de Moby Dick con escenas de la propia Moby Dick. Kenneth Williams, uno de los miembros del reparto que se mostró aprensivo con todo el proyecto, dejó constancia en su autobiografía de que la tenue y atmosférica iluminación del escenario de Welles hacía que algunas de las secuencias fueran tan oscuras que resultaban imposibles de ver. Se filmó toda la obra, pero se da por perdida. Se rodó durante un fin de semana en el teatro Hackney Empire.

Los productores de Histoires extraordinaires, una película antológica de 1968 basada en cuentos de Edgar Allan Poe, anunciaron en junio de 1967 que Welles dirigiría un segmento basado tanto en «La máscara de la muerte roja» como en «El barril de Amontillado» para la película ómnibus. Welles se retiró en septiembre de 1967 y fue sustituido. El guión, escrito en inglés por Welles y Oja Kodar, se encuentra en la colección del Filmmuseum Munchen.

Esta parodia a lo Monty Python, en la que Welles interpreta a todos los personajes menos a uno (incluidos dos travestidos), se realizó entre 1968 y 1968. Welles pretendía que este sketch fuera uno de los elementos de un especial de televisión sobre Londres. Otros elementos filmados para este especial -todos ellos incluidos en el documental «One Man Band» de su socio Oja Kodar- incluían un sketch sobre Winston Churchill (interpretado en silueta por Welles), un sketch sobre compañeros en una casa señorial, un reportaje sobre los clubes de caballeros londinenses y un sketch en el que Welles era objeto de burla por parte de su sastre sarcástico de Savile Row (interpretado por Charles Gray).

Welles escribió dos guiones para La isla del tesoro en los años sesenta, y estaba ansioso por buscar apoyo financiero para dirigirla. Su plan era rodarla en España junto con Chimes at Midnight. Welles quería interpretar el papel de Long John Silver. Quería que Keith Baxter interpretara al Doctor Livesey y John Gielgud el papel de Squire Trelawney. El actor australiano Fraser MacIntosh (The Boy Cried Murder), que entonces tenía 11 años, fue elegido para el papel de Jim Hawkins y viajó a España para el rodaje, dirigido por Jess Franco. Alrededor del 70% del reparto de Chimes at Midnight habría participado en La isla del tesoro. Sin embargo, la financiación del proyecto fracasó. Finalmente, el guión de Welles (bajo el seudónimo de O.W. Jeeves) se reescribió y sirvió de base para la versión cinematográfica de 1972 dirigida por John Hough, en la que Welles interpretó a Long John Silver.

The Deep, adaptación de Dead Calm, de Charles Williams, se rodó íntegramente en dos barcos y principalmente en primeros planos. Se rodó frente a las costas de Yugoslavia y las Bahamas entre 1966 y 1969, con todas las escenas terminadas menos una. En un principio se planeó como un thriller comercialmente viable, para demostrar que Welles podía hacer una película popular y de éxito. En 1970, Welles se preocupó de que la crítica no respondiera favorablemente a esta película como continuación de la aclamada Chimes at Midnight, y se centró en F for Fake. Se abandonó por completo en 1973, quizás debido a la muerte de su estrella Laurence Harvey. En una entrevista de 2015, Oja Kodar achacó el fracaso de Welles a la negativa de Jeanne Moreau a participar en el doblaje.

Dune, un primer intento de adaptación de la novela de ciencia ficción de Frank Herbert por parte del director chileno Alejandro Jodorowsky, iba a estar protagonizada por Welles en el papel del malvado barón Vladimir Harkonnen. Jodorowsky había elegido personalmente a Welles para el papel, pero la película nunca pasó de la fase de preproducción.

En 1978, su antiguo protegido Peter Bogdanovich (que entonces actuaba como agente de facto de Welles) contrató a Welles para dirigir Saint Jack, una adaptación de la novela de 1973 de Paul Theroux sobre un proxeneta estadounidense en Singapur. Hugh Hefner y la entonces pareja de Bogdanovich, Cybill Shepherd, se unieron al proyecto como productores, y Hefner aportó la financiación a través de sus producciones Playboy. Sin embargo, tanto Hefner como Shepherd se convencieron de que Bogdanovich sería un director más viable comercialmente que Welles e insistieron en que Bogdanovich se hiciera cargo. Como Bogdanovich también necesitaba trabajo tras una serie de fracasos en taquilla, aceptó. Cuando finalmente Bogdanovich y Hefner rodaron la película en 1979 (pero sin la participación de Welles ni de Shepherd), Welles se sintió traicionado y, según Bogdanovich, los dos «se distanciaron un poco».

Tras el éxito de su película de 1978 Filming Othello (Rodando Otelo), realizada para la televisión de Alemania Occidental y que consistía principalmente en un monólogo ante la cámara, Welles comenzó a rodar escenas para esta película de continuación, pero nunca llegó a terminarla: 253 Lo que sí filmó Welles fue una sesión de preguntas y respuestas de 80 minutos en 1981 con estudiantes de cine que le preguntaban sobre la película. El director de fotografía de Welles, Gary Graver, conservó el material y lo donó al Museo del Cine de Múnich, que lo unió al tráiler de la película de Welles para crear una película de 83 minutos que se proyecta ocasionalmente en festivales de cine.

Escrita por Welles con Oja Kodar, The Big Brass Ring fue adaptada y filmada por el director George Hickenlooper en colaboración con el escritor F.X. Feeney. Tanto el guión de Welles como la película de 1999 se centran en un aspirante a la presidencia de Estados Unidos de unos 40 años, su anciano mentor -un antiguo candidato a la presidencia, hundido por un escándalo homosexual- y el periodista italiano que indaga en la verdad de la relación entre estos hombres. Durante los últimos años de su vida, Welles luchó por conseguir financiación para la película planeada; sin embargo, sus esfuerzos por contratar a Jack Nicholson, Robert Redford, Warren Beatty, Clint Eastwood, Burt Reynolds y Paul Newman para el papel protagonista fueron infructuosos. Todos los actores rechazaron el papel por diversas razones.

En 1984, Welles escribió el guión de una película que planeaba dirigir, un drama autobiográfico sobre la puesta en escena en 1937 de La cuna se mecerá: 157-159 Rupert Everett estaba programado para interpretar al joven Welles. Sin embargo, Welles no consiguió financiación. Tim Robbins dirigió más tarde una película similar, pero no estaba basada en el guión de Welles.

En el momento de su muerte, Welles estaba en conversaciones con una productora francesa para dirigir una versión cinematográfica de la obra de Shakespeare El rey Lear, en la que también interpretaría el papel principal.

Ada o el ardor: Crónica de una familia fue una adaptación de la novela de Vladimir Nabokov. Welles admiraba Ada or Ardor: Una crónica familiar de Nabokov e inició un proyecto de película del mismo título en colaboración con el autor. Welles voló a París para discutir el proyecto personalmente con Nabokov, ya que en aquella época el autor ruso se trasladó de América a Europa. Welles y Nabokov mantuvieron una prometedora conversación, pero el proyecto no se terminó.

Documentales sobre Ciudadano Kane (1941)

Documentales sobre Todo es verdad (1942)

Documental sobre Mr. Arkadin (1955)

Documental sobre Touch of Evil (1958)

Documental sobre Chimes at Midnight (1965)

Documentales sobre El otro lado del viento (1970-1976)

Fuentes archivísticas

Fuentes

1. Orson Welles
2. Orson Welles
3. ^ Richard H. Welles had changed the spelling of his surname by the time of the 1900 Federal Census, when he was living at Rudolphsheim, the 1888 Kenosha mansion built by his mother Mary Head Wells and her second husband, Frederick Gottfredsen.
4. ^ Sources vary regarding Beatrice Ives Welles’s birth year; her grave marker reads 1881, not 1883.[12] For more information see the talk page.
5. ^ Years later, the two men successively married Rita Hayworth.
6. ^ Pre-production materials for Nero Wolfe (1976) are contained in the Orson Welles – Oja Kodar Papers at the University of Michigan.[141]
7. Prononciation en anglais américain retranscrite selon la norme API.
8. Valentinetti 1988, pp. 118-119