Robert Altman

Mary Stone | enero 10, 2023

Resumen

Robert Bernard Altman (20 de febrero de 1925 – 20 de noviembre de 2006) fue un director de cine, guionista y productor estadounidense. Altman fue cinco veces nominado al Oscar al mejor director y una figura perdurable de la era del Nuevo Hollywood.

Su estilo cinematográfico abarcaba muchos géneros, pero normalmente con un toque «subversivo» que solía basarse en la sátira y el humor para expresar sus opiniones personales. Altman se labró una reputación de «antihollywoodiense» e inconformista tanto en sus temas como en su estilo de dirección. Los actores disfrutaban especialmente trabajando bajo su dirección porque les animaba a improvisar, inspirando así su propia creatividad.

En sus películas prefería grandes elencos y desarrolló una técnica de grabación multipista que permitía la superposición de los diálogos de varios actores. De este modo, el espectador vivía una experiencia más natural, dinámica y compleja. También utilizó cámaras muy móviles y objetivos con zoom para realzar la actividad que tenía lugar en la pantalla. La crítica Pauline Kael, escribiendo sobre su estilo de dirección, dijo que Altman podía «hacer fuegos artificiales cinematográficos de casi nada». Entre las películas más famosas de Altman figuran M*A*S*H (1970), McCabe y la señora Miller (1971), El largo adiós (1973), Nashville (1975), 3 mujeres (1977), The Player (1992), Short Cuts (1993) y Gosford Park (2001).

En 2006, la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas reconoció la obra de Altman con un Premio Honorífico de la Academia. Nunca ganó un Oscar a pesar de haber sido nominado en siete ocasiones. Sus películas M*A*S*H, McCabe y la señora Miller, El largo adiós y Nashville han sido seleccionadas para el Registro Cinematográfico Nacional de Estados Unidos. Altman es uno de los tres cineastas cuyas películas han ganado el Oso de Oro en Berlín, el León de Oro en Venecia y la Palma de Oro en Cannes (los otros dos son Henri-Georges Clouzot y Michelangelo Antonioni).

Altman nació el 20 de febrero de 1925 en Kansas City, Missouri, hijo de Helen (de soltera Matthews), descendiente de Mayflower de Nebraska, y de Bernard Clement Altman, un rico vendedor de seguros y jugador aficionado, que procedía de una familia de clase alta. Altman era de ascendencia alemana, inglesa e irlandesa; su abuelo paterno, Frank Altman, Sr., anglicizó la grafía del apellido de «Altmann» a «Altman». pero no siguió ni practicó la religión de adulto, aunque se ha referido a él como «una especie de católico» y director católico. Se educó en colegios jesuitas, incluido el Rockhurst High School, en Kansas City. Se graduó en la Academia Militar Wentworth de Lexington, Missouri, en 1943.

Poco después de graduarse, Altman se alistó en las Fuerzas Aéreas del Ejército de Estados Unidos con 18 años. Durante la Segunda Guerra Mundial, voló más de 50 misiones de bombardeo como copiloto de un B-24 Liberator con el 307º Grupo de Bombardeo en Borneo y las Indias Orientales Holandesas. Tras ser licenciado en 1947, Altman se trasladó a California. Trabajó en publicidad para una empresa que había inventado una máquina de tatuar para identificar perros. Entró en el mundo del cine por capricho, vendiendo un guión a la RKO para la película Bodyguard (1948), que coescribió con George W. George. El éxito inmediato de Altman le animó a trasladarse a Nueva York, donde intentó forjarse una carrera como guionista. Tras cosechar escasos éxitos, regresó a Kansas City en 1949, donde aceptó un trabajo como director y guionista de películas industriales para la Calvin Company. Altman dirigió unas 65 películas industriales y documentales para la Calvin Company. A través de sus primeros trabajos en películas industriales, Altman experimentó con la técnica narrativa y desarrolló su característico uso de diálogos superpuestos. En febrero de 2012, el cineasta Gary Huggins encontró una de las primeras películas de Calvin dirigidas por Altman, Modern Football (1951).

Lea también, biografias – Carlos I de Inglaterra

1950s

Las primeras incursiones de Altman en la dirección televisiva fueron en la serie dramática de DuMont Pulse of the City (1953-1954), y en un episodio de la serie del oeste de 1956 The Sheriff of Cochise. En 1956, fue contratado por un empresario local para escribir y dirigir un largometraje en Kansas City sobre la delincuencia juvenil. La película, titulada The Delinquents, realizada por 60.000 dólares, fue adquirida por United Artists por 150.000 dólares y estrenada en 1957. Aunque primitiva, esta película de explotación juvenil contenía las bases de la obra posterior de Altman en su uso de diálogos desenfadados y naturalistas. Con su éxito, Altman se trasladó de Kansas City a California por última vez. Codirigió La historia de James Dean (1957), un documental que se estrenó en los cines para aprovechar la reciente muerte del actor y comercializarlo entre sus incipientes seguidores de culto. Ambos trabajos llamaron la atención de Alfred Hitchcock, que contrató a Altman como director para su serie antológica de la CBS Alfred Hitchcock Presents. Tras sólo dos episodios, Altman dimitió por diferencias con un productor, pero esta exposición le permitió forjarse una exitosa carrera televisiva. ¡Durante la década siguiente, Altman trabajó prolíficamente en televisión (y casi exclusivamente en series dramáticas) dirigiendo múltiples episodios de Whirlybirds, The Millionaire, U.S. Marshal, The Troubleshooters, The Roaring 20s, Bonanza, Bus Stop, Kraft Mystery Theater, Combat! así como episodios sueltos de otras series notables como Hawaiian Eye, Maverick (el episodio de la cuarta temporada «Bolt From the Blue» también escrito por Altman y protagonizado por Roger Moore), Lawman, Surfside 6, Peter Gunn y Route 66.

Lea también, historia – Edicto de Granada

1960s

En la década de 1960, Altman se consolidó como director de televisión gracias a su capacidad para trabajar con rapidez y eficacia con un presupuesto limitado. Aunque fue despedido con frecuencia de proyectos televisivos por negarse a ajustarse a los mandatos de las cadenas, Altman siempre conseguía nuevos encargos. En 1964, los productores decidieron ampliar «Once Upon a Savage Night», uno de sus episodios de Kraft Suspense Theatre, para estrenarlo como telefilme bajo el título de Pesadilla en Chicago.

Dos años más tarde, Altman fue contratado para dirigir el largometraje de bajo presupuesto sobre viajes espaciales Countdown, pero fue despedido a los pocos días de concluir el proyecto porque se había negado a editar la película para que tuviera una duración manejable. No volvió a dirigir otra película hasta That Cold Day in the Park (1969), que fue un desastre de crítica y taquilla.

Durante la década, Altman comenzó a expresar subtextos políticos en sus obras. En particular, expresó sentimientos antibelicistas en relación con la guerra de Vietnam. Por este motivo, la carrera de Altman se resintió en cierta medida al asociársele con el movimiento antibelicista.

Lea también, mitologia – Isis

1970s

En 1969, le ofrecieron el guión de MASH, una adaptación de una novela poco conocida de la época de la guerra de Corea que satirizaba la vida en las fuerzas armadas. Altman dudó en aceptar la producción, y el rodaje fue tan tumultuoso que Elliott Gould y Donald Sutherland intentaron despedir a Altman por sus métodos de filmación poco ortodoxos. Sin embargo, MASH fue ampliamente aclamada como un clásico en su estreno en 1970. Ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes de 1970 y obtuvo cinco nominaciones a los Oscar. Fue la película más taquillera de Altman, estrenada en una época de creciente antibelicismo en Estados Unidos. El Archivo Cinematográfico de la Academia conservó MASH en 2000.

Reconocido ya como un gran talento, Altman cosechó éxitos de crítica con McCabe y la señora Miller (1971), un western revisionista en el que las mordaces canciones de Leonard Cohen subrayan una visión descarnada de la frontera americana; El largo adiós (1973), una controvertida adaptación de la novela de Raymond Chandler (Ladrones como nosotros (1974), una adaptación de la novela de Edward Anderson filmada anteriormente por Nicholas Ray como Viven de noche (y Nashville (1975), que tenía un fuerte tema político contrapuesto al mundo de la música country. Las estrellas de la película escribieron sus propias canciones; Keith Carradine ganó un Oscar por la canción «I»m Easy». Aunque sus películas fueron recibidas a menudo con división de opiniones, muchos de los críticos de cine más destacados de la época (como Pauline Kael, Vincent Canby y Roger Ebert) se mantuvieron fieles a su estilo de dirección durante toda la década.

El público tardaba en apreciar sus películas, y él no quería tener que satisfacer a los responsables de los estudios. En 1970, tras el estreno de MASH, fundó Lion»s Gate Films para tener libertad de producción independiente. La empresa de Altman no debe confundirse con la actual Lionsgate, una empresa canadiense.

Lea también, historia – Imperio carolingio

1980s

En 1980, dirigió la película musical Popeye. Producida por Robert Evans y escrita por Jules Feiffer, la película se basaba en el cómic

En 1981, el director vendió Lion»s Gate al productor Jonathan Taplin después de que su sátira política Health (rodada a principios de 1979 para ser estrenada en Navidad) fuera archivada por la distribuidora 20th Century Fox tras las escasas pruebas y proyecciones en festivales a lo largo de 1980. La salida de la Fox de Alan Ladd, Jr., partidario de Altman desde hacía tiempo, también fue decisiva para impedir el estreno de la película.

Incapaz de conseguir financiación importante en la era posterior a las superproducciones del Nuevo Hollywood debido a su reputación voluble y a los acontecimientos especialmente tumultuosos que rodearon la producción de Popeye, Altman empezó a «dirigir obras dramáticas literarias con presupuestos muy reducidos para el teatro, el vídeo doméstico, la televisión y estrenos teatrales limitados», incluidas las aclamadas Secret Honor y Come Back to the Five and Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean, una adaptación en las antípodas de la crítica de una obra de teatro que Altman había dirigido en Broadway: 115

En 1982, Altman montó una producción de The Rake»s Progress, de Igor Stravinsky, en la Universidad de Michigan, donde al mismo tiempo impartía un curso sobre sus películas. Poco después, volvió a filmar Secret Honor con estudiantes. En 2008, la Biblioteca de la Universidad de Michigan adquirió el archivo de Altman. También fue coautor del éxito de John Anderson en 1983, «Black Sheep».

La comedia adolescente O.C. y Stiggs (1985), un regreso frustrado al cine de Hollywood que el British Film Institute calificó retrospectivamente como «probablemente la película de menos éxito de Altman», recibió un tardío y limitado estreno comercial en 1987 tras ser archivada por MGM.

Adaptada por Altman y Sam Shepard para The Cannon Group a partir de la obra de Shepard Fool for Love, nominada al Premio Pulitzer, le fue mejor que a la mayoría de sus películas de la época, recaudando 900.000 dólares en el mercado nacional con un presupuesto de 2 millones de dólares y críticas positivas de Roger Ebert y Vincent Canby. Sin embargo, la popularidad generalizada entre el público seguía siéndole esquiva.

Siguió recuperando el favor de la crítica con su falso documental para televisión Tanner »88 (1988), una colaboración con Garry Trudeau ambientada en el entorno de una campaña presidencial estadounidense, por la que obtuvo un Primetime Emmy Award.

Lea también, biografias – Batalla de Qadesh

1990s

En 1990, Altman dirigió Vincent & Theo, una película biográfica sobre Vincent van Gogh concebida como miniserie de televisión para su emisión en el Reino Unido. Una versión teatral de la película tuvo un éxito modesto en Estados Unidos, marcando un importante punto de inflexión en el resurgimiento crítico del director.

Revitalizó su carrera en serio con El jugador (1992), una sátira de Hollywood. Coproducida por el influyente David Brown (The Sting, Jaws, Cocoon), la película fue nominada a tres premios de la Academia, incluido el de Mejor Director. Aunque no ganó el Oscar, fue galardonado como Mejor Director por el Festival de Cannes, el BAFTA y el Círculo de Críticos de Cine de Nueva York.

Altman dirigió después Short Cuts (1993), una ambiciosa adaptación de varios relatos cortos de Raymond Carver, que retrataba las vidas de varios ciudadanos de Los Ángeles a lo largo de varios días. El gran reparto de la película y el entrelazamiento de muchas tramas diferentes eran similares a sus películas de gran reparto de los años setenta; ganó el León de Oro en el Festival Internacional de Cine de Venecia de 1993 y otra nominación al Oscar al Mejor Director.

El resto de la década de 1990 fue de éxito limitado para Altman. Su estreno en 1994, Prêt-à-Porter (también conocida como Ready to Wear), obtuvo una importante publicidad antes del estreno, pero fue un fracaso comercial y de crítica, aunque obtuvo varias nominaciones a los premios de fin de año, incluidas dos nominaciones a los Globos de Oro, y ganó el premio National Board of Review a la mejor interpretación de un conjunto. En 1996, Altman dirigió Kansas City, en la que expresaba su amor por el jazz de los años 30 a través de una complicada historia de secuestro. La historia recibió críticas entre tibias y positivas, pero apenas recaudó nada en taquilla, al igual que el thriller legal de 1998 The Gingerbread Man.

Cerró la década con una nota alta, Cookie»s Fortune (1999), una peculiar comedia negra sobre el suicidio de una rica viuda, su primera película en casi 6 años que recuperaba su presupuesto, y que le valió elogios positivos de la crítica. En 1999 fue elegido miembro de la Academia Estadounidense de las Artes y las Ciencias.

Lea también, biografias – Willem Barents

2000s

Gosford Park (2001), una película de misterio y asesinatos en una casa de campo británica, fue incluida en la lista de las diez mejores películas del año por muchos críticos. Ganó el Oscar al mejor guión original (Julian Fellowes), además de otras seis nominaciones, dos de ellas para Altman, como mejor director y mejor película.

Trabajar con estudios independientes como Fine Line, Artisan (absorbida por la actual Lionsgate) y USA Films (ahora Focus Features), le permitió hacer el tipo de películas que siempre quiso sin la interferencia de los estudios. En junio de 2006 se estrenó una versión cinematográfica de la serie radiofónica A Prairie Home Companion, de Garrison Keillor. Altman siguió desarrollando nuevos proyectos hasta su muerte, incluida una película basada en Hands on a Hard Body: The Documentary (1997).

En 2006, la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas concedió a Altman el Premio Honorífico de la Academia a Toda una Vida. Durante su discurso de aceptación, reveló que había recibido un trasplante de corazón unos diez u once años antes. El director bromeó entonces diciendo que tal vez la Academia había actuado prematuramente al reconocer el conjunto de su obra, ya que sentía que podría tener cuatro décadas más de vida por delante.

Lea también, batallas – Batalla de Grunwald

Inconformista y autor

Tras su exitosa carrera en la televisión, Altman comenzó su nueva andadura en la industria cinematográfica cuando ya estaba en la madurez. Comprendió los límites creativos impuestos por el género televisivo y se propuso dirigir y escribir películas que expresaran sus visiones personales sobre la sociedad estadounidense y Hollywood. Sus películas se describirían más tarde como «ataques auteurísticos» y «variaciones idiosincrásicas» del cine tradicional, utilizando normalmente la comedia sutil o la sátira como forma de expresar sus observaciones.

Sus películas solían estar relacionadas con temas políticos, ideológicos y personales, y Altman era conocido por «negarse a comprometer su propia visión artística». Se le ha descrito como «anti-Hollywood», ignorando a menudo las presiones sociales que afectaban a otros en la industria, lo que le dificultó que muchas de sus películas fueran vistas. Dijo que su independencia como cineasta le ayudó en general:

No creo que haya un cineasta vivo, o que haya vivido alguna vez, que haya tenido mejor suerte que yo. Nunca me he quedado sin proyecto y siempre ha sido un proyecto elegido por mí. Así que no sé cuánto mejor podría ser. No me he convertido en un magnate, no construyo castillos ni tengo una inmensa fortuna personal, pero he podido hacer lo que he querido y lo he hecho mucho.

«Altman fue un auténtico inconformista del cine», afirma el autor Ian Freer, porque iba en contra de la conformidad comercial de la industria cinematográfica: «Era el azote del establishment cinematográfico, y su obra generalmente arrojaba una mirada astuta y mordaz sobre la amplitud de la cultura estadounidense, a menudo haciendo estallar géneros y arquetipos de personajes; a Altman le fascinaba la gente con imperfecciones, la gente tal y como es en realidad, no como las películas quieren hacer creer». El director Alan Rudolph, durante un homenaje especial a Altman, se refiere a su estilo cinematográfico como «Altmanesco».

Su estilo de dirección independiente le ha granjeado una mala reputación entre los guionistas y los profesionales del cine. Reconoce: «Tengo mala reputación entre los guionistas, desarrollada a lo largo de los años: »Oh, no hace lo que tú escribes, bla, bla, bla»… Ring Lardner estaba muy cabreado conmigo», por no seguir su guión. Ring Lardner estaba muy cabreado conmigo», por no seguir su guión: 18 Altman tampoco se llevaba bien con los jefes de los estudios, una vez le dio un puñetazo en la nariz a un ejecutivo y lo tiró a una piscina porque insistía en que recortara seis minutos de una película en la que estaba trabajando:  9

Su reputación entre los actores era mejor. Con ellos, su independencia se extendía a veces a su elección de actores, a menudo en contra del consenso. Cher, por ejemplo, le atribuye el lanzamiento de su carrera con la obra de teatro y la película Come Back to the Five and Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean (1982). «Sin Bob nunca habría tenido una carrera cinematográfica. Todo el mundo le decía que no me contratara. Todo el mundo. … Nadie me daba una oportunidad. Estoy convencida de que Bob fue el único que tuvo el valor suficiente para hacerlo». Otros, como Julianne Moore, describen trabajar con él:

Ya sabes, ¿todo esto de que Bob era un tipo de persona irascible y difícil? Bueno, el nunca fue asi con un actor o con una persona creativa que yo haya visto. Nunca, nunca, nunca. El guardaba todo eso para la gente de dinero.:  431

El director Robert Dornhelm dijo que Altman «veía el cine como un lugar artístico puro». Con Short Cuts (1993), por ejemplo, el distribuidor «le suplicó» que recortara unos minutos de la duración, para que siguiera siendo comercialmente viable: «Bob pensaba que el anticristo quería destruir su arte. Eran personas bienintencionadas que querían que obtuviera lo que se merecía, que era un gran éxito comercial. Pero cuando se trataba del arte o del dinero, él estaba con el arte»:  438

Sally Kellerman, observando la actitud voluntariosa de Altman, aún mira hacia atrás con pesar por haber renunciado a la oportunidad de actuar en una de sus películas:

Acababa de terminar de rodar Last of the Red Hot Lovers cuando Bob me llamó un día a casa. «Sally, ¿quieres salir en mi película después de la siguiente?», me preguntó. «Sólo si es un buen papel», le dije. Me colgó.

Lea también, historia – Edicto de Nantes

Temas y asuntos

A diferencia de directores cuya obra encaja en diversos géneros cinematográficos, como el western, el musical, el cine bélico o la comedia, la obra de Altman ha sido definida como más «antigénero» por diversos críticos. Esto se debe en parte a la naturaleza satírica y cómica de muchas de sus películas. Geraldine Chaplin, hija de Charlie Chaplin, comparó el humor de sus películas con el de las de su padre:

Son divertidos en el buen sentido. Divertidos de una manera crítica – de lo que es el mundo y el mundo en que vivimos. Ambos eran genios a su manera. Alteran tu experiencia de la realidad. Tienen su mundo y tienen su humor. Ese humor es tan raro: 287

Altman dejó claro que no le gustaba «contar historias» en sus películas, al contrario de lo que se hace en la mayoría de los programas de televisión y en el cine convencional. Según Mitchell Zuckoff, biógrafo de Altman, «le disgustaba la palabra »historia», pues creía que una trama debía ser secundaria a una exploración del comportamiento humano puro (o, mejor aún, impuro)»: xiii Zuckoff describe los propósitos subyacentes a muchas de las películas de Altman: «Le encantaba la naturaleza caótica de la vida real, con perspectivas contradictorias, giros sorprendentes, acciones inexplicables y finales ambiguos. Le gustaban especialmente las muchas voces, a veces discutiendo, a veces de acuerdo, idealmente superpuestas, un cóctel o una escena callejera captada tal y como él la vivía»: xiii Julianne Moore, después de ver algunas de sus películas, atribuye al estilo de dirección de Altman su decisión de convertirse en actriz de cine, en lugar de actriz de teatro:

Lo sentí muy fuerte. Y pensé: «No sé quién es este tipo, pero eso es lo que quiero hacer. Quiero hacer ese tipo de trabajo». A partir de entonces veía sus películas siempre que podía, y siempre fue mi director favorito, por lo que decía temática y emocionalmente y por lo que sentía por la gente..:  324

El autor cinematográfico Charles Derry escribe que las películas de Altman «contienen característicamente observaciones perspicaces, intercambios reveladores y momentos de cristalina revelación de la locura humana». Como Altman era un astuto observador de la sociedad y «estaba especialmente interesado en las personas», señala Derry, muchos de los personajes de sus películas tenían «esa imperfección descuidada asociada a los seres humanos tal como son, a la vida tal como se vive». Como resultado, sus películas son a menudo una crítica indirecta de la sociedad estadounidense.

En muchas de las películas de Altman, el contenido satírico es evidente: MASH (McCabe & Mrs. Miller (El autor Matthew Kennedy afirma que Nashville (Una boda (El propio Altman dijo que The Player (1992) era «una sátira muy suave» sobre la industria cinematográfica de Hollywood, y Vincent Canby estuvo de acuerdo, afirmando que «como sátira, The Player hace cosquillas. No hace sangre». La sátira de sus películas a veces provocaba su fracaso en taquilla si su naturaleza satírica no era comprendida por el distribuidor. Altman achaca el fracaso en taquilla de El largo adiós (1973), una historia de detectives, a la errónea comercialización de la película como thriller:

Cuando la película se estrenó, fue un gran, gran fracaso. … Fui a David Picker y le dije: «No puedes hacer esto. No me extraña que la maldita película esté fracasando. Da una impresión equivocada. Haces que parezca un thriller y no lo es, es una sátira.

Del mismo modo, Altman también achaca el fracaso de O.C. & Stiggs a que se comercializó como una típica «película de adolescentes», en lugar de como él la rodó, una «sátira de una película de adolescentes», dijo.

Lea también, biografias – Espartaco

Diálogo de improvisación

A Altman le gustaban las historias que expresaban las interrelaciones entre varios personajes, más interesadas en la motivación de los personajes que en tramas intrincadas. Por eso solía esbozar sólo un argumento básico para la película, refiriéndose al guión como un «plano» para la acción. Al animar a sus actores a improvisar diálogos, Altman se hizo famoso como «director de actores», una reputación que atrajo a muchos actores notables para trabajar en sus grandes repartos. Los intérpretes disfrutan trabajando con Altman en parte porque «les da libertad para desarrollar sus personajes y a menudo alterar el guión mediante la improvisación y la colaboración», señala Derry. Richard Baskin dice que «Bob era bastante extraordinario en su forma de dejar que la gente hiciera lo que hacía. Confiaba en que hicieras lo que hicieras y por eso matabas por él».

282 Geraldine Chaplin, que actuó en Nashville, recuerda una de sus primeras sesiones de ensayo:

Dijo: «¿Habéis traído los guiones?». Dijimos que sí. Dijo: «Bueno, tírenlos. No los necesitan. Necesitáis saber quiénes sois, dónde estáis y con quién estáis». … Era como estar en el escenario con la sala llena cada segundo. Todos los números de circo que tenías dentro de tu cuerpo los hacías sólo para él: 282

Altman solía dejar que sus actores desarrollaran un personaje mediante la improvisación durante el ensayo o, a veces, durante el propio rodaje. Este tipo de improvisación era poco común en el cine debido al alto coste de la producción cinematográfica, que requiere una planificación cuidadosa, guiones precisos y ensayos antes de exponer una película costosa. No obstante, Altman prefería utilizar la improvisación como herramienta para ayudar a sus actores a desarrollar su personaje. Altman decía que «una vez que empezamos a rodar es algo muy establecido. La improvisación está mal entendida. No soltamos a la gente así como así». Aunque intentaba evitar dictar cada movimiento de los actores, prefería dejarles el control:

Cuando hago un casting para una película, la mayor parte de mi trabajo creativo ya está hecho. Tengo que estar ahí para encender el interruptor y darles ánimos como figura paterna, pero ellos hacen todo el trabajo. … Lo único que intento es ponérselo fácil al actor, porque una vez que empiezas a rodar, el actor es el artista. … Tengo que darles confianza y procurar que tengan cierta protección para que puedan ser creativos. … Les dejo hacer aquello para lo que se han convertido en actores: crear.

Carol Burnett recuerda que Altman admitió que muchas de las ideas de sus películas procedían de los actores. «Nunca oyes a un director decir eso. Fue algo realmente asombroso», dijo: 328 Otros, como Jennifer Jason Leigh, se dejaron llevar por la creatividad:

Te inspiraba por pura necesidad para que se te ocurrieran cosas que no sabías que eras capaz de hacer, que no sabías que llevabas dentro. Era tan genuinamente travieso y tan malditamente divertido: 435

Le gustaba trabajar con muchos de los mismos intérpretes, como Shelley Duvall y Bert Remsen (Jeff Goldblum, Lily Tomlin, Lyle Lovett, Henry Gibson, David Arkin, y John Schuck (Tim Robbins, Carol Burnett, Belita Moreno, Richard E. Grant, Geraldine Chaplin, Craig Richard Nelson, Sally Kellerman y Keith Carradine (3 películas cada uno). Krin Gabbard añade que a Altman le gustaba utilizar actores «que florecen como improvisadores», como Elliott Gould, que protagonizó tres de sus películas, MASH, El largo adiós y California Split. Gould recuerda que durante el rodaje de MASH, su primer trabajo como actor con Altman, él y su coprotagonista Donald Sutherland pensaban que Altman no sabía lo que estaba haciendo. Años después escribió: «Creo que, en retrospectiva, Donald y yo éramos dos actores elitistas y arrogantes que realmente no entendían el genio de Altman»:  174 Otros miembros del reparto apreciaron inmediatamente el estilo de dirección de Altman. René Auberjonois explica:

Pensábamos que así eran las películas. Que eran una experiencia alegre. Si tenías algún tipo de carrera, veías rápidamente que la mayoría de los directores no confían en los actores, no quieren verlos actuar. Esa era la diferencia con Bob Altman. Él amaba a los actores y quería ver actuar .:  175

A diferencia de la televisión y el cine tradicional, Altman también evitaba la «narración convencional» y optaba por mostrar la «ajetreada confusión de la vida real», observa Albert Lindauer. Entre las diversas técnicas para lograr este efecto, sus películas incluyen a menudo «una profusión de sonidos e imágenes, por repartos enormes o personajes disparatados, tramas múltiples o sin trama alguna, … y una dependencia de la improvisación». Unos meses antes de morir, Altman intentó resumir los motivos de su estilo cinematográfico:

Equiparo este trabajo más con la pintura que con el teatro o la literatura. Las historias no me interesan. Básicamente, me interesa más el comportamiento. No dirijo, observo. Tengo que emocionarme si espero que el público se emocione. Porque lo que realmente quiero ver de un actor es algo que nunca he visto antes, así que no puedo decirles lo que es. Intento animar a los actores a que no se turnen. Para hacer frente a la conversación como conversación. En eso consiste el trabajo, creo. Es crear una zona de confort para que un actor pueda ir más allá de lo que pensaba que podía hacer: 8

Lea también, civilizaciones – Cosme de Médici

Técnicas de sonido

Altman fue uno de los pocos cineastas que «prestó toda su atención a las posibilidades del sonido» al rodar. Intentó reproducir los sonidos naturales de las conversaciones, incluso con grandes repartos, conectando micrófonos ocultos a los actores y grabándolos después hablando unos sobre otros con múltiples bandas sonoras. Durante el rodaje, llevaba unos auriculares para asegurarse de que se oían los diálogos importantes, sin enfatizarlos. De este modo, los espectadores vivían una «experiencia sonora densa» que les permitía escuchar múltiples fragmentos de diálogo, como si estuvieran escuchando varias conversaciones privadas. Altman reconocía que, aunque los grandes repartos perjudican comercialmente a una película, «me gusta que pasen muchas cosas».

Altman utilizó por primera vez bandas sonoras superpuestas en MASH (1970), una técnica de sonido que el autor cinematográfico Michael Barson describe como «una innovación impresionante para la época». La desarrolló, según Altman, para obligar al espectador a prestar atención e implicarse en la película como si fuera un participante activo. Según algunos críticos, uno de los usos más extremos de la técnica se encuentra en McCabe y la señora Miller (1971), también considerada entre sus mejores películas.

Historiador del cine

Lea también, biografias – Jimi Hendrix

Elencos conjuntos

La superposición de diálogos entre grandes grupos de actores añade complejidad a las películas de Altman, que a menudo fueron criticadas por parecer desordenadas o inconexas en el primer visionado. Algunos de sus críticos cambiaron de opinión tras volver a verlas. El crítico de cine británico David Thomson dio a Nashville (1975) una mala crítica después de verla la primera vez, pero más tarde escribió: «Pero volver a ver Nashville y algunas de las películas anteriores, … me hizo reflexionar: Sigue siendo enigmático lo organizada o intencionada que es Nashville. … El mosaico, o mezcla, permite una libertad y una idiosincrasia humana que Renoir podría haber admirado». Durante el rodaje, los actores se sintieron inspirados, y la coprotagonista Ronee Blakley estaba convencida del éxito final de la película:

Sí, pensé que iba a ser genial, todo el trabajo era tan bueno, cada actor estaba inspirado, y el equipo de Altman era intensamente competente, y él era ese raro tipo de genio que sabe lo que funciona y lo que no en el momento en que está sucediendo.

Thomson reconoció más tarde que esos aspectos formaban parte del estilo de Altman, a partir de MASH (1970): «MASH empezó a desarrollar el estilo crucial de Altman de superposición, sonido borroso e imágenes tan resbaladizas con el zoom que no había sentido de la composición. Eso es lo que hace que Nashville sea tan absorbente». Altman explicó que para él ese diálogo superpuesto en sus películas se acercaba más a la realidad, especialmente con grupos grandes: «Si hay catorce personas en una mesa, me parece bastante improbable que sólo dos de ellas estén hablando». Pauline Kael escribe que Altman, «el maestro de los grandes conjuntos, la acción suelta y las voces superpuestas, demuestra que… puede hacer fuegos artificiales cinematográficos de casi nada».

Lea también, historia – Guerras de religión de Francia

Fotografía

El inconfundible estilo de dirección de Altman se trasladó a sus preferencias en el trabajo de cámara. Entre ellas, el uso de composiciones de pantalla ancha, pensadas para captar a muchas personas o actividades que tienen lugar en la pantalla al mismo tiempo. En algunas películas, como McCabe y la señora Miller, creó una poderosa atmósfera visual con el director de fotografía Vilmos Zsigmond, con escenas en las que utilizaba una cámara fluida, objetivos zoom y un efecto de humo con filtros especiales de niebla. El director Stanley Kubrick le dijo a Altman que «el trabajo de cámara era maravilloso» y le preguntó: «¿Cómo lo has hecho?».

En Nashville, Altman utilizó decorados con colores marcados de rojos, blancos y azules. Para El largo adiós, insistió en que Zsigmond mantuviera la movilidad de la cámara montándola sobre objetos en movimiento. Zsigmond afirma que Altman «quería hacer algo diferente» en esta película, y le dijo que «quería que la cámara se moviera, todo el tiempo. Arriba, abajo. Dentro y fuera. De lado a lado». El director de fotografía Roger Deakins, al hablar de su uso de los objetivos zoom, comentó: «Me parecería muy emocionante rodar una película con un objetivo zoom si se tratara de ese tipo de mirada observacional e itinerante por el que era conocido Robert Altman. Colocaba la cámara en un brazo y flotaba por la escena seleccionando las tomas sobre la marcha, una forma de trabajar muy agradable».

Zsigmond también recuerda que trabajar con Altman fue divertido:

Más bien disfrutábamos haciendo cosas «improvisadas». Altman es un gran improvisador. Durante los primeros días del rodaje, «creaba» diferentes enfoques en un momento. Me mostraba cómo quería que se moviera la cámara, siempre se movía. Era divertido. A los actores les encantaba, y a mí siempre me desafiaba a encontrar formas de rodar lo que se le ocurría a Altman.

La fotografía de Vilmos Zsigmond en McCabe y la señora Miller recibió una nominación de los premios de cine de la Academia Británica.

Lea también, biografias – Emil Nolde

Partituras musicales

Cuando utilizaba música en sus películas, Altman era conocido por ser muy selectivo, eligiendo a menudo música que le gustaba personalmente. El director Paul Thomas Anderson, que trabajó con él, señala que «el uso que Altman hace de la música es siempre importante», y añade: «A Bob le encantaba su música, ¿verdad? Dios mío, le encantaba su música». Como era un «gran fan» de la música de Leonard Cohen, por ejemplo, y decía que «se colocaba y ponía ese material» todo el tiempo, utilizó tres de sus canciones en McCabe y la señora Miller (1971), y otra para la escena final de Una boda (1978).

Para Nashville (1975), Altman hizo que su reparto compusiera numerosas canciones nuevas de música country para crear una atmósfera realista. Incorporó una «melodía inquietantemente repetida» en El largo adiós (1973), y empleó a Harry Nilsson y Van Dyke Parks para la partitura de Popeye (1980):  347

Varios expertos en música han escrito sobre el uso que Altman hace de la música, entre ellos Richard R. Ness, que escribió sobre las partituras de muchas de las películas de Altman en un artículo, considerado un valioso recurso para comprender la técnica cinematográfica de Altman. Del mismo modo, el profesor de estudios cinematográficos Krin Gabbard escribió un análisis del uso que Altman hace de la música jazz en Short Cuts (1993), señalando que pocos críticos han considerado la «importancia de la música» en la película.

El jazz también fue importante en Kansas City (1996). En esa película, la música se considera la base de la historia. Altman afirma que «la idea era no especificar demasiado la historia», sino que la propia película fuera «más bien una especie de jazz». La técnica de Altman de convertir el tema de una película en una forma de música, se consideró «un experimento que nadie había intentado antes», y Altman admitió que era arriesgado. «No sabía si funcionaría. … Si la gente »lo pilla», suele gustarle».

Entre los directores influidos por Altman figuran Paul Thomas Anderson, Wes Anderson, Judd Apatow, Richard Linklater, Alejandro González Iñárritu, Noah Baumbach, David Gordon Green, los hermanos Safdie, Harmony Korine y Michael Winterbottom.

Como director

Altman recibió varios premios y nominaciones, incluidas siete candidaturas a los Oscar de la Academia, y ganó el Oscar Honorífico en 2006. Recibió siete nominaciones a los premios de la Academia Británica de Cine, dos de ellas por El jugador (1992) y Gosford Park (2001). Recibió el premio Primetime Emmy a la mejor dirección de una serie dramática por Tanner »88 (1988). También recibió cinco nominaciones a los Globos de Oro, y ganó el de Mejor Director por Gosford Park. También ha recibido varios premios de festivales de cine, entre ellos la prestigiosa Palma de Oro del Festival de Cannes por M*A*S*H y el Premio del Festival de Cannes al Mejor Director por The Player. También ha recibido el Oso de Oro del Festival Internacional de Cine de Berlín y el León de Oro del Festival de Venecia. En 1994, recibió el Premio a la Trayectoria del Gremio de Directores de América.

Lea también, historia – Peste negra

Familia

Altman se casó tres veces: Su primera esposa fue LaVonne Elmer. Estuvieron casados de 1947 a 1949, y tuvieron una hija, Christine. Su segunda esposa fue Lotus Corelli. Estuvieron casados de 1950 a 1955 y tuvieron dos hijos, Michael y Stephen. A los catorce años, Michael escribió la letra de «Suicide Is Painless», el tema principal de la película de Altman, MASH. Stephen es diseñador de producción y trabajó a menudo con su padre. La tercera esposa de Altman fue Kathryn Reed. Estuvieron casados desde 1957 hasta su muerte en 2006. Tuvieron dos hijos, Robert y Matthew. Altman se convirtió en el padrastro de Konni Reed cuando se casó con Kathryn.

Kathryn Altman, fallecida en 2016, fue coautora de un libro sobre Altman publicado en 2014. Fue asesora y narradora del documental Altman de 2014 y ha intervenido en muchas proyecciones retrospectivas de las películas de su marido.

Lea también, biografias – Eduardo IV de Inglaterra

Viviendas

En la década de 1960, Altman vivió durante años en Mandeville Canyon, en Brentwood (California). Residió en Malibú durante toda la década de 1970, pero vendió esa casa y la productora Lion»s Gate en 1981. «No tuve más remedio», declaró a The New York Times. «Nadie contestaba al teléfono» tras el fracaso de Popeye. Trasladó su familia y la sede de su empresa a Nueva York, pero finalmente volvió a Malibú, donde vivió hasta su muerte.

Lea también, biografias – Ciro II el Grande

Opiniones políticas

En noviembre de 2000, Altman afirmó que se mudaría a París si George W. Bush salía elegido, pero bromeó diciendo que se refería a París (Texas). Señaló que «el estado estaría mejor si él (Bush) estuviera fuera». Altman consumía marihuana abiertamente y era miembro del consejo asesor de la NORML. También era ateo y activista contra la guerra. Fue uno de los numerosos personajes públicos, entre ellos el lingüista Noam Chomsky y la actriz Susan Sarandon, que firmaron la declaración «No en nuestro nombre», en la que se oponían a la invasión de Irak en 2003. Julian Fellowes cree que la postura antibelicista y anti Bush de Altman le costó el Oscar al Mejor Director por Gosford Park: 478

Altman despreciaba la serie de televisión M*A*S*H, que siguió a su película de 1970, por considerarla la antítesis de su película y tachar de «racistas» sus mensajes antibelicistas. En el comentario del DVD de 2001 de MASH, expuso claramente las razones por las que desaprobaba la serie.

Altman falleció de leucemia en el Centro Médico Cedars-Sinai de Los Ángeles el 20 de noviembre de 2006, a la edad de 81 años.

Su colega Paul Thomas Anderson dedicó su película de 2007 There Will Be Blood a Altman. Anderson había trabajado como director suplente en A Prairie Home Companion por motivos de seguridad en caso de que Altman, de 80 años y enfermo, no pudiera terminar el rodaje.

Durante una celebración homenaje a Altman pocos meses después de su muerte, se le describió como un «cineasta apasionado» y un autor que rechazaba las convenciones, creando lo que el director Alan Rudolph llamó un estilo «altmanesco» de películas. Prefería grandes repartos de actores, conversaciones naturales superpuestas y animaba a sus actores a improvisar y expresar su creatividad innata, pero sin miedo a fracasar. Lily Tomlin lo comparó con «un gran patriarca benigno que siempre estaba pendiente de ti como actor», y añadió que «no tienes miedo de arriesgarte con él».

Muchas de sus películas se describen como «ácidas sátiras y estudios de personajes contraculturales que redefinieron y revigorizaron el cine moderno». Aunque sus películas abarcaban la mayoría de los géneros cinematográficos, como westerns, musicales, películas bélicas o comedias, se le consideraba «antigénero», y sus películas eran «cándidamente subversivas». Era conocido por odiar la «falsedad» que veía en la mayoría de las películas convencionales, y «quería hacerlas explotar» a través de la sátira.

El actor Tim Robbins, protagonista de varias películas de Altman, describe algunos de los aspectos singulares de su método de dirección:

Creaba un mundo único y maravilloso en sus platós, … donde el travieso padre daba rienda suelta a los «niños actores» para que jugaran. Donde tu imaginación era alentada, alimentada, reída, abrazada y Altman-izada. Una dulce anarquía que muchos de nosotros no habíamos sentido desde el patio del colegio, desatada por el corazón salvaje de Bob.

Los archivos personales de Altman se encuentran en la Universidad de Michigan, e incluyen unas 900 cajas de papeles personales, guiones, registros legales, empresariales y financieros, fotografías, atrezzo y material relacionado. Altman había rodado Honor secreto en la universidad, además de dirigir allí varias óperas.

Desde 2009, el Premio Robert Altman se concede al director, al director de reparto y al elenco de una película en la gala anual de los Independent Spirit Awards.

En 2014 se estrenó un largometraje documental, Altman, que repasa su vida y obra con fragmentos de películas y entrevistas.

Fuentes

1. Robert Altman
2. Robert Altman
3. ^ Powerfully realized study of Vincent van Gogh and his brother Theo marks a return to the mainstream arena for director Robert Altman. Brilliantly acted, splendid film fare should be welcomed in specialty houses and beyond.[17]
4. ^ When The Player came out in 1992, it was greeted as a welcome comeback for director Robert Altman, who spent much of the previous decade working small—making filmed plays instead of the ambitious, character-heavy genre reinventions he»d been known for in the 1970s. But Altman actually reclaimed his «critics» darling» status two years earlier with Vincent & Theo, a luminous biopic about painter Vincent Van Gogh (played by Tim Roth) and his art-dealer brother (Paul Rhys).[18]
5. (en) « Robert Altman | Biography, Movies, & Facts », sur Encyclopedia Britannica (consulté le 14 mars 2019)
6. 1 2 The Religious Affiliation of Robert Altman (неопр.). Adherents.com (28 июля 2005). Дата обращения: 22 ноября 2006. Архивировано из оригинала 4 февраля 2006 года.
7. Director Robert Altman dead at 81. (Memento vom 21. Dezember 2006 im Internet Archive) CNN, 22. November 2006.