Sidney Lumet

gigatos | julio 13, 2023

Resumen

Sidney Arthur Lumet (25 de junio de 1924 – 9 de abril de 2011) fue un director de cine, productor y guionista estadounidense con más de 50 películas en su haber. Fue nominado cinco veces al Oscar: cuatro al Mejor Director por 12 Angry Men (1957), Dog Day Afternoon (1975), Network (1976) y The Verdict (1982) y una al Mejor Guión Adaptado por Prince of the City (1981). No ganó ningún Oscar individual, pero recibió un Premio Honorífico de la Academia, y 14 de sus películas fueron nominadas a los Oscar.

Según The Encyclopedia of Hollywood, Lumet fue uno de los cineastas más prolíficos de la era moderna, dirigiendo más de una película al año de media desde su debut como director en 1957. Turner Classic Movies destaca su «firme dirección de actores», su «vigorosa narración» y el «realismo social» de sus mejores trabajos. El crítico de cine Roger Ebert lo describió como «uno de los mejores artesanos y más cálidos humanitarios entre todos los directores de cine». Lumet también era conocido como «director de actores», ya que trabajó con los mejores a lo largo de su carrera, probablemente más que «cualquier otro director». Sean Connery, que actuó en cinco de sus películas, lo consideraba uno de sus directores favoritos, y uno que tenía esa «cosa de la visión».

Miembro de la clase inaugural del Actors Studio de Nueva York, Lumet comenzó su carrera como director en producciones de Off-Broadway, para convertirse después en un eficaz realizador de televisión. Su primera película, 12 Angry Men (1957), era un drama judicial centrado en una tensa deliberación del jurado. Posteriormente, Lumet dividió sus energías entre películas de drama político y social, así como adaptaciones de obras de teatro y novelas literarias, grandes historias de estilo, comedias negras neoyorquinas y dramas policíacos realistas, como Serpico y Prince of the City. Tras dirigir 12 Angry Men, también fue responsable de liderar la primera oleada de directores que pasaron con éxito de la televisión al cine.

En 2005, Lumet recibió el Oscar a Toda una Vida por sus «brillantes servicios a guionistas, intérpretes y al arte del cine». Dos años después concluyó su carrera con el aclamado drama Antes que el diablo sepa que has muerto (2007). Unos meses después de la muerte de Lumet, en abril de 2011, se celebró una retrospectiva de su obra en el Lincoln Center de Nueva York con numerosos oradores y estrellas de cine. En 2015, Nancy Buirski dirigió By Sidney Lumet, un documental sobre su carrera, que se emitió como parte de la serie American Masters de PBS en enero de 2017 .

Primeros años

Lumet nació en Filadelfia y creció en el barrio Lower East Side de Manhattan. Estudió interpretación teatral en la Professional Children’s School de Nueva York y en la Universidad de Columbia.

Los padres de Lumet, Baruch y Eugenia (de soltera Wermus) Lumet, eran veteranos del teatro yiddish y emigraron como judíos polacos a Estados Unidos. Su padre, actor, director, productor y escritor, nació en Varsovia. La madre de Lumet, que era bailarina, murió cuando él era niño. Tenía una hermana mayor. Debutó profesionalmente en la radio a los cuatro años y en el teatro, en el Yiddish Art Theatre, a los cinco. De niño también apareció en muchas producciones de Broadway, como Callejón sin salida, de 1935, y La carretera eterna, de Kurt Weill.

En 1935, con 11 años, apareció en un cortometraje de Henry Lynn, Papirossen (que significa «Cigarrillos» en yiddish), coproducido por la estrella de la radio Herman Yablokoff. La película se proyectó en una obra teatral con el mismo título, basada en la exitosa canción «Papirosn». La obra y el cortometraje se presentaron en el McKinley Square Theatre del Bronx. En 1939, hizo su única aparición en un largometraje, a los 15 años, en …One Third of a Nation….

La Segunda Guerra Mundial interrumpió su temprana carrera como actor y pasó cuatro años en el ejército estadounidense. Tras regresar del servicio como reparador de radares destinado en la India y Birmania (1942-1946), empezó a trabajar en el Actors Studio y luego formó su propio taller de teatro. Organizó un grupo Off-Broadway y se convirtió en su director, y continuó dirigiendo en el teatro de verano, mientras enseñaba interpretación en la High School of Performing Arts. Fue director de teatro en el nuevo edificio de la calle 46 de «Performing Arts». Con 25 años, Lumet dirigió el departamento de arte dramático en una producción de «The Young and Fair».

Carrera profesional

Lumet comenzó su carrera como director en producciones de Off-Broadway y luego evolucionó hasta convertirse en un respetado director de televisión. Después de trabajar en el Off-Broadway y en producciones de verano, empezó a dirigir televisión en 1950, tras trabajar como ayudante de su amigo y entonces director Yul Brynner. Pronto desarrolló un método de rodaje «relámpago» debido a la gran rotación que exigía la televisión. Así, mientras trabajaba para la CBS dirigió cientos de episodios de Danger (1950-55), Mama (1949-57) y You Are There (1953-57), una serie semanal que contó con Walter Cronkite en una de sus primeras apariciones televisivas. Lumet eligió a Cronkite para el papel de presentador «porque la premisa del programa era tan tonta, tan extravagante, que necesitábamos a alguien con la soltura más americana, hogareña y cálida», dijo Lumet.

También dirigió obras originales para Playhouse 90, Kraft Television Theatre y Studio One, dirigiendo alrededor de 200 episodios, lo que le consagró como «uno de los directores más prolíficos y respetados del negocio», según Turner Classic Movies. Su capacidad para trabajar con rapidez durante el rodaje se trasladó a su carrera cinematográfica. Como la calidad de muchos de los dramas televisivos era tan impresionante, varios de ellos fueron adaptados posteriormente como películas cinematográficas.

Su primera película, 12 Angry Men (1957), basada en una obra de teatro de la CBS, fue un buen comienzo para Lumet. Fue un éxito de crítica y le consagró como director experto en adaptar propiedades de otros medios al cine. Casi la mitad de las películas de Lumet tienen su origen en el teatro.

Un polémico programa de televisión que dirigió en 1960 le dio notoriedad: La historia de Sacco y Vanzetti, de la NBC. Según The New York Times, el drama provocó las críticas del estado de Massachusetts (donde Sacco y Vanzetti fueron juzgados y ejecutados) porque se pensaba que postulaba que los asesinos condenados eran, de hecho, totalmente inocentes. Sin embargo, la controversia resultante hizo más bien que mal a Lumet, que recibió varios encargos cinematográficos de prestigio.

Comenzó a adaptar obras clásicas tanto para el cine como para la televisión, dirigiendo a Marlon Brando, Joanne Woodward y Anna Magnani en el largometraje The Fugitive Kind (1959), basado en la obra de Tennessee Williams Orpheus Descending. Más tarde dirigió una versión televisiva en directo de la obra de Eugene O’Neill The Iceman Cometh, a la que siguió su película A View from the Bridge (1962), otro drama psicológico a partir de la obra escrita por Arthur Miller. A ésta siguió otra obra de Eugene O’Neill llevada al cine, Long Day’s Journey into Night (también de 1962), con Katharine Hepburn obteniendo una nominación al Oscar por su interpretación de un ama de casa drogadicta; los cuatro actores principales arrasaron en los premios de interpretación del Festival de Cannes de 1962. También fue elegida una de las «Diez mejores películas» del año por The New York Times.

Realismo y estilo enérgico

El crítico de cine Owen Gleiberman ha observado que Lumet era un «francotirador duro» que, debido a que se formó durante la edad de oro de la televisión en la década de 1950, se hizo famoso por su enérgico estilo de dirección. Las palabras «Sidney Lumet» y «energía», añade, se convirtieron en sinónimos: «La energía estaba presente en los momentos más tranquilos. Era una energía interior, un zumbido de la existencia que Lumet observaba en la gente y sacaba a relucir… salía a las calles de Nueva York… las volvía eléctricas»:

Era la energía de la clase trabajadora de los suburbios. Las calles de Lumet eran tan mezquinas como las de Scorsese, pero las de Lumet parecían más sencillas que poéticas. Canalizaba esa vitalidad sórdida de Nueva York con tal fuerza natural que era fácil pasar por alto lo que realmente suponía el logro. Captó ese ambiente neoyorquino como nadie porque lo vio, lo vivió, lo respiró… pero luego tuvo que salir y escenificarlo, o recrearlo, casi como si estuviera montando un documental, dejando que sus actores se enfrentaran como depredadores aleatorios, insistiendo en la mayor luz natural posible, haciendo que las oficinas parecieran tan feas y burocráticas como eran porque él sabía, por debajo de eso, que no eran sólo oficinas sino guaridas, y que había una intensidad más profunda, casi una especie de belleza, en captar la crudeza de la realidad tal y como era realmente.

Colaboración

Lumet insistía generalmente en la naturaleza colaborativa del cine, ridiculizando a veces el dominio del director «personal», escribe el historiador cinematográfico Frank P. Cunningham. Como resultado, Lumet se hizo famoso tanto entre los actores como entre los directores de fotografía por su apertura a la hora de compartir ideas creativas con el guionista, el actor y otros artistas. Lumet «no tiene igual en la distinguida dirección de actores superiores», añade Cunningham, muchos de ellos procedentes del teatro. Fue capaz de sacar interpretaciones poderosas de actores como Ralph Richardson, Marlon Brando, Richard Burton, Katharine Hepburn, James Mason, Sophia Loren, Geraldine Fitzgerald, Blythe Danner, Rod Steiger, Vanessa Redgrave, Paul Newman, Sean Connery, Henry Fonda, Dustin Hoffman, Albert Finney, Simone Signoret y Anne Bancroft. «Dale un buen actor, y puede que encuentre al gran actor acechando en su interior», escribió el crítico de cine Mick LaSalle.

Cuando era necesario, Lumet elegía actores sin formación, pero declaraba: «más del noventa por ciento de las veces quiero las mejores herramientas que pueda conseguir: actores, guionistas, iluminadores, cámaras, utileros». No obstante, cuando recurría a actores menos experimentados, conseguía interpretaciones superiores y memorables. Así lo hizo con Nick Nolte, Anthony Perkins, Armand Assante, Jane Fonda, Faye Dunaway, Timothy Hutton y Ali MacGraw, quien se refirió a él como «el sueño de todo actor». En opinión de Fonda, «era un maestro. Tenía un gran control de su oficio. Tenía valores fuertes y progresistas y nunca los traicionó».

Lumet creía que el cine es un arte, y que «la cantidad de atención que se presta a las películas está directamente relacionada con la calidad de las imágenes». Como empezó su carrera como actor, se le conoció como «director de actores», y trabajó con los mejores a lo largo de los años, una nómina probablemente inigualada por ningún otro director. El estudioso de la interpretación Frank P. Tomasulo está de acuerdo, y señala que muchos directores capaces de entender la interpretación desde la perspectiva de un actor, eran todos «grandes comunicadores».

Según los historiadores del cine Gerald Mast y Bruce Kawin, la «sensibilidad de Lumet hacia los actores y los ritmos de la ciudad le han convertido en el descendiente más longevo de la tradición neorrealista estadounidense de los años 50 y de su urgente compromiso con la responsabilidad ética». Citan su primera película, La colina (1965), como «una de las más radicales política y moralmente de la década de 1960». Añaden que bajo los conflictos sociales de las películas de Lumet subyace la «convicción de que el amor y la razón acabarán prevaleciendo en los asuntos humanos», y que «la ley y la justicia acabarán cumpliéndose -o no». Su ópera prima, Twelve Angry Men, fue aclamada en su época y representó un modelo de razón liberal y compañerismo durante la década de 1950. La película y Lumet fueron nominados a los premios de la Academia, y él fue nominado al Premio del Gremio de Directores, con la película ampliamente elogiada por la crítica.

La Encyclopedia of World Biography afirma que sus películas solían contar con actores que estudiaban el «método de actuación», caracterizados por representar un estilo terrenal e introspectivo. Un ejemplo destacado de estos actores del «Método» sería Al Pacino, quien, al principio de su carrera, estudió con el gurú de la interpretación del Método Lee Strasberg. Lumet también prefería la apariencia de espontaneidad tanto en sus actores como en los escenarios, lo que daba a sus películas un aspecto improvisado al rodar gran parte de su trabajo en exteriores.

Ensayo y preparación

Lumet creía firmemente en el ensayo y consideraba que, si se ensaya correctamente, el actor no perderá espontaneidad. Según el autor de interpretación Ian Bernard, creía que así los actores tenían «todo el arco del papel», lo que les daba libertad para encontrar ese «accidente mágico». El director Peter Bogdanovich le preguntó si ensayaba mucho antes de rodar, y Lumet respondió que le gustaba ensayar un mínimo de dos semanas antes del rodaje. Durante esas semanas, recuerda Faye Dunaway, protagonista de Network (1976), también bloqueaba las escenas con su cámara. Como resultado, añade, «no se desperdiciaba ni un minuto mientras él rodaba, y eso se notaba no sólo en el presupuesto del estudio, sino en el ímpetu de la interpretación». Elogia su estilo de dirección en Network, con la que ganó su único Oscar:

Sidney, permítanme decirlo, es uno de los hombres con más talento y profesionalidad del mundo, si no el que más… y actuar en Network fue una de las experiencias más felices que he tenido nunca… Es un hombre realmente dotado que contribuyó mucho a mi interpretación.

En parte porque sus actores estaban bien ensayados, podía ejecutar una producción en orden rápido, lo que mantenía sus producciones dentro de su modesto presupuesto. Cuando rodó El príncipe de la ciudad (1981), por ejemplo, a pesar de que había más de 130 actores y 135 localizaciones diferentes, pudo coordinar todo el rodaje en 52 días. Como resultado, escriben los historiadores Charles Harpole y Thomas Schatz, los intérpretes estaban deseando trabajar con él, ya que lo consideraban un «extraordinario director de actores». La estrella de la película, Treat Williams, dijo que Lumet era conocido por ser «enérgico»:

Era una bola de fuego. Sentía pasión por lo que hacía y «venía a trabajar» con toda la artillería encendida. Es probablemente el director más preparado emocionalmente con el que he trabajado. Sus películas siempre llegaban a tiempo y por debajo del presupuesto. Y todo el mundo llegaba a casa para cenar.

Harpole añade que «mientras que a muchos directores les disgustaban los ensayos o aconsejar a los actores sobre cómo construir su personaje, Lumet destacaba en ambas cosas». De este modo, podía ofrecer más fácilmente a sus intérpretes un escaparate cinematográfico de sus habilidades y ayudarles a profundizar en su contribución interpretativa. El actor Christopher Reeve, coprotagonista de Trampa mortal (1982), también señaló que Lumet sabía hablar un lenguaje técnico: «Si quieres trabajar así, él sabe hablar del Método, sabe improvisar y lo hace todo igual de bien».

Joanna Rapf, que escribe sobre el rodaje de El veredicto (1982), afirma que Lumet prestó mucha atención personal a sus actores, ya fuera escuchándoles o tocándoles. Describe cómo Lumet y la estrella Paul Newman se sentaron en un banco apartado del plató principal, donde Newman se había quitado los zapatos, para hablar en privado de una escena importante que estaba a punto de rodarse… los actores repasan sus escenas antes de que ruede la cámara. Esta preparación se hacía porque a Lumet le gusta rodar una escena en una sola toma, dos como mucho. A Newman le gustaba llamarle «Speedy Gonzales», y añadía que Lumet no rodaba más de lo necesario. «No se protege a sí mismo. Sé que yo lo haría», dijo Newman.

La crítica de cine Betsey Sharkey está de acuerdo y añade que «fue un maestro de una o dos tomas años antes de que Clint Eastwood lo convirtiera en una especialidad respetada». Sharkey recuerda: «Dunaway me dijo una vez que Lumet trabajaba tan rápido que era como si fuera en patines. Un pulso acelerado generado por un gran corazón».

Desarrollo del carácter

La biógrafa Joanna Rapf observa que Lumet siempre había sido un director independiente, y que le gustaba hacer películas sobre «hombres que reúnen valor para desafiar al sistema, sobre el pequeño contra el sistema»: Intro Esto incluye también a los personajes femeninos, como en Garbo Talks (1984). Su estrella, Anne Bancroft, encarnaba el tipo de personaje que le atraía: «una activista comprometida con todo tipo de causas, que defiende los derechos de los oprimidos, que es vivaz, franca, valiente, que se niega a conformarse por conveniencia y cuya comprensión de la vida le permite morir con dignidad…». Garbo Talks es, en muchos sentidos, un valentín para Nueva York».

En una entrevista de 2006, dijo que siempre le había «fascinado el coste humano que supone seguir pasiones y compromisos, y el coste que esas pasiones y compromisos infligen a los demás». Este tema está en el centro de la mayoría de sus películas, señala Rapf, como en sus películas sobre la vida real de la corrupción en el Departamento de Policía de Nueva York o en dramas familiares como Daniel (1983).

Psicodramas

El historiador cinematográfico Stephen Bowles cree que Lumet se sentía más cómodo y era más eficaz como director de psicodramas serios que de entretenimientos ligeros. Sus nominaciones a los Oscar, por ejemplo, fueron todas por estudios de personajes de hombres en crisis, desde su primera película, Doce hombres furiosos, hasta El veredicto. Lumet destacó por su capacidad para llevar el drama a la pantalla. La mayoría de sus personajes se mueven por obsesiones o pasiones, como la búsqueda de la justicia, la honestidad y la verdad, o los celos, la memoria o la culpa. A Lumet le intrigaban los estados obsesivos, escribe Bowles.

Los protagonistas de Lumet solían ser antihéroes, hombres aislados y sin excepciones que se rebelan contra un grupo o institución. El criterio más importante para Lumet no era simplemente si las acciones de las personas estaban bien o mal, sino si eran auténticas y estaban justificadas por la conciencia del individuo. El denunciante Frank Serpico, por ejemplo, es el héroe por excelencia de Lumet, a quien describió como un «rebelde con causa».

Un ejemplo anterior de psicodrama fue El prestamista (1964), protagonizada por Rod Steiger. En ella, Steiger interpretaba a un superviviente del Holocausto cuyo espíritu se había quebrado y que vive el día a día como gerente de una casa de empeños en Harlem. Lumet utilizó la película para examinar, con flashbacks, las cicatrices psicológicas y espirituales con las que vive el personaje de Steiger, incluida su perdida capacidad para sentir placer. Steiger, que rodó casi 80 películas, declaró en una entrevista televisiva que la película era su favorita como actor.

Cuestiones de justicia social

Serpico (1973) fue la primera de las cuatro películas «seminales» que Lumet realizó durante la década de 1970 y que le marcaron como «uno de los más grandes cineastas de su generación». Era la historia del poder y la traición en el cuerpo de policía de Nueva York, con un policía idealista luchando contra obstáculos imposibles.

Lumet era un niño durante la Depresión, creció pobre en Nueva York y fue testigo de la pobreza y la corrupción a su alrededor. Esto le inculcó a una edad temprana la importancia de la justicia para una democracia, un tema que intentó plasmar en sus películas. Admitió, sin embargo, que no creía que el cine en sí tuviera el poder de cambiar nada. «Hay, como él dice, mucha ‘mierda’ con la que lidiar en la industria del entretenimiento, pero el secreto de un buen trabajo es mantener tu honestidad y tu pasión». El historiador de cine David Thomson escribe sobre sus películas:

Tiene temas constantes: la fragilidad de la justicia, y la policía y su corrupción. Lumet wurde schnell geschätzt … hat sich für große Themen – Fail Safe, The Pawnbroker, The Hill, – und wurde sich zwischen dullen und patetischen. … Era una rareza de la década de 1970, un director feliz de servir a su material, pero aparentemente no tocado o cambiado por él. … Su sensibilidad con los actores y con los ritmos de la ciudad le han convertido en «el descendiente más longevo en América de la tradición neorrealista de los años 50 y de su urgente compromiso con la responsabilidad ética».

Entornos de Nueva York

Lumet siempre prefirió trabajar en Nueva York y rehuyó el dominio de Hollywood. Como director se identificó mucho con la ciudad de Nueva York. «Siempre me ha gustado estar en el mundo de Woody Allen», decía. Afirmaba que «la diversidad de la ciudad, sus muchos barrios étnicos, su arte y su crimen, su sofisticación y su corrupción, su belleza y su fealdad, todo alimenta lo que le inspira». Consideraba que, para crear, es importante enfrentarse a la realidad a diario. Para Lumet, «Nueva York está llena de realidad; Hollywood es una tierra de fantasía».

Utilizó una y otra vez la ciudad de Nueva York como telón de fondo -si no como símbolo- de su «preocupación por la decadencia de Estados Unidos», según los historiadores cinematográficos Scott y Barbara Siegel. A Lumet le atraían las historias de crímenes con escenarios urbanos neoyorquinos en los que los delincuentes se ven atrapados en una vorágine de acontecimientos que no pueden entender ni controlar, pero que se ven obligados a resolver.

Uso de temas judíos contemporáneos

Al igual que otros directores judíos de Nueva York, como Woody Allen, Mel Brooks y Paul Mazursky, los personajes de Lumet solían hablar abiertamente de temas controvertidos de la época. Se sentían libres como cineastas y su arte se «filtraba a través de su conciencia judía», escribió el historiador cinematográfico David Desser. Lumet, como los demás, a veces recurría a temas judíos para desarrollar sensibilidades étnicas propias de la cultura estadounidense contemporánea,: 3 resaltando dinámicamente sus «tensiones únicas y su diversidad cultural». Esto se reflejaba en parte en la preocupación de Lumet por la vida urbana: 6 Su película Un extraño entre nosotros (1992), por ejemplo, es la historia de una agente de policía encubierta y sus experiencias en una comunidad jasídica de la ciudad de Nueva York.

El tema de la «culpa», explica Desser, domina muchas de las películas de Lumet. Desde su primer largometraje, 12 Angry Men (1957), en el que un jurado debe decidir la culpabilidad o inocencia de un joven, hasta Q&A (1990), en la que un abogado debe determinar la cuestión de la culpabilidad y responsabilidad de un policía inconformista, la culpabilidad es un hilo conductor que recorre muchas de sus películas. En una película como Asesinato en el Orient Express (1974), todos los sospechosos son culpables..: 172

Sus películas también se caracterizaban por un fuerte énfasis en la vida familiar, mostrando a menudo tensiones en el seno de la familia: 172 Este énfasis en la familia incluía «familias sustitutas», como en la trilogía policíaca formada por Serpico (1973), El príncipe de la ciudad (1981) y Q & A. También se retrata una «familia no tradicional» en Tarde de perros (1975).: 172

Técnicas de dirección

Lumet siempre había preferido el naturalismo o el realismo, según Joanna Rapf. No le gustaba el «look de decorador», en el que la cámara podía llamar la atención. Editaba sus películas de forma que la cámara no molestara. Su director de fotografía Ron Fortunato decía que «Sidney se volvía loco si veía un look demasiado artístico».

En parte porque estaba dispuesto y era capaz de abordar tantas cuestiones y problemas sociales importantes, consiguió interpretaciones sólidas de los actores principales y un buen trabajo de los actores de carácter. Es «una de las figuras incondicionales del cine neoyorquino. Se atiene a los buenos guiones, cuando los consigue», dijo el crítico David Thomson. Aunque las opiniones de los críticos sobre sus películas varían, en general la obra de Lumet goza de gran estima. La mayoría de los críticos lo han descrito como un director sensible e inteligente, con buen gusto, valor para experimentar con su estilo y un «don para manejar a los actores».

En una cita de su libro, Lumet hizo hincapié en la logística de la dirección:

Alguien me preguntó una vez cómo era hacer una película. Dije que era como hacer un mosaico. Cada montaje es como una pequeña baldosa (un montaje, el componente básico de la producción de una película, consiste en una posición de cámara y su iluminación asociada). Lo coloreas, le das forma, lo pules lo mejor que puedas. Harás seiscientas o setecientas, quizá mil. (En una película puede haber fácilmente esa cantidad de montajes.) Luego los pegas literalmente y esperas que sea lo que te habías propuesto.

El crítico Justin Chang añade que la habilidad de Lumet como director y en el desarrollo de historias sólidas, continuó hasta su última película en 2007, escribiendo de su «toque ágil con los intérpretes, su capacidad para extraer gran calidez y humor picante con una mano y llevarlos hacia extremos cada vez más oscuros y angustiosos de la emoción con la otra, fue una muestra gratificante en su última película irónicamente titulada, Antes que el diablo sepa que has muerto».

Visión de futuras películas

En una entrevista concedida a la revista New York, afirmó que espera ver más directores de distintos orígenes étnicos y comunidades, contando sus historias. «Yo empecé haciendo películas sobre judíos, italianos e irlandeses porque no conocía otra cosa».

Lumet ha sido reconocido por la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas por las siguientes películas:

Lumet también ha recibido el Oso de Oro del Festival Internacional de Cine de Berlín por 12 Angry Men. Recibió cuatro nominaciones a la Palma de Oro del Festival de Cannes por las películas Long Day’s Journey into Night (1962), The Hill (1965), The Appointment (1969) y A Stranger Among Us (1992). También fue nominado al León de Oro del Festival de Venecia por El príncipe de la ciudad (1981).

Según el historiador cinematográfico Bowles, Lumet consiguió convertirse en un destacado director de cine dramático en parte porque «su criterio más importante no es si las acciones de sus protagonistas están bien o mal, sino si sus acciones son auténticas». Y cuando esas acciones están «justificadas por la conciencia del individuo, esto da a sus héroes una fuerza y un valor poco comunes para soportar las presiones, los abusos y las injusticias de los demás». De este modo, sus películas nos han ofrecido continuamente al «héroe por excelencia que actúa desafiando la autoridad del grupo de iguales y afirmando su propio código de valores morales».

Las memorias publicadas por Lumet sobre su vida en el cine, Making Movies (1996), son «extremadamente desenfadadas y contagiosas en su entusiasmo por el oficio de hacer películas», escribe Bowles, «y contrastan claramente con el tono y el estilo de la mayoría de sus películas». Tal vez el sello distintivo de Lumet como director sea su trabajo con los actores y su excepcional capacidad para obtener interpretaciones de gran calidad, a veces extraordinarias, incluso de las fuentes más inesperadas». Jake Coyle, redactor de Associated Press, está de acuerdo: «Aunque durante años Lumet ha sido relativamente poco apreciado, los actores han realizado algunas de sus interpretaciones más memorables bajo su dirección. De Katharine Hepburn a Faye Dunaway, de Henry Fonda a Paul Newman, Lumet es conocido como el director de un actor», y para algunos, como Ali MacGraw, es considerado «el sueño de todo actor».

El director y productor Steven Spielberg describió a Lumet como «uno de los más grandes directores de la larga historia del cine». Al Pacino, al enterarse de la muerte de Lumet, declaró que con sus películas «deja un gran legado, pero más que eso, para la gente cercana a él, seguirá siendo el más civilizado de los humanos y el hombre más amable que he conocido». El escritor del Boston Herald James Verniere observa que «en un momento en que la industria cinematográfica estadounidense está empeñada en ver lo bajo que puede caer, Sidney Lumet sigue siendo un maestro del drama estadounidense moralmente complejo». Tras su muerte, los directores neoyorquinos Woody Allen y Martin Scorsese rindieron homenaje a Lumet. Allen lo calificó de «cineasta neoyorquino por excelencia», mientras que Scorsese dijo que «nuestra visión de la ciudad se ha visto realzada y profundizada por clásicos como Serpico, Tarde de perros y, sobre todo, la notable El príncipe de la ciudad». Lumet también recibió los elogios del alcalde de Nueva York, Michael Bloomberg, que lo calificó de «uno de los grandes cronistas de nuestra ciudad».

No ganó ningún Oscar individual, aunque sí recibió un Premio Honorífico de la Academia en 2005 y 14 de sus películas fueron nominadas a diversos Oscar, como Network, que fue nominada a 10, ganando 4. En 2005, Lumet recibió el Oscar a Toda una Vida por sus «brillantes servicios a guionistas, intérpretes y al arte del cine».

Unos meses después de la muerte de Lumet, en abril de 2011, el comentarista de televisión Lawrence O’Donnell emitió un homenaje a Lumet, y se celebró una retrospectiva de su obra en el Lincoln Center de Nueva York con la comparecencia de numerosos oradores y estrellas de cine. En octubre de 2011, la organización Human Rights First inauguró su «Premio Sidney Lumet a la Integridad en el Entretenimiento» por la serie de televisión The Good Wife, junto con la entrega de premios a dos activistas de Oriente Medio que habían trabajado por la libertad y la democracia. Lumet había trabajado con Human Rights First en un proyecto mediático relacionado con la representación de la tortura y los interrogatorios en televisión.

Lumet se casó cuatro veces; los tres primeros matrimonios acabaron en divorcio. Estuvo casado con la actriz Rita Gam de 1949 a 1955; con la artista y heredera Gloria Vanderbilt de 1956 a 1963; con Gail Jones (y con Mary Bailey Gimbel (ex esposa de Peter Gimbel) desde 1980 hasta su muerte. Tuvo dos hijas con Jones: Amy, que estuvo casada con P.J. O’Rourke de 1990 a 1993, y la actriz

Lumet falleció a los 86 años el 9 de abril de 2011 en su residencia de Manhattan a causa de un linfoma. Cuando le preguntaron en una entrevista en 1997 sobre cómo quería «salir», Lumet respondió: «No pienso en ello. No soy religioso. Lo que sí sé es que no quiero ocupar ningún espacio. Quémenme y esparzan mis cenizas sobre Katz’s Delicatessen».

Fuentes

1. Sidney Lumet
2. Sidney Lumet
3. ^ «Say How: L». National Library Service for the Blind and Print Disabled. Retrieved June 20, 2022.
4. vgl. Pflaum, H. G.: Im Zweifel gegen den Ankläger. In: Süddeutsche Zeitung, 18. Juni 1997, S. 14.
5. «Obituary: Sidney Lumet». BBC News. 9 de abril de 2011. Consultado el 19 de septiembre de 2022.
6. «Film Obituaries; Sidney Lumet». The Daily Telegraph (London). 9 de abril de 2011. Archivado desde el original el 11 de enero de 2022. Consultado el 19 de septiembre de 2022.
7. a b French, Philip (10 de abril de 2011). «Sidney Lumet, giant of American cinema, dies at 86 | Film | The Observer». The Observer (London: Guardian Media Group). Consultado el 19 de septiembre de 2022.
8. Honeycutt, Kirk (9 de abril de 2011). «Sidney Lumet Made New York City Star of His Films». The Hollywood Reporter. Archivado desde el original el 19 de septiembre de 2022. Consultado el 19 de septiembre de 2022.
9. Ανακτήθηκε στις 10  Ιουλίου 2019.
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11. Ανακτήθηκε στις 11  Δεκεμβρίου 2020.
12. 6,0 6,1 6,2 Darryl Roger Lundy: (Αγγλικά) The Peerage.