Simone Martini

gigatos | septiembre 16, 2022

Resumen

Simone Martini (Siena, hacia 1284 – Aviñón, 1344) fue un pintor italiano y una de las grandes figuras de la pintura medieval sienesa. A lo largo de su vida recibió encargos de los círculos más altos, fue el primer «artista de la corte» en Siena para el Concilio de los Nueve, pintó una serie de frescos en la iglesia más importante de la Orden Franciscana en Asís, recibió encargos del Reino de Nápoles y más tarde trabajó en la corte papal. Pasó de ser un pintor local a convertirse en un artista de renombre internacional. Él y su círculo de alumnos transmitieron importantes modelos pictóricos que fueron aprovechados por muchos otros artistas europeos y escuelas enteras de pintura.

Se sabe poco sobre la vida y la personalidad de Simone Martini. Giorgio Vasari, en su libro «Los pintores, escultores y arquitectos más distinguidos», ha descrito la historia de su vida junto con la de otros pintores toscanos, pero la información que aparece en el libro es inexacta. Vasari ni siquiera sabía exactamente su nombre, llamándola Simone Memmi, confundiéndola con su cuñado Lippo Memmi. No se conservan documentos de los primeros casi treinta años de su vida. Nació en Siena, o no muy lejos de la ciudad, hacia 1284. Su padre trabajaba como ayudante de pintor, ayudando a preparar los frescos. Probablemente estudió en el taller de Duccio di Buoninsegna y se convirtió en un artista reconocido antes de 1315. Entre 1312 y 1315, realizó dibujos para las vidrieras de la capilla de San Martín en la basílica de San Francisco de Asís. En 1315, pintó la Maesta de la sala del consejo del Palacio Público de Siena, y luego trabajó en los frescos de la Capilla de San Martín de Asís. Su fama creció rápidamente y en 1317, poco después de su trigésimo cumpleaños, fue invitado a la corte de los angevinos en Nápoles, donde recibió un estipendio anual y fue nombrado caballero. Así lo atestigua una orden de pago fechada el 23 de julio de 1317, en la que se le menciona como caballero y no como pintor. A finales de la primera década y principios de la segunda del siglo XIV realizó varias pinturas sobre tabla, pero sólo se pueden fechar dos de ellas, la más importante de las cuales es la pintura firmada para la iglesia de Santa Catalina de Alejandría en Pisa, que data de 1319, y la otra es el retablo que ahora se encuentra en Orvieto, de 1320. No se conserva ninguna otra obra de estos años, por lo que, a falta de fuentes, no es posible identificar cuáles de las numerosas obras eran suyas y cuáles fueron realizadas por sus ayudantes. En la segunda década del siglo XIV, ya tenía varios seguidores trabajando en su taller. Sólo se conoce el nombre de su hermano Donato y de sus posteriores cuñados Lippo y Federico Memmi. En la década de 1320, recibió numerosos encargos en Siena, como atestiguan los documentos que se conservan, que generalmente hacen referencia a las sumas pagadas al artista. En 1321 tuvo que repintar parte de la Maestà, y en 1322 y 1323 recibió varios encargos para decorar el Palazzo Pubblico. Estas obras han sido destruidas, y no es posible determinar a partir de los documentos cuáles eran estos encargos. En 1324 se casó con Giovanna, la hija de Memmo di Filippuccio. El pintor era por entonces un hombre adinerado, y poco antes de casarse compró una casa y regaló a su mujer 240 monedas de oro como regalo de bodas. Al casarse con la familia Memmo, él y Lippo Memmo se unieron aún más, una relación que duró el resto de su vida. El retablo del Beato Augusto de Tarano en la iglesia de San Agustín de Siena y la tabla de San Lázaro, el rey húngaro, destinada a la veneración privada, fueron pintados probablemente en la década de 1320. En 1326 pintó un panel para el Palazzo del Capitano del Popolo. Fue una obra importante, como se deduce de la considerable suma pagada al artista por ella, pero no se dispone de más información. Al año siguiente, pintó dos banderas, que fueron regaladas a la República de Siena]]. El rey Roberto de Nápoles se lo regaló a su hijo, el príncipe Carlos de Calabria. En 1329 o 1330, pintó dos ángeles para el Palazzo Pubblico y allí pintó el retrato de Marco Regoli, que posteriormente fue ejecutado por traición. Estos frescos también se conocen sólo por las fuentes. La obra más popular de Martini, el retrato de Guidoriccio da Folignano, también fue pintado en 1330. En 1333, pintó su obra para la catedral de Siena, titulada La salutación angélica, su última obra conocida antes de trasladarse a Aviñón. El arte sienés también se difundió a través de las miniaturas. Se le atribuye un misal bellamente ilustrado que se encuentra en la biblioteca del Vaticano, así como la gran acuarela y la miniatura al temple diluido que pintó para un códice propiedad de Petrarca (ahora en la Biblioteca Ambrosiana de Milán). De sus obras durante su estancia en Aviñón, sólo se conservan algunos fragmentos de frescos en la iglesia de Notre-Dame-des-Doms, una representación de la Sagrada Familia en la Walker Art Gallery de Liverpool (1342) y trozos de un retablo de varias partes en Amberes, París y Berlín. Simone Martini murió en Aviñón en el verano de 1344. Como no tenía hijos, en su testamento dividió sus bienes (dos casas, viñedos y una considerable suma de dinero) entre su esposa, sus dos sobrinas Francesca y Giovanna y los hijos de su hermano Donato. Su esposa probablemente regresó a Siena en 1347 para escapar de la peste.

Simone Martini fue seguidor de Duccio di Buoninsegna, y probablemente aprendió su arte como pintor en su entorno. También conocía las innovaciones de Giotto, pero se abstuvo conscientemente de utilizarlas. Se acercó al arte gótico francés, cuyas elegantes líneas son reconocibles en sus obras. Gracias a él, la escuela sienesa gozó de una breve reputación superior a la de Florencia. Trabajó en Asís, Nápoles, Roma y el Palacio Papal de Aviñón. Fuera de los encargos oficiales de la República, trabajó poco en Siena, y mucho más para los Anjou de Nápoles. A través de su trabajo en Aviñón, las características de la pintura sienesa, con su composición y colorido de estilo bizantino, y sus líneas góticas occidentales, se extendieron primero a Francia y después a otras partes de Europa. Este estilo puede considerarse un precursor directo del gótico internacional. Además de sus frescos, también realizó un gran número de pinturas sobre tabla, y estos paneles de madera, fácilmente transportables, fueron un factor importante para la difusión de su reputación en grandes áreas y la posterior popularización del estilo sienés en toda Europa. A menudo utilizaba fondos de oro, que no se veían afectados por los nuevos logros en la representación espacial. En muchos casos, utilizaba una herramienta metálica con un extremo grabado para imprimir motivos florales y otros decorativos sobre el fondo de oro, marcando los marcos, las glorias o el dobladillo de las prendas. Es en las obras de Simone Martini donde se observa por primera vez la representación individualista de sus retratos en la pintura medieval. Ejemplos de ello son el retrato de perfil del rey Roberto de Nápoles o la figura del cardenal Gentile da Montefiore en la capilla de San Martín.

Simone Martini probablemente creó sus primeras obras en Siena a principios del siglo XIV. Su primera obra conocida es la Virgen con el Niño, en la Pinacoteca de Siena (n.º 583), que era la pieza central de un cuadro de varios paneles, como indican los agujeros practicados en el marco. La Virgen está de cara al espectador, su postura es erguida y su manto cubre bien su cuerpo. Estos rasgos son atribuibles al arte de Duccio, pero el cuadro muestra también las innovaciones de Martini, como la forma característica del manto que cubre la cabeza de la Virgen, las luces y las sombras en las ropas de las figuras, el movimiento de la Niña cuando se gira para mirar al santo (ahora perdido) de su derecha, su pelo rizado y sus orejas perfectamente esculpidas. Otra de sus primeras obras fue descubierta en la iglesia de San Lorenzo in Ponte, en San Gimignano, y las investigaciones sugieren que fue pintada entre 1311 y 1314. Se trata de un cuadro de la Virgen, pero sólo el rostro de la figura puede considerarse obra de Simone Martini, ya que en 1413 Cenni di Francesco repintó casi todo el fresco. A pesar del pésimo estado del fresco, la representación del rostro de la Virgen por las luces y los pliegues restantes del manto recuerdan a la Virgen de la Pinacoteca de Siena. También se encuentra en Siena su cuadro de la Madonna de la Misericordia, que puede haber sido pintado en la misma época. Incluso en este cuadro se reconocen los rasgos estilísticos de Duccio, especialmente en la disposición de las figuras bajo el manto de María, pero la innovación de Martini es la sensación de espacio que separa las figuras, la figura animada de María y los pliegues de su manto.

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La Maestà

Su primera misión importante fue en su ciudad natal. La construcción del Palazzo Pubblico se completó a principios del siglo XIV, y pintó la Madonna, la protectora de la ciudad, en la sala del consejo dentro del edificio en 1315, en compañía de santos y ángeles, sólo cuatro años después de que Duccio hubiera terminado el retablo de la catedral. De ello se desprende que Simone Martini ya era un maestro de renombre en esa época, pues de lo contrario se habría encargado a Duccio, y no a Simone Martini, la creación de una obra tan importante. Aquí la Virgen ya no es una figura semibizantina, sino que lleva una corona como las Madonnas francesas. En su regazo, el niño Jesús sostiene una bendición en una mano y un pergamino en la otra. San Pedro, San Pablo, Juan el Bautista y Juan el Evangelista sostienen un gran dosel de lona de colores, cuya cortina está girada hacia el espectador para que se vea el lado interior. La marquesina de tela de colores se apoya en finas columnas. El sillón del trono es de estilo gótico y recuerda a los retablos tripartitos del siglo XIV, lo que sugiere que el artista se sintió atraído por el gótico francés desde el principio, incluso antes de familiarizarse con él en la corte papal de Aviñón. Los rasgos de los santos que rodean a la Virgen no son muy individuales, no son muy expresivos, y sus expresiones son suaves y sin violencia. El pintor ha colocado las figuras en planos detrás de otras en un intento de dar la impresión de espacialidad. A la izquierda del trono ornamentado están, entre otros, Santa Catalina de Alejandría, San Juan Evangelista, Santa María Magdalena, el Arcángel Gabriel y San Pablo, y a la derecha Santa Bárbara, San Juan Bautista, Santa Inés, el Arcángel Miguel y San Pedro. En la fila inferior, los cuatro santos patronos de Siena se arrodillan en compañía de dos ángeles que ofrecen rosas y lirios a la Virgen. El gran fresco está enmarcado por una amplia cenefa decorativa, en la que se alternan bustos de profetas y motivos florales, y también presenta el escudo de la ciudad de Siena en pequeños medallones. En las cuatro esquinas del marco están los cuatro evangelistas con sus símbolos. Sinmone utilizó otros materiales además de las pinturas tradicionales, y en algunas partes del fresco talló en la pared o creó superficies elevadas para lograr el efecto deseado. El pergamino que sostiene Jesús es de papel real y el texto que contiene es de tinta real. También se inspiró en el arte de los plateros de Siena, motivo que se hace más evidente en el diseño de la silla del trono. En las figuras arrodilladas, una línea parte del suelo, a unos cuatro metros de altura, donde los colores cambian ligeramente. Es probable que entre las dos partes haya estado en Asís, donde inspeccionó las superficies e hizo dibujos en la capilla de San Martín. Repintó parcialmente la Maestà seis años después de su finalización porque algunas partes se habían dañado por la infiltración del agua de la lluvia. Es posible que las figuras de María, el Niño Jesús y los dos ángeles con flores sean el resultado de este repintado, ya que llevan las marcas estilísticas de la época de madurez del pintor.

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La capilla de San Martín

En Asís, Simone Martini ha decorado una serie de frescos en la capilla de San Martín, una de las iglesias inferiores de la Basílica de San Francisco. La capilla fue consagrada en 1312 por el cardenal Gentile da Montefiore, que dejó en su testamento una importante suma de seiscientas monedas de oro a la Orden Franciscana para cubrir los gastos de decoración de la capilla. Este ciclo de frescos también está vinculado a la corte napolitana, ya que el rey Roberto, como ejecutor del testamento de su fundador, el cardenal Montefiore, conocido como el Legado de Hungría, participó en su realización. La fecha de las pinturas murales de la capilla de San Martín es objeto de controversia, sobre todo por su calidad artística, ya que se conservan pocas obras firmadas y fechadas de la época de madurez de Martini. La fecha más probable de las pinturas murales es la primera mitad de la década de 1320, aunque algunos estudiosos creen que datan de unos años antes, en 1317. En una superficie semicircular elevada del muro de entrada de la capilla, el artista representó a los santos más populares de la época (San Francisco de Asís, San Antonio de Padua, Santa María Magdalena, Santa Catalina de Alejandría, San Luis de Francia, San Luis de Toulouse, Santa Clara de Asís y Santa Isabel de la Casa de Árpád). Cuando Martini diseñó el ciclo de frescos para la capilla, estas representaciones de los santos probablemente no estaban incluidas en los planes originales, sino que probablemente fueron realizadas en 1317 en honor a San Luis de Toulouse, el año de su canonización. El ciclo de frescos representa la vida de San Martín, que nació en Panonia en el siglo IV, se convirtió en soldado y posteriormente dedicó su vida por completo a la religión. Cuando el pintor eligió las escenas de la vida del santo para representarlas, buscó un paralelismo ideal con los frescos sobre la vida de San Francisco en la Basílica de arriba. Los frescos «San Martín compartiendo su capa con un mendigo» «Hasta el entierro del santo» siguen la vida de San Martín en diez escenas de milagros y otros hechos significativos. Su ambiente refleja la vida en las cortes medievales. Las diez escenas de la vida de San Martín están separadas por marcos decorados. Originalmente estaban inscritos, pero estas inscripciones se han desvanecido por completo y son ilegibles. Además de los frescos, las vidrieras de la capilla son también importantes obras de arte, probablemente basadas en dibujos de Simone Martini, antes de que se pintara la capilla. Las vidrieras se hacían siempre antes de pintar las capillas, porque los vidrios de colores alteraban notablemente la iluminación del interior y, por tanto, el efecto de las pinturas. En el arco de medio punto sobre la entrada, pintó la escena de la «Consagración de la Capilla». En el cuadro, el cardenal Gentile se arrodilla ante San Martín, que le ayuda a levantarse del suelo. La escena se desarrolla bajo un copón de estilo gótico con arcos de medio punto con tres brazos a cada lado. El retrato realista del Cardenal por parte de Simone es una de las primeras representaciones del realismo que pretendía alcanzar. Las escenas que representan la vida de San Martín se suceden en tres bandas de izquierda a derecha y de abajo a arriba, empezando por la entrada. En la fila inferior, «San Martín comparte su capa con un mendigo», «El sueño de San Martín», «San Martín es armado» y «El santo renuncia a las armas»; en la fila central, «Milagro del niño resucitado», «Meditación», «Misa milagrosa» y «Milagro del fuego»; y en la fila superior, «Muerte de San Martín» y «Entierro de San Martín».

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El ciclo de frescos de San Martín

Las primeras cuatro de las diez escenas representan al santo como una persona secular.

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Imágenes sagradas en el crucero de la Basílica de San Francisco

En la iglesia baja de la basílica de San Francisco, en el crucero de la derecha, en la pared exterior de la capilla de San Nicolás, Simone Martini pintó una amplia banda de siete santos y una Virgen con el Niño. Los frescos pueden haber sido pintados alrededor de 1318, pero algunos investigadores creen que es posible que hayan sido pintados una década después. Toda la banda está rodeada por un marco ornamentado, las figuras están separadas por finas columnas, las líneas son armoniosas y los colores utilizados para pintarlas son brillantes. Las figuras son, de izquierda a derecha, San Francisco, San Luis de Toulouse, Santa Isabel de Hungría, Santa Margarita, el Príncipe Imre, San Esteban, Nuestra Señora con el Niño y San Lázaro

El rey Roberto de Anjou de Nápoles, amigo de Petrarca, llegó al poder después de que su hermano Luis abdicara de la corona. Luis ingresó en la orden franciscana, más tarde fue obispo de Toulouse y fue canonizado tras su muerte. El rey Roberto quería conmemorar a su hermano, así que en 1317 (al mismo tiempo que su canonización) encargó a un artista que pintara su retrato. El panel fue pintado originalmente en una capilla de la iglesia de San Lorenzo Maggiore de Nápoles y todavía se exhibe en la Pinacoteca de Capodimonte de Nápoles. El panel estaba enmarcado en un amplio marco decorado con lirios, el símbolo de la Casa de Anjou. San Luis aparece en el centro de la composición, sentado en un trono, en una rígida vista frontal. El príncipe lleva una ornamentada túnica sacerdotal sobre su hábito franciscano, y lleva en la cabeza una mitra de obispo decorada con piedras preciosas y perlas. Lleva un cayado de pastor en la mano derecha y la corona real en la izquierda, que sostiene sobre la cabeza de su hermano. El santo es coronado por dos ángeles, entrelazando así la coronación de Luis en el cielo y la de Roberto en la tierra. El cuadro refleja la dignidad real de los personajes, con la alfombra de Anatolia, el disco de cristal real que sujeta las túnicas y las representaciones de las joyas y los vestidos adornados de las figuras. Roberto de Anjou quiso subrayar la legitimidad de su reinado, para protegerse de las acusaciones de usurpación del trono, y para subrayar el hecho de que el pintor pintó probablemente un retrato real del rey, la figura de San Luis parece inmaterial, mirando a lo lejos, aparentemente ya perteneciendo a la esfera divina, mientras que su hermano, a diferencia de él, forma parte de la realidad terrenal

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Escenas de la vida de San Luis de Toulouse

En la parte inferior del panel se encuentra la historia de San Luis de Toulouse en cinco escenas. En la primera imagen, San Luis acepta ser consagrado obispo de Toulouse. Por razones políticas, esto se hizo en secreto en diciembre de 1296 en Roma en presencia del Papa Bonifacio VIII y del rey Carlos II de Nápoles (padre de Luis), que quería ganar más influencia en una zona que era de gran importancia para el rey Felipe IV de Francia. Luis no quería participar en juegos políticos y sólo estaba dispuesto a ser obispo si podía ingresar en la orden franciscana. En la segunda imagen, Luis toma los votos del 5 de febrero de 1297 en base a un pacto secreto con el Papa y se convierte en miembro de la Orden Franciscana, en la tercera imagen distribuye alimentos sagrados a los necesitados, en la cuarta su funeral, un acto digno para un sumo sacerdote, y en la quinta uno de sus actos milagrosos de resucitar a un niño que había muerto poco antes.

Las investigaciones sugieren que el políptico de Santa Catalina (pintura de varios paneles) es enteramente obra de Simone Martini. Algunos investigadores han sugerido que las figuras de mártires de Santo Domingo y San Pedro fueron realizadas por sus ayudantes, pero esto es poco probable porque la participación de los ayudantes no se destacó hasta más tarde en su obra. En los anales del monasterio de Santa Caterina, en Pisa, se indica que el encargo fue hecho en 1319 por un tal Petrus Converus, y que la obra estaba destinada al altar mayor del monasterio. Todavía se exhibe en el museo San Matteo de Pisa y se considera el cuadro firmado más importante del artista. El retablo consta de siete piezas, cada una de ellas dividida en tres partes. El retablo presenta un total de cuarenta y tres figuras de apóstoles, mártires, obispos y profetas. A lo largo de los siglos, las piezas del panel se han colocado una al lado de la otra en diferentes órdenes. Actualmente, los triángulos de arriba muestran al Salvador en el centro, con el rey David tocando el arpa y Moisés con las tablas a ambos lados, y los profetas Jeremías, Isaías y Ezequiel. En la segunda fila, dos figuras ocupan cada uno de los siete paneles. En el centro están los arcángeles Miguel y Gabriel, con los apóstoles y el evangelista Mateo. Sus nombres aparecen sobre un fondo dorado, cada uno con un ejemplar del Evangelio en la mano. De izquierda a derecha: Tadeo, Simón, Felipe, Santiago el Joven, Andrés, Pedro, Pablo, Santiago el Viejo, Mateo el Evangelista, Bartolomé, Tomás y Mateo el Apóstol. En la fila central se encuentran las grandes figuras de María Magdalena, Santo Domingo, San Juan Evangelista, Nuestra Señora con el Niño, San Juan Bautista, San Pedro Mártir y Santa Catalina de Alejandría. Encima de la Virgen en el marco está la firma del artista «Symon de Senis me pinxit». La fila inferior, el orden de las partes de la predela, es menos problemática. En el centro está Cristo con la Virgen María y San Marcos. Las otras figuras son, de izquierda a derecha, San Esteban, Santa Apolonia, San Jerónimo, San Luca, San Gregorio, San Lucas, Santo Tomás de Aquino, San Agustín de Hipona, Santa Inés, San Ambrosio, Santa Orsolya y San Lorenzo. El hecho de que la pintura sobre tabla esté dividida en tantas partes ha dado al artista la oportunidad de representar otras figuras además de las que tradicionalmente se representan en este tipo de obras, como San Jerónimo y San Gregorio, que estaban asociados a la orden del dominico que la encargó. Además, también hay canonizaciones recientes, la de San Domonkos, fundador de la Orden de Domonkos, y la de San Pedro Mártir. Una de las particularidades del panel es que representa a Santo Tomás de Aquino en la gloria, aunque su canonización no tuvo lugar hasta 1323.

Es muy difícil datar las obras del artista de principios de la década de 1320, y para muchas de ellas ni siquiera es posible determinar con certeza quién las creó. Esto se debe a que los ayudantes que colaboraban estrechamente con el maestro trabajaban en su taller en gran número, utilizando a menudo los pinceles de los demás y, a veces, incluso firmando obras que otros habían realizado. El políptico de Orvieto es un ejemplo típico de este fenómeno. Todavía no se ha establecido la fecha de su creación, pero data de la década de 1320 y fue realizada para la iglesia de Santo Domingo. Actualmente está expuesta en la Ópera del Duomo de Orvieto. Fue encargada por el obispo de Sovana, Trasmundo Monaldeschi, que pagó cien piezas de oro por ella. El panel estaba originalmente dividido en siete partes, pero hoy se han perdido los dos paneles exteriores. En el centro está la Virgen con el Niño, con San Pedro, Santa María Magdalena, Santo Domingo y San Pablo. Un rasgo característico del panel es que San Pablo está orientado hacia la izquierda, mientras que las otras figuras están orientadas hacia la derecha. El políptico, que actualmente se encuentra en el Museo Isabella Steward Gardner de Boston, puede ser contemporáneo del anterior o haberse realizado sólo un poco después. Pintado originalmente para la iglesia de Santa Maria dei Servi en Orvieto, el retablo consta de cinco partes. También aquí se representa una Virgen con el Niño en el centro, flanqueada de izquierda a derecha por San Pablo, San Luca, Santa Catalina de Alejandría y San Juan Bautista. En las zonas triangulares sobre las figuras principales, aparecen ángeles en el centro junto a Cristo, que muestra sus heridas, sosteniendo en sus manos derechas los símbolos de la Pasión (columna, látigo, corona de espinas, cruz y lanza). Desde el punto de vista estilístico, esta tabla está más cerca de la pintura para el monasterio de Santa Caterina en Pisa que del políptico de Orvieto. Las figuras tienen líneas elegantes, sus manos están cuidadosamente trabajadas. En la actualidad, los estudiosos consideran que el panel es enteramente obra de Simone Martini, excepto la figura de San Pablo. Un grupo de obras de la década de 1320 son casi imposibles de datar porque no ha sobrevivido ninguna documentación escrita. Este grupo puede incluir un panel de la Virgen con el Niño y los Ángeles en la Ópera del Duomo de orvieto, otro de esta pintura, un mártir en Ottawa, un panel de San Luca y Santa Catalina en Settignano y dos Madonnas en la Pinacoteca de Siena. Algunos estudiosos también consideran que el crucifijo de la iglesia de la Misericordia de San Casciano in Val di Pesa es una obra de Simone Martini, de alrededor de 1321, pero tampoco hay pruebas escritas de ello.

Tras pasar varios años en Asís, Orvieto y trabajar también en Pisa, regresó a Siena en 1324, se casó y probablemente permaneció en la ciudad durante muchos años. Para entonces ya era un artista ampliamente conocido. Pintó varios frescos para el ayuntamiento de Siena, pero estas obras no han sobrevivido, y sólo las conocemos por fuentes que nos hablan de las sumas pagadas al artista. En su segundo periodo en Siena, pintó el Retablo del Beato Agustín en la Iglesia de San Agustín en Tarano, el famoso retrato de Guidoriccio da Folignano y la Salutación Angélica, ahora en los Uffizi.

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El retablo del Beato Agustín en Tarano

Augusto era una figura popular de la época. Estudió Derecho en la Universidad de Bolonia y luego ingresó en la Orden de San Agustín, donde llegó a ser general de la Orden. En el apogeo de su carrera, decidió retirarse a la ermita de San Leonardo al Lago, no lejos de Siena. El retablo consta de cinco paneles, que lo representan a él y a cuatro de sus milagros. Originalmente colgaba en la pared de la iglesia de San Agustín, sobre el féretro del Beato Agustín. Junto con el altar dedicado a él, el féretro y el panel formaban un conjunto conmemorativo distintivo. La lápida sólo puede datarse de forma aproximada, pero probablemente ya estaba terminada en 1324, cuando la ciudad celebró una gran y costosa fiesta en honor de Augusto. En el centro del panel hay un Augusto de rostro joven que sostiene un libro (los Estatutos de la Orden de San Agustín). El pintor lo ha representado en la gloria, aunque no haya sido canonizado. Los árboles que tiene a su lado y los ancianos ermitaños pintados en los medallones que tiene encima son una referencia a la vida de ermitaño recluido que llevó en San Leonardo al Lago. Los cuatro milagros se refieren a su ayuda a personas (en tres casos niños) que habían sufrido accidentes. El milagro del lobo atacando al niño muestra la ciudad de Siena, el milagro del niño cayendo del balcón muestra una calle de la ciudad, el milagro del niño cayendo de la cuna muestra el interior de una casa, y el milagro del caballero cayendo a un barranco muestra los alrededores de Siena en el fondo.

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La placa de San László

La placa de San Lacio de Altomonte (Altomonte, Museo della Consolazione) fue realizada para Filippo di Sangineto, un influyente cortesano napolitano, cuando pasó una larga temporada en Siena por orden del emperador. El pequeño panel estaba probablemente dividido en dos partes, la que se conserva representa al rey San Lacio de Hungría. La elección del tema expresa los estrechos vínculos que unían al cliente con la rama húngara de la Casa de Anjou. El santo está de pie ante un fondo dorado ornamentado, sosteniendo un hacha de guerra en la mano. Los colores utilizados para el panel son brillantes, y la forma del manto del santo da la impresión de espacialidad.

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Guidoriccio da Folignano

Se dice que Martini pintó un retrato del general Guidoriccio da Folignano en la sala del consejo del Palacio Público en 1330, año en que sofocó la rebelión de las ciudades de Montemassi y Sassoforte, que se rebelaban contra el gobierno de la República de Siena. Durante la reciente restauración, se descubrió que el fresco fue pintado desde la parte superior derecha, y no desde la esquina superior izquierda, como es habitual. El mural se completó muy rápidamente, en siete u ocho días, y la pintura del general y su caballo sólo duró un día. Las dos pequeñas aldeas están representadas en la cima de una colina, con el campamento del ejército sienés a sus pies y el general a caballo en el centro. Detrás de él hay un fondo simplemente pintado con un cielo azul oscuro. El pintor parece haber prestado gran atención a la representación de los campamentos, las insignias, los estandartes, las armas y las armaduras. El mural es uno de los puntos álgidos del arte sienés al fresco, ya que combina la monumentalidad y el decorativismo, así como las iniciativas del retrato realista, y los inicios de la pintura de paisaje realista en la visión abstracta y de señalización. En 1980 se descubrió debajo de la pintura otro fresco de gran valor artístico, probablemente posterior a 1330, que puede poner en duda tanto la fecha como el autor del retrato de Guidoricco. Los investigadores aún no pueden decir con certeza si es obra de Simone Martini. La última restauración reveló que toda la parte izquierda del cuadro, incluida la representación del castillo de Montemassi, fue repintada en el siglo XV o XVI. Los exámenes también revelaron que hay cuatro capas de yeso superpuestas en el lado derecho de la pintura. Esto sugiere que puede haber restos de una pintura más antigua debajo del paisaje representado en el cuadro, pero para determinarlo habría que retirar parte de la pintura actual. Por lo tanto, la fecha y el autor del cuadro siguen siendo inciertos.

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Saludos de un ángel

Saludos de un ángel es una de las obras más populares de Simone Martini y también una de las más góticas. Pintado en 1333 para el altar de San Ansanus en la catedral de Siena, se expone actualmente en la Galería Uffizi de Florencia. Su marco es una arquitectura gótica ricamente incrustada, articulada con arcos rotos. En el tríptico principal (pintura de tres paneles), la Virgen con manto se contrae al escuchar el mensaje del ángel. Sus rasgos están tensos, como si el ángel la hubiera despertado del sueño. El artista ha puesto especial cuidado en la representación del ángel. Sostiene una rama de palmera en la mano, los pliegues de su túnica especial a cuadros dan una idea de su aspecto tormentoso. Sus alas están elaboradas con el cuidado meticuloso de un pintor de miniaturas. El respaldo de la silla está cubierto con un sudario rojo decorado con delicados motivos florales dorados. Junto a las figuras, los detalles, el borde ornamentado del misal, el suelo de mármol y el jarrón con lirios añaden elegancia al cuadro. Los medallones de la parte superior del panel representan, de izquierda a derecha, a los profetas Jeremías, Ezequiel, Isaías y Daniel, identificados por sus nombres escritos en los pergaminos que sostienen en sus manos. La representación vívida y sutil del diálogo entre el ángel y María hace que el misticismo de Simone Martini siga siendo vivo y querido hoy en día. Las dos figuras de santos situadas a ambos lados del tríptico fueron probablemente pintadas por el cuñado del artista, Lippo Memmi, como indica el hecho de que ambas figuras son muy diferentes de las centrales, y también están firmadas por Memmi.

Simone Martini se trasladó a Aviñón, invitado por el cardenal Jacopo Stefaneschi, a principios de 1336, con su familia y algunos ayudantes, y murió allí en 1344. Durante sus ocho años en Aviñón recibió muchos encargos, pero la gran mayoría de sus obras fueron destruidas. Los frescos Jesús con los ángeles y Virgen con el Niño, encargados por el cardenal Stefaneschi para la puerta de Notre-Dame-des-Doms, son sinopsis fragmentarias. El atractivo especial de estas sinopsis es que ofrecen una visión del proceso creativo, las correcciones y los cambios iconográficos realizados durante la obra. Aquí, por primera vez, utilizó la iconografía de la Madonna dell»Umiltà (Virgen de los Humildes), donde María no está sentada en un trono, sino en el suelo. Además, sólo un dibujo del siglo XVII conserva el recuerdo del fresco de San Jorge pintado en la fachada de la iglesia, que fue destruido a principios del siglo XIX. Este fresco también fue encargado por el cardenal Jacopo Stefaneschi y no sólo era una representación de su santo patrón, sino que también encarnaba una idea eclesiástica. En este caso, el fresco recordaba que los caballeros cristianos tenían el mismo deber de liberar a la Iglesia encarcelada en Aviñón que San Jorge de rescatar a la princesa del dragón. También decoró un libro para el cardenal, pintando la figura de la Virgen María sacando a un niño del purgatorio al principio de un códice de himnos marianos adquirido por el arcipreste. Durante su estancia en Aviñón, Simone Martini se hizo muy amigo de Petrarca y también pintó un retrato de Laura. El retrato, que el poeta menciona en dos de sus sonetos, se ha perdido, pero ha sobrevivido la miniatura de la portada, de inspiración humanista tanto en el tema como en la concepción, que pintó para un códice en posesión de Petrarca. El libro contiene las obras de Virgilio con comentarios de Servius. El cuadro muestra a Servius descorriendo una cortina y mostrando al poeta a un caballero, un campesino y un pastor. La miniatura está pintada en acuarela y témpera diluida, con capas de pintura translúcidas y líneas armoniosas y rítmicas, y está influenciada por la pintura gótica francesa. De sus últimas obras, el Políptico de la Pasión (cuyos fragmentos se han dispersado en museos de toda Europa) es tan estilísticamente diferente de sus otras obras en Aviñón que su fecha es incierta. Los paneles de este pequeño políptico, encargado para la devoción privada, representan la vida de Cristo en elegantes variaciones sobre las composiciones de Duccio de la Octava de Maestà. Algunos estudiosos creen que se completó antes de que se trasladara a Aviñón y luego se transportara a Francia. Otros creen que se trata de una de sus últimas obras, encargada por Napoleone Orsini, que murió en Aviñón en 1342. Esta teoría se ve apoyada por el hecho de que el escudo de armas de la familia Orsini aparece en el fondo. La última obra conocida de Simone Martini es un cuadro de la Sagrada Familia, firmado y fechado en 1342 (Liverpool, Walker Art Gallery). Se trata de otro cuadro de devoción privado de pequeña escala, caracterizado por la elegancia y la armonía de los colores brillantes como el esmalte. No se conservan registros escritos de los dos últimos años de la vida de Simone Martini, durante los cuales sus obras fueron destruidas.

Fuentes

1. Simone Martini
2. Simone Martini
3. Art UK. (Hozzáférés: 2015. október 16.)
4. KulturNav (angol, bokmål norvég, svéd, finn, dán és észt nyelven). (Hozzáférés: 2017. október 9.)
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6. Integrált katalógustár. (Hozzáférés: 2014. december 11.)
7. Arasse, p. 170.
8. a b c d e f g h i j k l m n o et p (it) Michela Becchis, « Martini, Simone in «Dizionario Biografico» », sur treccani.it, 2008 (consulté le 22 décembre 2020).
9. ^ Pierluigi Leone de Castris, Simone Martini, Federico Motta Editore, Milano 2003.
10. ^ Simone Martini non ha più il senso concreto del reale come Giotto o la coscienza di una raggiunta perfezione come Duccio di Boninsegna, ma si solleva in un sopramondo ideale, in una dimensione a-spaziale e a-temporale, con una pittura che rivela un»aspirazione ad un»alta e irraggiungibile perfezione. In lui si possono così cogliere affinità con il pensiero e la poetica di Francesco Petrarca di cui fu amico.
11. ^ a b c d e f g h i j k l m n o p q r s t u v Datazione ricostruita su basi puramente stilistiche (assenza di datazione autografa o altra documentazione scritta).
12. ^ a b c d e f g h i j k datazione autografa o determinata da altra documentazione scritta.
13. https://www.kulturarv.dk/kid/VisKunstner.do?kunstnerId=2587