Sol LeWitt

Delice Bette | agosto 5, 2022

Resumen

Solomon «Sol» LeWitt (9 de septiembre de 1928 – 8 de abril de 2007) fue un artista estadounidense vinculado a varios movimientos, como el arte conceptual y el minimalismo.

LeWitt saltó a la fama a finales de la década de 1960 con sus dibujos murales y «estructuras» (término que prefería en lugar de «esculturas»), pero fue prolífico en una amplia gama de medios, como el dibujo, el grabado, la fotografía, la pintura, la instalación y los libros de artista. Desde 1965 ha sido objeto de cientos de exposiciones individuales en museos y galerías de todo el mundo. La primera biografía del artista, Sol LeWitt: A Life of Ideas, de Lary Bloom, fue publicada por Wesleyan University Press en la primavera de 2019.

LeWitt nació en Hartford, Connecticut, en una familia de inmigrantes judíos procedentes de Rusia. Su madre le llevó a clases de arte en el Wadsworth Atheneum de Hartford. Tras licenciarse en la Universidad de Siracusa en 1949, LeWitt viajó a Europa, donde conoció la pintura de los antiguos maestros. Poco después, sirvió en la Guerra de Corea, primero en California, luego en Japón y finalmente en Corea. LeWitt se trasladó a Nueva York en 1953 y estableció un estudio en el Lower East Side, en el antiguo asentamiento judío asquenazí de Hester Street. Durante este tiempo, estudió en la School of Visual Arts, al tiempo que se interesaba por el diseño en la revista Seventeen, donde realizaba montajes, mecánicas y fotocopias. En 1955, fue diseñador gráfico en la oficina del arquitecto I.M. Pei durante un año. Por aquel entonces, LeWitt también descubrió la obra del fotógrafo de finales del siglo XIX Eadweard Muybridge, cuyos estudios sobre la secuencia y la locomoción fueron una temprana influencia para él. Estas experiencias, combinadas con un trabajo de recepcionista y empleado nocturno que aceptó en 1960 en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York, influirían en la obra posterior de LeWitt.

En el MoMA, LeWitt trabajaba con otros artistas como Robert Ryman, Dan Flavin, Gene Beery y Robert Mangold, y con la futura crítica de arte y escritora Lucy Lippard, que trabajaba como paje en la biblioteca. La ya famosa exposición «Sixteen Americans» de 1960 de la comisaria Dorothy Canning Miller, con obras de Jasper Johns, Robert Rauschenberg y Frank Stella, generó un gran entusiasmo y debate entre la comunidad de artistas con los que LeWitt se relacionaba. LeWitt también se hizo amigo de Hanne Darboven, Eva Hesse y Robert Smithson.

LeWitt enseñó en varias escuelas de Nueva York, como la Universidad de Nueva York y la Escuela de Artes Visuales, a finales de los años sesenta. En 1980, LeWitt se marchó de Nueva York a Spoleto (Italia). Tras regresar a Estados Unidos a finales de la década de 1980, LeWitt hizo de Chester, Connecticut, su residencia principal. Murió a los 78 años en Nueva York por complicaciones de cáncer.

LeWitt está considerado como uno de los fundadores del arte minimalista y conceptual. Su prolífica obra bidimensional y tridimensional abarca desde dibujos murales (de los que se han ejecutado más de 1.200) hasta cientos de obras sobre papel que se extienden a estructuras en forma de torres, pirámides, formas geométricas y progresiones. Estas obras varían en tamaño desde libros e instalaciones del tamaño de una galería hasta piezas monumentales para exteriores. Las primeras esculturas en serie de LeWitt se crearon en la década de 1960 utilizando la forma modular del cuadrado en disposiciones de diversa complejidad visual. En 1979, LeWitt participó en el diseño de la pieza Dance de la Lucinda Childs Dance Company.

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Escultura

A principios de la década de 1960, LeWitt comenzó a crear sus «estructuras», término que utilizaba para describir su obra tridimensional. Su frecuente uso de estructuras abiertas y modulares tiene su origen en el cubo, una forma que influyó en el pensamiento del artista desde que se convirtió en artista. Después de crear un primer cuerpo de trabajo compuesto por objetos de madera de forma cerrada, fuertemente lacados a mano, a mediados de la década de 1960 «decidió quitar la piel por completo y revelar la estructura». Esta forma esquelética, el cubo abierto radicalmente simplificado, se convirtió en un elemento básico de la obra tridimensional del artista. A mediados de la década de 1960, LeWitt comenzó a trabajar con el cubo abierto: doce elementos lineales idénticos conectados en ocho esquinas para formar una estructura esquelética. A partir de 1969, concebiría muchas de sus estructuras modulares a gran escala, para ser construidas en aluminio o acero por fabricantes industriales. Varias de las estructuras cúbicas de LeWitt se situaban aproximadamente a la altura de los ojos. El artista introdujo la proporción corporal en su unidad escultórica fundamental a esta escala.

Tras los primeros experimentos, LeWitt se decantó por una versión estándar para sus cubos modulares, hacia 1965: el espacio negativo entre las vigas se situaría frente al espacio positivo del propio material escultórico en una proporción de 8,5:1, o 172{displaystyle}{17}{2}. El material también se pintaría de blanco en lugar de negro, para evitar la «expresividad» del color negro de piezas anteriores similares. Tanto la proporción como el color fueron elecciones estéticas arbitrarias, pero una vez tomadas se utilizaron de forma sistemática en varias piezas que tipifican las obras del «cubo modular» de LeWitt. Los museos que albergan ejemplares de las obras de cubos modulares de LeWitt han publicado sugerencias de lecciones para la educación elemental, destinadas a animar a los niños a investigar las propiedades matemáticas de las obras de arte.

A partir de mediados de la década de 1980, LeWitt compuso algunas de sus esculturas con bloques de hormigón apilados, generando todavía variaciones dentro de las restricciones autoimpuestas. En esta época, comenzó a trabajar con bloques de hormigón. En 1985, construyó el primer cubo de cemento en un parque de Basilea. A partir de 1990, LeWitt concibió múltiples variaciones de una torre que debía construirse con bloques de hormigón. Alejándose de su conocido vocabulario geométrico de formas, las obras que LeWitt realizó a finales de la década de 1990 indican claramente el creciente interés del artista por las formas curvilíneas algo aleatorias y los colores muy saturados.

En 2007, LeWitt concibió 9 Towers, un cubo hecho con más de 1.000 ladrillos de colores claros que miden cinco metros de lado. Se instaló en el Centro de Arte Kivik de Lilla Stenshuvud (Suecia) en 2014.

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Planos de la pared

En 1968, LeWitt comenzó a concebir conjuntos de directrices o diagramas sencillos para sus obras bidimensionales dibujadas directamente sobre la pared, ejecutadas primero en grafito, luego en lápiz de color y, finalmente, en lavados cromáticamente ricos de tinta china, pintura acrílica brillante y otros materiales. Desde que creó una obra de arte para la muestra inaugural de la Galería Paula Cooper en 1968, una exposición a beneficio del Comité de Movilización Estudiantil para Acabar con la Guerra de Vietnam, miles de dibujos de LeWitt se han instalado directamente en la superficie de las paredes. Entre 1969 y 1970 creó cuatro «Series de dibujos», que presentaban diferentes combinaciones del elemento básico que regía muchos de sus primeros dibujos murales. En cada serie aplicó un sistema de cambio diferente a cada una de las veinticuatro combinaciones posibles de un cuadrado dividido en cuatro partes iguales, cada una de las cuales contenía uno de los cuatro tipos básicos de líneas que LeWitt utilizaba (vertical, horizontal, diagonal izquierda y diagonal derecha). El resultado son cuatro posibles permutaciones para cada una de las veinticuatro unidades originales. El sistema utilizado en la Serie de Dibujos I es el que LeWitt denominó «Rotación», la Serie de Dibujos II utiliza un sistema denominado «Espejo», la Serie de Dibujos III utiliza «Espejo cruzado e inverso» y la Serie de Dibujos IV utiliza «Reverso cruzado».

En el dibujo de la pared

LeWitt, que se trasladó a Spoleto (Italia) a finales de la década de 1970, atribuyó su transición del lápiz de grafito o el crayón a las vívidas aguadas de tinta a su encuentro con los frescos de Giotto, Masaccio y otros pintores florentinos primitivos. A finales de la década de 1990 y principios de la de 2000, creó dibujos murales en acrílico de colores muy saturados. Aunque sus formas son curvilíneas, juguetonas y parecen casi aleatorias, también están dibujadas según un conjunto de pautas exactas. Las bandas tienen una anchura estándar, por ejemplo, y ninguna sección de color puede tocar otra del mismo color.

En 2005, LeWitt comenzó una serie de dibujos murales de «garabatos», denominados así porque requerían que los dibujantes rellenaran zonas de la pared con garabatos de grafito. Los garabatos se producen en seis densidades diferentes, que se indican en los diagramas del artista y luego se trazan con cuerdas en la superficie de la pared. Las gradaciones de densidad de los garabatos producen un continuo de tonos que implica tres dimensiones. El mayor dibujo mural de garabatos, Wall Drawing

Según el principio de su obra, los dibujos murales de LeWitt suelen ser ejecutados por personas distintas del propio artista. Incluso después de su muerte, la gente sigue realizando estos dibujos. Por ello, acabaría utilizando equipos de ayudantes para crear dichas obras. Al escribir sobre la realización de dibujos murales, el propio LeWitt observó en 1971 que «cada persona dibuja una línea de forma diferente y cada persona entiende las palabras de forma diferente». Entre 1968 y su muerte en 2007, LeWitt creó más de 1.270 dibujos murales. Los dibujos murales, ejecutados in situ, suelen existir durante la duración de una exposición; luego se destruyen, lo que confiere a la obra en su forma física una cualidad efímera. Pueden instalarse, retirarse y volver a instalarse en otro lugar, tantas veces como sea necesario para la exposición. Cuando se trasladan a otro lugar, el número de paredes sólo puede cambiar asegurando que se mantengan las proporciones del diagrama original.

Se pueden encontrar murales permanentes de LeWitt, entre otros, en el Centro AXA, Nueva York (La sede de Swiss Re Americas en Armonk, Nueva York, el Ayuntamiento de Atlanta, Atlanta (el Centro de Convenciones Walter E. Washington, Washington, DC (la Galería de Arte Albright-Knox, Búfalo (la estación de metro Columbus Circle, Nueva York; El Museo Judío (el Centro Verde de Física del MIT, Cambridge (el Ateneo Wadsworth; y la Casa de John Pearson, Oberlin, Ohio. El último dibujo mural público del artista, Wall Drawing

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Gouaches

En la década de 1980, sobre todo después de un viaje a Italia, LeWitt comenzó a utilizar la témpera, una pintura opaca a base de agua, para producir obras abstractas de flujo libre y colores contrastados. Estas obras representaban un cambio significativo con respecto al resto de su práctica, ya que las creaba con sus propias manos. Los gouaches de LeWitt suelen crearse en series basadas en un motivo específico. Entre las series anteriores se encuentran Formas irregulares, Curvas paralelas, Pinceladas garabateadas y Cuadrículas en forma de red.

Aunque esta composición, de factura poco precisa, se aleja de sus obras anteriores, más estructuradas geométricamente, no por ello deja de estar en consonancia con su intención artística original. LeWitt realizó minuciosamente sus propias impresiones a partir de sus composiciones en gouache. En 2012, la asesora de arte Heidi Lee Komaromi comisarió «Sol LeWitt: Works on Paper 1983-2003», una exposición que revela la variedad de técnicas que LeWitt empleó sobre el papel durante las últimas décadas de su vida.

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Libros de artista

A partir de 1966, el interés de LeWitt por la serialidad le llevó a producir más de 50 libros de artista a lo largo de su carrera; posteriormente donó muchos ejemplos a la biblioteca del Wadsworth Athenaeum. En 1976, LeWitt ayudó a fundar Printed Matter, Inc, un espacio artístico con ánimo de lucro en el barrio neoyorquino de Tribeca, con sus compañeros artistas y críticos Lucy Lippard, Carol Androcchio, Amy Baker (Sandback), Edit DeAk, Mike Glier, Nancy Linn, Walter Robinson, Ingrid Sischy, Pat Steir, Mimi Wheeler, Robin White e Irena von Zahn. LeWitt fue un innovador destacado del género del «libro de artista», término que se acuñó para una exposición de 1973 comisariada por Dianne Perry Vanderlip en el Moore College of Art and Design de Filadelfia.

Printed Matter fue una de las primeras organizaciones dedicadas a la creación y distribución de libros de artista, incorporando la autoedición, la publicación en pequeña escala y las redes y colectivos de artistas. Para LeWitt y otros, Printed Matter también sirvió como sistema de apoyo para los artistas de vanguardia, equilibrando su papel como editor, espacio de exposición, espacio de venta al por menor y centro comunitario para la escena artística del centro de la ciudad, emulando en ese sentido la red de aspirantes a artistas que LeWitt conoció y disfrutó como miembro del personal del Museo de Arte Moderno.

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Arquitectura y paisajismo

LeWitt colaboró con el arquitecto Stephen Lloyd en el diseño de una sinagoga para su congregación Beth Shalom Rodfe Zedek; conceptualizó el edificio de la sinagoga «aireado», con su cúpula poco profunda sostenida por «exuberantes vigas de madera en el techo», un homenaje a las sinagogas de madera de Europa oriental.

En 1981, LeWitt fue invitado por la Fairmount Park Art Association (actualmente conocida como Association for Public Art) a proponer una obra de arte pública para un lugar de Fairmount Park. Seleccionó el terreno largo y rectangular conocido como Reilly Memorial y presentó un dibujo con instrucciones. Instalada en 2011, Lines in Four Directions in Flowers está formada por más de 7.000 plantas dispuestas en hileras estratégicamente configuradas. En su propuesta original, el artista planeó una instalación de plantaciones de flores de cuatro colores diferentes (blanco, amarillo, rojo y azul) en cuatro áreas rectangulares iguales, en filas de cuatro direcciones (vertical, horizontal, diagonal derecha e izquierda) enmarcadas por setos de hoja perenne de unos 2» de altura, con cada bloque de color compuesto por cuatro o cinco especies que florecen secuencialmente.

En 2004 se instaló la escultura Six Curved Walls en la ladera del Crouse College, en el campus de la Universidad de Syracuse. La escultura de bloques de hormigón está formada por seis paredes onduladas de 3,5 metros de altura cada una, y tiene una longitud de 60 metros. La escultura se diseñó y construyó para conmemorar la toma de posesión de Nancy Cantor como undécima rectora de la Universidad de Syracuse.

Desde principios de la década de 1960, él y su esposa, Carol Androccio, reunieron cerca de 9.000 obras de arte mediante compras, en intercambios con otros artistas y marchantes, o como regalos. De este modo, adquirió obras de aproximadamente 750 artistas, entre ellos Flavin, Ryman, Hanne Darboven, Eva Hesse, Donald Judd, On Kawara, Kazuko Miyamoto, Carl Andre, Dan Graham, Hans Haacke, Gerhard Richter y otros. En 2007, la exposición «Selecciones de la Colección LeWitt» en el Museo de Arte Weatherspoon reunió unas 100 pinturas, esculturas, dibujos, grabados y fotografías, entre las que se encontraban obras de Andre, Alice Aycock, Bernd y Hilla Becher, Jan Dibbets, Jackie Ferrara, Gilbert y George, Alex Katz, Robert Mangold, Brice Marden, Mario Merz, Shirin Neshat, Pat Steir y muchos otros artistas.

La obra de LeWitt se expuso públicamente por primera vez en 1964 en una muestra colectiva comisariada por Dan Flavin en la Galería Kaymar de Nueva York. La Galería John Daniels de Dan Graham le ofreció posteriormente su primera exposición individual en 1965. En 1966, participó en la exposición «Primary Structures» en el Museo Judío de Nueva York (una muestra fundamental que ayudó a definir el movimiento minimalista), presentando un cubo modular abierto de 9 unidades sin título. Ese mismo año fue incluido en la exposición «10» de la Dwan Gallery de Nueva York. Más tarde, Harald Szeemann le invitó a participar en «When Attitude Becomes Form» (Cuando la actitud se convierte en forma), en la Kunsthalle de Berna (Suiza), en 1969. Entrevistado en 1993 sobre aquellos años, LeWitt comentó: «Decidí que haría retroceder el color o la forma y procedería de forma tridimensional».

El Gemeentemuseum de La Haya presentó su primera exposición retrospectiva en 1970, y su obra se expuso posteriormente en una importante retrospectiva de mitad de carrera en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1978. En 1972

En 2006, la exposición Drawing Series… de LeWitt se exhibió en Dia:Beacon y estuvo dedicada a los dibujos de la década de 1970 del artista conceptual. Los dibujantes y asistentes dibujaban directamente en las paredes utilizando grafito, lápiz de color, crayón y tiza. Las obras se basaban en los complejos principios de LeWitt, que eliminaban las limitaciones del lienzo para realizar construcciones más extensas.

«Sol LeWitt: una retrospectiva de dibujos murales», una colaboración entre la Galería de Arte de la Universidad de Yale (YUAG), el MASS MoCA (Museo de Arte Contemporáneo de Massachusetts) y el Museo de Arte del Williams College (WCMA) se abrió al público en 2008 en el MASS MoCA de North Adams, Massachusetts. La exposición se podrá ver durante 25 años y se encuentra en un edificio histórico de tres plantas de 2.500 m2 situado en el corazón del campus del MASS MoCA y totalmente restaurado por Bruner.

Además, el artista fue objeto de exposiciones en el P.S. 1 Contemporary Center de Long Island City (la Addison Gallery of American Art de Andover) y el Wadsworth Atheneum Museum of Art de Hartford (Incomplete Cubes), que viajaron a tres museos de arte de Estados Unidos. En el momento de su muerte, LeWitt acababa de organizar una retrospectiva de su obra en el Allen Memorial Art Museum de Oberlin, Ohio.En Nápoles Sol LeWitt. L»artista e i suoi artisti se inauguró en el Museo Madre el 15 de diciembre de 2012, y estará abierta hasta el 1 de abril de 2013.

Las obras de LeWitt se encuentran en las colecciones de los museos más importantes, como: La Tate Modern de Londres, el Van Abbemuseum de Eindhoven, el Museo Nacional de Serbia en Belgrado, el Centre Georges Pompidou de París, el Hallen für Neue Kunst Schaffhausen de Suiza, la Australian National Gallery de Canberra (Australia), el Guggenheim Museum, el Museum of Modern Art de Nueva York, el Dia:Beacon, el Jewish Museum de Manhattan, el MASS MoCA de North Adams, la National Gallery of Art de Washington D.C. y el Hirshhorn Museum and Sculpture Garden. La erección de la Pirámide de la Doble Negativa de Sol LeWitt en el Europos Parkas de Vilnius (Lituania) fue un acontecimiento importante en la historia del arte en la época posterior al Muro de Berlín.

Sol LeWitt fue una de las principales figuras de su época; transformó el proceso de creación artística al cuestionar la relación fundamental entre una idea, la subjetividad del artista y la obra de arte que una determinada idea puede producir. Mientras muchos artistas desafiaban las concepciones modernas de originalidad, autoría y genio artístico en la década de 1960, LeWitt negaba que planteamientos como el minimalismo, el conceptualismo y el arte procesual fueran meramente técnicos o ilustrativos de la filosofía. En sus Párrafos sobre el arte conceptual, LeWitt afirmaba que el arte conceptual no era matemático ni intelectual, sino intuitivo, dado que la complejidad inherente a la transformación de una idea en una obra de arte estaba llena de contingencias. El arte de LeWitt no es la mano singular del artista; es la idea que hay detrás de cada obra la que supera a la obra en sí. A principios del siglo XXI, la obra de LeWitt, especialmente los dibujos murales, ha sido aclamada por la crítica por su perspicacia económica. Aunque modestos -la mayoría existen como simples instrucciones en una hoja de papel-, los dibujos pueden realizarse una y otra vez, en cualquier parte del mundo, sin que el artista tenga que intervenir en su producción.

Su récord de subasta de 749.000 dólares se estableció en 2014 por su obra de gouache sobre cartón Wavy Brushstroke (1995) en Sotheby»s, Nueva York.

Fuentes

1. Sol LeWitt
2. Sol LeWitt
3. ^ McNay, Michael. «Obituary: Sol LeWitt: American artist whose treatment of forms and colours defied critical analysis». The Guardian, April 11, 2007. Accessed April 17, 2011.
4. ^ Bloom, Lary (April 16, 2019). Sol LeWitt: A Life of Ideas. Wesleyan University Press. ISBN 9780819578709.
5. ^ «Sol LeWitt». Retrieved August 3, 2022.
6. ^ Sol Lewitt, su guggenheim-venice.it.
7. ^ Settimanale Tgr Rai – Sol Lewitt e Spoleto, su youtube.com, 22 febbraio 2016. URL consultato il 9 marzo 2016.
8. ^ Cecilia Metelli, Oltre il Festival dei Due Mondi: le mostre, alcuni dei protagonisti e il loro rapporto con gli artisti attivi a Spoleto negli anni settanta, in Spoleto Contemporanea, 2016, p. 14. URL consultato il 21 marzo 2016 (archiviato dall»url originale il 3 aprile 2016).
9. ^ Adachiara Zevi,, L»Italia nei WALL DRAWINGS di Sol LeWitt, Milano, Mondadori Electa, 2012.
10. Ghislain Mollet-Viéville, Art minimal & conceptuel, Genève, Skira, 1995, 127 p. (ISBN 2-605-00283-7), p. 52
11. in «Paragraphs on Conceptual Art», Artforum vol.5 no 10 juin 1967; traduction Solange Schnall.
12. In Art conceptuel, Daniel Marzona, Ed. Taschen.
13. Int. NY Times: Sol LeWitt, American master of conceptual art, dies at 78.
14. NRC: De kubus werd zijn handelsmerk