Expresionismo abstracto

Alex Rover | diciembre 27, 2022

Resumen

El expresionismo abstracto es un movimiento artístico de la pintura estadounidense posterior a la Segunda Guerra Mundial, desarrollado en la ciudad de Nueva York en la década de 1940. Fue el primer movimiento específicamente estadounidense que alcanzó influencia internacional y situó a Nueva York en el centro del mundo artístico occidental, papel que antes desempeñaba París.

Aunque el término «expresionismo abstracto» fue aplicado por primera vez al arte estadounidense en 1946 por el crítico de arte Robert Coates, se había utilizado por primera vez en Alemania en 1919 en la revista Der Sturm, en relación con el expresionismo alemán. En Estados Unidos, Alfred Barr fue el primero en utilizar este término en 1929 en relación con las obras de Wassily Kandinsky.

Técnicamente, un importante predecesor es el surrealismo, con su énfasis en la creación espontánea, automática o subconsciente. El goteo de pintura de Jackson Pollock sobre un lienzo colocado en el suelo es una técnica que hunde sus raíces en la obra de André Masson, Max Ernst y David Alfaro Siqueiros. Las investigaciones más recientes tienden a situar al exiliado-surrealista Wolfgang Paalen como el artista y teórico que fomentó la teoría del espacio de posibilidad dependiente del espectador a través de sus pinturas y su revista DYN. Paalen consideró ideas de la mecánica cuántica, así como interpretaciones idiosincrásicas de la visión totémica y la estructura espacial de la pintura indígena de la Columbia Británica y preparó el terreno para la nueva visión espacial de los jóvenes abstractos estadounidenses. Su largo ensayo Totem Art (1943) influyó considerablemente en artistas como Martha Graham, Isamu Noguchi, Pollock, Mark Rothko y Barnett Newman. Hacia 1944, Barnett Newman intentó explicar el nuevo movimiento artístico estadounidense e incluyó una lista de «los hombres del nuevo movimiento». Paalen es mencionado dos veces; otros artistas mencionados son Gottlieb, Rothko, Pollock, Hofmann, Baziotes, Gorky y otros. Robert Motherwell se menciona con un signo de interrogación. Otra importante manifestación temprana de lo que llegó a ser el expresionismo abstracto es la obra del artista del noroeste de Estados Unidos Mark Tobey, especialmente sus lienzos de «escritura blanca», que, aunque en general no son de gran escala, anticipan el aspecto «todo en uno» de las pinturas por goteo de Pollock.

El nombre del movimiento deriva de la combinación de la intensidad emocional y la abnegación de los expresionistas alemanes con la estética antifigurativa de las escuelas abstractas europeas como el futurismo, la Bauhaus y el cubismo sintético. Además, tiene una imagen de rebelde, anárquico, muy idiosincrásico y, según algunos, nihilista. En la práctica, el término se aplica a un gran número de artistas que trabajaban (sobre todo) en Nueva York y tenían estilos muy diferentes, e incluso a obras que no son especialmente abstractas ni expresionistas. El expresionista abstracto californiano Jay Meuser, que solía pintar en estilo no objetivo, escribió sobre su cuadro Mare Nostrum: «Es mucho mejor captar el glorioso espíritu del mar que pintar todas sus diminutas ondulaciones». Las enérgicas «pinturas de acción» de Pollock, con su aire «ajetreado», son diferentes, tanto técnica como estéticamente, de la violenta y grotesca serie Women de los cuadros figurativos de Willem de Kooning y de los rectángulos de color de los cuadros Color Field de Rothko (que no son lo que normalmente se llamaría expresionistas, y que Rothko negaba que fueran abstractos). Sin embargo, los cuatro artistas están clasificados como expresionistas abstractos.

El expresionismo abstracto tiene muchas similitudes estilísticas con los artistas rusos de principios del siglo XX, como Wassily Kandinsky. Aunque es cierto que la espontaneidad o la impresión de espontaneidad caracterizaron muchas de las obras de los expresionistas abstractos, la mayoría de estos cuadros implicaban una cuidadosa planificación, sobre todo porque su gran tamaño así lo exigía. Con artistas como Paul Klee, Kandinsky, Emma Kunz, y más tarde Rothko, Newman y Agnes Martin, el arte abstracto implicaba claramente la expresión de ideas relativas a lo espiritual, el inconsciente y la mente.

La razón por la que este estilo se impuso en la década de 1950 es objeto de debate. El realismo social estadounidense había sido la corriente dominante en la década de 1930. Había estado influido no sólo por la Gran Depresión, sino también por muralistas mexicanos como David Alfaro Siqueiros y Diego Rivera. El clima político posterior a la II Guerra Mundial no toleró durante mucho tiempo las protestas sociales de estos pintores. El expresionismo abstracto surgió durante la guerra y comenzó a exhibirse a principios de los años cuarenta en galerías de Nueva York como The Art of This Century Gallery. La era McCarthy de posguerra fue una época de censura artística en Estados Unidos, pero si el tema era totalmente abstracto se consideraba apolítico y, por tanto, seguro. O si el arte era político, el mensaje era en gran medida para los iniciados.

Aunque el movimiento se asocia estrechamente con la pintura, la collagista Anne Ryan y algunos escultores en particular también formaron parte del expresionismo abstracto. David Smith y su esposa Dorothy Dehner, Herbert Ferber, Isamu Noguchi, Ibram Lassaw, Theodore Roszak, Phillip Pavia, Mary Callery, Richard Stankiewicz, Louise Bourgeois y Louise Nevelson en particular fueron algunos de los escultores considerados miembros importantes del movimiento. Además, los artistas David Hare, John Chamberlain, James Rosati, Mark di Suvero, y los escultores Richard Lippold, Raoul Hague, George Rickey, Reuben Nakian, e incluso Tony Smith, Seymour Lipton, Joseph Cornell y varios otros fueron parte integrante del movimiento expresionista abstracto. Muchos de los escultores citados participaron en la Ninth Street Show, una famosa exposición comisariada por Leo Castelli en la East Ninth Street de Nueva York en 1951. Además de los pintores y escultores de la época, la Escuela de Nueva York de expresionismo abstracto también generó una serie de poetas de apoyo, entre ellos Frank O»Hara y fotógrafos como Aaron Siskind y Fred McDarrah, (cuyo libro The Artist»s World in Pictures documentó la Escuela de Nueva York durante la década de 1950), y cineastas -sobre todo Robert Frank-.

Aunque la escuela expresionista abstracta se extendió rápidamente por todo Estados Unidos, los epicentros de este estilo fueron la ciudad de Nueva York y la zona de la bahía de San Francisco, en California.

En un momento dado, el lienzo comenzó a aparecer para un pintor americano tras otro como un escenario en el que actuar. Lo que iba a plasmarse en el lienzo no era un cuadro, sino un acontecimiento.

En los años 40 no sólo había pocas galerías (The Art of This Century, Pierre Matisse Gallery, Julien Levy Gallery y algunas más), sino también pocos críticos dispuestos a seguir la obra de la Vanguardia neoyorquina. También había algunos artistas con formación literaria, entre ellos Robert Motherwell y Barnett Newman, que ejercían de críticos.

Aunque la vanguardia neoyorquina era aún relativamente desconocida a finales de la década de 1940, la mayoría de los artistas que hoy se han convertido en nombres conocidos tenían sus críticos mecenas bien establecidos: Clement Greenberg defendía a Jackson Pollock y a los pintores de campos de color como Clyfford Still, Mark Rothko, Barnett Newman, Adolph Gottlieb y Hans Hofmann; Harold Rosenberg parecía preferir a los pintores de acción como Willem de Kooning y Franz Kline, así como los cuadros seminales de Arshile Gorky; Thomas B. Hess, director editorial de ARTnews, defendía a Willem de Kooning.

Los nuevos críticos encumbraron a sus protegidos tachando a otros artistas de «seguidores» o ignorando a quienes no servían a su objetivo promocional.

En 1958, Mark Tobey se convirtió en el primer pintor estadounidense desde Whistler (1895) en ganar el primer premio de la Bienal de Venecia.

Barnett Newman, miembro tardío del Uptown Group, escribió prólogos de catálogos y reseñas, y a finales de la década de 1940 se convirtió en artista expositor de la Betty Parsons Gallery. Su primera exposición individual fue en 1948. Poco después de su primera exposición, Barnett Newman comentó en una de las Artists» Sessions de Studio 35: «Estamos en el proceso de hacer el mundo, hasta cierto punto, a nuestra propia imagen». Utilizando sus dotes de escritor, Newman luchó a cada paso para reforzar su recién establecida imagen de artista y promocionar su obra. Un ejemplo es su carta del 9 de abril de 1955, «Carta a Sidney Janis: – es cierto que Rothko habla el luchador. Lucha, sin embargo, por someterse al mundo filisteo. Mi lucha contra la sociedad burguesa ha implicado el rechazo total de la misma».

Curiosamente, la persona que se cree que tuvo más que ver con la promoción de este estilo fue un trotskista neoyorquino: Clement Greenberg. Como crítico de arte durante muchos años de Partisan Review y The Nation, se convirtió en uno de los primeros defensores del expresionismo abstracto. El acaudalado artista Robert Motherwell se unió a Greenberg en la promoción de un estilo que encajaba con el clima político y la rebeldía intelectual de la época.

Greenberg proclamó el expresionismo abstracto y a Pollock en particular como epítome del valor estético. Apoyó la obra de Pollock por motivos formalistas como la mejor pintura de su época y la culminación de una tradición artística que se remontaba desde el cubismo y Cézanne hasta Monet, en la que la pintura se hacía cada vez más «pura» y se concentraba más en lo que era «esencial» para ella, la realización de marcas sobre una superficie plana.

La obra de Pollock siempre ha polarizado a los críticos. Rosenberg habló de la transformación de la pintura en un drama existencial en la obra de Pollock, en la que «lo que iba a ir al lienzo no era un cuadro sino un acontecimiento». «El gran momento llegó cuando se decidió pintar »sólo por pintar». El gesto en el lienzo era un gesto de liberación del valor -político, estético, moral».

Uno de los críticos más acérrimos del expresionismo abstracto fue John Canaday, crítico de arte del New York Times. Meyer Schapiro y Leo Steinberg, junto con Greenberg y Rosenberg, fueron importantes historiadores del arte de la posguerra que apoyaron el expresionismo abstracto. A principios y mediados de los sesenta, otros críticos de arte más jóvenes, como Michael Fried, Rosalind Krauss y Robert Hughes, aportaron su granito de arena a la dialéctica crítica que sigue desarrollándose en torno al expresionismo abstracto.

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Segunda Guerra Mundial y posguerra

En el periodo previo y durante la Segunda Guerra Mundial, artistas, escritores y poetas modernistas, así como importantes coleccionistas y marchantes, huyeron de Europa y de los ataques nazis para refugiarse en Estados Unidos. Muchos de los que no huyeron perecieron. Entre los artistas y coleccionistas que llegaron a Nueva York durante la guerra (algunos con ayuda de Varian Fry) estaban Hans Namuth, Yves Tanguy, Kay Sage, Max Ernst, Jimmy Ernst, Peggy Guggenheim, Leo Castelli, Marcel Duchamp, André Masson, Roberto Matta, André Breton, Marc Chagall, Jacques Lipchitz, Fernand Léger y Piet Mondrian. Algunos artistas, como Picasso, Matisse y Pierre Bonnard, permanecieron en Francia y sobrevivieron.

La posguerra convulsionó las capitales europeas, que se vieron obligadas a reconstruirse económica y físicamente y a reagruparse políticamente. En París, antaño centro de la cultura europea y capital del mundo del arte, el clima artístico era desastroso, y Nueva York sustituyó a París como nuevo centro del mundo del arte. En la Europa de posguerra continuaron el surrealismo, el cubismo, el dadaísmo y las obras de Matisse. También en Europa, el Art brut y la abstracción lírica o tachismo (el equivalente europeo al expresionismo abstracto) se apoderaron de la nueva generación. Serge Poliakoff, Nicolas de Staël, Georges Mathieu, Vieira da Silva, Jean Dubuffet, Yves Klein, Pierre Soulages y Jean Messagier, entre otros, son considerados figuras importantes de la pintura europea de posguerra. En Estados Unidos comenzó a surgir una nueva generación de artistas norteamericanos que dominaron la escena mundial y que recibieron el nombre de Expresionistas Abstractos.

La década de 1940 en Nueva York anunció el triunfo del expresionismo abstracto estadounidense, un movimiento modernista que combinaba lecciones aprendidas de Matisse, Picasso, el Surrealismo, Miró, el Cubismo, el Fauvismo y el Modernismo temprano a través de grandes maestros en América como Hans Hofmann de Alemania y John D. Graham de Ucrania. La influencia de Graham en el arte estadounidense de principios de la década de 1940 fue especialmente visible en la obra de Gorky, de Kooning, Pollock y Richard Pousette-Dart, entre otros. La contribución de Gorky al arte estadounidense y mundial es difícil de sobreestimar. Su obra de abstracción lírica fue un «nuevo lenguaje». Iluminó el camino para dos generaciones de artistas estadounidenses». La espontaneidad pictórica de obras de madurez como The Liver is the Cock»s Comb, The Betrothal II y One Year the Milkweed prefiguraron inmediatamente el expresionismo abstracto, y los líderes de la Escuela de Nueva York han reconocido la considerable influencia de Gorky. También influyeron los primeros trabajos de Hyman Bloom. Los artistas estadounidenses también se beneficiaron de la presencia de Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst y el grupo de André Breton, la galería de Pierre Matisse y la galería de Peggy Guggenheim The Art of This Century, así como de otros factores. Hans Hofmann, en particular, como profesor, mentor y artista, fue importante e influyó en el desarrollo y el éxito del expresionismo abstracto en Estados Unidos. Entre los protegidos de Hofmann estaba Clement Greenberg, que se convirtió en una voz enormemente influyente para la pintura estadounidense, y entre sus alumnos estaba Lee Krasner, que presentó a su maestro, Hofmann, a su marido, Jackson Pollock.

A finales de la década de 1940, el enfoque radical de la pintura de Jackson Pollock revolucionó el potencial de todo el arte contemporáneo que le siguió. Hasta cierto punto, Pollock se dio cuenta de que el camino hacia la creación de una obra de arte era tan importante como la propia obra. Al igual que Picasso con sus innovadoras reinvenciones de la pintura y la escultura a principios de siglo a través del cubismo y la escultura construida, con influencias tan dispares como las pinturas de arena de los Navajo, el surrealismo, el análisis junguiano y el arte mural mexicano, Pollock redefinió lo que era producir arte. Su alejamiento de la pintura de caballete y del convencionalismo fue una señal liberadora para los artistas de su época y para todos los que vinieron después. Los artistas se dieron cuenta de que el proceso de Jackson Pollock -colocar el lienzo en bruto sin estirar en el suelo, donde podía ser atacado por los cuatro costados con materiales de artista y materiales industriales; madejas lineales de pintura goteada y lanzada; dibujo, manchas, pinceladas; imaginería y no imaginería- llevaba esencialmente la creación artística más allá de cualquier límite anterior. El expresionismo abstracto en general amplió y desarrolló las definiciones y posibilidades de que disponían los artistas para la creación de nuevas obras de arte.

Los demás expresionistas abstractos siguieron el avance de Pollock con nuevos avances propios. En cierto sentido, las innovaciones de Pollock, de Kooning, Franz Kline, Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyfford Still, Barnett Newman, Ad Reinhardt, Richard Pousette-Dart, Robert Motherwell, Peter Voulkos y otros abrieron las compuertas a la diversidad y el alcance de todo el arte que les siguió. Los movimientos radicales antiformalistas de las décadas de 1960 y 1970, como Fluxus, Neo-Dada, el arte conceptual y el movimiento artístico feminista, tienen su origen en las innovaciones del expresionismo abstracto. Sin embargo, las relecturas del arte abstracto realizadas por historiadoras del arte como Linda Nochlin y Catherine de Zegher muestran críticamente que las mujeres artistas pioneras que produjeron importantes innovaciones en el arte moderno habían sido ignoradas por los relatos oficiales de su historia, pero finalmente empezaron a lograr un reconocimiento largamente esperado a raíz del movimiento expresionista abstracto de las décadas de 1940 y 1950. El expresionismo abstracto surgió como un importante movimiento artístico en la ciudad de Nueva York durante la década de 1950 y, a partir de entonces, varias galerías de arte importantes empezaron a incluir a los expresionistas abstractos en sus exposiciones y como habituales en sus listas. Algunas de estas destacadas galerías de la parte alta de la ciudad fueron: la Charles Egan Gallery, la Betty Parsons Gallery, la Tibor de Nagy Gallery, la Stable Gallery, la Leo Castelli Gallery y otras; y varias galerías del centro de la ciudad, conocidas en aquella época como las Tenth Street galleries, expusieron a muchos artistas jóvenes emergentes que trabajaban en la línea del expresionismo abstracto.

El action painting fue un estilo muy extendido desde la década de 1940 hasta principios de la de 1960, y está estrechamente relacionado con el expresionismo abstracto (algunos críticos han utilizado indistintamente los términos action painting y expresionismo abstracto). A menudo se establece una comparación entre el action painting estadounidense y el tachisme francés.

El término fue acuñado por el crítico estadounidense Harold Rosenberg en 1952 y supuso un importante cambio en la perspectiva estética de los pintores y críticos de la Escuela de Nueva York. Según Rosenberg, el lienzo era «un escenario en el que actuar». Mientras que los expresionistas abstractos como Jackson Pollock, Franz Kline y Willem de Kooning llevaban mucho tiempo manifestando abiertamente su visión del cuadro como un escenario en el que enfrentarse al acto de creación, los críticos anteriores que simpatizaban con su causa, como Clement Greenberg, se centraban en la «objetualidad» de sus obras. Para Greenberg, el aspecto físico de las superficies coaguladas y empapadas de óleo era la clave para entenderlas como documentos de la lucha existencial de los artistas.

La crítica de Rosenberg desplazaba el énfasis del objeto a la lucha en sí, siendo el cuadro acabado sólo la manifestación física, una especie de residuo, de la obra de arte real, que estaba en el acto o proceso de creación del cuadro. Esta actividad espontánea era la «acción» del pintor, a través del movimiento de brazos y muñecas, los gestos pictóricos, las pinceladas, la pintura lanzada, salpicada, manchada, desparramada y goteada. El pintor a veces dejaba que la pintura goteara sobre el lienzo, mientras bailaba rítmicamente, o incluso de pie en el lienzo, a veces dejando que la pintura cayera según el subconsciente, dejando así que la parte inconsciente de la psique se afirmara y expresara. Todo esto, sin embargo, es difícil de explicar o interpretar porque se trata de una supuesta manifestación inconsciente del acto de creación pura.

En la práctica, el término expresionismo abstracto se aplica a cualquier número de artistas que trabajaban (sobre todo) en Nueva York y que tenían estilos muy diferentes, e incluso se aplica a obras que no son especialmente abstractas ni expresionistas. Las enérgicas pinturas de acción de Pollock, con su aire «ajetreado», son diferentes, tanto técnica como estéticamente, de la violenta y grotesca serie Mujeres de De Kooning. Mujer V forma parte de una serie de seis cuadros realizados por De Kooning entre 1950 y 1953 que representan una figura femenina de tres cuartos. Comenzó el primero de estos cuadros, Mujer I, en junio de 1950, cambiando y pintando repetidamente la imagen hasta enero o febrero de 1952, cuando abandonó el cuadro inacabado. Poco después, el historiador del arte Meyer Schapiro vio el cuadro en el estudio de De Kooning y animó al artista a continuar. La respuesta de De Kooning fue comenzar otros tres cuadros sobre el mismo tema: Mujer II, Mujer III y Mujer IV. Durante el verano de 1952, que pasó en East Hampton, De Kooning siguió explorando el tema con dibujos y pasteles. Es posible que terminara Mujer I a finales de junio, o incluso en noviembre de 1952, y que los otros tres cuadros de mujeres los concluyera casi al mismo tiempo. La serie Mujer es decididamente figurativa.

Otro artista importante es Franz Kline. Al igual que Jackson Pollock y otros expresionistas abstractos, Kline fue calificado de «pintor de acción» por su estilo aparentemente espontáneo e intenso, que se centraba menos, o nada, en las figuras o las imágenes, y más en las pinceladas y el uso del lienzo, como demuestra su cuadro Número 2 (1954).

La escritura automática fue un vehículo importante para pintores de acción como Kline (en sus cuadros en blanco y negro), Pollock, Mark Tobey y Cy Twombly, que utilizaron el gesto, la superficie y la línea para crear símbolos caligráficos, lineales y madejas que se asemejan al lenguaje y resuenan como poderosas manifestaciones del inconsciente colectivo. Robert Motherwell, en su serie Elegía a la República Española, pintó poderosos cuadros en blanco y negro utilizando el gesto, la superficie y el símbolo para evocar poderosas cargas emocionales.

Mientras tanto, otros pintores de acción, en particular De Kooning, Gorky, Norman Bluhm, Joan Mitchell y James Brooks, utilizaron la imaginería a través del paisaje abstracto o como visiones expresionistas de la figura para articular sus evocaciones altamente personales y poderosas. Los cuadros de James Brooks eran especialmente poéticos y muy premonitorios en relación con la abstracción lírica que cobró protagonismo a finales de los sesenta y en los setenta.

Clyfford Still, Barnett Newman, Adolph Gottlieb y los bloques de color serenamente resplandecientes de la obra de Mark Rothko (que no es lo que suele denominarse expresionista y que Rothko negó que fuera abstracta), se clasifican como expresionistas abstractos, aunque desde lo que Clement Greenberg denominó la dirección de campo de color del expresionismo abstracto. Tanto Hans Hofmann como Robert Motherwell pueden describirse cómodamente como practicantes de la pintura de acción y la pintura de campo de color. En la década de 1940, las imágenes de Richard Pousette-Dart, estrechamente construidas, se basaban a menudo en temas mitológicos y místicos, al igual que las pinturas de Gottlieb y Pollock en esa misma década.

Inicialmente, la pintura de campo de color se refería a un tipo concreto de expresionismo abstracto, especialmente a la obra de Rothko, Still, Newman, Motherwell, Gottlieb, Ad Reinhardt y varias series de pinturas de Joan Miró. Greenberg consideraba que la pintura de campo de color estaba relacionada con la pintura de acción, pero era diferente de ella. Los pintores del Color Field intentaron despojar a su arte de la retórica superflua. Artistas como Motherwell, Still, Rothko, Gottlieb, Hans Hofmann, Helen Frankenthaler, Sam Francis, Mark Tobey y, sobre todo, Ad Reinhardt y Barnett Newman, cuya obra maestra Vir heroicus sublimis se encuentra en la colección del MoMA, utilizaron referencias muy reducidas a la naturaleza y pintaron con un uso muy articulado y psicológico del color. En general, estos artistas eliminaron la imaginería reconocible, y en el caso de Rothko y Gottlieb a veces utilizaron símbolos y signos en sustitución de la imaginería. Algunos artistas citaban referencias al arte pasado o presente, pero en general la pintura de campos de color presenta la abstracción como un fin en sí misma. En esta dirección del arte moderno, los artistas querían presentar cada cuadro como una imagen unificada, cohesionada y monolítica.

A diferencia de la energía emocional y los gestos superficiales de expresionistas abstractos como Pollock y de Kooning, los pintores del Color Field se mostraron inicialmente fríos y austeros, eliminando la marca individual en favor de grandes áreas planas de color, que estos artistas consideraban la naturaleza esencial de la abstracción visual, junto con la forma real del lienzo, que más tarde, en la década de 1960, Frank Stella en particular consiguió de forma inusual con combinaciones de bordes curvos y rectos. Sin embargo, la pintura Color Field ha demostrado ser sensual y profundamente expresiva, aunque de un modo diferente al expresionismo abstracto gestual.

Aunque el expresionismo abstracto se extendió rápidamente por todo Estados Unidos, los principales centros de este estilo fueron Nueva York y California, especialmente en la Escuela de Nueva York, y la zona de la bahía de San Francisco. Las pinturas expresionistas abstractas comparten ciertas características, como el uso de grandes lienzos, un enfoque «all-over», en el que todo el lienzo se trata con la misma importancia (en contraposición a que el centro tenga más interés que los bordes). El lienzo como escenario se convirtió en un credo de la pintura de acción, mientras que la integridad del plano pictórico pasó a ser un credo de los pintores del campo de color. Los artistas más jóvenes empezaron a exponer sus pinturas relacionadas con el expresionismo abstracto también durante la década de 1950, como Alfred Leslie, Sam Francis, Joan Mitchell, Helen Frankenthaler, Cy Twombly, Milton Resnick, Michael Goldberg, Norman Bluhm, Grace Hartigan, Friedel Dzubas y Robert Goodnough, entre otros.

Aunque Pollock se asocia estrechamente con la Action Painting por su estilo, su técnica, su toque pictórico y su aplicación física de la pintura, los críticos de arte han comparado a Pollock tanto con la Action Painting como con la pintura de campos de color. Otro punto de vista crítico expuesto por Greenberg relaciona los lienzos de Pollock con los Nenúfares a gran escala de Claude Monet realizados en la década de 1920. Críticos de arte como Michael Fried, Greenberg y otros han observado que la sensación general en las obras más famosas de Pollock -sus pinturas de goteo- se leen como vastos campos de elementos lineales construidos. Señalan que estas obras a menudo se leen como vastos complejos de madejas de pintura de valores similares y campos de color y dibujo por toda la superficie, y que están relacionadas con los Monets de tamaño mural que están construidos de forma similar con marcas de pinceladas y manchas de valores cercanos que también se leen como campos de color y dibujo. El uso que hace Pollock de la composición en toda la superficie le confiere una conexión filosófica y física con el modo en que los pintores de campos de color como Newman, Rothko y Still construyen sus superficies ininterrumpidas y, en el caso de Still, rotas. En varios cuadros que Pollock pintó después de su clásico periodo de pintura por goteo de 1947-1950, utilizó la técnica de manchar pintura al óleo fluida y pintura doméstica sobre lienzo crudo. En 1951 realizó una serie de pinturas semifigurativas con manchas negras, y en 1952 realizó pinturas con manchas de color. En su exposición de noviembre de 1952 en la Sidney Janis Gallery de Nueva York, Pollock mostró Number 12, 1952, un gran y magistral cuadro de manchas que se asemeja a un paisaje teñido de vivos colores (el cuadro fue adquirido en la exposición por Nelson Rockefeller para su colección personal.

Aunque Arshile Gorky está considerado uno de los padres fundadores del expresionismo abstracto y un surrealista, también fue uno de los primeros pintores de la Escuela de Nueva York que utilizó la técnica de la mancha. Gorky creaba amplios campos de colores vivos, abiertos e ininterrumpidos que utilizaba en muchos de sus cuadros como fondos. En los cuadros más eficaces y logrados de Gorky, pintados entre 1941 y 1948, utilizó sistemáticamente intensos campos manchados de color, a menudo dejando que la pintura corriera y goteara, bajo y alrededor de su léxico familiar de formas orgánicas y biomórficas y líneas delicadas. Otro expresionista abstracto cuyas obras de la década de 1940 recuerdan a las pinturas de manchas de las décadas de 1960 y 1970 es James Brooks. Brooks utilizó regularmente la mancha como técnica en sus pinturas de finales de la década de 1940. Brooks empezó a diluir su pintura al óleo para tener colores fluidos con los que verter, gotear y manchar el lienzo, en su mayor parte crudo, que utilizaba. Estas obras combinaban a menudo caligrafía y formas abstractas. Durante las tres últimas décadas de su carrera, el estilo del expresionismo abstracto brillante a gran escala de Sam Francis estuvo estrechamente relacionado con la pintura de campo de color. Sus cuadros se situaban en los dos campos del expresionismo abstracto: la pintura de acción y la pintura de campo de color.

Tras ver los cuadros de Pollock de 1951, en los que manchaba lienzo crudo con pintura al óleo negra diluida, Frankenthaler empezó a pintar manchas de diversos colores al óleo sobre lienzo crudo en 1952. Su cuadro más famoso de esa época es Montañas y mar. Es una de las creadoras del movimiento Color Field, surgido a finales de la década de 1950. Frankenthaler también estudió con Hans Hofmann.

Los cuadros de Hofmann son una sinfonía de color, como se ve en The Gate (La puerta), 1959-1960. Fue reconocido no sólo como artista, sino también como profesor de arte, tanto en su Alemania natal como más tarde en Estados Unidos. Hofmann, que llegó a Estados Unidos procedente de Alemania a principios de la década de 1930, trajo consigo el legado del Modernismo. Como joven artista en el París anterior a la Primera Guerra Mundial, Hofmann trabajó con Robert Delaunay y conoció de primera mano la obra innovadora de Picasso y Matisse. La obra de Matisse ejerció una enorme influencia en él y en su comprensión del lenguaje expresivo del color y la potencialidad de la abstracción. Hofmann fue uno de los primeros teóricos de la pintura de campos de color, y sus teorías influyeron en artistas y críticos, especialmente en Clement Greenberg, así como en otros durante las décadas de 1930 y 1940. En 1953, Morris Louis y Kenneth Noland se sintieron profundamente influidos por las pinturas de manchas de Helen Frankenthaler tras visitar su estudio en Nueva York. De regreso a Washington, comenzaron a producir las principales obras que crearon el movimiento del campo de color a finales de la década de 1950.

En 1972, el entonces conservador del Museo Metropolitano de Arte Henry Geldzahler dijo:

Clement Greenberg incluyó la obra de Morris Louis y Kenneth Noland en una exposición que organizó en la Galería Kootz a principios de los años cincuenta. Clem fue el primero en ver su potencial. Les invitó a Nueva York en 1953, creo, al estudio de Helen para que vieran un cuadro que acababa de pintar titulado Mountains and Sea (Montañas y mar), un cuadro muy, muy bello que, en cierto sentido, estaba inspirado en Pollock y en Gorky. También fue uno de los primeros cuadros manchados, uno de los primeros grandes cuadros de campo en los que se utilizó la técnica de la mancha, quizás el primero. Louis y Noland vieron el cuadro desenrollado en el suelo de su estudio y volvieron a Washington, DC, y trabajaron juntos durante un tiempo, estudiando las implicaciones de este tipo de pintura.

En la pintura abstracta de las décadas de 1950 y 1960 surgieron varias direcciones nuevas, como la pintura Hard-edge ejemplificada por John McLaughlin. Mientras tanto, como reacción contra el subjetivismo del expresionismo abstracto, empezaron a aparecer otras formas de abstracción geométrica en los estudios de artistas y en los círculos radicales de vanguardia. Greenberg se convirtió en la voz de la abstracción post-pictórica al comisariar una influyente exposición de nueva pintura que recorrió importantes museos de arte de todo Estados Unidos en 1964. La pintura de campos de color, la pintura de bordes duros y la abstracción lírica surgieron como nuevas direcciones radicales.

Desde mediados de los años setenta, se argumenta que el estilo atrajo la atención, a principios de los años cincuenta, de la CIA, que lo consideraba representativo de Estados Unidos como refugio del libre pensamiento y el libre mercado, así como un desafío tanto a los estilos realistas socialistas predominantes en las naciones comunistas como al dominio de los mercados europeos del arte. El libro de Frances Stonor Saunders, The Cultural Cold War-The CIA and the World of Arts and Letters, (publicado en el Reino Unido con el título Who Paid the Piper?: CIA and the Cultural Cold War) detalla cómo la CIA financió y organizó la promoción de los expresionistas abstractos estadounidenses como parte del imperialismo cultural a través del Congreso para la Libertad Cultural entre 1950 y 1967. En particular, la serie Elegía a la República Española de Robert Motherwell abordaba algunas de esas cuestiones políticas. Tom Braden, jefe fundador de la División de Organizaciones Internacionales (IOD) de la CIA y ex secretario ejecutivo del Museo de Arte Moderno, declaró en una entrevista: «Creo que fue la división más importante que tuvo la agencia, y creo que desempeñó un enorme papel en la Guerra Fría».

En contra de esta tradición revisionista, un ensayo de Michael Kimmelman, crítico de arte jefe de The New York Times, titulado Revisiting the Revisionists: The Modern, Its Critics and the Cold War, afirma que gran parte de esa información relativa a lo que ocurría en la escena artística estadounidense durante las décadas de 1940 y 1950, así como la interpretación que de ella hacen los revisionistas, es falsa o está descontextualizada. Otros libros sobre el tema son Art in the Cold War, de Christine Lindey, que también describe el arte de la Unión Soviética en la misma época, y Pollock and After, editado por Francis Frascina, que reproduce el artículo de Kimmelman.

El pintor canadiense Jean-Paul Riopelle (1923-2002), miembro del grupo de inspiración surrealista Les Automatistes, con sede en Montreal, contribuyó a introducir un estilo afín de impresionismo abstracto en el mundo del arte parisino a partir de 1949. El innovador libro de Michel Tapié, Un Art Autre (1952), también ejerció una enorme influencia en este sentido. Tapié fue también comisario y organizador de exposiciones que promovieron las obras de Pollock y Hans Hofmann en Europa. En la década de 1960, el efecto inicial del movimiento había sido asimilado, pero sus métodos y proponentes siguieron teniendo una gran influencia en el arte, afectando profundamente a la obra de muchos artistas que vinieron después. El expresionismo abstracto precedió al Tachismo, la pintura Color Field, la Abstracción Lírica, el Fluxus, el Pop Art, el Minimalismo, el Postminimalismo, el Neoexpresionismo y los demás movimientos de los años sesenta y setenta, e influyó en todos aquellos movimientos posteriores que evolucionaron. Los movimientos que fueron respuestas directas y rebeliones contra el expresionismo abstracto comenzaron con la pintura Hard-edge (Frank Stella, Robert Indiana y otros) y los artistas Pop, en especial Andy Warhol, Claes Oldenburg y Roy Lichtenstein, que alcanzaron prominencia en Estados Unidos, acompañados por Richard Hamilton en Gran Bretaña. En Estados Unidos, Robert Rauschenberg y Jasper Johns tendieron un puente entre el expresionismo abstracto y el arte pop. El minimalismo fue ejemplificado por artistas como Donald Judd, Robert Mangold y Agnes Martin.

Sin embargo, muchos pintores, como Jules Olitski, Joan Mitchell y Antoni Tàpies siguieron trabajando en el estilo expresionista abstracto durante muchos años, ampliando y expandiendo sus implicaciones visuales y filosóficas, como siguen haciendo muchos artistas abstractos hoy en día, en estilos descritos como Abstracción Lírica, Neoexpresionista y otros.

En los años posteriores a la II Guerra Mundial, un grupo de artistas neoyorquinos fundó una de las primeras escuelas de artistas de Estados Unidos, dando lugar a una nueva era en el arte americano: el expresionismo abstracto. Esto condujo al boom del arte estadounidense, que dio lugar a estilos como el Pop Art. También contribuyó a convertir Nueva York en un centro cultural y artístico.

Los expresionistas abstractos valoran el organismo frente al todo estático, el devenir frente al ser, la expresión frente a la perfección, la vitalidad frente al acabado, la fluctuación frente al reposo, el sentimiento frente a la formulación, lo desconocido frente a lo conocido, lo velado frente a lo claro, el individuo frente a la sociedad y lo interior frente a lo exterior.

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Fuentes

1. Abstract expressionism
2. Expresionismo abstracto
3. ^ Editors of Phaidon Press (2001). The 20th-Century art book (Reprinted. ed.). London: Phaidon Press. ISBN 0714835420.
4. ^ Hess, Barbara; «Abstract Expressionism», 2005
5. ^ Andreas Neufert, Auf Liebe und Tod, Das Leben des Surrealisten Wolfgang Paalen, Berlin (Parthas) 2015, S. 494ff.
6. ^ Barnett Newman Foundation, archive 18/103
7. ^ Shapiro, David/Cecile (2000), «Abstract Expressionism: The politics of apolitical painting.» pp. 189–190 In: Frascina, Francis (2000–1): Pollock and After: The Critical Debate. 2nd ed. London: Routledge
8. Hess, Barbara; «Abstract Expressionism», 2005
9. Carrassat, P.F.R. y Marcadé, I., Movimientos de la pintura, pág. 151
10. (en) « Abstract Expressionism Exhibition catalogue », sur Royal Academy of Arts, 2017 (consulté le 8 septembre 2018).
11. a b c d e f g et h François Wehrlin, Philippe Guillemet, section « Les arts plastiques » de l»article « États-Unis », in Encyclopædia Universalis, corpus 8, Paris, 2002, p. 849.
12. Edward Lucie-Smith: DuMont»s Lexikon der Bildenden Kunst. DuMont, Köln 1990, S. 7 f.
13. Zitiert nach Barbara Hess; Uta Grosenick (Hrsg.): Abstrakter Expressionismus. Taschen, Köln 2005, S. 7.