Surrealismo

gigatos | diciembre 27, 2022

Resumen

El surrealismo es un movimiento cultural que se desarrolló en Europa tras la Primera Guerra Mundial y en el que los artistas representaron escenas desconcertantes e ilógicas y desarrollaron técnicas para permitir la expresión de la mente inconsciente. Su objetivo era, según su líder André Breton, «resolver las condiciones hasta entonces contradictorias del sueño y la realidad en una realidad absoluta, una superrealidad», o surrealidad. Produjo obras de pintura, escritura, teatro, cine, fotografía y otros medios.

Las obras del Surrealismo se caracterizan por el elemento sorpresa, las yuxtaposiciones inesperadas y el non sequitur. Sin embargo, muchos artistas y escritores surrealistas consideran su obra ante todo una expresión del movimiento filosófico (por ejemplo, del «automatismo psíquico puro» del que habla Breton en el primer Manifiesto Surrealista), siendo las obras en sí secundarias, es decir, artefactos de la experimentación surrealista. El líder Breton fue explícito al afirmar que el surrealismo era, ante todo, un movimiento revolucionario. En aquella época, el movimiento se asociaba a causas políticas como el comunismo y el anarquismo. Estaba influido por el movimiento Dadá de la década de 1910.

El término «surrealismo» tiene su origen en Guillaume Apollinaire en 1917. Sin embargo, el movimiento surrealista no se estableció oficialmente hasta después de octubre de 1924, cuando el Manifiesto Surrealista publicado por el poeta y crítico francés André Breton consiguió reclamar el término para su grupo frente a una facción rival liderada por Yvan Goll, que había publicado su propio manifiesto surrealista dos semanas antes. El centro más importante del movimiento fue París, Francia. A partir de la década de 1920, el movimiento se extendió por todo el mundo e influyó en las artes visuales, la literatura, el cine y la música de muchos países e idiomas, así como en el pensamiento y la práctica política, la filosofía y la teoría social.

La palabra «surrealismo» fue acuñada por primera vez en marzo de 1917 por Guillaume Apollinaire. En una carta a Paul Dermée escribió: «Tout bien examiné, je crois en effet qu»il vaut mieux adopter surréalisme que surnaturalisme que j»avais d»abord employé».

Apollinaire utilizó el término en sus notas al programa de la obra Parade, de los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev, estrenada el 18 de mayo de 1917. Parade tenía un escenario en un acto de Jean Cocteau y se representó con música de Erik Satie. Cocteau calificó el ballet de «realista». Apollinaire fue más lejos y calificó Parade de «surrealista»:

Esta nueva alianza -digo nueva, porque hasta ahora la escenografía y el vestuario sólo estaban unidos por lazos facticios- ha dado lugar, en Parade, a una especie de surrealismo, que considero el punto de partida de toda una serie de manifestaciones del Nuevo Espíritu que se hace sentir hoy y que sin duda atraerá a nuestras mejores mentes. Podemos esperar que produzca cambios profundos en nuestras artes y costumbres a través de la alegría universal, ya que es natural, después de todo, que sigan el ritmo del progreso científico e industrial. (Apollinaire, 1917)

El término fue retomado por Apollinaire, tanto como subtítulo como en el prefacio de su obra Les Mamelles de Tirésias: Drame surréaliste, escrita en 1903 y estrenada en 1917.

La Primera Guerra Mundial dispersó a los escritores y artistas afincados en París, y en el ínterin muchos se unieron al dadaísmo, creyendo que el pensamiento racional excesivo y los valores burgueses habían traído el conflicto de la guerra al mundo. Los dadaístas protestaron con reuniones antiartísticas, actuaciones, escritos y obras de arte. Tras la guerra, cuando regresaron a París, las actividades dadaístas continuaron.

Durante la guerra, André Breton, que se había formado en medicina y psiquiatría, sirvió en un hospital neurológico donde utilizó los métodos psicoanalíticos de Sigmund Freud con soldados aquejados de neurosis de guerra. Al conocer al joven escritor Jacques Vaché, Breton sintió que Vaché era el hijo espiritual del escritor y fundador de la patafísica Alfred Jarry. Admiraba la actitud antisocial del joven escritor y su desdén por la tradición artística establecida. Más tarde, Breton escribió: «En literatura, me quedé prendado sucesivamente de Rimbaud, de Jarry, de Apollinaire, de Nouveau, de Lautréamont, pero es a Jacques Vaché a quien más debo».

De vuelta en París, Breton se unió a las actividades dadaístas y fundó la revista literaria Littérature junto con Louis Aragon y Philippe Soupault. Comenzaron a experimentar con la escritura automática -escribir espontáneamente sin censurar sus pensamientos- y publicaron los escritos, así como relatos de sueños, en la revista. Breton y Soupault siguieron escribiendo evolucionando sus técnicas de automatismo y publicaron Los campos magnéticos (1920).

En octubre de 1924 se habían formado dos grupos surrealistas rivales para publicar un Manifiesto Surrealista. Cada uno afirmaba ser sucesor de una revolución lanzada por Appolinaire. Un grupo, dirigido por Yvan Goll, estaba formado por Pierre Albert-Birot, Paul Dermée, Céline Arnauld, Francis Picabia, Tristan Tzara, Giuseppe Ungaretti, Pierre Reverdy, Marcel Arland, Joseph Delteil, Jean Painlevé y Robert Delaunay, entre otros. El grupo liderado por André Breton afirmaba que el automatismo era una táctica mejor para el cambio social que los dadaístas, liderados por Tzara, que ahora se encontraba entre sus rivales. El grupo de Breton creció hasta incluir a escritores y artistas de diversos medios como Paul Éluard, Benjamin Péret, René Crevel, Robert Desnos, Jacques Baron, Max Morise, Pierre Naville, Roger Vitrac, Gala Éluard, Max Ernst, Salvador Dalí, Luis Buñuel, Man Ray, Hans Arp, Georges Malkine, Michel Leiris, Georges Limbour, Antonin Artaud, Raymond Queneau, André Masson, Joan Miró, Marcel Duchamp, Jacques Prévert e Yves Tanguy.

A medida que desarrollaban su filosofía, creían que el Surrealismo defendería la idea de que las expresiones ordinarias y representativas son vitales e importantes, pero que el sentido de su disposición debe estar abierto a toda la gama de la imaginación según la dialéctica hegeliana. También se fijaron en la dialéctica marxista y en la obra de teóricos como Walter Benjamin y Herbert Marcuse.

El trabajo de Freud con la asociación libre, el análisis de los sueños y el inconsciente fue de suma importancia para los surrealistas a la hora de desarrollar métodos para liberar la imaginación. Abrazaban la idiosincrasia, al tiempo que rechazaban la idea de una locura subyacente. Como Dalí proclamó más tarde: «Sólo hay una diferencia entre un loco y yo. Yo no estoy loco».

Además del uso del análisis de los sueños, hacían hincapié en que «se podían combinar dentro de un mismo marco elementos que normalmente no se encuentran juntos para producir efectos ilógicos y sorprendentes». Breton incluyó la idea de las yuxtaposiciones sorprendentes en su manifiesto de 1924, tomándola a su vez de un ensayo de 1918 del poeta Pierre Reverdy, que decía: «una yuxtaposición de dos realidades más o menos distantes. Cuanto más distante y verdadera sea la relación entre las dos realidades yuxtapuestas, más fuerte será la imagen, mayor será su fuerza emocional y su realidad poética.»

El grupo pretendía revolucionar la experiencia humana, en sus aspectos personales, culturales, sociales y políticos. Querían liberar a la gente de la falsa racionalidad y de las costumbres y estructuras restrictivas. Breton proclamó que el verdadero objetivo del surrealismo era «¡viva la revolución social, y sólo ella!». Para alcanzar este objetivo, en diversas épocas los surrealistas se alinearon con el comunismo y el anarquismo.

En 1924, dos facciones surrealistas declararon su filosofía en dos manifiestos surrealistas distintos. Ese mismo año se creó la Oficina de Investigación Surrealista, que comenzó a publicar la revista La Révolution surréaliste.

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Manifiestos surrealistas

Hasta 1924 se habían formado dos grupos surrealistas rivales. Cada grupo pretendía ser sucesor de una revolución lanzada por Apollinaire. Un grupo, dirigido por Yvan Goll, estaba formado por Pierre Albert-Birot, Paul Dermée, Céline Arnauld, Francis Picabia, Tristan Tzara, Giuseppe Ungaretti, Pierre Reverdy, Marcel Arland, Joseph Delteil, Jean Painlevé y Robert Delaunay, entre otros.

El otro grupo, liderado por Breton, incluía a Aragon, Desnos, Éluard, Baron, Crevel, Malkine, Jacques-André Boiffard y Jean Carrive, entre otros.

Yvan Goll publicó el Manifeste du surréalisme, el 1 de octubre de 1924, en su primer y único número de Surréalisme, dos semanas antes de la aparición del Manifeste du surréalisme de Breton, publicado por Éditions du Sagittaire, el 15 de octubre de 1924.

Goll y Breton se enfrentaron abiertamente, llegando a pelearse literalmente, en la Comédie des Champs-Élysées, por los derechos del término Surrealismo. Al final, Breton ganó la batalla por superioridad táctica y numérica. Aunque la disputa sobre la anterioridad del surrealismo concluyó con la victoria de Breton, la historia del surrealismo a partir de ese momento seguiría marcada por fracturas, renuncias y sonoras excomuniones, con cada surrealista teniendo su propia visión de la cuestión y de los objetivos, y aceptando más o menos las definiciones establecidas por André Breton.

El Manifiesto surrealista de Breton de 1924 define los propósitos del surrealismo. Incluye citas de las influencias en el surrealismo, ejemplos de obras surrealistas y un análisis del automatismo surrealista. Aporta las siguientes definiciones:

Diccionario: Surrealismo, s. Automatismo psíquico puro, por el que se propone expresar, ya sea verbalmente, por escrito o de cualquier otra manera, el funcionamiento real del pensamiento. Dictado del pensamiento en ausencia de todo control ejercido por la razón, fuera de toda preocupación estética y moral. Enciclopedia: Surrealismo. Filosofía. El surrealismo se basa en la creencia en la realidad superior de ciertas formas de asociaciones hasta entonces descuidadas, en la omnipotencia del sueño, en el juego desinteresado del pensamiento. Tiende a arruinar de una vez por todas los demás mecanismos psíquicos y a sustituirlos en la resolución de los principales problemas de la vida.

A mediados de la década de 1920, el movimiento se caracterizaba por las reuniones en cafés donde los surrealistas practicaban juegos de dibujo en colaboración, discutían las teorías del surrealismo y desarrollaban diversas técnicas, como el dibujo automático. En un principio, Breton dudaba de que las artes visuales pudieran ser útiles en el movimiento surrealista, ya que parecían menos maleables y abiertas al azar y al automatismo. Esta cautela se vio superada por el descubrimiento de técnicas como el frottage, el grattage y la decalcomanía.

Pronto se involucraron más artistas plásticos, como Giorgio de Chirico, Max Ernst, Joan Miró, Francis Picabia, Yves Tanguy, Salvador Dalí, Luis Buñuel, Alberto Giacometti, Valentine Hugo, Méret Oppenheim, Toyen, Kansuke Yamamoto y, más tarde, tras la segunda guerra: Enrico Donati. Aunque Breton admiraba a Pablo Picasso y Marcel Duchamp y les cortejó para que se unieran al movimiento, permanecieron al margen. También se unieron otros escritores, como el antiguo dadaísta Tristan Tzara, René Char y Georges Sadoul.

En 1925 se formó en Bruselas un grupo surrealista autónomo. El grupo estaba formado por el músico, poeta y artista E. L. T. Mesens, el pintor y escritor René Magritte, Paul Nougé, Marcel Lecomte y André Souris. En 1927 se les unió el escritor Louis Scutenaire. Goemans y Magritte se trasladan a París en 1927 y frecuentan el círculo de Breton. Los artistas, con sus raíces en el dadaísmo y el cubismo, la abstracción de Wassily Kandinsky, el expresionismo y el postimpresionismo, también llegaron a «linajes» más antiguos o proto-surrealistas como Jerónimo Bosch, y a las llamadas artes primitivas e ingenuas.

Los dibujos automáticos de André Masson de 1923 se utilizan a menudo como punto de aceptación de las artes visuales y ruptura con Dadá, ya que reflejan la influencia de la idea de la mente inconsciente. Otro ejemplo es el Torso de Giacometti de 1925, que marcó su movimiento hacia las formas simplificadas y la inspiración en la escultura preclásica.

Sin embargo, un ejemplo llamativo de la línea utilizada para dividir Dadá y Surrealismo entre los expertos en arte es el emparejamiento de Pequeña máquina construida por Minimax Dadamax en persona (Von minimax dadamax selbst konstruiertes maschinchen) de 1925 y Max Ernst de 1927. Generalmente se considera que la primera tiene un subtexto distante y erótico, mientras que la segunda presenta un acto erótico abierta y directamente. En la segunda se aprecia la influencia de Miró y del estilo de dibujo de Picasso, con el uso de líneas curvas y fluidas que se entrecruzan y del color, mientras que la primera adopta una franqueza que más tarde influiría en movimientos como el arte Pop.

Giorgio de Chirico, y su anterior desarrollo del arte metafísico, fue una de las importantes figuras de unión entre los aspectos filosóficos y visuales del Surrealismo. Entre 1911 y 1917, adoptó un estilo de representación desornamentado cuya superficie sería adoptada por otros posteriormente. La torre roja (La tour rouge), de 1913, muestra los fuertes contrastes cromáticos y el estilo ilustrativo que más tarde adoptarían los pintores surrealistas. Su Nostalgia del poeta (La Nostalgie du poète), de 1914, tiene la figura de espaldas al espectador, y la yuxtaposición de un busto con gafas y un pez como relieve desafía la explicación convencional. También fue escritor, y su novela Hebdomeros presenta una serie de paisajes oníricos con un uso inusual de la puntuación, la sintaxis y la gramática, diseñados para crear una atmósfera y enmarcar sus imágenes. Sus imágenes, incluidas las escenografías para los Ballets Rusos, crearían una forma decorativa del Surrealismo, y sería una influencia para los dos artistas que estarían aún más estrechamente asociados con el Surrealismo en la mente del público: Dalí y Magritte. Sin embargo, abandonaría el grupo surrealista en 1928.

En 1924, Miró y Masson aplican el surrealismo a la pintura. La primera exposición surrealista, La Peinture Surrealiste, se celebró en la Galería Pierre de París en 1925. En ella se expusieron obras de Masson, Man Ray, Paul Klee, Miró y otros. La muestra confirmó que el Surrealismo tenía un componente en las artes visuales (aunque en un principio se había debatido si esto era posible), y se utilizaron técnicas procedentes de Dadá, como el fotomontaje. Al año siguiente, el 26 de marzo de 1926, se inauguró la Galerie Surréaliste con una exposición de Man Ray. Breton publicó Surrealismo y pintura en 1928, que resumía el movimiento hasta ese momento, aunque siguió actualizando la obra hasta la década de 1960.

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Literatura surrealista

La primera obra surrealista, según el líder Brêton, fue Les Chants de Maldoror; y la primera obra escrita y publicada por su grupo de Surréalistes fue Les Champs Magnétiques (mayo-junio de 1919). Littérature contenía obras automatistas y relatos de sueños. Tanto la revista como la carpeta mostraban su desdén por los significados literales que se daban a los objetos y se centraban más bien en los matices, en las corrientes poéticas subyacentes. No sólo hacían hincapié en el trasfondo poético, sino también en las connotaciones y los matices que «existen en relaciones ambiguas con las imágenes visuales».

Dado que los escritores surrealistas rara vez, o nunca, parecen organizar sus pensamientos y las imágenes que presentan, algunas personas consideran que gran parte de su obra es difícil de analizar. Sin embargo, esta noción es una comprensión superficial, impulsada sin duda por el énfasis inicial de Breton en la escritura automática como vía principal hacia una realidad superior. Pero -como en el caso de Breton- mucho de lo que se presenta como puramente automático está en realidad editado y muy «pensado». El propio Breton admitió más tarde que se había exagerado la importancia de la escritura automática, y se introdujeron otros elementos, sobre todo a medida que la creciente participación de artistas visuales en el movimiento obligaba a plantearse la cuestión, ya que la pintura automática requería un conjunto de enfoques bastante más extenuantes. Así, se introdujeron elementos como el collage, surgidos en parte de un ideal de yuxtaposiciones sorprendentes, tal y como revelaba la poesía de Pierre Reverdy. Y, como en el caso de Magritte (donde no hay un recurso obvio a las técnicas automáticas ni al collage), la propia noción de unión convulsiva se convirtió en una herramienta de revelación en sí misma. Se suponía que el surrealismo estaba siempre en constante cambio -que era más moderno que lo moderno-, por lo que era natural que se produjera una rápida reorganización de la filosofía a medida que surgían nuevos retos. Artistas como Max Ernst y sus collages surrealistas demuestran este cambio hacia una forma de arte más moderna que también comenta la sociedad.

Los surrealistas revivieron el interés por Isidore Ducasse, conocido por su seudónimo Comte de Lautréamont, y por la frase «bello como el encuentro casual en una mesa de disección de una máquina de coser y un paraguas», y Arthur Rimbaud, dos escritores de finales del siglo XIX considerados precursores del surrealismo.

Ejemplos de literatura surrealista son Le Pèse-Nerfs (1926) de Artaud, El coño de Irene (1927) de Aragon, Muerte a los cerdos (1929) de Péret, Mr. Knife Miss Fork (1931) de Crevel, El búho ciego (1937) de Sadegh Hedayat y Sur la route de San Romano (1948) de Breton.

La Révolution surréaliste continuó publicándose en 1929 con la mayoría de las páginas densamente repletas de columnas de texto, pero que también incluían reproducciones de arte, entre ellas obras de de Chirico, Ernst, Masson y Man Ray. Otras obras incluían libros, poemas, panfletos, textos automáticos y tratados teóricos.

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Películas surrealistas

Entre las primeras películas de los surrealistas figuran:

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Fotografía surrealista

Fotógrafos surrealistas famosos son el estadounidense Man Ray, el francés

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Teatro surrealista

La palabra surrealista fue utilizada por primera vez por Apollinaire para describir su obra de 1917 Les Mamelles de Tirésias («Los pechos de Tiresias»), que más tarde fue adaptada a ópera por Francis Poulenc.

Los misterios del amor (1927) y Víctor o la toma del poder por los niños (1928) de Roger Vitrac suelen considerarse los mejores ejemplos del teatro surrealista, a pesar de su expulsión del movimiento en 1926. Las obras se representaron en el teatro Alfred Jarry, cofundado por Vitrac con Antonin Artaud, otro de los primeros surrealistas expulsado del movimiento.

Tras su colaboración con Vitrac, Artaud ampliaría el pensamiento surrealista a través de su teoría del Teatro de la Crueldad. Artaud rechazaba la mayor parte del teatro occidental por considerarlo una perversión de su intención original, que en su opinión debía ser una experiencia mística y metafísica. En su lugar, imaginó un teatro que fuera inmediato y directo, que vinculara las mentes inconscientes de intérpretes y espectadores en una especie de acontecimiento ritual, creado por Artaud en el que las emociones, los sentimientos y lo metafísico se expresaran no a través del lenguaje, sino físicamente, creando una visión mitológica, arquetípica y alegórica, estrechamente relacionada con el mundo de los sueños.

El dramaturgo y director español Federico García Lorca también experimentó con el surrealismo, sobre todo en sus obras El público (1930), Cuando pasen cinco años (1931) y Obra sin título (1935). Otras obras surrealistas son De espaldas a la pared (1925), de Aragon. La ópera de Gertrude Stein Doctor Faustus Lights the Lights (1938) también se ha descrito como «surrealismo americano», aunque también está relacionada con una forma teatral del cubismo.

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Música surrealista

En la década de 1920, varios compositores se vieron influidos por el surrealismo o por miembros del movimiento surrealista. Entre ellos estaban Bohuslav Martinů, André Souris, Erik Satie y Edgard Varèse, quien declaró que su obra Arcana estaba inspirada en una secuencia onírica. Souris, en particular, estuvo asociado al movimiento: mantuvo una larga relación con Magritte y trabajó en la publicación de Paul Nougé Adieu Marie. La música de compositores de todo el siglo XX se ha asociado a los principios surrealistas, como Thomas Adès, György Ligeti, Mauricio Kagel y Olivier Messiaen.

Germaine Tailleferre, del grupo francés Les Six, escribió varias obras que podrían considerarse inspiradas en el surrealismo, entre ellas el ballet Paris-Magie de 1948 (escenario de Lise Deharme), las óperas La Petite Sirène (libro de Philippe Soupault) y Le Maître (libro de Eugène Ionesco). Tailleferre también escribió canciones populares sobre textos de Claude Marci, esposa de Henri Jeanson, cuyo retrato había pintado Magritte en los años treinta.

Aunque en 1946 Breton respondió de forma bastante negativa al tema de la música con su ensayo El silencio es oro, los surrealistas posteriores, como Paul Garon, se han interesado por la improvisación del jazz y el blues, y han encontrado paralelismos con el surrealismo. En ocasiones, los músicos de jazz y blues han correspondido a este interés. Por ejemplo, en la Exposición Mundial Surrealista de 1976 actuó David «Honeyboy» Edwards.

El surrealismo como fuerza política se desarrolló de forma desigual en todo el mundo: en algunos lugares se hizo más hincapié en las prácticas artísticas, en otros en las prácticas políticas, y en otros lugares aún, la praxis surrealista pretendía superar tanto a las artes como a la política. Durante la década de 1930, la idea surrealista se extendió de Europa a Norteamérica, Sudamérica (fundación del grupo Mandrágora en Chile en 1938), Centroamérica, el Caribe y toda Asia, como idea artística y como ideología de cambio político.

Políticamente, el surrealismo era trotskista, comunista o anarquista. La ruptura con Dadá se ha caracterizado como una escisión entre anarquistas y comunistas, con los surrealistas como comunistas. Breton y sus compañeros apoyaron durante un tiempo a León Trotsky y su Oposición Internacional de Izquierda, aunque hubo una apertura al anarquismo que se manifestó más plenamente después de la Segunda Guerra Mundial. Algunos surrealistas, como Benjamin Péret, Mary Low y Juan Breá, se alinearon con formas de comunismo de izquierdas. Cuando el fotógrafo surrealista holandés Emiel van Moerkerken se acercó a Breton, no quiso firmar el manifiesto porque no era trotskista. Para Breton no bastaba con ser comunista. Breton denegó las fotos de Van Moerkerken para una publicación posterior. Esto provocó una escisión en el surrealismo. Otros lucharon por liberarse completamente de las ideologías políticas, como Wolfgang Paalen, quien, tras el asesinato de Trotsky en México, preparó una escisión entre arte y política a través de su revista de arte contrasurrealista DYN y preparó así el terreno para los expresionistas abstractos. Dalí apoyó el capitalismo y la dictadura fascista de Francisco Franco, pero no puede decirse que represente una tendencia del Surrealismo en este sentido; de hecho, Breton y sus colaboradores consideraban que había traicionado y abandonado el Surrealismo. Benjamin Péret, Mary Low, Juan Breá y el español Eugenio Fernández Granell se unieron al POUM durante la Guerra Civil española.

Los seguidores de Breton, junto con el Partido Comunista, trabajaban por la «liberación del hombre». Sin embargo, el grupo de Breton se negó a dar prioridad a la lucha proletaria sobre la creación radical, de modo que sus luchas con el Partido convirtieron el final de la década de 1920 en una época turbulenta para ambos. Muchas personas estrechamente vinculadas a Breton, en particular Aragon, abandonaron su grupo para colaborar más estrechamente con los comunistas.

Los surrealistas han intentado a menudo vincular sus esfuerzos con ideales y actividades políticas. En la Declaración del 27 de enero de 1925, por ejemplo, los miembros de la Oficina de Investigación Surrealista con sede en París (entre los que se encontraban Breton, Aragon y Artaud, así como unas dos docenas de personas más) declararon su afinidad con la política revolucionaria. Aunque en un principio se trataba de una formulación algo vaga, en la década de 1930 muchos surrealistas se habían identificado firmemente con el comunismo. El documento más destacado de esta tendencia dentro del surrealismo es el Manifiesto por un arte revolucionario libre, publicado bajo los nombres de Breton y Diego Rivera, pero del que en realidad fueron coautores Breton y León Trotsky.

Sin embargo, en 1933, la afirmación de los surrealistas de que era imposible una «literatura proletaria» en una sociedad capitalista provocó su ruptura con la Association des Ecrivains et Artistes Révolutionnaires y la expulsión de Breton, Éluard y Crevel del Partido Comunista.

En 1925, el grupo surrealista de París y la extrema izquierda del Partido Comunista Francés se unieron para apoyar a Abd-el-Krim, líder del levantamiento del Rif contra el colonialismo francés en Marruecos. En una carta abierta al escritor y embajador francés en Japón, Paul Claudel, el grupo de París anunció:

Los surrealistas nos pronunciamos a favor de cambiar la guerra imperialista, en su forma crónica y colonial, por una guerra civil. Así pusimos nuestras energías a disposición de la revolución, del proletariado y de sus luchas, y definimos nuestra actitud frente al problema colonial y, por tanto, frente a la cuestión de los colores.

La política revolucionaria y proletaria anticolonial de «Humanitarismo asesino» (1932), redactado principalmente por Crevel y firmado por Breton, Éluard, Péret, Tanguy y los surrealistas martiniquenses Pierre Yoyotte y J.M. Monnerot, quizá lo convierta en el documento original de lo que más tarde se llamará «surrealismo negro», aunque es el contacto entre Aimé Césaire y Breton en los años cuarenta en Martinica lo que realmente lleva a la comunicación de lo que se conoce como «surrealismo negro».

Los escritores revolucionarios anticoloniales del movimiento Négritude de Martinica, colonia francesa en aquella época, adoptaron el surrealismo como método revolucionario: una crítica de la cultura europea y una subjetividad radical. Esto les unió a otros surrealistas y fue muy importante para el posterior desarrollo del surrealismo como praxis revolucionaria. La revista Tropiques, que recogía la obra de Césaire junto con la de Suzanne Césaire, René Ménil, Lucie Thésée, Aristide Maugée y otros, se publicó por primera vez en 1941.

En 1938, André Breton viajó con su mujer, la pintora Jacqueline Lamba, a México para reunirse con Trotsky (alojándose como huésped de Guadalupe Marín, ex mujer de Diego Rivera), y allí conoció a Frida Kahlo y vio sus cuadros por primera vez. Breton declaró que Kahlo era una pintora surrealista «innata».

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Política interior

En 1929, el grupo satélite asociado a la revista Le Grand Jeu, que incluía a Roger Gilbert-Lecomte, Maurice Henry y el pintor checo Josef Sima, fue condenado al ostracismo. También en febrero, Breton pidió a los surrealistas que evaluaran su «grado de competencia moral», y los refinamientos teóricos incluidos en el segundo manifeste du surréalisme excluyeron a cualquiera reacio a comprometerse con la acción colectiva, una lista que incluía a Leiris, Limbour, Morise, Baron, Queneau, Prévert, Desnos, Masson y Boiffard. Los miembros excluidos lanzaron un contraataque, criticando duramente a Breton en el panfleto Un Cadavre, en el que aparecía una imagen de Breton con una corona de espinas. El panfleto se basaba en un acto de subversión anterior al comparar a Breton con Anatole France, cuyo valor incuestionable Breton había cuestionado en 1924.

La desunión de 1929-30 y los efectos de Un Cadavre tuvieron muy poco impacto negativo en el surrealismo tal y como lo veía Breton, ya que figuras centrales como Aragon, Crevel, Dalí y Buñuel se mantuvieron fieles a la idea de la acción de grupo, al menos por el momento. El éxito (o la polémica) de la película de Dalí y Buñuel L»Age d»Or en diciembre de 1930 tuvo un efecto regenerador, atrayendo a un buen número de nuevos reclutas y fomentando innumerables nuevos trabajos artísticos al año siguiente y durante toda la década de 1930.

Los surrealistas descontentos se pasaron a la revista Documents, dirigida por Georges Bataille, cuyo materialismo antiidealista formaba un surrealismo híbrido que pretendía exponer los bajos instintos del ser humano. Para consternación de muchos, Documents desapareció en 1931, justo cuando el surrealismo parecía cobrar más fuerza.

Tras este periodo de desunión se produjeron varias reconciliaciones, como entre Breton y Bataille, mientras que Aragon abandonó el grupo tras comprometerse con el Partido Comunista Francés en 1932. Más miembros fueron expulsados a lo largo de los años por diversas infracciones, tanto políticas como personales, mientras que otros se marcharon en busca de su propio estilo.

A finales de la Segunda Guerra Mundial, el grupo surrealista dirigido por André Breton decidió abrazar explícitamente el anarquismo. En 1952 Breton escribió: «Fue en el espejo negro del anarquismo donde el surrealismo se reconoció por primera vez». Breton fue coherente en su apoyo a la Federación Anarquista francófona y siguió ofreciendo su solidaridad después de que los plataformistas que apoyaban a Fontenis transformaran la FA en la Fédération Communiste Libertaire. Fue uno de los pocos intelectuales que siguió ofreciendo su apoyo a la FCL durante la guerra de Argelia, cuando la FCL sufrió una dura represión y se vio obligada a pasar a la clandestinidad. Protegió a Fontenis durante su clandestinidad. Se negó a tomar partido en las escisiones del movimiento anarquista francés y tanto él como Peret se solidarizaron también con la nueva Fédération anarchiste creada por los anarquistas sintesistas y trabajaron en los Comités Antifascistas de los años 60 junto a la FA.

A lo largo de la década de 1930, el surrealismo siguió haciéndose más visible para el gran público. En Londres se creó un grupo surrealista y, según Breton, su Exposición Surrealista Internacional de Londres de 1936 fue el punto álgido del periodo y se convirtió en el modelo de las exposiciones internacionales. En Birmingham se creó otro grupo surrealista inglés, que se distinguía por su oposición a los surrealistas londinenses y su preferencia por el surrealismo francés. Los dos grupos se reconciliarían más adelante en la década.

Dalí y Magritte crearon las imágenes más reconocidas del movimiento. Dalí se unió al grupo en 1929 y participó en el rápido establecimiento del estilo visual entre 1930 y 1935.

El surrealismo como movimiento visual había encontrado un método: exponer la verdad psicológica; despojar a los objetos ordinarios de su significado normal, para crear una imagen convincente que fuera más allá de la organización formal ordinaria, con el fin de evocar la empatía del espectador.

1931 fue un año en el que varios pintores surrealistas realizaron obras que marcaron puntos de inflexión en su evolución estilística: La voz del espacio (La Voix des airs) de Magritte es un ejemplo de este proceso, donde tres grandes esferas que representan campanas cuelgan sobre un paisaje. Otro paisaje surrealista de este mismo año es el Palacio promontorio (Palais promontoire) de Yves Tanguy, con sus formas fundidas y líquidas. Las formas líquidas se convierten en la marca de fábrica de Dalí, sobre todo en su La persistencia de la memoria, que presenta la imagen de relojes que se hunden como si se estuvieran derritiendo.

Las características de este estilo -una combinación de lo representativo, lo abstracto y lo psicológico- pasaron a representar la alienación que muchas personas sentían en la época moderna, combinada con la sensación de llegar más profundamente a la psique, de «completarse con la propia individualidad».

Entre 1930 y 1933, el Grupo Surrealista de París publicó la revista Le Surréalisme au service de la révolution como sucesora de La Révolution surréaliste.

De 1936 a 1938 se unieron al grupo Wolfgang Paalen, Gordon Onslow Ford y Roberto Matta. Paalen aportó el Fumage y Onslow Ford el Coulage como nuevas técnicas pictóricas automáticas.

Mucho después de que las tensiones personales, políticas y profesionales fragmentaran el grupo surrealista, Magritte y Dalí siguieron definiendo un programa visual en las artes. Este programa iba más allá de la pintura, abarcando también la fotografía, como puede verse en un autorretrato de Man Ray, cuyo uso del ensamblaje influyó en las cajas de collage de Robert Rauschenberg.

Durante la década de 1930, Peggy Guggenheim, importante coleccionista de arte estadounidense, se casó con Max Ernst y comenzó a promocionar la obra de otros surrealistas como Yves Tanguy y el artista británico John Tunnard.

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Segunda Guerra Mundial y posguerra

La Segunda Guerra Mundial causó estragos no sólo entre la población europea en general, sino especialmente entre los artistas y escritores europeos que se oponían al fascismo y al nazismo. Muchos artistas importantes huyeron a Norteamérica y a la relativa seguridad de Estados Unidos. La comunidad artística de Nueva York en particular ya estaba lidiando con las ideas surrealistas y varios artistas como Arshile Gorky, Jackson Pollock y Robert Motherwell convergieron estrechamente con los propios artistas surrealistas, aunque con cierto recelo y reservas. Las ideas sobre el inconsciente y las imágenes oníricas fueron rápidamente adoptadas. Hacia la Segunda Guerra Mundial, el gusto de la vanguardia estadounidense de Nueva York viró decisivamente hacia el Expresionismo Abstracto con el apoyo de los principales creadores del gusto, entre ellos Peggy Guggenheim, Leo Steinberg y Clement Greenberg. Sin embargo, no hay que olvidar fácilmente que el propio Expresionismo Abstracto surgió directamente del encuentro de artistas estadounidenses (sobre todo neoyorquinos) con surrealistas europeos autoexiliados durante la Segunda Guerra Mundial. En particular, Gorky y Paalen influyeron en el desarrollo de esta forma de arte estadounidense que, al igual que el surrealismo, celebraba el acto humano instantáneo como fuente de creatividad. Los primeros trabajos de muchos expresionistas abstractos revelan un estrecho vínculo entre los aspectos más superficiales de ambos movimientos, y la aparición (en una fecha posterior) de aspectos del humor dadaísta en artistas como Rauschenberg arroja una luz aún más cruda sobre la conexión. Hasta la aparición del Pop Art, se puede considerar que el Surrealismo fue la influencia más importante en el repentino crecimiento de las artes americanas, e incluso en el Pop se puede encontrar algo del humor manifestado en el Surrealismo, a menudo convertido en crítica cultural.

La Segunda Guerra Mundial ensombreció, durante un tiempo, casi toda la producción intelectual y artística. En 1939, Wolfgang Paalen fue el primero en abandonar París para exiliarse en el Nuevo Mundo. Tras un largo viaje por los bosques de la Columbia Británica, se instaló en México y fundó su influyente revista de arte Dyn. En 1940, Yves Tanguy se casa con la pintora surrealista estadounidense Kay Sage. En 1941, Breton se fue a Estados Unidos, donde cofundó la efímera revista VVV con Max Ernst, Marcel Duchamp y el artista norteamericano David Hare. Sin embargo, fue el poeta estadounidense Charles Henri Ford y su revista View quienes ofrecieron a Breton un canal para promover el surrealismo en Estados Unidos. El número especial de View sobre Duchamp fue crucial para la comprensión pública del surrealismo en América. En él se destacaban sus conexiones con los métodos surrealistas, se ofrecían interpretaciones de su obra por parte de Breton, así como la opinión de éste de que Duchamp representaba el puente entre los primeros movimientos modernos, como el futurismo y el cubismo, y el surrealismo. Wolfgang Paalen abandonó el grupo en 1942 por motivos políticos.

Aunque la guerra supuso un trastorno para el Surrealismo, las obras continuaron. Muchos artistas surrealistas siguieron explorando sus vocabularios, incluido Magritte. Muchos miembros del movimiento surrealista siguieron carteándose y reuniéndose. Aunque Dalí fuera excomulgado por Breton, no abandonó sus temas de los años treinta, incluidas las referencias a la «persistencia del tiempo» en un cuadro posterior, ni se convirtió en un pompier de la representación. Su periodo clásico no representó una ruptura tan brusca con el pasado como algunas descripciones de su obra podrían retratar, y algunos, como André Thirion, argumentaron que había obras suyas posteriores a este periodo que seguían teniendo cierta relevancia para el movimiento.

Durante la década de 1940, la influencia del Surrealismo también se dejó sentir en Inglaterra, América y los Países Bajos, donde Gertrude Pape y su marido Theo van Baaren contribuyeron a popularizarlo en su publicación El pañuelo limpio. Mark Rothko se interesó por las figuras biomórficas, y en Inglaterra Henry Moore, Lucian Freud, Francis Bacon y Paul Nash utilizaron o experimentaron con técnicas surrealistas. Sin embargo, Conroy Maddox, uno de los primeros surrealistas británicos cuya obra en este género databa de 1935, permaneció dentro del movimiento, y organizó una exposición de obra surrealista actual en 1978 en respuesta a una muestra anterior que le enfureció porque no representaba adecuadamente el surrealismo. La exposición de Maddox, titulada Surrealism Unlimited, se celebró en París y atrajo la atención internacional. Celebró su última exposición individual en 2002 y murió tres años después. La obra de Magritte se volvió más realista en su representación de objetos reales, aunque manteniendo el elemento de yuxtaposición, como en Les Valeurs Personnelles (Los valores personales), de 1951, y L»Empire des lumières (El imperio de las luces), de 1954. Magritte siguió produciendo obras que han entrado en el vocabulario artístico, como El castillo de los Pirineos (Le Château des Pyrénées), que remite a Voix de 1931, en su suspensión sobre un paisaje.

Otras figuras del movimiento surrealista fueron expulsadas. Varios de estos artistas, como Roberto Matta (según su propia descripción) «permanecieron próximos al surrealismo».

Tras el aplastamiento de la Revolución húngara de 1956, Endre Rozsda regresó a París para seguir creando su propia palabra que había trascendido el surrealismo. El prefacio de su primera exposición en la Galería Furstenberg (1957) fue escrito todavía por Breton.

Muchos artistas nuevos retomaron explícitamente la bandera surrealista. Dorothea Tanning y Louise Bourgeois siguieron trabajando, por ejemplo, con Rainy Day Canape de Tanning, de 1970. Duchamp siguió produciendo esculturas en secreto, incluida una instalación con la representación realista de una mujer que sólo podía verse a través de una mirilla.

Breton siguió escribiendo y defendiendo la importancia de liberar la mente humana, como con la publicación de La Torre de la Luz en 1952. El regreso de Breton a Francia tras la guerra inició una nueva fase de actividad surrealista en París, y sus críticas al racionalismo y al dualismo encontraron un nuevo público. Breton insistía en que el surrealismo era una revuelta continua contra la reducción de la humanidad a las relaciones de mercado, los gestos religiosos y la miseria, y para propugnar la importancia de liberar la mente humana.

Grandes exposiciones de los años 40, 50 y 60

En la década de 1960, los artistas y escritores asociados a la Internacional Situacionista estaban estrechamente relacionados con el surrealismo. Mientras Guy Debord criticaba y se distanciaba del Surrealismo, otros, como Asger Jorn, utilizaban explícitamente técnicas y métodos surrealistas. Los acontecimientos de mayo de 1968 en Francia incluyeron una serie de ideas surrealistas, y entre los eslóganes que los estudiantes pintaron con spray en las paredes de la Sorbona había eslóganes surrealistas conocidos. Joan Miró lo recordaría en un cuadro titulado Mayo del 68. También hubo grupos que se asociaron a ambas corrientes y se mostraron más apegados al Surrealismo, como el Grupo Surrealista Revolucionario.

Durante la década de 1980, tras el Telón de Acero, el surrealismo volvió a entrar en política con un movimiento clandestino de oposición artística conocido como la Alternativa Naranja. La Alternativa Naranja fue creada en 1981 por Waldemar Fydrych (alias «Major»), licenciado en Historia e Historia del Arte por la Universidad de Wrocław. Utilizaban simbología y terminología surrealistas en sus happenings a gran escala organizados en las principales ciudades polacas durante el régimen de Jaruzelski, y pintaban grafitis surrealistas en las manchas que cubrían los eslóganes contra el régimen. El propio Major fue el autor de un «Manifiesto del Surrealismo Socialista». En este manifiesto afirmaba que el sistema socialista (comunista) se había vuelto tan surrealista que podía considerarse una expresión del arte en sí mismo.

El arte surrealista también sigue siendo popular entre los visitantes de museos. El Museo Guggenheim de Nueva York organizó en 1999 una exposición titulada Dos ojos privados, y en 2001 la Tate Modern acogió una muestra de arte surrealista que atrajo a más de 170.000 visitantes. En 2002, el Met de Nueva York organizó la exposición Desire Unbound, y el Centro Georges Pompidou de París, La Révolution surréaliste.

Los grupos surrealistas y las publicaciones literarias han seguido activos hasta nuestros días, con grupos como el Grupo Surrealista de Chicago, el Grupo Surrealista de Leeds y el Grupo Surrealista de Estocolmo. Jan Švankmajer, de los surrealistas checoeslovacos, sigue haciendo películas y experimentando con objetos.

Aunque el surrealismo suele asociarse a las artes, ha influido en muchos otros campos. En este sentido, el surrealismo no se refiere específicamente sólo a los «surrealistas» autoidentificados o a los sancionados por Breton, sino a toda una serie de actos creativos de rebeldía y esfuerzos por liberar la imaginación. Además de que la teoría surrealista se basa en las ideas de Hegel, Marx y Freud, para sus defensores su dinámica inherente es el pensamiento dialéctico. Los artistas surrealistas también han citado como influencias a los alquimistas, Dante, Hieronymus Bosch, Charles Fourier, Comte de Lautréamont y Arthur Rimbaud.

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Mayo del 68

Los surrealistas creen que las culturas no occidentales también proporcionan una fuente continua de inspiración para la actividad surrealista porque algunas pueden inducir al vuelo un mejor equilibrio entre la razón instrumental y la imaginación que la cultura occidental. El surrealismo ha tenido un impacto identificable en la política radical y revolucionaria, tanto directamente -como en el caso de algunos surrealistas que se unieron o aliaron con grupos, movimientos y partidos políticos radicales- como indirectamente -por la forma en que los surrealistas subrayan el vínculo íntimo entre la liberación de la imaginación y la mente, y la liberación de estructuras sociales represivas y arcaicas. Esto fue especialmente visible en la Nueva Izquierda de los años sesenta y setenta y en la revuelta francesa de mayo de 1968, cuyo lema «Todo el poder a la imaginación» citaron Los Situacionistas y Enragés a partir de la teoría y la praxis originalmente marxistas «Rêvé-lutionary» del grupo surrealista francés de Breton.

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Postmodernismo y cultura popular

Muchos movimientos literarios importantes de la última mitad del siglo XX se vieron influidos directa o indirectamente por el Surrealismo. Este periodo se conoce como la era posmoderna; aunque no existe una definición central de posmodernismo ampliamente consensuada, muchos temas y técnicas comúnmente identificados como posmodernos son casi idénticos al surrealismo.

First Papers of Surrealism presentó a los padres del surrealismo en una exposición que supuso el principal paso monumental de las vanguardias hacia el arte de la instalación. Muchos escritores de la Generación Beat y relacionados con ella recibieron una gran influencia de los surrealistas. Philip Lamantia suele ser considerado a la vez escritor Beat y surrealista. Muchos otros escritores Beat muestran evidencias significativas de la influencia surrealista. Algunos ejemplos son Bob Kaufman, Allen Ginsberg, Artaud en particular fue muy influyente para muchos de los Beat, pero especialmente para Ginsberg y Carl Solomon. Ginsberg cita «Van Gogh – El hombre suicidado por la sociedad» de Artaud como influencia directa en «Aullido», «Oda a Walt Whitman» de García Lorca y «Priimiititiii» de Schwitters. La estructura de «Unión libre» de Breton influyó notablemente en «Kaddish» de Ginsberg. En París, Ginsberg y Corso conocieron a sus héroes Tristan Tzara, Marcel Duchamp, Man Ray y Benjamin Péret, y para mostrar su admiración Ginsberg besó los pies de Duchamp y Corso cortó la corbata de Duchamp.

William S. Burroughs, miembro fundamental de la Generación Beat y novelista posmoderno, desarrolló la técnica del cut-up con el antiguo surrealista Brion Gysin -en la que se utiliza el azar para dictar la composición de un texto a partir de palabras recortadas de otras fuentes-, refiriéndose a ella como la «Alondra Surrealista» y reconociendo su deuda con las técnicas de Tristan Tzara.

El novelista posmoderno Thomas Pynchon, que también se vio influido por la ficción Beat, experimentó desde los años sesenta con la idea surrealista de las yuxtaposiciones sorprendentes; al comentar la «necesidad de manejar este procedimiento con cierto grado de cuidado y habilidad», añadió que «no sirve cualquier vieja combinación de detalles». Spike Jones Jr., cuyas grabaciones orquestales de padre tuvieron un efecto profundo e indeleble en mí cuando era niño, dijo una vez en una entrevista: «Una de las cosas que la gente no se da cuenta sobre el tipo de música de papá es que, cuando sustituyes un do sostenido por un disparo, tiene que ser un disparo en do sostenido o suena horrible»».

Muchos otros escritores de ficción posmoderna se han visto directamente influidos por el surrealismo. Paul Auster, por ejemplo, ha traducido poesía surrealista y ha declarado que los surrealistas fueron «un verdadero descubrimiento» para él. Salman Rushdie, cuando fue calificado de realista mágico, dijo que en cambio veía su obra «aliada con el surrealismo». David Lynch, considerado un cineasta surrealista, fue citado diciendo: «David Lynch ha vuelto a alzarse como paladín del surrealismo», a propósito de su programa Twin Peaks. En la obra de otros postmodernistas, como Donald Barthelme, es habitual la comparación con el surrealismo.

El realismo mágico, una técnica popular entre los novelistas de la segunda mitad del siglo XX, especialmente entre los escritores latinoamericanos, tiene algunas similitudes obvias con el surrealismo, con su yuxtaposición de lo normal y lo onírico, como en la obra de Gabriel García Márquez. Carlos Fuentes se inspiró en la voz revolucionaria de la poesía surrealista y señala la inspiración que Breton y Artaud encontraron en la tierra natal de Fuentes, México. Aunque el Surrealismo ejerció una influencia directa sobre el Realismo Mágico en sus primeras etapas, muchos escritores y críticos del Realismo Mágico, como Amaryll Chanady, si bien reconocen las similitudes, citan las muchas diferencias oscurecidas por la comparación directa del Realismo Mágico y el Surrealismo, como el interés por la psicología y los artefactos de la cultura europea que, según ellos, no están presentes en el Realismo Mágico. Un ejemplo destacado de escritor realista mágico que señala al surrealismo como una de sus primeras influencias es Alejo Carpentier, quien también criticó posteriormente la delimitación del surrealismo entre lo real y lo irreal por no representar la verdadera experiencia sudamericana.

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Grupos surrealistas

Individuos y grupos surrealistas han continuado con el surrealismo tras la muerte de André Breton en 1966. El Grupo Surrealista de París original fue disuelto por su miembro Jean Schuster en 1969, pero posteriormente se formó otro grupo surrealista parisino. El actual Grupo Surrealista de París ha publicado recientemente el primer número de su nueva revista, Alcheringa. El Grupo de Surrealistas Checo-Eslovacos nunca se disolvió, y sigue publicando su revista Analogon, que cuenta ya con 80 volúmenes.

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Surrealismo y teatro

El teatro surrealista y el «Teatro de la crueldad» de Artaud sirvieron de inspiración a muchos de los integrantes del grupo de dramaturgos que el crítico Martin Esslin denominó «Teatro del absurdo» (en su libro homónimo de 1963). Aunque no se trataba de un movimiento organizado, Esslin agrupó a estos dramaturgos basándose en ciertas similitudes temáticas y técnicas; Esslin sostiene que estas similitudes pueden atribuirse a la influencia de los surrealistas. Eugène Ionesco, en particular, era aficionado al surrealismo y llegó a afirmar que Breton era uno de los pensadores más importantes de la historia. Samuel Beckett también era aficionado a los surrealistas, e incluso tradujo gran parte de su poesía al inglés. Otros dramaturgos notables a los que Esslin agrupa bajo el término, por ejemplo Arthur Adamov y Fernando Arrabal, fueron en algún momento miembros del grupo surrealista.

Alice Farley es una artista nacida en Estados Unidos que empezó a trabajar en la década de 1970 en San Francisco tras formarse en danza en el Instituto de las Artes de California. Farley utiliza un vestuario vívido y elaborado que describe como «vehículos de transformación capaces de hacer visibles los pensamientos de un personaje». Colaborando a menudo con músicos como Henry Threadgill, Farley explora el papel de la improvisación en la danza, aportando un aspecto automático a las producciones. Farley ha actuado en varias colaboraciones surrealistas, incluida la Exposición Mundial Surrealista de Chicago en 1976.

A veces se reivindica a varios artistas mucho más antiguos como precursores del Surrealismo. Entre ellos destacan Hieronymus Bosch y Giuseppe Arcimboldo, a quien Dalí llamó el «padre del Surrealismo». Aparte de sus seguidores, otros artistas que pueden mencionarse en este contexto son Joos de Momper, por algunos paisajes antropomórficos. Muchos críticos consideran que estas obras pertenecen al arte fantástico más que tener una conexión significativa con el Surrealismo.

André Breton

Otras fuentes

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Poesía surrealista

Fuentes

1. Surrealism
2. Surrealismo
3. ^ Barnes, Rachel (2001). The 20th-Century art book (Reprinted. ed.). London: Phaidon Press. ISBN 978-0-7148-3542-6.
4. Superrealismo y superrealista son términos más apropiados en castellano, y como tal los recomienda la RAE en su diccionario, pues el prefijo sur- no existe en esta lengua; sin embargo, el uso ha impuesto las formas surrealismo y surrealista (que también recoge el DRAE, aunque remitiendo a las formas con prefijo sobre-).
5. a b «Surrealism». The Metropolitan Museum of Art. Consultado el 3 de mayo de 2020.
6. The 20th-Century art book (Reprinted. ed.). London: Phaidon Press. ISBN 978-0714835426.
7. a b Breton (1896-1966), André (1924). Manifeste du surréalisme. Consultado el 3 de mayo de 2020.
8. a b The Real World of the Surrealists. New York: Galley Press / W.H.Smith Publishers, 1978.
9. André Breton cité par Jacques Michon, « Surréalisme et modernité », Études françaises, volume 11, numéro 2, mai 1975, p. 121 (lire en ligne).
10. André Breton, « Manifeste du surréalisme », in Œuvres complètes, tome 1, Gallimard, coll. « Bibliothèque de La Pléiade », 1924, Paris, 1987, p. 328.
11. Roselee Goldberg, coll. « L»Univers de l»art », Thames & Hudson (ISBN 978-2-87811-380-8), chap.e 4 : « Le surréalisme : Apollinaire et Cocteau ».
12. Roselee Goldberg (trad. de l»anglais), La Performance. Du futurisme à nos jours, Chapitre 4 Le surréalisme. De dada au surréalisme, Thames & Hudson, coll. « L»Univers de l»art » (no 89), 2012, 256 p. (ISBN 978-2-87811-380-8)
13. Keysers Grosses Stil-Lexikon Europa. 780 bis 1980. Keysersche Verlagsbuchhandlung, München 1982, ISBN 3-87405-150-1, S. 482. – Die umfassende Charakterisierung als geistige Bewegung, Lebenshaltung, Lebenskunst findet sich u. a. bei: Anja Tippner: Die permanente Avantgarde?: Surrealismus in Prag. Köln/Weimar 2009, S. 80 u. S. 267. – Ähnliches findet sich auch bei Walter Mönch: Frankreichs Kultur: Tradition und Revolte. Von der Klassik bis zum Surrealismus. Berlin/New York 1972, S. 683 ff.
14. a b Duden, Universalwörterbuch: surreal, traumhaft-unwirklich. Surrealismus, frz. surréalisme, aus sur (von lat. super) = über und réalisme = Realismus
15. Uwe. M. Schneede: Die Kunst des Surrealismus. S. 215. – Vgl. auch Nathalia Brodskaja: Surrealismus. New York 2012, S. 48 ff.