Alexander Archipenko

gigatos | 5 syyskuun, 2022

Yhteenveto

Alexander Porfyrovych Archipenko oli ukrainalaissyntyinen yhdysvaltalainen kuvanveistäjä, joka syntyi Kiovassa 30. toukokuuta 1887 ja kuoli New Yorkissa 25. helmikuuta 1964.

Insinöörin poika Alexander Archipenko opiskeli myös matematiikkaa. Taiteen ja tieteen välinen suhde kiehtoi taiteilijaa. Hän opiskeli maalausta ja kuvanveistoa Kiovassa ja Moskovassa vuosina 1902-1906. Tänä aikana hän innostui Kiovan bysanttilaisista ikoneista, freskoista ja mosaiikeista. Moskovassa oleskeltuaan hän muutti Pariisiin vuonna 1908, jossa hän tuli kosketuksiin avantgardististen liikkeiden, erityisesti kubistiryhmän kanssa. Hän asettui asumaan La Rucheen, 2, passage de Dantzig, joka oli vuoden 1889 maailmannäyttelyn entinen viinipaviljonki, joka oli muutettu taiteilijoiden työhuoneiksi. Hän työskenteli yksin ja opiskeli mieluummin Louvressa arkaaista kreikkalaista kuvanveistoa kuin Beaux-Artsissa, jossa hän halveksi akateemista opetusta. Taiteilija oli jo moittinut opettajiaan Kiovan taidekoulussa, jotka lopulta erottivat hänet. Rodin vaikutti häneen aina Moskovassa vuonna 1906 esiteltyihin teoksiinsa asti, ja 24-vuotiaana hän nousi yhdeksi Pariisin avantgardistisen kuvanveiston johtajista.

Vuonna 1910 hän osallistui Pariisin Salon des indépendants -näyttelyyn. Perjantaina 21. huhtikuuta 1911 Albert Gleizesin, Jean Metzingerin, Robert Delaunayn, Henri Le Fauconnier”n, André Lhoten, Joseph Csakyn ja Archipenkon teoksia arvosteltiin 27. Salon des indépendants -näyttelyssä yhtä kiihkeästi kuin Fauve-näyttelyssä. Jopa Guillaume Apollinaire oli hämmentynyt tästä näyttelystä, jota pidettiin ”mestarikuutioina”. Heitä moitittiin kubismin poikkeavuudesta, karikatyyrisyydestä ja jopa antiakateemisuudesta. Picasson ja Braquen (jotka osallistuivat näyttelyyn yksinomaan Daniel-Henry Kahnweilerin galleriassa) poissaoloa tästä näyttelystä pahoiteltiin.

Hänen ensimmäinen yksityisnäyttelynsä järjestettiin Saksassa Folkwang Hagenin museossa vuonna 1912. Samana vuonna hän avasi taidekoulun Pariisissa ja liittyi Section d”Or -järjestöön ja teki ensimmäiset reliefimaalauksensa: veistosmaalaukset. Lokakuussa 1912 Galerie de la Boétie -galleriassa järjestettiin Section d”Or -ryhmän ensimmäinen näyttely, johon osallistuivat Léger, Gleizes, Metzinger, Gris, Marcel Duchamp, Raymond Duchamp-Villon, Jacques Villon, Lhote, La Fresnaye, Marcoussis ja Archipenko. Kolmekymmentäyksi taiteilijaa ja kaksisataa maalausta ilman Picassoa. Näyttely on luonteeltaan didaktinen: kubismi siirtyi teoreettiseen vaiheeseen neljä vuotta syntymänsä jälkeen. Section d”Or -ryhmän näyttely herätti kovaa kritiikkiä näitä vallankumouksellisia teoksia kohtaan: Apollinaire puolusti niitä L”Intransigeant -lehden kolumneissaan tai luetteloiden esipuheissa.

Vuonna 1913 neljä hänen teoksistaan oli esillä New Yorkin Armory Show”ssa. Hän teki ensimmäiset kaiverruksensa, jotka julkaistiin italialaisessa futuristisessa Lacerba-julkaisussa vuonna 1914. Hän osallistui Salon des Indépendantsiin vuonna 1914 ja Venetsian biennaaliin vuonna 1920. Sotavuosina taiteilija asui Cimiezissä lähellä Nizzaa. Vuosina 1919-1921 hän matkusti Geneveen, Zürichiin, Pariisiin, Lontooseen, Brysseliin, Ateenaan ja muihin Euroopan kaupunkeihin pitämään näyttelyitä. Hänen ensimmäinen yksityisnäyttelynsä Yhdysvalloissa järjestettiin vuonna 1921 New Yorkissa Société Anonyme -yhdistyksessä. Vuonna 1923 hän lähti Berliinistä Yhdysvaltoihin, jossa hän avasi vuosien mittaan useita taidekouluja New Yorkissa, Woodstockissa, Los Angelesissa ja Chicagossa. Seuraavat kolmekymmentä vuotta hän opetti Yhdysvalloissa taidekouluissa ja yliopistoissa, jopa lyhytaikaisessa New Bauhausissa. Hänestä tuli Yhdysvaltain kansalainen vuonna 1928.

Vuonna 1933 hän oli esillä Ukrainan paviljongissa Chicagossa osana Century of Progress -maailmannäyttelyä. Vuosina 1937-1939 hän oli apulaisopettajana New Bauhaus School of Industrial Arts -koulussa Chicagossa. Natsit takavarikoivat suurimman osan taiteilijan teoksista saksalaisissa museoissa tarkoituksenaan puhdistaa rappeutunut taide. Vuonna 1947 hän loi veistoksia, jotka valaistiin sisältäpäin. Hän saattoi työnsä kiertävän näyttelyn Saksaan vuosina 1955 ja 1956. Hän alkoi kirjoittaa kirjaa Archipenko: 50 vuotta luomista 1908-1958, joka julkaistiin vuonna 1960. Kirja sisältää viidenkymmenen taidehistorioitsijan puheenvuorot ja Arkkitehti Arkkitehin tekstejä taiteellisesta luomisesta. Hänet valittiin American Academy of Arts and Lettersin jäseneksi vuonna 1962.

Archipenkon mielestä ”taiteilijan työtä on vaikea luokitella aikakausiin”. Hän lisää: ”En ole koskaan kuulunut kouluihin: minut erotettiin kouluista. Tein tutkimusta, keksin ja kokeilin, sitten minua jäljiteltiin… Jokaiselle taiteilijalle taide on luova nousuvirta kohti yksilöllistä totuuden löytämistä luonnonmuodoissa, ja ajanjaksot ovat vain laatikoita kriitikoiden mielissä.

Arkhipenkon mukaan kuvanveiston ongelmana on tilavuus ja massojen liittäminen toisiinsa. Tässä hän on vielä äärimmäisempi kuin modernit kuvanveistäjät, kuten Brancusi tai Duchamp-Villon, jotka kuuluvat hänen tavoin Kultainen leikkaus -ryhmään. Hänen pääkysymyksensä on tyhjyys, jolla on poissaolevan esineen voima ja joka siten luo tilavuutta. Hänen veistoksensa periaatteita ovat yksinkertaistaminen ja volyymien ilmeisyys samalla kun figuratiivisuus säilyy. Hänen taiteessaan, jolle on ominaista suuri matemaattinen tarkkuus, naisvartalolle annetaan hallitseva asema. Hän muistelee mielellään muinaisten slaavien kivijumalien kaikkialle ulottuvaa läsnäoloa lapsuudessaan.

Picasso oli kehittänyt tämän veistoksellisen kieliopin ensimmäiset säännöt: monivärisyys, mitä erilaisimpien materiaalien yhdistäminen, tasojen rytmikäs käyttö ja avointen muotojen esiintyminen. Kuten maalaustaiteessa, myös kubistisessa veistoksessa keskitytään pääasiassa esineiden ja tilan väliseen suhteeseen, tilavuuksiin ja tyhjiöihin, jotka erottavat esineet toisistaan tai joihin ne on sijoitettu. Italialaisen futurismin vaikutus, erityisesti Boccionin kautta, jonka Archipenko tapasi vuonna 1912, johti dynaamisten muotojen muodostumiseen. Archipenko tutki erityisesti koverien ja kuperien muotojen dialektiikkaa.

Hän kehitti persoonallisen tyylin, jossa stereometrisesti yksinkertaistetut vartalomassat, tilallisesti pystyssä olevat hahmot, viistot muodot, terävät kulmat, kiteiset murtumat ovat peräisin kubismin muotokirjosta, ja hän sai vaikutteita myös manierismista.

Boccionia lukuun ottamatta yksikään kuvanveistäjä ei ole esittänyt tilan analyysia, tämän vuosikymmenen keskeistä ongelmaa, absoluuttisena. Yksikään taiteilija ei ole vienyt tilavuuden ja tyhjyyden vuorovaikutusta niin henkilökohtaisella tavalla kohti ekspressiivistä ja lyyristä, dynaamista ja patsastelevaa aluetta. Hän on onnistunut yhdistämään muodollisen ankaruuden ja leikkisän vetovoiman. Hän on yhdistänyt yhteen muotoon neljä vaikeasti lähestyttävää elementtiä: tilan, läpinäkyvyyden, valon ja heijastuksen, ja tuloksena on moderni veistos, jonka muoto on kovera.

Torso (1909) on hänen ensimmäinen kubistisia piirteitä sisältävä veistoksensa. Se osoittaa, miten hän hajottaa tilavuudet ja lävistää ne saadakseen tilan tunkeutumaan.

Vuonna 1909 ja sitä seuraavana vuonna hän ei vielä tiennyt mitään kubismista, ja Barlachin tai Köllwitzin taitetut veistokset (Nainen ja kissa vuonna 1910 tai Nainen ja kissa vuonna 1911) innoittivat häntä. Vuosina 1911-12 ne avautuivat, ja hänen paisuneissa reisissään ja käsivarsissaan voi aistia kubistisen vaikutuksen tai päinvastoin etiikan (Nainen kävelee vuonna 1912). Vuodesta 1911 lähtien hän osallistui aktiivisesti kubistiseen liikkeeseen. Muoviset ongelmat, joita hänen veistoksissaan tuolloin käsiteltiin, olivat ehdottomasti uusia: täydet tilavuudet, onttojen tilavuuksien ja onttojen tilavuuksien välinen suhde. Hän halusi symboloida ”poissaolevaa todellisuutta”. Vuonna 1912 julkaistussa Femme qui marche -elokuvassa hän säästeli ensimmäistä kertaa päätä negatiivissa. Vuonna 1912 hän määritteli lempiaiheensa: kehon ja tilan läpileikkautuminen, koverien ja kuperien käyrien kehittäminen niin, että veistoksellisesta muodosta tulee jollain tavalla havaittavissa oleva sen matriisin kautta. Hän kehittää oman teoriansa täydentävistä muodoista: jokainen tyhjiö synnyttää kuvitteellisen vastakohtansa.

Vuonna 1912 valmistuneella Medranolla hän loi ensimmäisen assemblaasinsa erilaisista maalatuista materiaaleista (lasi, puu ja metalli). Jatkuvassa taiteellisessa tutkimustyössä hän kehitti uusia luomismenetelmiä ja loi vuorovaikutuksen maalauksen ja kuvanveiston välille. Medrano I Le Jongleur -teoksessa vuonna 1912 hän käytti puuta, lasia ja metallilankaa. Medrano on puisia harlekineja muistuttavia, nivellettyjä nukkeja, joissa on käytetty lasia, metallifoliota, lankaa, lieriömäisiä kartioita ja levyjä, jotka on energisoitu monivärisellä maalilla. Tämän muodon vapauttamisen myötä Aršipenko irtautui perinteisestä kuvanveistosta ja vakiinnutti asemansa yhtenä avantgarden mestareista. Hän herätti henkiin 1600-luvulta lähtien länsimaisessa kuvanveistossa laiminlyödyn tyylilajin, polykromian.

Hänen vuonna 1912 tekemänsä veistosmaalaukset ovat maalattuja kipsireliefejä. Maalauksen ja kuvanveiston välillä hän tutki muodon ja värin vastavuoroista suhdetta, jossa toinen korostaa tai vähentää toista. Nämä kaksi taidetta yhdistetään tai asetetaan vastakkain visuaalisella ja henkisellä tasolla tavoitteesta riippuen.

Vuosina 1913-1916 muoto hallitsi todellisuutta. Vuonna 1912 valmistuneessa teoksessa The Dance (Tanssi) hän määritteli pariskunnan muodostaman arabeskin avulla nousevan sisätilan, joka on täynnä keveyttä. Hän järjesti tämän veistoksen tyhjiön ympärille. Tässä tyhjyyttä ja täyteyttä käsittelevässä teoksessa hän varoi viimeistelemästä ruumiita, joiden raajat hän pysäytti, kun plastisuus käski niin tehdä, tuomalla tyhjyyden sidosryhmäksi, kuten teoksessa Nainen vuonna 1915, jonka pää on piirretty aukon ympärille.

Vuonna 1913 hän loi lankaveistoksen, jota Apollinaire kutsui nimellä ”en baleine de parapluie”. Myöhemmin hänen kubismikäsityksensä kääntyy kohti konstruktivismia.

Vuonna 1913 julkaistussa La Boxe -teoksessa taiteilija yritti kääntää urheilun raa”an energian abstrakteihin muotoihin. Nyrkkeilijät pelkistyvät teräviksi muodoiksi, jotka kietoutuvat toisiinsa ja törmäävät rajusti, lihakset korvautuvat rytmisellä energialla.

Tête constructiviste (1913) on tehty tasojen yhdistelmästä. The Gondolier (1914) on koostettu hiukan siirretyistä osista, jotta futuristisessa perspektiivissä syntyisi liikkeen tuntu. Still Life (1915) on myös yksi harvinaisista maalauksistaan, joka on tehty kohokuvana.

Kun hän saapui Yhdysvaltoihin 1920-luvun alussa, hän omaksui perinteen: sileys vallitsee, täydellinen ja rento. Femme (1920) -teoksessaan hän palasi välittömästi kuvanveistoon, jossa hän esitteli maalatulla paneelilla olevan korkean metallihahmon. Hänestä tuli perinteinen.

Vuosina 1924-1928 hän kehitti Archipenturan.  Vuoden 1924 archipeintura on kankaita, jotka on asetettu liikkeelle taitavasti kätkettyjen moottoreiden avulla: laitteen pohjassa oleva sähköinen mekanismi laittaa keskikehyksen liikkeelle, ja tuhannet maalatut fragmentit ilmestyvät pinnalle peräkkäin muodostaen kokonaisen kuvan. Tämä keksintö toteutettiin New Yorkissa. Hänen tutkimuskohteenaan on aina ollut teostensa visuaalinen elävöittäminen joko lävistämällä ne massaan niin, että tila tunkeutuu niihin, tai käyttämällä materiaaleja, kuten lasia, puuta tai metallia, ja jopa lisäämällä niihin väriä.

En Famille (1935) on konstruktivismista vaikutteita saanut keskittynyt teos.

Kahdessa ulottuvuudessa on myös poikkeuksellisia teoksia, kuten tämä guassilla maalattu naishahmo, jonka vuorottelevat ruskeat ja valkoiset massat luovat vartalon reliefin (Moonlight in 1937).

1940- ja 50-luvuilla hän jatkoi taiteellisia tutkimuksiaan materiaalien ja tekniikoiden avulla. Hän käytti esimerkiksi kuva-assiseen leikattua ja valaistua muovia. Hän jatkoi alkuperäisiä muotojaan, joista suurin osa oli jo kadonnut, jättimäisissä muodoissa (Figures d”acier vuonna 1951, Cléopâtre vuonna 1957). 1950-luvulla hän ymmärsi, että hän oli tehnyt virheen suuntautumisessaan jonkin aikaa, ja ryhtyi pastissoimaan tai rekonstruoimaan alkuaikojaan, sillä monet hänen teoksistaan eivät selvinneet ensimmäisestä maailmansodasta.

1950-luvun lopusta lähtien hän palasi kubistis-konstruktivistiseen tyyliinsä, jossa on hyvin geometrisia, merkittävät tyhjätilat säilyttäviä ja useimmiten symmetrisiä hahmoja (Kimono vuonna 1961 tai Roi Salomon vuonna 1963).

Lue myös, elamakerrat – Muhammad Ali

Ulkoiset linkit

lähteet

1. Alexander Archipenko
2. Alexander Archipenko
3. ^ ”Alexander Archipenko”. Retrieved 27 July 2022.
4. ^ Donald H. Karshan, Archipenko, Content and Continuity 1908–1963, Kovlan Gallery, Chicago, 1968. p. 40.
5. ^ Halich, W. (1937) Ukrainians in the United States, Chicago ISBN 0-405-00552-0
6. ^ ”Deceased Members”. American Academy of Arts and Letters. Archived from the original on 26 July 2011. Retrieved July 30, 2011.
7. https://www.collectienederland.nl/dimcon/defundatie/1998
8. a b Integrált katalógustár. (Hozzáférés: 2014. április 26.)
9. a b SNAC (angol nyelven). (Hozzáférés: 2017. október 9.)
10. Integrált katalógustár. (Hozzáférés: 2014. december 11.)