Barnett Newman
gigatos | 22 tammikuun, 2022
Yhteenveto
Barnett Newman (29. tammikuuta 1905, New York – 4. heinäkuuta 1970, New York) oli yhdysvaltalainen taidemaalari. Hän on yksi abstraktin ekspressionismin tärkeimmistä edustajista ja yksi ensimmäisistä värikenttämaalauksen maalareista.
Lue myös, historia-fi – Surrealismi
Lapsuus
Barnett Newman syntyi perheensä kotona osoitteessa 480 Cherry Street Manhattanin Lower East Sidella New Yorkissa 29. tammikuuta 1905. Hänen vanhempansa Abraham ja Anna (syntyneet vuosina 1874 ja 1882) olivat juutalaisia maahanmuuttajia puolalaisesta Lomzan kaupungista.
Isä sai elantonsa myymällä ompelukoneen osia vaatetehtaan työntekijöille. Barnett Newmanilla oli neljä sisarusta. Vanhin kuoli lapsena, joten Barnett oli sisaruksista vanhin. Abraham Newman perusti teollisuusvaateliikkeen. Hänen yrityksensä menestyi hyvin, ja vuoteen 1915 mennessä Newmanin perhe muutti Belmont Avenuelle, Bronxin keskiluokkaiseen kaupunginosaan. Siellä Barnett nautti lapsuudestaan, joka oli täynnä urheilua ja pianotunteja.
Newmanit olivat sionisteja, ja lapset kävivät Bronxissa sijaitsevaa kansallista heprealaista koulua. Koulun oppituntien lisäksi lapset saavat kotonaan opetusta nuorilta eurooppalaisilta juutalaisilta.
Lue myös, elamakerrat – Edvard V
Nuoruusikä
Vuosina 1919-1923 Barnett Newman opiskeli DeWitt Clintonin lukiossa. Newman kertoi myöhemmin, että hän lintsasi säännöllisesti koulusta viihdyttääkseen läheisessä Metropolitan Museum of Artissa.
Ensimmäisenä lukiovuotenaan Newman etsi itselleen toista nimeä, josta tuli Benedict, joka oli johdos hänen hepreankielisestä nimestään Baruch. Myöhemmin häntä kutsuttiin nimellä ”Barney” ja sitten ”B.B.”. Newman käytti allekirjoituksessaan ylimääräistä B-kirjainta, jota hän käytti loppuelämänsä ajan kaikissa virallisissa asiakirjoissaan.
Lukiossa Newman työskenteli piirustusten parissa kuusi päivää viikossa Art Students League -ylioppilaskoulun tunneilla. Hänet palkittiin, kun hänen paljon työtä vaatinut piirustuksensa valittiin parhaiden opiskelijatöiden näyttelyssä.
Tässä koulussa Newman tapasi vuosina 1923-1927 Adolph Gottliebin, joka oli jo aloittanut taiteilijaelämänsä, sillä Gottlieb oli keskeyttänyt lukion vuonna 1921 opiskellakseen taidetta ja vieraillakseen Euroopassa. Heistä tuli ystäviä ja he vierailivat säännöllisesti Metropolitan Museum of Artissa.
Lukion jälkeen Newman kirjoittautui New Yorkin yliopistoon, jossa hän opiskeli filosofiaa. Hän kirjoitti artikkeleita koulun sanomalehteen The Campus ja opiskelijoiden kirjallisuuslehteen The Lavander. Hän julkaisi esimerkiksi arvostelun Roger Fryn teoksesta. Opiskeluaikana hän ystävystyi Aaron Siskindin kanssa, taiteilijan, josta tuli myöhemmin tunnettu valokuvaaja.
1930-luvulla hän maalasi ekspressionistisiksi sanottuja teoksia, mutta tuhosi ne kaikki. Sen jälkeen hänestä tuli kirjailija ja taidekriitikko, joka järjesti näyttelyitä ja kirjoitti näyttelyluetteloiden esipuheita. Myöhemmin hänestä tuli Uptown Groupin jäsen.
Lue myös, elamakerrat – Edwin Hubble
Yliopiston jälkeen
Vuonna 1927 Newmanin isä tarjosi hänelle mahdollisuutta liittyä perheen kukoistavaan yritykseen, jotta hän voisi säästää rahaa taiteilijan epävarmaa tulevaisuutta varten. Barnett Newman suostui, ja yksi hänen veljistään liittyi hänen seuraansa.
Vuonna 1929, kun pörssi romahtaa lokakuussa, perheen vaateyritys on kriisissä. Kun hänen veljensä jätti yrityksen, Barnett Newman jäi auttamaan isäänsä yrityksen pelastamisessa. Mutta liiketoiminta romahtaa edelleen. Barnett jätti yrityksen ja yritti ryhtyä taideopettajaksi New Yorkin julkiseen koulujärjestelmään. Hänestä tuli kuvataideopettajan sijainen, joka tienasi 7,50 dollaria päivässä.
Ystävänsä Gottliebin kautta hän tapasi 1930-luvulla taidemaalari Milton Averyn. Heistä tuli nuorten taiteilijoiden ryhmän keskus, joka kokoontui usein Milton Averyn luona opiskelemaan heidän töitään ja keskustelemaan kirjallisuudesta. Newman ja Gottlieb asuivat tänä aikana yhdessä.
Muutamaa vuotta myöhemmin Newman esitti ystävänsä kanssa manifestin ”The Need for Public Action by Men of Culture” (Kulttuurin miesten julkisen toiminnan tarve), jossa oli kolme osaa: laajempi koulutus, käsityöläisten parempi huomioon ottaminen ja kulttuurielämän edistäminen.
Vuonna 1934 Newman ystävystyi Annalee Greenhouseen, jonka kanssa hän jakoi musiikkia ja nautti siitä. Hänestä tuli hänen vaimonsa jonkin aikaa myöhemmin.
Vuonna 1935 hän tarttui opiskeluaikana tekemäänsä työhön, joka koski virkamiesten (opettajien, jätteenkerääjien jne.) oikeuksien puolustamista ja jota hän kutsui nimellä ”Vastaus”, ja kirjoitti: ”Kirjat, joita suosittelemme”, ja julkisti kirjoja, kuten Spinozan Etiikkaa, Platonin Tasavallan ja peilitekstiä, jonka otsikkona oli: ”Kirjat, jotka tuomitsemme” ja jossa siteerattiin Marxin tai Leninin teoksia.
Lue myös, elamakerrat – Luigi Cadorna
Hänen opettajanuransa
Annalee ja Barnett avioituivat 30. kesäkuuta 1936. Pariskunta halusi muuttaa Maineen, mutta taloudelliset ongelmat pakottivat heidät palaamaan opettajan töihin New Yorkiin.
Vuonna 1939 Annalee sai vakituisen opettajan paikan Queensin lukiosta (William Cullen Bryant School).
Newmanin akvarelli ”Country Studio” oli osa taideopettajien yhdistyksen jäsenten maaliskuussa 1940 järjestämää taidenäyttelyä. Tämä akvarelli on lähes samanlainen kuin kaksi vuotta aiemmin ilmestynyt kampanja ”Voimmeko piirtää?”. Saman vuoden lokakuussa Newman päätti luopua joistakin opettamistaan iltaisin järjestettävistä silkkipainokursseista. Hän jatkoi kiinnostustaan luonnontieteisiin. Hän kävi kursseja American Museum of Natural History -museossa ja hänet valittiin American Ornithologists” Unionin liitännäisjäseneksi. Kesän aikana Barnett ja Annalee opiskelivat lintuja ja meren elämää Mainessa ja kävivät sitten kasvitieteen ja ornitologian kursseja Cornellin yliopistossa Ithacassa, New Yorkissa.
Lue myös, historia-fi – Gestapo
Taiteellinen ura
Vuonna 1943 Barnett Newman kirjoitti esipuheen AMA:n ensimmäisen näyttelyn, American Modern Artists, luetteloon. Näyttely oli protesti New Yorkin Metropolitan Museum of Artia vastaan, koska se sulki modernin taiteen pois näyttelyistään. Vuonna 1945 hän omistautui useille kirjoituksille, jotka julkaistiin kuoleman jälkeen, kuten ”The Plasma Image”, essee, jossa hän esitteli ajatuksiaan abstraktista taiteesta. Samana vuonna Newman ja hänen vaimonsa saivat tietää, että jotkut perheenjäsenet olivat joutuneet natsien karkottamiksi. Tänä aikana he ystävystyivät läheisesti arkkitehti ja taiteilija Tony Smithin kanssa, joka auttoi häntä näyttelyiden järjestämisessä. Saman vuoden lopulla Newman liittyi Betty Parsonsin näyttelyssä esitteleviin taiteilijoihin. Tämä oli Newmanin ensimmäinen näyttely sitten vuoden 1940 näyttelyn hänen ystäviensä, Taideopettajien yhdistyksen jäsenten kanssa.
Vuonna 1947 Newman tapasi Jackson Pollockin ja Lee Krashnerin. Newmanin ja Pollockin välille syntyi vahva ystävyys. Pollock oli taiteilija, joka esitteli teoksiaan Peggy Guggenheimin viimeisessä ”Art of This Century” -näyttelyssä. Newmanin ystävä Betty Parson lisäsi myöhemmin Pollockin galleriassaan esittelemiensä taiteilijoiden joukkoon. Newman valmisteli samana vuonna Betty Parsonin galleriassa tapahtuman, jossa hän esitteli teoksiaan Gea ja Euclidian Abyss.
Kesäkuussa 1947 Newmanin isä kuoli. Kouluvuoden päätteeksi Newman jätti työnsä ja avioliittonsa elääkseen yksin Annaleen, vaimonsa, tuloilla. Newman kirjoitti esseen otsikolla The First Man Was an Artist. Tämä essee ilmestyi pienen taidelehden Tiger”s Eye:n ensimmäisessä numerossa. Hän antoi merkittävän panoksen kirjoittamalla aiheesta ”Miksi maalaan”, josta hän sanoi: ”Taiteilija maalaa, jotta hänellä olisi jotakin katsottavaa, joskus hänen on kirjoitettava, jotta hänellä olisi myös jotakin luettavaa”. Samana vuonna hänen teoksensa Euclidian Abyss oli esillä abstraktin ja surrealistisen amerikkalaisen taiteen näyttelyssä Chicagon taideinstituutissa marraskuussa 1947. Tämä maalaus oli Newmanin ensimmäinen myynti. Connecticutissa asuvat keräilijät ostivat maalauksen.
Vuonna 1949 Newman teki samana vuonna seitsemäntoista teosta, mikä oli hänen uransa tuotteliain teos. Tammikuussa Newman liittyi taiteilijan oppiaineiden opettajakuntaan. Newmanin pariskunta auttoi järjestämään luentoja koululle. Suosiostaan huolimatta koulu suljettiin toukokuussa 1949.
Vuonna 1950 Newmanilla oli ensimmäinen yksityisnäyttelynsä Betty Parsonsin galleriassa. Heti tämän ensimmäisen näyttelyn jälkeen Barnett Newman sanoi Studio 35:n taideistunnossa: ”Me tavallaan teemme maailmaa omaksi kuvaksemme. Newman käytti kirjailijanlahjakkuuttaan hyväkseen vahvistaakseen uutta taiteilijakuvaansa ja edistääkseen työtään. Arvostelut olivat kuitenkin enimmäkseen kielteisiä. ARTNews kirjoittaa: ”Newman on olemassa järkyttääkseen, mutta hän ei ole olemassa järkyttääkseen porvaristoa – se on jo tehty. Hän tykkää järkyttää muita taiteilijoita. Vain yksi maalaus (End of Silence) myytiin vaimon ystäville. Näyttelyn jälkeen Newmanin voitto oli 84,14 dollaria.
Yhdessä seitsemäntoista muun taiteilijan kanssa Newman kirjoitti kirjeen, jossa hän protestoi Metropolitan Museum of Artia ja sen kielteistä näkemystä modernista taiteesta. Kirje ilmestyi New York Timesissa 22. toukokuuta 1950, ja se sai aikaan lukuisia pääkirjoituksia paikallisissa ja kansallisissa julkaisuissa. Samana vuonna hän teki ensimmäisen veistoksensa Here I puusta ja kipsistä. Taiteilija pohti vertikaalisuutta ja korosti sitä tässä pronssiteoksessa. Samana vuonna hän teki myös The Wild -teoksen, joka on pitkä ja kapea kangas. Sen pinta on maalattu oranssiksi ja reuna harmaansiniseksi.
Huhtikuussa 1951 Newman oli toisen kerran esillä Betty Parsonsin galleriassa. Tässä näyttelyssä ilmestyi ensimmäisen kerran 5,40 metriä pitkä ja 2,40 metriä leveä maalaus Vir Heroicus Sublimis. Valitettavasti kriitikot tuomitsivat hänet jälleen kerran, eikä yhtäkään maalausta myyty. Lopulta hän veti työnsä pois galleriasta ja lopetti kaiken toiminnan siellä. Tästä maalauksesta tuli myöhemmin hänen tunnetuin teoksensa.
Vuonna 1952 julkaistussa esseessään ”Feelings is all” (Tunteet ovat kaikki) kriitikko Clement Greenberg tunnusti myöhässä Newmanin töitä vuosilta 1950 ja 1951 hänen näyttelyissään ja tuomitsi hänen kriitikkonsa. Hän julisti: ”Newman on erittäin tärkeä ja omaperäinen taiteilija”. Huhtikuussa 1952 Newman suljettiin pois Museum of Modern Artista, jossa oli esillä viisitoista amerikkalaista taiteilijaa, joiden joukossa oli monia hänen ystäviään, kuten Pollock ja Rothko. Tämä tapahtuma satutti Newmania syvästi. Näyttelyluettelossa lukee: ”Ystävälleni Barnett Newmanille, jonka olisi myös pitänyt olla edustettuna tässä näyttelyssä”.
Kesäkuussa 1953 hän osti osan teoksistaan takaisin. Hän ilmoitti haluavansa poistaa kaikki nämä ”pienet” maalaukset julkisuudesta. Tämä toiminta edustaa Newmanin halua vetäytyä virallisesta taidemaailmasta. Hän osallistui näyttelyihin vasta vuonna 1955.
Vuonna 1955 Newman täytti viisikymmentä vuotta, ja vaikka hänen vaimonsa aloitti toisen työn, pariskunnan taloudellinen tilanne oli epävarma. Pariskunta otti lainoja ja panttasi arvoesineitä. Samana vuonna kriitikko Clement Greenberg kehui Newmanin taidetta ja luonnehti sitä ”syvälliseksi ja rehelliseksi”, mutta totesi myös, että hän oli Stillin oppilas ja että hänen työnsä muistutti paljon hänen ystävänsä Rothkon työtä. Tämä viimeinen lausunto ärsytti Newmania syvästi. Voidaan lainata esimerkiksi hänen 9. huhtikuuta 1955 päivättyä kirjettään ”Kirje Sidney Janisille: – On totta, että Rothko puhuu taistelijalle. Hän taistelee kuitenkin alistuakseen filistealaisten maailmaan. Taisteluni porvarillista yhteiskuntaa vastaan on vakuuttanut minut hylkäämään sen kokonaan.”
Betty Parsonsin gallerian kymmenvuotisjuhlan yhteydessä hän esitteli yhden teoksistaan ”Horizon Light”. Tämä oli hänen ensimmäinen julkinen näyttely sitten vuoden 1951. Sen jälkeen, vuoteen 1957 asti, hän ei tehnyt yhtään maalausta, ja jos teki, hän hylkäsi ne. Hänen ystävänsä Jackson Pollock näyttää Newmanin ateljeen nuorelle keräilijälle Ben Hellerille, joka ostaa kaksi maalausta, Adam ja Queen of the Night I, 3500 dollarilla. Pian tämän jälkeen Jackson Pollock kuoli auto-onnettomuudessa Long Islandilla, mikä vaikutti suuresti Newmanin pariskuntaan.
Kesäkuussa 1957 Newman oli mukana Minneapolis Institute of Artsin näyttelyssä. Mutta hänen ongelmansa kriitikoiden kanssa jatkuivat: ”Näyttelyn typerin asia on Barnett Newmanin Vir Heroicus Sublimis -teos. Muutamaa kuukautta myöhemmin, vuoden loppupuolella, Newman sai sydänkohtauksen ja joutui sairaalaan kuudeksi viikoksi.
Sen jälkeen, vuonna 1958, hän asui vaimonsa, äitinsä ja sisarensa avustamana asunnossaan ja maalasi hyvin vähän, muun muassa kaksi maalausta, jotka myöhemmin nimettiin First Station ja Second Station. Nämä maalaukset olivat ensimmäiset pitkästä sarjasta nimeltä Ristin asemat. Myöhemmin nuori keräilijä Ben Heller kutsui Alfred Barrin ja Dorothy Millerin Museum of Modern Artista vierailemaan Newmanin ateljeessa. Neljä hänen maalauksistaan, Abraham, Concord, Horizon Light ja Adam, oli sen jälkeen kiertonäyttelyssä Museum of Modern Artissa, ja hän kävi Milanossa, Madridissa, Berliinissä, Amsterdamissa, Brysselissä, Pariisissa ja Lontoossa palaten New Yorkiin seuraavana vuonna.
Vuonna 1959 sveitsiläinen taidehistorioitsija ja museonjohtaja Arnold Rudlinger, jota myöhemmin pidettiin yhtenä amerikkalaisen taiteen pioneereista Euroopassa, näki työmatkallaan Newmanin teoksen Day Before One. Hän osti teoksen ja tuli ensimmäiseksi ihmiseksi, jolla oli Newmanin teos julkisessa kokoelmassa. Myöhemmin MoMA seurasi esimerkkiä, ja siitä tuli ensimmäinen amerikkalainen museo, jossa oli Newmanin teos.
Barnett Newmanin näyttelyn järjesti taidekriitikko ja galleristineuvoja Clement Greenberg. Kriitikot pysyivät vihamielisinä, mutta näyttely kiinnosti New Yorkin nuorempaa taiteilijasukupolvea, jolle se oli ensimmäinen tilaisuus nähdä hänen töitään. Elokuussa 1959 Newmanin pariskunta matkusti Kanadaan, jossa Barnett johti kesätyöpajaa kanadalaisille taiteilijoille. Hänestä tuli hyvin vaikutusvaltainen näille nuorille taiteilijoille, joista monet lähtivät New Yorkiin. Yksi heistä, kuvanveistäjä Robert Murray, sanoi myöhemmin: ”Hän auttoi meitä maakunnallisessa vainoharhaisuudessamme. Hän sai taiteilijuuden näyttämään tärkeältä.
Vuonna 1960 hän viimeisteli karkeat kankaansa mustalla maalilla. Tässä vaiheessa hän alkoi ajatella Ristin vaiheita sarjana. Hän työskenteli sen parissa seuraavat kuusi vuotta. Hän tekee myös graafisia töitä, joita hän ei ole tehnyt yhteentoista vuoteen. Hän teki kahdenkymmenenkahden tussipiirroksen sarjan, jonka koko on 4,20 metriä kertaa 3 metriä. Tammikuussa 1961 Ben Heller osti maalauksen Vir Heroicus Sublimis. Muita samana vuonna myytyjä teoksia olivat L”Errance ja Onement VI.
Helmikuussa Barnett Newman vaipui syvään masennukseen nuoremman veljensä Georgen äkillisen kuoleman jälkeen. Saadakseen hänet ulos tästä tilanteesta hänen ystävänsä Cleve Gray kutsuu hänet mukaan litografiaprojektiin Pratt Institute Graphic Art Centerissä. Tämä oli hänen ensimmäinen kokemuksensa taidegrafiasta. Pian tämän jälkeen hän maalasi veljelleen Georgelle omistetun ecru-mustan maalauksen Surgit la lumière (Georgelle).
Tammikuussa 1962 hän kieltäytyi kutsuista tärkeisiin tapahtumiin, kuten Washingtonin Gallery of Modern Artiin ja New Yorkin Whitney Museum of American Artin ”Geometrinen abstraktio” -tapahtumaan. Tänä vuonna hän teki myös maalauksen nimeltä Kolmas. Newman osallistui Robert Murrayn avustuksella vuonna 1950 valmistuneen veistoksensa Here I (To Marcia) valamiseen Modern Art Foundry -valimossa Queensissa. Hän sai nimensä Marcia Weismanin mukaan, joka kehotti häntä valintaan.
Newman ja De Kooning pitivät 23. lokakuuta 1962 työnsä näyttelyn Tony Smithin galleriassa. Kritiikin aallot olivat lopulta Newmanin puolella, ja hänet julistettiin yhdeksi ”merkittävimmistä nykyään elossa olevista taiteilijoista”.
Vuonna 1963 Vogue-lehti julkaisi Harold Rosenbergin hehkuvan elämäkerrallisen esseen otsikolla ”Barnett Newman, kiistan ja henkisen suuruuden mies”. Myöhemmin William Lieberman, Museum of Modern Artin grafiikan kuraattori, rohkaisi Newmania tekemään litografioita. Silloin Newman päätti tehdä ”kirjan”, kokoelman litografioita. Hän työsti studiossaan neljää kiveä. Hänen työstään tuli ULAE:n julkaisema sarja litografisia prosesseja nimeltä ”Cantos”. Hän sai vuonna 1964 valmiiksi 14 ”Cantoa”, mutta myöhemmin hän päätti, että tarvitaan vielä neljä kaiverrusta, jolloin kokonaismääräksi tuli kahdeksantoista. Hän oli iloinen tästä numerosta, joka hepreaksi (chai) tarkoittaa myös elävää. Ne ovat hänelle kuin musiikkilauluja, jotka hän omistaa vaimolleen Annaleelle. Sen jälkeen hän maalasi Seitsemännen aseman, Kahdeksannen aseman, Yhdeksännen aseman ja Be II:n, jotka päättivät Ristin asemat -sarjan, joka oli esillä New Yorkin Guggenheimissa. Syyskuussa Annalee jää eläkkeelle. Nyt hän viettää päivänsä Barnettin kanssa studiossa.
Vuonna 1965 Newmanin teokset olivat mukana kahdessa abstraktin ekspressionismin loppua juhlistavassa tapahtumassa Philadelphiassa, The Decisive Years: 1943-1953 ja Los Angelesissa, New York School, The First Generation: Paintings of the 1940s and 1950s. Samana vuonna Newman teki Treitel Gratz Companyssa toisen teräsveistoksen Here II, joka täydensi Here I:tä. Muutamaa kuukautta myöhemmin kuraattori Walter Hopps nimesi Newmanin keskeiseksi hahmoksi taiteilijaryhmässä, jonka hän valitsi Yhdysvaltain paviljonkiin São Paulon kahdeksanteen biennaaliin. Muut kuusi taiteilijaa olivat kaksikymmentä vuotta Newmania nuorempia. He ovat Billy Al Bengston, Larry Bell, Robert Irwin, Donald Judd, Larry Poons ja Frank Stella. Taiteilijan pyynnöstä seitsemän maalausta ja kaksi veistosta esitetään kilpailun ulkopuolella. Tällä tapahtumalla Newman hurmasi toimittajat. Hän sai arkkitehti Oscar Niemeyerin ja kuuluisan jalkapalloilija Pelén ihailun. Hän teki São Paulon taiteilijoihin vaikutuksen myös taidehistorian tuntemuksellaan.
Elokuussa 1967 Newman kutsuttiin puhumaan nykytaiteen hengellisestä ulottuvuudesta ensimmäiseen uskonnon, arkkitehtuurin ja kuvataiteen kansainväliseen kongressiin New Yorkissa. Newman totesi puheessaan: ”Todelliselle taiteilijalle on tärkeää erottaa paikka ja ei-paikka toisistaan; ja mitä suurempi taideteos, sitä suurempi on tämä tunne. Ja tämä tunne on perustavanlaatuinen hengellinen ulottuvuus. Pian tämän jälkeen Newman alkoi työskennellä Connecticutissa sijaitsevassa North Havenin valimossa, joka oli erikoistunut suurten taideteosten valmistukseen. Newman teki monumentaalisen veistoksen, Broken Obeliskin, joka oli myöhemmin esillä monissa taidegallerioissa. Kun Newman työskenteli obeliskin parissa, hän pohti ajatusta kolmiomaisesta maalauksesta.
Marraskuussa 1967 Newmanit tulivat Eurooppaan Dublinissa avattavaan ”The Poetry of Vision” -näyttelyyn, jossa oli esillä nyky- ja antiikkitaidetta, muun muassa Kuka pelkää punaista, keltaista ja sinistä II, Yön kuningatar II ja Nyt II. Newman allekirjoittaa 21. joulukuuta 1967 New York Review of Books -lehdessä avoimen kirjeen, jossa hän vastustaa Neuvostoliiton antisemitismiä.
Tammikuussa 1968 pariskunta saapui Pariisiin, jossa Newman osallistui Charles Baudelairen kunniaksi järjestettyyn konferenssiin ja vieraili ensimmäistä kertaa Louvressa. Huhtikuun 28. päivänä Newman otti vastaan opettajan paikan Bridgeportin yliopistosta Connecticutissa. Samana vuonna Newman toteuttaa maalauksen, joka on omistettu hänen äitinsä Annan valolle. Se oli suurin Newmanin koskaan tekemä maalaus ja ensimmäinen, joka oli irrotettu ja kiinnitetty suoraan studion seinälle. Muutamaa kuukautta myöhemmin hän protestoi Chicagon pormestari Daleya ja poliisin raakoja toimia vastaan, kun hän poisti Gean teoksen Chicagon näyttelystä, ja teki suunnitelmia veistoksesta nimeltä Mayor Daley”s Outhouse, mutta ei ehtinyt saada sitä valmiiksi.
Maaliskuun 25. päivänä 1969 Newman avasi ensimmäisen galleriansa M. Knoedler and Company, jossa oli esillä hänen 1960-luvun töitään. Neljä teosta Kuka pelkää punaista, keltaista ja sinistä olivat erittäin menestyksekkäitä, samoin kuin Now II, Annan valo ja kaksi juuri valmistunutta kolmiomaalausta, Jeriko ja Chartres. Sitten ilmestyi Thomas Hessin kirjoittama ensimmäinen Newmania käsittelevä monografia.
Newmanin työ on kiistanalaista, mutta yhteisön keskuudessa laajalti ylistettyä. Kriitikoiden kielteiset arvostelut eivät jätä epäilystäkään Newmanin merkityksestä. Hänen näyttelynsä herättivät yhtä paljon huomiota kuin samana vuonna järjestetyt Willem de Kooningin ja David Smithin retrospektiivit. Samana vuonna hän toteutti Zim Zum I -teoksen, jonka piti alun perin olla 3,60 metriä korkea, mutta jonka hän pienensi 2,40 metriin, jotta se voitiin kuljettaa Tokioon Hakoonen ulkoilmamuseon näyttelyyn.
Kymmenen maalausta ja kolme veistosta Newmanin uran ajalta 1946-1969 on esillä New Yorkin Metropolitan Museum of Artin Henry Geldzahlerin järjestämässä näyttelyssä Painting and Sculpture 1940-1970. Myöhemmin samana vuonna Newman alkoi suunnitella suuria retrospektiivisiä näyttelyitä, jotka Thomas Hess järjestäisi muun muassa Lontoon Tate Galleryyn, Pariisin Grand Palais”n, New Yorkin MoMA:n ja Amsterdamin Stedelijk Museumiin.
Tammikuussa 1970 Newman kirjoitti Metropolitan Museum of Artin satavuotisjuhlassa: ”Olen aina inhonnut, jopa halveksinut, taideteosten jäljennöksiä ja valokuvia, jopa omia töitäni. Voin vain olla onnekas, että taidekasvatukseni ei tullut valokuvien ja diakuvien superproduktioiden tutkimisesta tai edes opettajilta, vaan itseltäni todellisuuden edessä.
Toukokuun 17. päivänä 1970 Massachusettsin Walthamissa sijaitseva Brandeisin yliopisto kunnioitti Newmanin työtä luovan taiteen mitalilla maalaustaiteen alalla.
Barnett Newman kuoli 4. heinäkuuta 1970 kuusikymmentäviisi vuotiaana sydänkohtaukseen studiossaan lähellä maalausta Who”s Afraid of Red, Yellow, and Blue IV. Hänen ateljeessaan on myös keskeneräinen 5,40 kertaa 2,40 metrin kokoinen kangas, suorakulmainen kolmion muotoinen kangas ja kolme hänen valmistunutta, mutta vielä nimeämätöntä työtään.
Lue myös, sivilisaatiot – Sayyid-dynastia
Ensimmäiset työt
1940-luvulla hänen tyylinsä oli melko surrealistinen ja muuttui sitten kypsemmäksi. Tälle on ominaista ohuiden pystysuuntaisten viivojen, joita hän kutsuu vetoketjuiksi, erottamat värialueet. Hänen ensimmäisissä vetoketjuilla tehdyissä töissään värikentät eivät ole yhtenäisiä, mutta myöhemmin värit ovat puhtaita ja tasaisia.
Vuonna 1947 Betty Parsonin galleriassa oli esillä kaksi teosta, Gea ja Euclidian Abyss. Mustalla pohjalla olevat keltaiset pystysuorat viivat, jotka eivät ole aivan pystysuoria, ovat yhä tärkeämpiä hänen töissään. Vetoketjut ovat taiteilijan omaleimaisuutta, ja ne ovat jatkuva elementti Newmanin uralla.
Hän itse katsoi saavuttaneensa tyylinsä täyden kypsyyden vuonna 1948 julkaistun Onement-sarjan myötä. Näissä töissä on viininpunainen tausta ja muunväriset pystysuorat vetoketjut. Ne herättävät katsojassa kuohuntaa ja tunteita. Newman sanoi näistä teoksista: ”Jokaisen maalauksen edessä voi kokea erityisiä ja erillisiä tunteenmuutoksia”.
Joissakin 1950-luvun maalauksissa, kuten kaksi ja puoli metriä pitkässä ja neljä senttimetriä leveässä The Wild -teoksessa, vetoketju on läsnä, jos ei itse teos. Newman teki myös muutamia veistoksia, kuten Here I, jotka ovat lähinnä kolmiulotteisia vetoketjujen esityksiä.
Vuonna 1951 hän esitteli Vir Heroicus Sublimis -teoksensa, josta tuli myöhemmin hänen tunnetuin teoksensa. Vetoketjujen määrä ja niiden säännöllisyys antavat maalaukselle symmetriaa, mikä johtaa yksinkertaiselta vaikuttavaan punaiseen tasaisuuteen.
Vaikka Newmanin maalaukset vaikuttavat puhtaasti abstrakteilta ja monet niistä olivat alun perin nimettömiä, hänen myöhemmin antamansa nimet liittyvät tiettyihin aiheisiin, usein juutalaisiin teemoihin. Esimerkiksi kaksi 1950-luvun alun teosta on nimetty Aadamiksi, samoin Uriel (1954) ja Abraham (1949), hyvin tumma maalaus, joka on varmasti nimetty raamatullisen patriarkan mukaan, mutta oli myös Newmanin vuonna 1947 kuolleen isän nimi. Newman ilmaisee teostensa otsikoilla tiettyä mystiikkaa. Raamatun hahmon etunimi ”Adam” on lähellä sanoja ”adom”, joka tarkoittaa punaista, ja ”dam”, joka tarkoittaa verta. Tämä punasävyinen maalaus on seurausta Newmanin juutalaisesta identiteetistä, josta hän oli hyvin huolissaan erityisesti toisen maailmansodan kauhujen, holokaustin, aikana. Hän sanoi: ”Kun Hitler riehui Euroopassa, voimmeko ilmaista itseämme maalaamalla kauniin alastoman tytön, joka makaa sohvalla?”. Tähän kysymykseen hän vastasi abstraktisti.
Maalaussarja Ristin asemat (1958-1964), jossa on beigen ja mustien pystyraitojen muunnelmia, alkoi pian sen jälkeen, kun Newman oli toipunut sydänkohtauksesta, ja sitä pidetään uransa kohokohtana. Sarjan alaotsikko on Lema sabachthani – ”Miksi olet hylännyt minut?”. – Kristuksen ristillä lausumat sanat. Newmanin mielestä hänen sanoillaan on universaali merkitys. Sarjaa pidettiin myös muistomerkkinä holokaustin uhreille. Newman halusi ilmaista universaalin tragedian ja väkivallan suhteessa intohimoon.
Lue myös, elamakerrat – Afonso I
Myöhäiset teokset
Newmanin myöhemmissä teoksissa, kuten Kuka pelkää punaista, keltaista ja sinistä -sarjassa, joka koostuu kokonaan perusväreistä, ja vetoketjut antavat koko maalaukselle dynamiikkaa. Nämä teokset on tehty puhtaista, eloisista väreistä, usein suurille kankaille – Anna”s Light (1968), joka on nimetty hänen vuonna 1965 kuolleen äitinsä muistoksi, on teoksista suurin, kahdeksan metriä neljäkymmentä kertaa kaksi metriä seitsemänkymmentä. Newman työskenteli elämänsä loppupuolella myös muiden kuin suorakulmaisten kankaiden parissa, kuten kolmiomaisen Chartresin (1969) parissa, ja palasi sitten kuvanveiston pariin, jossa hän valmisti joitakin teoksia kiillotetusta teräksestä. Hänen myöhemmät maalauksensa on tehty akryylimaaleilla eikä öljyväreillä kuten aiemmissa teoksissa. Hänen veistoksistaan suurin ja tunnetuin on Murtunut obeliski, joka esittää ylösalaisin olevaa obeliskia, jonka kärki lepää pyramidin kärjen päällä.
Vuonna 1962 hän teki suuren oranssin kankaan, jossa oli kaksi keltaista vetoketjua, nimeltään The Third. Newman sanoi tästä teoksesta: ”Minusta tuntuu, että vetoketjut eivät jaa maalauksiani. Minusta ne tekevät juuri päinvastoin, ne yhdistävät kokonaisuutta.
Newmania pidetään yleisesti abstraktina ekspressionistina, mikä perustuu hänen työhönsä New Yorkissa 1950-luvulla, jossa hän ja muut abstraktit ekspressionistit kehittivät abstraktin tyylin, jolla ei ollut mitään yhteistä eurooppalaisen taiteen kanssa. Hänen hylkäämisensä ekspressiivisen siveltimen käytön, jota muut abstraktit ekspressionistit, kuten Clyfford Still ja Mark Rothko, käyttivät, ja litteiden värialueiden käyttö tarkoin määritellyillä pinnoilla voi kuitenkin tehdä hänestä Hard Edge Painting-, Colorfield Painting- ja Minimalism (art) -liikkeiden taiteilijoiden, kuten Frank Stellan, edeltäjän.
Newman ei saavuttanut suurta menestystä taiteilijana suurimpaan osaan elämästään, sillä hän jäi Jackson Pollockin kaltaisten värikkäiden henkilöiden varjoon. Vaikutusvaltainen kriitikko Clement Greenberg kirjoitti hänestä innostuneita artikkeleita, mutta vasta hänen elämänsä loppupuolella häneen kiinnitettiin vakavasti huomiota. Hän vaikutti kuitenkin moniin nuoriin maalareihin.
Newman on aina vaatinut, että katsojien on nähtävä hänen teoksensa läheltä, jotta tiheät värit voivat vangita heidät. Hänen maalaustensa on annettava katsojalle tunne, että hän hukkuu puhtaisiin väreihin. Hänen taiteensa on abstraktia, täydellistä ja tinkimätöntä. Hän sanoi: ”Sanotaan, että olen vienyt abstraktin maalaustaiteen äärirajoille, vaikka minulle on selvää, että olen vain tehnyt uuden alun.
Newman kuoli New Yorkissa sydänkohtaukseen vuonna 1970.
Lue myös, historia-fi – Ukrainan sosialistinen neuvostotasavalta
lähteet
