Edvard Munch
gigatos | 21 maaliskuun, 2022
Yhteenveto
Edvard Munch (12. joulukuuta 1863 – 23. tammikuuta 1944) oli norjalainen taidemaalari. Hänen tunnetuin teoksensa Huuto (1893) on tullut taidemaailman ikoniseksi kuvaksi.
Hänen lapsuuttaan varjostivat sairaudet, surut ja pelko periä suvussa esiintyvä mielisairaus. Opiskellessaan Kristianianian (nykyinen Oslo) kuninkaallisessa taidekoulussa Munch alkoi elää boheemia elämää nihilisti Hans Jægerin vaikutuksen alaisena, joka kehotti häntä maalaamaan omaa tunne- ja psykologista tilaansa (”sielumaalausta”). Tästä syntyi hänen omaleimainen tyylinsä.
Matkustaminen toi mukanaan uusia vaikutteita ja mahdollisuuksia. Pariisissa hän oppi paljon Paul Gauguinilta, Vincent van Goghilta ja Henri de Toulouse-Lautrecilta, erityisesti heidän värikäytöstään. Berliinissä hän tapasi ruotsalaisen draamakirjailijan August Strindbergin, jota hän maalasi aloittaessaan suuren maalaussarjan, jota hän myöhemmin kutsui nimellä Elämän friisi ja jossa hän kuvasi tunnelmallisesti syvällisiä aiheita, kuten rakkautta, ahdistusta, mustasukkaisuutta ja petosta.
Scream syntyi Kristianiassa. Munchin mukaan hän oli kävelyllä auringonlaskun aikaan, kun hän ”kuuli luonnon valtavan, äärettömän huudon”. Maalauksen tuskastuneet kasvot samaistetaan laajalti nykyihmisen ahdistukseen. Vuosina 1893-1910 hän teki kaksi maalattua versiota ja kaksi pastelliversiota sekä useita vedoksia. Yhdestä pastellimaalauksesta maksettiin lopulta neljänneksi korkein huutokaupassa maksettu nimellinen hinta.
Vaikka hänen maineensa ja varallisuutensa kasvoivat, hänen tunnetilansa pysyi epävarmana. Hän harkitsi hetken aikaa avioliittoa, mutta ei pystynyt sitoutumaan siihen. Vuonna 1908 tapahtuneen henkisen romahduksen vuoksi hän joutui lopettamaan runsaan juomisen, ja häntä ilahdutti se, että Kristianianian kansa hyväksyi hänet yhä enemmän ja että hän oli yhä enemmän esillä kaupungin museoissa. Myöhemmät vuodet hän vietti rauhassa ja yksityisyydessä. Vaikka hänen teoksensa kiellettiin natsi-Saksassa, useimmat niistä selvisivät toisesta maailmansodasta, mikä takasi hänelle perinnön.
Lue myös, elamakerrat – Louis-Auguste Blanqui
Lapsuus
Edvard Munch syntyi Ådalsbrukin kylän maalaistalossa Løtenissä Norjassa Laura Catherine Bjølstadin ja Christian Munchin, papin pojan, lapsena. Christian oli lääkäri ja lääkintävirkamies, joka avioitui Lauran kanssa, joka oli puolet hänen iästään nuorempi nainen, vuonna 1861. Edvardilla oli vanhempi sisar, Johanne Sophie, ja kolme nuorempaa sisarusta: Peter Andreas, Laura Catherine ja Inger Marie. Laura oli taiteellisesti lahjakas ja saattoi kannustaa Edvardia ja Sophieta. Edvard oli sukua taidemaalari Jacob Munchille ja historioitsija Peter Andreas Munchille.
Perhe muutti Christianiaan (jonka nimi muutettiin Kristianiaksi vuonna 1877 ja nykyään Osloksi) vuonna 1864, kun Christian Munch nimitettiin Akershusin linnoituksen lääkintäupseeriksi. Edvardin äiti kuoli tuberkuloosiin vuonna 1868, samoin Munchin suosikkisisko Johanne Sophie vuonna 1877. Äidin kuoleman jälkeen Munchin sisarukset saivat kasvatuksen isältään ja Karen-tädiltään. Edvard oli usein sairaana suurimman osan talvesta ja jäi pois koulusta, ja hän piirsi pitääkseen itsensä kiireisenä. Koulutoverit ja täti opastivat häntä. Christian Munch opetti pojalleen myös historiaa ja kirjallisuutta ja viihdytti lapsia eloisilla kummitustarinoilla ja amerikkalaisen kirjailijan Edgar Allan Poen tarinoilla.
Edvardin muistin mukaan Christianin myönteistä käytöstä lapsiaan kohtaan varjosti hänen sairaalloinen pietisminsä. Munch kirjoitti: ”Isäni oli temperamentiltaan hermostunut ja pakkomielteisen uskonnollinen – psykoneuroosiin asti. Perin häneltä hulluuden siemenet. Pelon, surun ja kuoleman enkelit seisoivat rinnallani syntymästäni lähtien.” Christian nuhteli lapsiaan kertomalla heille, että heidän äitinsä katsoi taivaasta alas ja suri heidän huonoa käytöstään. Painostava uskonnollinen ympäristö, Edvardin huono terveys ja elävät kummitustarinat vaikuttivat osaltaan hänen makaabereihin näkyihinsä ja painajaisiinsa; poika tunsi, että kuolema lähestyi häntä jatkuvasti. Yhdellä Munchin nuoremmista sisaruksista, Lauralla, todettiin mielisairaus jo varhain. Viidestä sisaruksesta vain Andreas meni naimisiin, mutta hän kuoli muutama kuukausi häiden jälkeen. Munch kirjoitti myöhemmin: ”Perin kaksi ihmiskunnan pelottavinta vihollista – syömisen ja hulluuden perinnön”.
Christian Munchin sotilaspalkka oli hyvin alhainen, ja hänen yrityksensä kehittää yksityinen lääkärin vastaanotto epäonnistuivat, minkä vuoksi hänen perheensä eleli hienostuneessa mutta jatkuvassa köyhyydessä. He muuttivat usein halvasta asunnosta toiseen. Munchin varhaiset piirustukset ja akvarellit kuvasivat näitä sisätiloja ja yksittäisiä esineitä, kuten lääkepulloja ja piirustusvälineitä, sekä joitakin maisemia. Teini-ikäisenä taide hallitsi Munchin kiinnostuksen kohteita. Kolmetoistavuotiaana Munch tutustui ensimmäisen kerran muihin taiteilijoihin vasta perustetussa Taideyhdistyksessä, jossa hän ihaili norjalaisen maisemakoulukunnan töitä. Hän palasi kopioimaan maalauksia, ja pian hän alkoi maalata öljyväreillä.
Lue myös, sivilisaatiot – Al-Andalus
Tutkimukset ja vaikutukset
Vuonna 1879 Munch kirjoittautui teknilliseen korkeakouluun opiskelemaan insinööriksi, jossa hän menestyi erinomaisesti fysiikassa, kemiassa ja matematiikassa. Hän opetteli mittakaava- ja perspektiivipiirustusta, mutta toistuvat sairaudet keskeyttivät hänen opintonsa. Seuraavana vuonna Munch jätti opiston isänsä pettymykseksi päättäväisenä ja ryhtyi maalariksi. Hänen isänsä piti taidetta ”epäpyhänä ammattina”, ja naapurit reagoivat katkerasti ja lähettivät hänelle nimettömiä kirjeitä. Toisin kuin isänsä kiivas pietismi, Munch suhtautui taiteeseen jaogmaattisesti. Hän kirjoitti tavoitteensa päiväkirjaansa: ”Taiteessani yritän selittää elämää ja sen merkitystä itselleni.”
Vuonna 1881 Munch kirjoittautui Kristianianian kuninkaalliseen taide- ja muotoilukouluun, jonka yksi perustajista oli hänen kaukainen sukulaisensa Jacob Munch. Hänen opettajiaan olivat kuvanveistäjä Julius Middelthun ja naturalistinen taidemaalari Christian Krohg. Samana vuonna Munch osoitti omaksuneensa nopeasti akatemiassa saamansa hahmokoulutuksen ensimmäisissä muotokuvissaan, joihin kuului yksi hänen isästään ja ensimmäinen omakuvansa. Vuonna 1883 Munch osallistui ensimmäiseen julkiseen näyttelyynsä ja jakoi ateljeen muiden oppilaiden kanssa. Hänen kokopitkä muotokuvansa Karl Jensen-Hjellistä, pahamaineisesta boheemista kaupunkilaisesta, sai kriitikolta torjuvan vastauksen: ”Se on äärimmilleen vietyä impressionismia. Se on taiteen irvikuva.” Munchin alastonmaalauksia tältä kaudelta on säilynyt vain luonnoksina, paitsi Seisova alaston (1887). Hänen isänsä on saattanut takavarikoida ne.
Nuoresta pitäen Munch sai vaikutteita impressionisteilta, kuten Édouard Manet”lta, ja myöhemmin jälki-impressionismin taiteilijoilta, kuten Vincent van Goghilta ja Paul Gauguinilta. Näinä varhaisvuosina hän kokeili monia tyylejä, kuten naturalismia ja impressionismia. Jotkin varhaiset teokset muistuttavat Manet”ta. Monet näistä yrityksistä toivat hänelle epäsuotuisaa kritiikkiä lehdistössä ja saivat isältään jatkuvia moitteita, mutta isä antoi hänelle kuitenkin pieniä summia elinkustannuksiin. Eräässä vaiheessa Munchin isä kuitenkin tuhosi ainakin yhden maalauksen (todennäköisesti alastonkuvan) ja kieltäytyi antamasta enempää rahaa taidetarvikkeisiin, ehkä Munchin serkun Edvard Diriksin (vakiintunut, perinteinen taidemaalari) kielteisen mielipiteen vaikutuksesta.
Munch sai isänsä vihat päälleen myös suhteestaan Hans Jægeriin, paikalliseen nihilistiin, joka eli koodin ”intohimo tuhota on myös luova intohimo” mukaan ja joka kannatti itsemurhaa lopullisena tapana päästä vapauteen. Munch joutui hänen pahansuovan, vallankäytön vastaisen lumonsa alle. ”Ajatukseni kehittyivät boheemien tai pikemminkin Hans Jægerin vaikutuksesta. Monet ovat virheellisesti väittäneet, että ajatukseni olisivat muodostuneet Strindbergin ja saksalaisten vaikutuksesta … mutta se on väärin. Ne olivat jo silloin muotoutuneet.” Toisin kuin monet muut boheemit, Munch oli tuohon aikaan vielä naisia kunnioittava sekä pidättyväinen ja hyväkäytöksinen, mutta hän alkoi antaa periksi seurapiirinsä humalahakuiselle juopottelulle ja rähinöinnille. Häntä häiritsi tuolloin käynnissä ollut seksuaalinen vallankumous ja ympärillä olevat itsenäiset naiset. Myöhemmin hän muuttui kyyniseksi seksuaalisten asioiden suhteen, mikä ilmeni paitsi hänen käytöksessään ja taiteessaan myös hänen kirjoituksissaan, joista esimerkkinä on pitkä runo nimeltä Vapaan rakkauden kaupunki. Munch oli edelleen riippuvainen perheestään monien aterioidensa suhteen, ja hänen suhteensa isäänsä pysyi jännittyneenä hänen boheemielämäänsä liittyvien huolien vuoksi.
Lukuisten kokeilujen jälkeen Munch tuli siihen tulokseen, että impressionistinen kuvasto ei mahdollistanut riittävää ilmaisua. Hän piti sitä pinnallisena ja liian tieteellisen kokeilun kaltaisena. Hän tunsi tarvetta mennä syvemmälle ja tutkia tilanteita, jotka olivat täynnä tunnesisältöä ja ilmaisuvoimaa. Jægerin käskystä, jonka mukaan Munchin tulisi ”kirjoittaa elämänsä” eli tutkia omaa tunne-elämän ja psykologista tilaansa, nuori taiteilija aloitti pohdiskelun ja itsetutkiskelun kauden ja kirjasi ajatuksensa ”sielun päiväkirjaan”. Tämä syvempi näkökulma auttoi häntä siirtymään uuteen näkemykseen taiteestaan. Hän kirjoitti, että hänen maalauksensa Sairas lapsi (1886), joka perustuu hänen sisarensa kuolemaan, oli hänen ensimmäinen ”sielumaalauksensa”, hänen ensimmäinen irtautumisensa impressionismista. Maalaus sai kielteisen vastaanoton kriitikoilta ja hänen perheeltään, ja se aiheutti jälleen ”moraalisen närkästyksen raivoisan purkauksen” yhteisössä.
Vain hänen ystävänsä Christian Krohg puolusti häntä:
Hän maalaa tai pikemminkin katsoo asioita tavalla, joka poikkeaa muiden taiteilijoiden tavasta. Hän näkee vain olennaisen, ja se on luonnollisesti kaikki, mitä hän maalaa. Tästä syystä Munchin kuvat ovat pääsääntöisesti ”epätäydellisiä”, kuten ihmiset niin mielellään huomaavat itse. Kyllä ne ovat täydellisiä. Hänen täydellistä käsityötään. Taide on täydellistä, kun taiteilija on todella sanonut kaiken, mitä hänellä on ollut mielessään, ja juuri tässä on Munchin etu toisen sukupolven maalareihin nähden, että hän todella osaa näyttää meille sen, mitä hän on tuntenut ja mikä on tarttunut häneen, ja sille hän alistaa kaiken muun.
Munch jatkoi erilaisten siveltimenvetotekniikoiden ja väripalettien käyttöä koko 1880-luvun ja 1890-luvun alun ajan, kun hän kamppaili tyylinsä määrittelystä. Hänen ilmaisunsa vaihteli edelleen naturalistisen, kuten teoksessa Portrait of Hans Jæger, ja impressionistisen, kuten teoksessa Rue Lafayette. Hänen Inger On the Beach (1889), joka aiheutti jälleen hämmennyksen ja kiistojen myrskyn, antaa viitteitä hänen tulevan kypsän tyylinsä yksinkertaistetuista muodoista, raskaista ääriviivoista, terävistä kontrasteista ja emotionaalisesta sisällöstä. Hän alkoi laskea sommitelmiaan huolellisesti luodakseen jännitystä ja tunteita. Vaikka postimpressionistit olivatkin vaikuttaneet hänen tyylinsä taustalla, hän kehitti kuitenkin aiheita, jotka olivat sisällöltään symbolistisia ja kuvasivat pikemminkin mielentilaa kuin ulkoista todellisuutta. Vuonna 1889 Munch esitteli ensimmäisen yksityisnäyttelynsä, jossa oli esillä lähes kaikki hänen tähänastiset teoksensa. Sen saama tunnustus johti kaksivuotiseen valtion apurahaan, jonka turvin Munch pääsi opiskelemaan Pariisiin ranskalaisen taidemaalarin Léon Bonnat”n oppiin.
Munch näyttää olleen varhainen valokuvauksen kriitikko taidemuotona ja totesi, että ”se ei tule koskaan kilpailemaan siveltimen ja paletin kanssa, ennen kuin valokuvia voidaan ottaa taivaassa tai helvetissä!”.
Munchin nuorempi sisar Laura oli Munchin vuonna 1899 kirjoittaman Melankolian aiheena: Laura. Amanda O”Neill sanoo teoksesta: ”Tässä kiihkeässä klaustrofobisessa kohtauksessa Munch kuvaa paitsi Lauran tragediaa myös omaa pelkoaan hulluutta kohtaan, jonka hän olisi voinut periä.”
Lue myös, elamakerrat – Pius VII
Pariisi
Munch saapui Pariisiin Exposition Universelle -näyttelyn (1889) juhlallisuuksien aikaan ja asui kahden norjalaisen taiteilijatoverinsa kanssa. Hänen kuvansa Aamu (1884) oli esillä Norjan paviljongissa. Hän vietti aamupäivänsä Bonnat”n kiireisessä ateljeessa (jossa oli naismalleja) ja iltapäivät näyttelyssä, gallerioissa ja museoissa (joissa opiskelijoiden odotettiin tekevän kopioita tekniikan ja havainnoinnin oppimiseksi). Munch ei ollut juurikaan innostunut Bonnat”n piirustustunneista – ”Se väsyttää ja tylsistyttää minua – se on puuduttavaa” – mutta nautti mestarin kommentoinnista museomatkoilla.
Munch innostui laajasta modernin eurooppalaisen taiteen näyttelystä, jossa oli esillä kolmen taiteilijan teoksia, jotka osoittautuivat vaikutusvaltaisiksi: Paul Gauguin, Vincent van Gogh ja Henri de Toulouse-Lautrec, jotka kaikki käyttivät värejä tunteiden välittämiseen. Munchia innoitti erityisesti Gauguinin ”reaktio realismia vastaan” ja hänen uskomuksensa, jonka mukaan ”taide on ihmisen työtä eikä luonnon jäljittelyä”, kuten Whistler oli aiemmin todennut. Kuten eräs hänen berliiniläinen ystävänsä sanoi myöhemmin Munchista, ”hänen ei tarvitse lähteä Tahitille nähdäkseen ja kokiakseen ihmisluonnon primitiivisyyden. Hän kantaa omaa Tahitiaan sisällään.” Gauguinin sekä saksalaisen taiteilijan Max Klingerin etsausten vaikutuksesta Munch kokeili grafiikkaa teostensa graafisten versioiden luomiseen. Vuonna 1896 hän loi ensimmäiset puupiirroksensa – väline, joka osoittautui ihanteelliseksi Munchin symboliselle kuvastolle. Yhdessä aikalaisensa Nikolai Astrupin kanssa Munchia pidetään puupiirroksen uudistajana Norjassa.
Joulukuussa 1889 hänen isänsä kuoli, ja Munchin perhe jäi varattomaksi. Hän palasi kotiin ja järjesti varakkaalta norjalaiselta keräilijältä suuren lainan, kun varakkaat sukulaiset eivät auttaneet, ja otti siitä lähtien perheensä taloudellisen vastuun. Christianin kuolema masensi häntä, ja itsemurha-ajatukset piinasivat häntä: ”Elän kuolleiden kanssa – äitini, siskoni, isoisäni, isäni… Tapa itsesi, niin se on ohi.”. Miksi elää?” Munchin seuraavan vuoden maalauksiin kuului luonnosmaisia kapakkakohtauksia ja sarja kirkkaita kaupunkikuvia, joissa hän kokeili Georges Seurat”n pointillistista tyyliä.
Lue myös, elamakerrat – Fernando Fernán Gómez
Berliini
Vuoteen 1892 mennessä Munch muotoili omaleimaisen ja omaperäisen synteettisen estetiikkansa, joka näkyy teoksessa Melankolia (1891), jossa väri on symbolinen elementti. Taiteilija ja toimittaja Christian Krohg piti Melankoliaa ensimmäisenä norjalaisen taiteilijan symbolistisena maalauksena, ja se oli esillä Oslon syysnäyttelyssä vuonna 1891. Vuonna 1892 Adelsteen Normann kutsui Berliinin taiteilijaliiton puolesta Munchin näyttelyyn sen marraskuun näyttelyyn, joka oli yhdistyksen ensimmäinen yksityisnäyttely. Hänen maalauksensa herättivät kuitenkin katkeria kiistoja (joita kutsuttiin nimellä ”Munchin tapaus”), ja viikon kuluttua näyttely suljettiin. Munch oli tyytyväinen ”suureen kohuun” ja kirjoitti kirjeessään: ”Minulla ei ole koskaan ollut näin hauskaa – on uskomatonta, että jokin niinkin viaton asia kuin maalaaminen on saanut aikaan tällaisen kohun.”
Berliinissä Munch liittyi kansainväliseen kirjailijoiden, taiteilijoiden ja kriitikoiden piiriin, johon kuului myös ruotsalainen dramaatikko ja johtava intellektuelli August Strindberg, jonka hän maalasi vuonna 1892. Hän tapasi myös tanskalaisen kirjailijan ja taidemaalarin Holger Drachmannin, jonka hän maalasi vuonna 1898. Drachmann oli 17 vuotta Munchia vanhempi ja juomatoveri Zum schwarzen Ferkelissä vuosina 1893-94. Vuonna 1894 Drachmann kirjoitti Munchista: ”Hän ponnistelee kovasti. Onnea ponnisteluihisi, yksinäinen norjalainen.”
Neljän Berliinissä vietetyn vuoden aikana Munch luonnosteli suurimman osan ideoista, joista muodostui hänen pääteoksensa Elämän friisi, joka oli aluksi suunniteltu kirjakuvitusta varten, mutta joka myöhemmin toteutettiin maalauksina. Hän myi vain vähän, mutta sai jonkin verran tuloja perimällä pääsymaksuja kiisteltyjen maalaustensa katselusta. Munch oli jo nyt haluton luopumaan maalauksistaan, joita hän kutsui ”lapsikseen”.
Hänen muissa maalauksissaan, kuten kasinokohtauksissa, on havaittavissa muotojen ja yksityiskohtien yksinkertaistamista, joka on leimannut hänen varhaista kypsää tyyliään. Munch alkoi myös suosia matalaa kuvatilaa ja vähäistä taustaa etualan hahmoilleen. Koska asennot valittiin siten, että mielentiloista ja psykologisista tiloista saatiin mahdollisimman vakuuttavia kuvia, kuten tuhkassa, hahmot antavat monumentaalisen, staattisen luonteen. Munchin hahmot näyttävät näyttelevän rooleja teatterin näyttämöllä (koska jokainen hahmo ilmentää yhtä psykologista ulottuvuutta, kuten Huudossa, Munchin miehet ja naiset alkoivat vaikuttaa enemmän symbolisilta kuin realistisilta. Hän kirjoitti: ”Enää ei pitäisi maalata sisätiloja, ihmisiä lukemassa ja naisia neulomassa: olisi eläviä ihmisiä, jotka hengittävät ja tuntevat, kärsivät ja rakastavat.”
Lue myös, elamakerrat – Henry James
Huuto
Huudosta on neljä versiota: kaksi pastellia (1893 ja 1895) ja kaksi maalausta (1893 ja 1910). Huudosta on myös useita litografioita (1895 ja myöhemmin).
Pastelli vuodelta 1895 myytiin huutokaupassa 2. toukokuuta 2012 119 922 500 Yhdysvaltain dollarilla, johon sisältyy palkkio. Se on versioista värikkäin, ja se erottuu yhden taustahahmon alaspäin suuntautuvasta asennosta. Se on myös ainoa versio, joka ei ole norjalaisen museon hallussa.
Vuoden 1893 versio varastettiin Oslon kansallisgalleriasta vuonna 1994, ja se saatiin takaisin. Vuoden 1910 maalaus varastettiin vuonna 2004 Oslon Munch-museosta, mutta se saatiin takaisin vuonna 2006 vähäisin vaurioin.
Huuto on Munchin tunnetuin teos ja yksi koko taiteen tunnistettavimmista maalauksista. Sen on laajalti tulkittu kuvaavan nykyihmisen universaalia ahdistusta. Se on maalattu laajoilla räikeillä värikaistaleilla ja hyvin yksinkertaistetuilla muodoilla, ja siinä käytetään korkeaa näkökulmaa, ja se pelkistää tuskastuneen hahmon tunnekriisin kourissa olevaksi, vaatteisiin pukeutuneeksi pääkalloksi.
Tällä maalauksella Munch saavutti ilmoittamansa tavoitteen ”sielun tutkimisesta, toisin sanoen oman itseni tutkimisesta”. Munch kirjoitti, miten maalaus syntyi: ”Olin kävelemässä tietä pitkin kahden ystäväni kanssa, kun aurinko laski; yhtäkkiä taivas muuttui punaiseksi kuin veri. Pysähdyin ja nojasin aitaa vasten, tuntien itseni sanoinkuvaamattoman väsyneeksi. Tuli- ja verikielet venyivät sinimustan vuonon yli. Ystäväni jatkoivat kävelyä, kun taas minä jäin jälkeen ja vapisin pelosta. Sitten kuulin luonnon valtavan, äärettömän huudon.” Myöhemmin hän kuvaili maalauksen taustalla ollutta henkilökohtaista ahdistusta: ”Olin useiden vuosien ajan lähes hullu… Tiedättekö tauluni ”Huuto”? Olin äärimmilleen venytetty – luonto huusi veressäni… Sen jälkeen luovuin toivosta, että voisin koskaan enää rakastaa.”
Kirjailija Martha Tedeschi on todennut yhteenvetona maalauksen vaikutuksista:
Whistlerin ”Äiti”, Woodin ”American Gothic”, Leonardo da Vincin ”Mona Lisa” ja Edvard Munchin ”Huuto” ovat kaikki saavuttaneet jotakin, mitä useimmat maalaukset – riippumatta niiden taidehistoriallisesta merkityksestä, kauneudesta tai rahallisesta arvosta – eivät ole saavuttaneet: ne välittävät lähes jokaiselle katsojalle lähes välittömästi tietyn merkityksen. Nämä muutamat teokset ovat onnistuneet siirtymään museokävijän eliittitason alueelta populaarikulttuurin valtavaan kenttään.
Lue myös, historia-fi – Pyhä allianssi
Elämän fresko – runo elämästä, rakkaudesta ja kuolemasta
Joulukuussa 1893 Berliinin Unter den Lindenillä järjestettiin Munchin töitä esittelevä näyttely, jossa oli esillä muun muassa kuusi maalausta otsikolla Tutkimus sarjaa varten: Rakkaus. Tästä alkoi sykli, jota hän myöhemmin kutsui nimellä Frieze of Life-A Poem about Life, Love and Death. Frieze of Life -aiheet, kuten Myrsky ja kuunvalo, ovat täynnä tunnelmaa. Toiset motiivit, kuten Rose and Amelie ja Vampire, valaisevat rakkauden yöllistä puolta. Kuolema sairashuoneessa -teoksen aiheena on hänen sisarensa Sophien kuolema, jota hän työsti uudelleen monissa myöhemmissä muunnelmissa. Koko hänen perhettään kuvaavan maalauksen dramaattinen fokus hajaantuu surun erillisiin ja irrallisiin hahmoihin. Vuonna 1894 hän laajensi motiivien kirjoa lisäämällä siihen Ahdistus, Tuhka, Madonna ja Naiset kolmessa vaiheessa (viattomuudesta vanhuuteen).
1900-luvun alussa Munch viimeisteli ”Friisin”. Hän maalasi useita kuvia, joista useat olivat isompikokoisia ja jossain määrin tuon ajan jugend-estetiikkaa edustavia. Hän teki puisen kehyksen, jossa oli veistettyjä reliefejä, suurelle maalaukselle Metabolismi (1898), jonka alkuperäinen nimi oli Aatami ja Eeva. Tämä teos paljastaa Munchin kiinnostuksen ”ihmisen syntiinlankeemukseen” ja hänen pessimistisen rakkausfilosofiansa. Motiivit, kuten Tyhjä risti ja Golgata (molemmat n. 1900), heijastavat metafyysistä suuntautumista ja heijastavat myös Munchin pietististä kasvatusta. Koko Friisi esiteltiin ensimmäisen kerran Berliinin separatistisessa näyttelyssä vuonna 1902.
”Elämän friisin” teemat toistuvat koko Munchin tuotantoaikana, mutta hän keskittyi niihin erityisesti 1890-luvun puolivälissä. Luonnoksissa, maalauksissa, pastelleissa ja grafiikassa hän kävi syvälle tunteisiinsa tarkastellakseen päämotiivejaan: elämänvaiheita, kohtalokasta naista, rakkauden toivottomuutta, ahdistusta, uskottomuutta, mustasukkaisuutta, seksuaalista nöyryytystä sekä eroa elämässä ja kuolemassa. Nämä teemat ilmenevät muun muassa maalauksissa Sairas lapsi (1893-94), Tuhka (1894) ja Silta. Viimeksi mainitussa teoksessa on velttoja hahmoja, joiden kasvot ovat piirteettömät tai piilossa, ja niiden yläpuolella häämöttävät raskaiden puiden ja synkistelevien talojen uhkaavat muodot. Munch kuvasi naisia joko hauraina, viattomina kärsijöinä (ks. Murrosikä ja Rakkaus ja tuska) tai suuren kaipuun, mustasukkaisuuden ja epätoivon aiheuttajina (ks. Ero, Mustasukkaisuus ja Tuhka).
Munch käyttää usein varjoja ja värirenkaita hahmojensa ympärillä korostaakseen pelon, uhan, ahdistuksen tai seksuaalisen intensiteetin auraa. Näiden maalausten on tulkittu heijastavan taiteilijan seksuaalista ahdistusta, vaikka voidaan myös väittää, että ne kuvastavat hänen myrskyisää suhdettaan itse rakkauteen ja yleistä pessimismiä inhimillisen olemassaolon suhteen. Monet näistä luonnoksista ja maalauksista tehtiin useina versioina, kuten Madonna, kädet ja murrosikä, ja ne myös transkriptoitiin puupiirroksina ja litografioina. Munch inhosi erota maalauksistaan, koska hän piti teoksiaan yhtenäisenä ilmaisukokonaisuutena. Niinpä saadakseen tuotannostaan pääomaa ja ansaitakseen jonkin verran tuloja hän kääntyi grafiikan puoleen monista maalauksistaan, myös tämän sarjan maalauksista. Munch myönsi työnsä henkilökohtaiset tavoitteet, mutta hän tarjosi taiteensa myös laajempaan tarkoitukseen: ”Taiteeni on oikeastaan vapaaehtoinen tunnustus ja yritys selittää itselleni suhdettani elämään – se on siis itse asiassa eräänlaista egoismia, mutta toivon jatkuvasti, että voin sen kautta auttaa muita saavuttamaan selkeyden.” Munch ei kuitenkaan ole koskaan ollut niin itsekäs.
Vaikka Munch herätti voimakkaasti kielteisiä reaktioita, 1890-luvulla hän alkoi saada jonkinlaista ymmärrystä taiteellisista päämääristään, kuten eräs kriitikko kirjoitti: ”Häikäilemättömällä muodon halveksunnalla, selkeydellä, eleganssilla, kokonaisvaltaisuudella ja realismilla hän maalaa intuitiivisen lahjakkuuden voimalla sielun hienovaraisimpia näkyjä.” Yksi hänen suurista tukijoistaan Berliinissä oli Walther Rathenau, myöhemmin Saksan ulkoministeri, joka vaikutti voimakkaasti hänen menestykseensä.
Lue myös, elamakerrat – Alessandro Valignano
Pariisi, Berliini ja Kristiania
Vuonna 1896 Munch muutti Pariisiin, jossa hän keskittyi Elämän fresko -aiheidensa graafiseen esittämiseen. Hän kehitti edelleen puupiirros- ja litografiatekniikkaansa. Munchin Omakuva luurankokädellä (1895) on toteutettu etsausneula- ja tussi-menetelmällä, jota myös Paul Klee käytti. Munch valmisti myös tuberkuloosia käsittelevästä Sairas lapsi -teoksesta monivärisiä versioita, jotka myivät hyvin, sekä useita alastonkuvia ja useita versioita teoksesta Suudelma (1892). Toukokuussa 1896 Siegfried Bing järjesti Munchin töitä esittelevän näyttelyn Bingin Maison de l”Art Nouveau”ssa. Näyttelyssä oli esillä kuusikymmentä teosta, muun muassa Suudelma, Huuto, Madonna, Sairas lapsi, Kuolemankammio ja Päivä sen jälkeen. Bingin näyttely auttoi esittelemään Munchin ranskalaiselle yleisölle. Silti monet pariisilaiset kriitikot pitivät edelleen Munchin töitä ”väkivaltaisina ja raakalaismaisina”, vaikka hänen näyttelyjensä saivat vakavaa huomiota ja kävijämäärät olivat hyvät. Munchin taloudellinen tilanne parani huomattavasti, ja vuonna 1897 Munch osti itselleen kesämökin vuonoille päin Kristianianian, 1700-luvun lopulla rakennetun pienen kalastajamökin, Åsgårdstrandin pikkukaupungissa Norjassa. Hän kutsui tätä kotia ”Onnelliseksi taloksi” ja palasi tänne lähes joka kesä seuraavien 20 vuoden ajan. Juuri tätä paikkaa hän kaipasi ollessaan ulkomailla ja tuntiessaan itsensä masentuneeksi ja uupuneeksi. ”Kävely Åsgårdstrandissa on kuin kävelisi maalausteni keskellä – saan täällä ollessani niin paljon inspiraatiota maalaamiseen”.
Vuonna 1897 Munch palasi Kristianiaan, jossa hän sai myös vastahakoisen hyväksynnän – yksi kriitikko kirjoitti: ”Melkoinen osa näistä kuvista on ollut esillä jo aiemmin. Minun mielestäni nämä paranevat tutustumisen myötä.” Vuonna 1899 Munch aloitti intiimin suhteen Tulla Larsenin, ”vapautuneen” yläluokan naisen kanssa. He matkustivat yhdessä Italiaan, ja palattuaan Munch aloitti uuden hedelmällisen kauden taiteessaan, johon kuuluivat maisemat ja ”Elämän friisi” -sarjan viimeinen maalaus, Elämän tanssi (1899). Larsen halusi kovasti naimisiin, ja Munch aneli sitä pois. Munchin juominen ja huono terveys vahvistivat hänen pelkojaan, sillä hän kirjoitti kolmannessa persoonassa: ”Hän oli lapsesta asti vihannut avioliittoa. Sairas ja hermostunut koti oli antanut hänelle tunteen, ettei hänellä ollut oikeutta mennä naimisiin.” Munch oli vähällä antaa periksi Tullalle, mutta pakeni häntä vuonna 1900, käänsi myös selkänsä huomattavalle omaisuudelle ja muutti Berliiniin. Hänen kahdeksantoista eri versiona syntynyt Tytöt laiturilla -teoksensa osoitti naisellisen nuoruuden teemaa ilman negatiivisia konnotaatioita. Vuonna 1902 hän esitteli teoksiaan temaattisesti Berliinin Secessionin salissa, mikä tuotti ”sinfonisen vaikutuksen – se aiheutti suuren kohun – paljon vastakkainasettelua ja paljon hyväksyntää”. Berliiniläiset kriitikot alkoivat arvostaa Munchin töitä, vaikka yleisö piti hänen töitään edelleen vieraina ja outoina.
Hyvän lehdistöjulkisuuden ansiosta Munch sai vaikutusvaltaisten mesenaattien Albert Kollmanin ja Max Linden huomion. Hän kuvaili tapahtumien käännettä päiväkirjassaan: ”Kahdenkymmenen vuoden taistelun ja kurjuuden jälkeen hyvän voimat tulevat vihdoin avukseni Saksassa – ja minulle avautuu valoisa ovi.” Tästä myönteisestä muutoksesta huolimatta Munchin itsetuhoinen ja ailahteleva käyttäytyminen kuitenkin sotki hänet ensin väkivaltaiseen riitaan toisen taiteilijan kanssa ja sitten lyhyeen sovintoon palanneen Tulla Larsenin läsnä ollessa vahingossa ampumiseen, jossa kaksi hänen sormeaan loukkaantui. Myöhemmin Munch sahasi häntä ja Larsenia esittävän omakuvan kahtia ampumisen ja sitä seuranneiden tapahtumien seurauksena. Nainen jätti lopulta Munchin ja meni naimisiin nuoremman kollegansa kanssa. Munch koki tämän petoksena, ja hän hautoi nöyryytystä vielä jonkin aikaa kanavoiden osan katkeruudesta uusiin maalauksiin. Hänen vuosina 1906-07 tekemissään maalauksissa Still Life (Murhattu nainen) ja Marat I:n kuolema viitataan selvästi ampumistapaukseen ja sen emotionaalisiin jälkivaikutuksiin.
Vuosina 1903-04 Munch oli näyttelyssä Pariisissa, jossa tulevat fauvistit, jotka olivat kuuluisia rohkeista vääristä väreistään, todennäköisesti näkivät hänen teoksensa ja saattoivat saada niistä inspiraatiota. Kun fauvistit järjestivät oman näyttelynsä vuonna 1906, Munch kutsuttiin mukaan ja hän esitteli teoksiaan fauvistien näyttelyssä. Rodinin veistoksia tutkittuaan Munch saattoi kokeilla muovailuvahaa suunnittelun apuvälineenä, mutta hän teki vain vähän veistoksia. Tänä aikana Munch sai monia muotokuva- ja grafiikan tilauksia, jotka paransivat hänen yleensä epävarmaa taloudellista tilannettaan. Vuonna 1906 hän maalasi Berliinin Deutsches Theaterissa sijaitsevan pienen Kammerspiele-teatterin Ibsen-näytelmän valkokankaan, johon ripustettiin Elämän friisi. Teatterin johtaja Max Reinhardt myi sen myöhemmin; se on nyt Berliinin Nationalgaleriessa. Aikaisemman maisemakuvakauden jälkeen hän kääntyi vuonna 1907 jälleen ihmishahmoihin ja -tilanteisiin.
Lue myös, elamakerrat – Vytautas Suuri
Hajoaminen ja talteenotto
Syksyllä 1908 Munchin ahdistuneisuus, jota liiallinen juominen ja tappelut olivat lisänneet, oli kärjistynyt. Kuten hän myöhemmin kirjoitti: ”Tilani lähenteli hulluutta – se oli herkästi käsin kosketeltavissa.” Harhojen ja vainon tunteen alaisena hän hakeutui Daniel Jacobsonin klinikalle. Seuraavien kahdeksan kuukauden aikana Munch sai muun muassa ruokavaliota ja ”sähköistämistä” (tuolloin muodissa ollut hoito hermostosairauksien hoitoon, jota ei pidä sekoittaa sähkökouristushoitoon). Munchin sairaalajakso vakautti hänen persoonallisuutensa, ja palattuaan Norjaan vuonna 1909 hänen töistään tuli värikkäämpiä ja vähemmän pessimistisiä. Munchin mielialaa piristi entisestään se, että Kristianianian suuri yleisö lämpeni vihdoin hänen töilleen, ja museot alkoivat ostaa hänen maalauksiaan. Hänet nimitettiin Pyhän Olavin kuninkaallisen ritarikunnan ritariksi ”taiteen hyväksi tehdyistä palveluksista”. Hänen ensimmäinen amerikkalainen näyttelynsä oli vuonna 1912 New Yorkissa.
Osana toipumistaan tohtori Jacobson neuvoi Munchia seurustelemaan vain hyvien ystävien kanssa ja välttämään juomista julkisesti. Munch noudatti tätä neuvoa ja tuotti samalla useita laadukkaita kokopitkän kokoisia muotokuvia ystävistä ja mesenaatista – rehellisiä muotokuvia, joissa ei ole imartelua. Hän loi myös maisemia ja kohtauksia ihmisistä töissä ja leikeissä käyttäen uutta optimistista tyyliä – leveitä, väljiä, elinvoimaisia värejä sisältäviä siveltimenvetoja, joissa käytetään usein valkoista tilaa ja harvoin mustaa – ja vain satunnaisesti viittauksia hänen sairaalloisiin aiheisiinsa. Tulojen lisääntyessä Munch pystyi ostamaan useita kiinteistöjä, jotka tarjosivat hänelle uusia näkymiä taiteelleen, ja hän pystyi vihdoin elättämään perheensä.
Ensimmäisen maailmansodan syttyessä Munchin lojaalisuus jakautui: ”Kaikki ystäväni ovat saksalaisia, mutta minä rakastan Ranskaa.” Hän totesi, että ”kaikki ystäväni ovat saksalaisia, mutta minä rakastan Ranskaa”. 1930-luvulla hänen saksalaiset asiakkaansa, joista monet olivat juutalaisia, menettivät omaisuutensa ja jotkut henkensä natsiliikkeen nousun myötä. Munch löysi norjalaisia kirjapainajia korvaamaan saksalaiset, jotka olivat painattaneet hänen graafisia töitään. Huonon terveydentilansa vuoksi Munch tunsi vuonna 1918 olevansa onnekas, että hän selvisi hengissä espanjantaudista, joka oli tuona vuonna maailmanlaajuinen pandemia.
Lue myös, elamakerrat – Zhengde
Myöhemmät vuodet
Munch vietti suurimman osan kahdesta viimeisestä vuosikymmenestään yksinäisyydessä lähes omavaraisella tilallaan Ekelyssä, Skøyenissä Oslossa. Monet hänen myöhäisistä maalauksistaan juhlistavat maatilan elämää, ja useissa niistä hän käytti mallina työhevostaan ”Rousseauta”. Munch houkutteli vaivattomasti jatkuvasti naismalleja, joita hän maalasi lukuisten alastonkuviensa aiheiksi. Joidenkin kanssa hänellä oli todennäköisesti seksisuhde. Munch lähti toisinaan kotoa maalaamaan seinämaalauksia tilaustyönä, muun muassa Freian suklaatehtaalle.
Elämänsä loppuun asti Munch jatkoi armottomien omakuvien maalaamista ja täydensi näin elämänsä itsetutkiskelua ja säälimätöntä sarjaa, jossa hän otti kantaa emotionaaliseen ja fyysiseen tilaansa. 1930- ja 1940-luvuilla natsit leimasivat Munchin teokset ”rappeutuneeksi taiteeksi” (Picasson, Kleen, Matissen, Gauguinin ja monien muiden modernien taiteilijoiden teosten ohella) ja poistivat hänen 82 teostaan saksalaisista museoista. Adolf Hitler ilmoitti vuonna 1937: ”Meidän puolestamme nuo esihistorialliset kivikautisen kulttuurin barbaarit ja taiteen änkyttäjät voivat palata esi-isiensä luoliin ja soveltaa siellä primitiivistä kansainvälistä raapustustaan.”
Vuonna 1940 saksalaiset hyökkäsivät Norjaan, ja natsipuolue otti hallituksen haltuunsa. Munch oli 76-vuotias. Munchin lähes koko taidekokoelma oli hänen talonsa toisessa kerroksessa, ja hän eli natsien takavarikon pelossa. Seitsemänkymmentäyksi natsien aiemmin viemistä maalauksista oli palautettu Norjaan keräilijöiden ostamalla tavalla (loput yksitoista maalausta ei koskaan saatu takaisin), mukaan lukien Huuto ja Sairas lapsi, ja nekin piilotettiin natseilta.
Munch kuoli talossaan Ekelyssä Oslon lähellä 23. tammikuuta 1944, noin kuukausi 80-vuotissyntymäpäivänsä jälkeen. Hänen natsien järjestämät hautajaisensa antoivat norjalaisille ymmärtää, että hän oli natsien kannattaja, eräänlainen itsenäisen taiteilijan omiminen. Oslon kaupunki osti Ekelyn tilan Munchin perillisiltä vuonna 1946; hänen talonsa purettiin toukokuussa 1960.
Kun Munch kuoli, hänen jäljelle jääneet teoksensa testamentattiin Oslon kaupungille, joka rakensi Munch-museon Tøyeniin (se avattiin vuonna 1963). Museossa on noin 1 100 maalausta, 4 500 piirustusta ja 18 000 grafiikkaa, mikä on Munchin teosten laajin kokoelma maailmassa. Munch-museo toimii Munchin virallisena kuolinpesänä; se on aktiivisesti reagoinut tekijänoikeusrikkomuksiin sekä selvittänyt teosten tekijänoikeuksia, kuten Munchin Huuto -teoksen esiintyminen M&M”s-mainoskampanjassa vuonna 2006. Munch-museon ja Edvard Munchin kuolinpesän tekijänoikeuksia edustaa Yhdysvalloissa Artists Rights Society.
Munchin taide oli hyvin yksilöllistä, eikä hän juurikaan opettanut. Hänen ”yksityinen” symboliikkansa oli paljon henkilökohtaisempaa kuin muiden symbolistimaalareiden, kuten Gustave Moreaun ja James Ensorin, symboliikka. Munchilla oli silti suuri vaikutus erityisesti saksalaisiin ekspressionisteihin, jotka seurasivat hänen filosofiaansa: ”En usko taiteeseen, joka ei ole pakottava tulos ihmisen halusta avata sydämensä”. Monilla hänen maalauksillaan, kuten Huudolla, on universaalia vetovoimaa hyvin henkilökohtaisen merkityksensä lisäksi.
Munchin teoksia on nykyään esillä lukuisissa suurissa museoissa ja gallerioissa Norjassa ja ulkomailla. Hänen mökkinsä, ”Onnellinen talo”, lahjoitettiin Åsgårdstrandin kunnalle vuonna 1944; se toimii pienenä Munch-museona. Inventaario on säilytetty täsmälleen sellaisena kuin hän sen jätti.
Yksi versio Huudosta varastettiin kansallisgalleriasta vuonna 1994. Vuonna 2004 toinen versio Screamista varastettiin yhdessä Madonnaa esittävän version kanssa Munch-museosta rohkeassa ryöstössä. Nämä kaikki saatiin lopulta takaisin, mutta vuoden 2004 ryöstössä varastetut maalaukset vaurioituivat pahoin. Ne on kunnostettu huolellisesti, ja ne ovat jälleen esillä. Kolme Munchin teosta varastettiin Hotel Refsnes Godsista vuonna 2005; ne saatiin pian takaisin, vaikka yksi teoksista vaurioitui ryöstössä.
Lokakuussa 2006 värillinen puupiirros Kaksi ihmistä. Yksinäinen (To mennesker. De ensomme) teki uuden ennätyksen, kun se myytiin Oslossa järjestetyssä huutokaupassa 8,1 miljoonalla kruunulla (1,27 miljoonaa Yhdysvaltain dollaria, mikä vastaa 1 600 000 dollaria vuonna 2020). Se teki myös ennätyksen korkeimmasta huutokaupassa maksetusta hinnasta Norjassa. Marraskuun 3. päivänä 2008 maalaus Vampyyri teki uuden ennätyksen hänen maalaustensa osalta, kun se myytiin 38 162 000 Yhdysvaltain dollarilla (vastaa 45 900 000 dollaria vuonna 2020) Sotheby”s New Yorkissa.
Munchin kuva on Norjan 1 000 kruunun setelissä yhdessä Munchin taiteesta inspiroituneiden kuvien kanssa.
Helmikuussa 2012 avattiin suuri Munch-näyttely Edvard Munch. The Modern Eye, avattiin Schirn Kunsthalle Frankfurtissa; näyttelyn avasi Norjan kruununprinsessa Mette-Marit.
Toukokuussa 2012 The Scream myytiin 119,9 miljoonalla Yhdysvaltain dollarilla (vastaa 135 200 000 dollaria vuonna 2020), ja se on toiseksi kallein koskaan avoimessa huutokaupassa myyty taideteos. (Sen ylitti marraskuussa 2013 Three Studies of Lucian Freud, joka myytiin 142,4 miljoonalla Yhdysvaltain dollarilla).
Vuonna 2013 Norjan postilaitos kuvasi neljä Munchin maalausta postimerkkisarjassa Munchin syntymän 150-vuotispäivän kunniaksi vuonna 2014.
14. marraskuuta 2016 Munchin Tytöt sillalla -teoksen versio myytiin 54,5 miljoonalla Yhdysvaltain dollarilla (vastaa 58 800 000 dollaria vuonna 2020) Sotheby”sissa New Yorkissa, mikä on toiseksi korkein Munchin maalauksista saatu hinta.
Huhtikuussa 2019 British Museumissa järjestettiin näyttely Edvard Munch: Love and Angst, joka koostuu 83 teoksesta ja sisältää harvinaisen alkuperäispainoksen teoksesta The Scream.
Lue myös, elamakerrat – Alfred Suuri
Yliopiston Aula
Vuonna 1911 Munch ja Emanuel Vigeland kävivät loppukilpailun Oslon yliopiston Aulan (juhlasali) suurten seinien koristelemisesta. Jakso tunnetaan nimellä ”Aula-kiista”. Vuonna 1914 Munch sai lopulta toimeksiannon sisustaa Aula, ja työ valmistui vuonna 1916. Tämä norjalaisen monumentaalimaalauksen suurteos käsittää 11 maalausta, joiden pinta-ala on 223 neliömetriä. Aurinko, Historia ja Alma Mater ovat sarjan keskeisiä teoksia. Munch julisti: ”Halusin, että koristeet muodostaisivat täydellisen ja itsenäisen ajatusmaailman, ja halusin niiden visuaalisen ilmaisun olevan sekä omaleimaisen norjalaista että yleismaailmallisesti inhimillistä”. Vuonna 2014 ehdotettiin, että Aula-maalausten arvo olisi vähintään 500 miljoonaa kruunua.
Lue myös, elamakerrat – Anchietan Joosef
Yleiset lähteet
lähteet
