Edward Hopper
gigatos | 19 maaliskuun, 2022
Yhteenveto
Edward Hopper (22. heinäkuuta 1882 – 15. toukokuuta 1967) oli yhdysvaltalainen realistinen taidemaalari ja taidegraafikko. Hänet tunnetaan laajalti öljyvärimaalauksistaan, mutta hän oli yhtä taitava akvarellimaalari ja vedostajan etsaus. Hänen uraansa edisti ratkaisevasti hänen avioliittonsa taiteilijakollegansa Josephine Nivisonin kanssa, joka vaikutti paljon hänen työhönsä sekä elämänmallina että luovana kumppanina. Hopper oli mollivoittoinen taiteilija, joka loi hillittyä draamaa tavallisista aiheista, jotka ”kerrostuivat runollisella merkityksellä” ja houkuttelivat usein tahattomiin kerronnallisiin tulkintoihin. Häntä kehuttiin hänen kuvaamiensa Amerikan ”täydellisestä totuudellisuudesta”.
Lue myös, historia-fi – Amiensin rauha
Varhainen elämä
Hopper syntyi vuonna 1882 Nyackissa, New Yorkissa, jahdinrakennuskeskuksessa Hudson-joella New Yorkin pohjoispuolella. Hän oli toinen mukavasti toimeentulevan perheen kahdesta lapsesta. Hänen vanhempansa olivat pääosin hollantilaista syntyperää olevat Elizabeth Griffiths Smith ja Garret Henry Hopper, joka oli kuiva-ainekauppias. Vaikka Garrett ei menestynyt yhtä hyvin kuin esivanhempansa, hän elätti kaksi lastaan hyvin vaimonsa perinnön turvin. Hän jäi eläkkeelle 49-vuotiaana. Edward ja hänen ainoa sisarensa Marion kävivät sekä yksityisiä että julkisia kouluja. Heidät kasvatettiin tiukassa baptistikodissa. Hänen isänsä oli lempeäluonteinen, ja kotitaloutta hallitsivat naiset: Hopperin äiti, isoäiti, sisko ja piika.
Hänen synnyinkotinsa ja lapsuudenkotinsa merkittiin vuonna 2000 National Register of Historic Places -luetteloon. Se toimii nykyään Edward Hopper House Art Center -taidekeskuksena. Se toimii voittoa tavoittelemattomana yhteisön kulttuurikeskuksena, jossa järjestetään näyttelyitä, työpajoja, luentoja, esityksiä ja erityistapahtumia.
Hopper oli hyvä oppilas peruskoulussa ja osoitti jo viisivuotiaana olevansa lahjakas piirtäjä. Hän omaksui helposti isänsä älylliset taipumukset ja rakkauden ranskalaiseen ja venäläiseen kulttuuriin. Hän osoitti myös äitinsä taiteellista perintöä. Hopperin vanhemmat kannustivat häntä taiteeseen ja toimittivat hänelle runsaasti materiaaleja, opettavaisia lehtiä ja kuvitettuja kirjoja. Hopper alkoi ensimmäisen kerran signeerata ja päivätä piirustuksiaan kymmenvuotiaana. Varhaisimpiin näistä piirustuksista kuuluu hiilipiirroksia geometrisista muodoista, kuten maljakosta, kulhosta, kupista ja laatikoista. Valon ja varjon yksityiskohtainen tarkastelu, joka jatkui koko Hopperin uran loppupuolella, on havaittavissa jo näissä varhaisissa töissä. Teini-ikäisenä hän työskenteli tussilla, hiilellä, akvarellilla ja öljyllä piirtäen luonnosta sekä tehden poliittisia pilapiirroksia. Vuonna 1895 hän teki ensimmäisen signeeratun öljyvärimaalauksensa Rowboat in Rocky Cove, jonka hän kopioi harrastelijataiteilijoille suunnatussa The Art Interchange -lehdessä olleesta jäljennöksestä. Hopperin muut varhaisimmat öljyvärimaalaukset, kuten Vanha jäälampi Nyackissa ja hänen noin vuonna 1898 tekemänsä maalaus Laivat, on tunnistettu kopioiksi taiteilijoiden, kuten Bruce Cranen ja Edward Moranin, maalauksista.
Varhaisissa omakuvissaan Hopperilla oli taipumus esittää itsensä laihana, komeilemattomana ja kotoisana. Vaikka Hopper oli pitkä ja hiljainen teini-ikäinen, hänen kepposteleva huumorintajunsa löysi ulospääsynsä taiteessaan, toisinaan maahanmuuttajien kuvauksissa tai naisten dominoidessa miehiä koomisissa tilanteissa. Myöhemmin elämässään hän kuvasi maalaustensa hahmoina useimmiten naisia. Lukioaikana (hän valmistui Nyack High Schoolista vuonna 1899) hän haaveili laivaston arkkitehdin ammatista, mutta valmistumisen jälkeen hän ilmoitti aikovansa seurata taiteen uraa. Hopperin vanhemmat vaativat, että hän opiskelisi kaupallista taidetta, jotta hänellä olisi luotettava toimeentulo. Kehittäessään minäkuvaansa ja individualistista elämänfilosofiaansa Hopper sai vaikutteita Ralph Waldo Emersonin kirjoituksista. Myöhemmin hän sanoi: ”Ihailen häntä suuresti… luen häntä yhä uudelleen ja uudelleen”.
Hopper aloitti taideopinnot kirjekurssilla vuonna 1899. Pian hän siirtyi New York School of Art and Designiin, Parsons The New School for Designin edeltäjään. Siellä hän opiskeli kuusi vuotta opettajiensa, kuten William Merritt Chasen, johdolla, joka opasti häntä öljyvärimaalauksessa. Hopper otti varhain mallia Chasen ja ranskalaisten impressionistien Édouard Manet”n ja Edgar Degasin tyylistä. Luonnostelu elävistä malleista osoittautui haasteeksi ja järkytykseksi konservatiivisesti kasvatetulle Hopperille.
Toinen hänen opettajistaan, taiteilija Robert Henri, opetti elämänkatsomustiedettä. Henri kannusti oppilaitaan käyttämään taidettaan ”herättääkseen huomiota maailmassa”. Hän neuvoi oppilaitaan myös: ”Aihe ei ole tärkeä vaan se, mitä tunnet siitä” ja ”Unohda taide ja maalaa kuvia siitä, mikä sinua elämässä kiinnostaa”. Tällä tavoin Henri vaikutti Hopperiin sekä tuleviin taiteilijoihin George Bellowsiin ja Rockwell Kentiin. Hän kannusti heitä ujuttamaan modernia henkeä töihinsä. Joistakin Henrin piiriin kuuluvista taiteilijoista, kuten John Sloanista, tuli ”The Eight” -ryhmän jäseniä, joka tunnetaan myös nimellä Ashcan School of American Art. Hopperin ensimmäinen säilynyt öljyvärimaalaus, joka antaa viitteitä sisätilojen käytöstä hänen aiheenaan, oli Solitary Figure in a Theater (n. 1904). Opiskeluaikanaan hän maalasi myös kymmeniä alastonkuvia, asetelmapiirroksia, maisemia ja muotokuvia, myös omakuvia.
Vuonna 1905 Hopper sai osa-aikatyön mainostoimistosta, jossa hän loi kansikuvia ammattilehtiin. Hopper alkoi inhota kuvitusta. Taloudellinen pakko sitoi hänet siihen 1920-luvun puoliväliin asti. Hän pakeni tilapäisesti tekemällä kolme matkaa Eurooppaan, joista jokainen suuntautui Pariisiin, muka tutkiakseen sikäläistä taidemaailmaa. Itse asiassa hän opiskeli kuitenkin yksin ja vaikutti siltä, etteivät taiteen uudet virtaukset vaikuttaneet häneen. Myöhemmin hän sanoi, ettei ”muistanut kuulleensa Picassosta lainkaan”. Rembrandt teki häneen suuren vaikutuksen, erityisesti hänen Yövartijansa, jonka hän sanoi olevan ”ihmeellisin näkemäni hänen teoksensa; sen todellisuus on mennyt yli uskomisen”.
Hopper alkoi maalata kaupunki- ja arkkitehtuurikuvia tummalla paletilla. Sitten hän siirtyi impressionistien vaaleampaan palettiin ennen kuin palasi tummempaan palettiin, joka oli hänelle tuttu. Hopper sanoi myöhemmin: ”Pääsin siitä yli, ja myöhemmin Pariisissa tehdyt asiat olivat enemmän sellaisia, joita teen nyt.” Hopper vietti suuren osan ajastaan piirtäen katu- ja kahvilakohtauksia sekä käyden teatterissa ja oopperassa. Toisin kuin monet aikalaisensa, jotka jäljittelivät abstrakteja kubistisia kokeiluja, Hopperia viehätti realistinen taide. Myöhemmin hän myönsi, ettei hänellä ollut muita eurooppalaisia vaikutteita kuin ranskalainen kaivertaja Charles Meryon, jonka tunnelmallisia Pariisin kohtauksia Hopper jäljitteli.
Lue myös, elamakerrat – Leif Erikinpoika
Taistelun vuodet
Palattuaan viimeiseltä Euroopan-matkaltaan Hopper vuokrasi ateljeen New Yorkista, jossa hän kamppaili oman tyylinsä määrittelystä. Vastahakoisesti hän palasi kuvituksen pariin elättääkseen itsensä. Freelancerina Hopper joutui pyytämään projekteja ja koputtelemaan lehtien ja toimistojen oville löytääkseen töitä. Hänen maalaustaiteensa kuihtui: ”Minun on vaikea päättää, mitä haluan maalata. Joskus menen kuukausia löytämättä sitä. Se tulee hitaasti.” Hänen kuvittajakollegansa Walter Tittle kuvaili Hopperin masentunutta tunnetilaa terävämmin, sillä hän näki ystävänsä ”kärsivän… pitkistä jaksoista voittamatonta hitautta, istuen päiviä kerrallaan maalaustuolinsa edessä avuttomassa onnettomuudessa, kykenemättä nostamaan kättään loitsun rikkomiseksi”.
Vuonna 1912 (22. helmikuuta – 5. maaliskuuta) hän oli mukana Robert Henrin aloitteesta järjestetyssä taiteilijaryhmän The Independents -näyttelyssä, mutta hän ei myynyt yhtään teosta.
Vuonna 1912 Hopper matkusti Massachusettsin Gloucesteriin etsimään inspiraatiota ja teki ensimmäiset maalauksensa ulkona Amerikassa. Hän maalasi Squam Lightin, ensimmäisen monista tulevista majakkamaalauksista.
Vuonna 1913 Armory Show”ssa Hopper tienasi 250 dollaria, kun hän myi ensimmäisen maalauksensa Purjehdus (1911) amerikkalaiselle liikemiehelle Thomas F. Vietorille, jonka hän oli maalannut aikaisemman omakuvansa päälle. Hopper oli kolmekymmentäyksi, ja vaikka hän toivoi, että ensimmäinen myynti johtaisi lyhyessä ajassa uusiin, hänen uransa ei lähtenyt käyntiin vielä moneen vuoteen. Hän jatkoi osallistumista ryhmänäyttelyihin pienemmissä tiloissa, kuten New Yorkin MacDowell Clubissa. Pian isänsä kuoleman jälkeen samana vuonna Hopper muutti Manhattanin Greenwich Villagessa sijaitsevaan Washington Square North 3 -asuntoon, jossa hän asui loppuelämänsä.
Seuraavana vuonna hän sai toimeksiannon luoda elokuvajulisteita ja hoitaa erään elokuvayhtiön mainontaa. Vaikka hän ei pitänyt kuvitustyöstä, Hopper oli elinikäinen elokuvan ja teatterin ystävä, ja molempia hän käsitteli maalaustensa aiheina. Kumpikin muoto vaikutti hänen sommittelumenetelmiinsä.
Öljyvärimaalaustensa ollessa umpikujassa Hopper siirtyi vuonna 1915 etsaukseen. Vuoteen 1923 mennessä hän oli tehnyt suurimman osan noin 70 teoksestaan tällä välineellä, joista monet esittivät kaupunkikuvia sekä Pariisista että New Yorkista. Hän valmisti myös joitakin julisteita sotatoimia varten ja jatkoi satunnaisia kaupallisia projekteja. Kun hän pystyi, Hopper teki öljyvärimaalauksia ulkona vieraillessaan Uudessa Englannissa, erityisesti Ogunquitin ja Monhegan Islandin taidekylässä.
1920-luvun alussa hänen etsauksensa alkoivat saada julkista tunnustusta. Niissä ilmeni joitakin hänen myöhempiä aiheitaan, kuten Night on the El Train (pariskunta hiljaisuudessa), Evening Wind (yksinäinen nainen) ja The Catboat (yksinkertainen merikohtaus). Kaksi merkittävää öljyvärimaalausta tältä ajalta olivat New York Interior (1921) ja New York Restaurant (1922). Hän maalasi myös kaksi monista tulevista ”ikkuna”-maalauksistaan: Molemmissa on hahmo (vaatteet päällä tai alasti) asunnon ikkunan lähellä, jota katsotaan ulospäin tai ulkopuolelta sisäänpäin katsovasta näkökulmasta.
Vaikka nämä vuodet olivat turhauttavia, Hopper sai jonkin verran tunnustusta. Vuonna 1918 Hopper sai Yhdysvaltain merenkulkulaitoksen palkinnon sotajulisteestaan ”Smash the Hun”. Hän osallistui kolmeen näyttelyyn: vuonna 1917 Society of Independent Artists -järjestön kanssa, tammikuussa 1920 (yksityisnäyttely Whitney Studio Clubissa, joka oli Whitney Museumin edeltäjä) ja vuonna 1922 (jälleen Whitney Studio Clubissa). Vuonna 1923 Hopper sai kaksi palkintoa etsauksistaan: Chicagon etsaajien yhdistyksen Logan-palkinnon ja W. A. Bryan -palkinnon.
Lue myös, elamakerrat – Alexander Pope
Avioliitto ja läpimurto
Vuoteen 1923 mennessä Hopperin hidas nousu tuotti vihdoin läpimurron. Hän tapasi uudelleen Josephine Nivisonin, taiteilijan ja Robert Henrin entisen oppilaan, kesäisellä maalausmatkalla Massachusettsin Gloucesterissa. He olivat toistensa vastakohtia: hän oli lyhyt, avoin, seurallinen, sosiaalinen ja liberaali, kun taas hän oli pitkä, salamyhkäinen, ujo, hiljainen, sisäänpäin kääntynyt ja konservatiivinen. He menivät naimisiin vuotta myöhemmin taiteilija Guy Pene du Bois”n ollessa heidän bestmaninsa. Hän huomautti: ”Joskus Eddien kanssa puhuminen on kuin pudottaisi kiven kaivoon, paitsi että se ei kolahda, kun se osuu pohjaan.” Hän alisti uransa Eddien uralle ja jakoi Eddien erakoituneen elämäntyylin. Heidän loppuelämänsä pyöri kaupungissa sijaitsevan ylimääräisen asunnon ympärillä ja Cape Codin South Trurossa vietettyjen kesien ympärillä. Nainen hoiti miehen uraa ja haastatteluja, oli hänen tärkein mallinsa ja elämänkumppaninsa.
Nivisonin avulla kuusi Hopperin Gloucester-akvarellia pääsi Brooklyn Museumin näyttelyyn vuonna 1923. Museo osti yhden niistä, The Mansard Roof, pysyvään kokoelmaan 100 dollarilla. Kriitikot olivat yleisesti ottaen haltioissaan hänen töistään; eräs totesi: ”Mikä elinvoima, voima ja suoruus! Katsokaa, mitä kotoisimmalla aiheella voidaan tehdä.” Hopper myi kaikki akvarellinsa seuraavana vuonna järjestetyssä yksityisnäyttelyssä ja päätti vihdoin jättää kuvituksen taakseen.
Taiteilija oli osoittanut kykynsä siirtää Pariisin arkkitehtuuriin kohdistamansa kiinnostuksen amerikkalaiseen kaupunki- ja maaseutuarkkitehtuuriin. Bostonin taidemuseon kuraattori Carol Troyenin mukaan Hopper piti siitä, miten nämä talot torneineen ja torneineen, kuisteineen, mansardikattoineen ja koristeineen heittivät upeita varjoja. Hän sanoi aina, että hänen lempiasiansa oli maalata auringonvaloa talon kyljessä.”
Neljänkymmenenyhden vuoden iässä Hopper sai lisää tunnustusta työstään. Hän jatkoi katkeruutta uraansa kohtaan ja kieltäytyi myöhemmin esiintymisistä ja palkinnoista. Koska Hopperin taloudellinen vakaus oli turvattu tasaisen myynnin ansiosta, hän eli yksinkertaista ja vakaata elämää ja jatkoi taiteen luomista omalla tyylillään vielä neljä vuosikymmentä.
Hänen teoksensa Two on the Aisle (1927) myytiin henkilökohtaisella ennätyshinnalla, 1500 dollarilla, minkä ansiosta Hopper pystyi ostamaan auton, jolla hän teki kenttämatkoja Uuden Englannin syrjäseuduille. Vuonna 1929 hän teki Chop Suey ja Railroad Sunset. Seuraavana vuonna taidemesenaatti Stephen Clark lahjoitti House by the Railroadin (1925) Museum of Modern Artille, joka oli ensimmäinen kokoelmiinsa hankittu öljymaalaus. Hopper maalasi viimeisen omakuvansa öljyllä noin vuonna 1930. Vaikka Josephine poseerasi moniin Hopperin maalauksiin, hän istui vain yhteen miehensä viralliseen öljymuotokuvaan, Jo Painting (1936).
Hopper pärjäsi paremmin kuin monet muut taiteilijat suuren laman aikana. Hänen asemansa nousi jyrkästi vuonna 1931, kun suuret museot, kuten Whitney Museum of American Art ja Metropolitan Museum of Art, maksoivat hänen teoksistaan tuhansia dollareita. Hän myi tuona vuonna 30 maalausta, joista 13 oli akvarelleja. Seuraavana vuonna hän osallistui ensimmäiseen Whitney Annual -näyttelyyn, ja hän jatkoi näyttelyiden pitämistä museon jokaisessa vuosikerrassa loppuelämänsä ajan. Vuonna 1933 Museum of Modern Art antoi Hopperille ensimmäisen suuren retrospektiivisen näyttelynäyttelynsä.
Vuonna 1930 Hoppersit vuokrasivat mökin South Trurosta Cape Codilla. He palasivat sinne joka kesä loppuelämänsä ajan ja rakensivat sinne kesämökin vuonna 1934. Sieltä he tekivät ajomatkoja muille alueille, kun Hopperin oli etsittävä tuoretta materiaalia maalaamiseen. Kesät 1937 ja 1938 pariskunta vietti pitkiä aikoja Wagon Wheels Farmilla South Royaltonissa Vermontissa, jossa Hopper maalasi sarjan akvarelleja White Riverin varrella. Nämä kohtaukset ovat epätyypillisiä Hopperin kypsissä teoksissa, sillä useimmat niistä ovat ”puhtaita” maisemia, joissa ei ole arkkitehtuuria tai ihmishahmoja. First Branch of the White River (1938), joka on nykyään Bostonin Museum of Fine Artsissa, on Hopperin tunnetuin Vermontin maisema.
Hopper oli hyvin tuottelias 1930-luvulla ja 1940-luvun alussa, ja hän tuotti monien tärkeiden teostensa ohella muun muassa New York Movie (1939), Girlie Show (1941), Nighthawks (1942), Hotel Lobby (1943) ja Morning in a City (1944). 1940-luvun loppupuolella hän kuitenkin kärsi suhteellisen toimettomuuden jaksosta. Hän myönsi: ”Kunpa voisin maalata enemmän. Kyllästyn lukemiseen ja elokuvissa käymiseen.” Kahden seuraavan vuosikymmenen aikana hänen terveytensä horjui, ja hän joutui useisiin eturauhasleikkauksiin ja muihin lääketieteellisiin ongelmiin. Mutta 1950-luvulla ja 1960-luvun alussa hän loi vielä useita merkittäviä teoksia, kuten First Row Orchestra (ja Intermission vuonna 1963.
Lue myös, elamakerrat – Aleksanteri VI
Kuolema
Hopper kuoli luonnollisista syistä studiossaan lähellä Washington Squarea New Yorkissa 15. toukokuuta 1967. Hänet haudattiin kaksi päivää myöhemmin sukuhautaan Oak Hillin hautausmaalle Nyackissa, New Yorkissa, hänen syntymäpaikallaan. Hänen vaimonsa kuoli kymmenen kuukautta myöhemmin, ja hänet on haudattu hänen kanssaan.
Hänen vaimonsa testamenttasi heidän yhteisen, yli kolmetuhatta teosta käsittävän kokoelmansa Whitney Museum of American Artille. Muita merkittäviä Hopperin maalauksia on New Yorkin Museum of Modern Artissa, Des Moines Art Centerissä ja Chicagon Art Institute of Chicagossa.
Lue myös, elamakerrat – Leo von Caprivi
Persoonallisuus ja visio
Aina haluton keskustelemaan itsestään ja taiteestaan, Hopper sanoi vain: ”Koko vastaus on siellä kankaalla.” Hän ei halunnut puhua itsestään ja taiteestaan. Hopper oli stoalainen ja fatalistinen – hiljainen, sisäänpäin kääntynyt mies, jolla oli lempeä huumorintaju ja suorapuheinen käytös. Hopper oli joku, jota veti puoleensa vertauskuvallinen, anti-narratiivinen symboliikka, joka ”maalasi lyhyitä yksittäisiä konfiguraatiohetkiä, jotka olivat kyllästettyjä suggestiolla”. Hänen hiljaiset tilansa ja levottomat kohtaamiset ”koskettavat meitä siellä, missä olemme haavoittuvaisimpia”, ja niissä on ”melankolian vihjaus, ja melankolia on toteutunut”. Hänen väritajunsa paljasti hänet puhtaaksi maalariksi, sillä hän ”muutti puritaanin puristiksi rauhallisissa kankaissaan, joissa virheet ja siunaukset ovat tasapainossa”. Kriitikko Lloyd Goodrichin mukaan hän oli ”erinomaisen kotimainen maalari, joka sai enemmän kuin kukaan muu amerikkalaista laatua kankaisiinsa”.
Konservatiivinen politiikassa ja yhteiskunnallisissa asioissa (Hopper esimerkiksi väitti, että ”taiteilijoiden elämästä pitäisi kirjoittaa heidän läheisensä”), hän hyväksyi asiat sellaisina kuin ne olivat ja osoitti idealismin puutetta. Hän oli sivistynyt ja sivistynyt, hän oli hyvin lukenut, ja monissa hänen maalauksissaan näkyy lukevia hahmoja. Hän oli yleensä hyvässä seurassa eikä hiljaisuus häirinnyt häntä, vaikka joskus hän olikin hiljainen, kärttyisä tai välinpitämätön. Hän suhtautui aina vakavasti taiteeseensa ja muiden taiteeseen, ja kun häneltä kysyttiin, hän esitti rehellisiä mielipiteitä.
Hopperin systemaattisin julistus filosofiastaan taiteilijana oli käsinkirjoitettu muistio ”Statement”, joka toimitettiin vuonna 1953 Reality-lehteen:
Suuri taide on taiteilijan sisäisen elämän ulkoinen ilmaus, ja tämä sisäinen elämä johtaa hänen henkilökohtaiseen näkemykseensä maailmasta. Mikään taitava keksintö ei voi korvata mielikuvituksen keskeistä elementtiä. Yksi abstraktin maalaustaiteen heikkouksista on yritys korvata yksityinen mielikuvituksellinen käsitys ihmisälyn keksinnöillä.
Vaikka Hopper väitti, ettei hän tietoisesti sisällyttänyt maalauksiinsa psykologisia merkityksiä, hän oli syvästi kiinnostunut Freudista ja alitajunnan voimasta. Hän kirjoitti vuonna 1939: ”Niin suuri osa kaikesta taiteesta on alitajunnan ilmaisua, että minusta näyttää siltä, että suurin osa tärkeistä ominaisuuksista laitetaan sinne tiedostamatta ja että tietoinen järki laittaa sinne vain vähän tärkeitä ominaisuuksia.”
Hopper kiinnitti erityistä huomiota geometriseen suunnitteluun ja ihmishahmojen huolelliseen sijoittamiseen tasapainoon ympäristönsä kanssa. Hän oli hidas ja järjestelmällinen taiteilija; kuten hän kirjoitti: ”Idean syntyminen kestää kauan. Sitten minun on mietittävä sitä pitkään. Aloitan maalaamisen vasta, kun olen saanut kaiken valmiiksi mielessäni. Olen kunnossa, kun pääsen maalaustelineelle”. Hän teki usein alustavia luonnoksia tarkkaan laskettujen sommitelmiensa laatimiseksi. Hän ja hänen vaimonsa pitivät teoksistaan yksityiskohtaista kirjanpitoa, johon he merkitsivät muun muassa ”valaisemattoman naisen surulliset kasvot”, ”katosta tuleva sähkövalo” ja ”reidet viileämmät”.
New York Moviea (1939) varten Hopper osoitti perusteellista valmistautumistaan yli 53 luonnoksella teatterin sisätiloista ja mietteliään vahtimestarin hahmosta.
Valon ja varjon tehokas käyttö tunnelman luomiseksi on myös keskeistä Hopperin menetelmissä. Kirkkaalla auringonvalolla (oivalluksen tai ilmestyksen vertauskuvana) ja sen heittämillä varjoilla on myös symbolisesti voimakas rooli Hopperin maalauksissa, kuten Early Sunday Morning (1930), Summertime (1943), Seven A.M. (1948) ja Sun in an Empty Room (1963). Hopperin valo- ja varjotehosteiden käyttöä on verrattu film noir -elokuviin.
Vaikka Hopper oli realistinen maalari, hänen ”pehmeä” realisminsa yksinkertaisti muotoja ja yksityiskohtia. Hän käytti tyydyttyneitä värejä kontrastin lisäämiseksi ja tunnelman luomiseksi.
Lue myös, historia-fi – Suuri nälänhätä 1315–1317
Aiheet ja teemat
Hopper sai aiheensa kahdesta ensisijaisesta lähteestä: ensinnäkin amerikkalaisen elämän yleisistä piirteistä (ja toiseksi meri- ja maaseutumaisemista). Tyylinsä osalta Hopper määritteli itsensä ”monien rotujen sekoitukseksi” eikä kuulunut mihinkään koulukuntaan, varsinkaan ”Ashcan Schooliin”. Kun Hopper oli saavuttanut kypsän tyylinsä, hänen taiteensa pysyi johdonmukaisena ja itsenäisenä huolimatta lukuisista taidesuuntauksista, jotka tulivat ja menivät hänen pitkän uransa aikana.
Hopperin merimaisemat jakautuvat kolmeen pääryhmään: puhtaat maisemat, joissa on kallioita, merta ja rantaruohoa, majakat ja maalaistalot sekä purjeveneet. Joskus hän yhdisteli näitä elementtejä. Useimmat näistä maalauksista kuvaavat voimakasta valoa ja kaunista säätä; hän ei ollut juurikaan kiinnostunut lumi- tai sadekohtauksista tai vuodenaikojen värimuutoksista. Suurimman osan puhtaista merimaisemista hän maalasi vuosina 1916-1919 Monhegan Islandilla. Hopperin The Long Leg (1935) on lähes kokonaan sininen purjehduskuva, jossa on yksinkertaisimmat elementit, kun taas hänen Ground Swell (1939) on monimutkaisempi ja kuvaa ryhmää nuoria purjehtimassa, aihe muistuttaa Winslow Homerin ikonista Breezing Up (1876).
Kaupunkiarkkitehtuuri ja kaupunkikuvat olivat myös Hopperin tärkeitä aiheita. Häntä kiehtoi amerikkalainen kaupunkikuvasto, ”kotimainen arkkitehtuurimme kammottavine kauneuksineen, fantastisine kattoineen, pseudogootti-, ranskalais-, mansard-, kolonial-, sekarotuisia tai mitä tahansa, silmiä hivelevine väreineen tai haalistuneen maalin hennoine harmonioineen, jotka asettuvat toisiaan vastakkain pitkin loputtomia katuja, jotka kapenevat suohon tai kaatopaikoiksi.”
Vuonna 1925 hän tuotti House by the Railroadin. Tässä klassikkoteoksessa kuvataan eristäytynyttä viktoriaanista puukartanoa, joka on osittain rautatien korotetun pengerryksen peittämä. Se merkitsi Hopperin taiteellista kypsyyttä. Lloyd Goodrich kehui teosta ”yhdeksi koskettavimmista ja lohduttomimmista realismin teoksista”. Teos on ensimmäinen karujen maaseutu- ja kaupunkikohtausten sarjassa, jossa käytetään teräviä linjoja ja suuria muotoja, joihin epätavallinen valaistus vaikuttaa vangitakseen kohteiden yksinäisen tunnelman. Vaikka kriitikot ja katsojat tulkitsevat näissä kaupunkikuvissa merkityksiä ja tunnelmia, Hopper vakuutti: ”Minua kiinnosti enemmän auringonvalo rakennuksissa ja hahmoissa kuin mikään symboliikka.” Kuin todisteena tästä hänen myöhäinen maalauksensa Sun in an Empty Room (1963) on puhdas tutkimus auringonvalosta.
Suurin osa Hopperin hahmomaalauksista keskittyy ihmisen ja ympäristön hienovaraiseen vuorovaikutukseen, joka tapahtuu yksin, pareittain tai ryhmissä. Hopperin ensisijaisia tunneteemoja ovat yksinäisyys, yksinäisyys, katumus, tylsyys ja resignaatio. Hän ilmaisee näitä tunteita erilaisissa ympäristöissä, kuten toimistossa, julkisilla paikoilla, asunnoissa, tien päällä tai lomalla. Hopper sijoittaa hahmonsa ikään kuin hän loisi stillkuvia elokuvaan tai taulukoita näytelmään, ikään kuin ne olisi kuvattu juuri ennen tai jälkeen kohtauksen huipennuksen.
Hopperin yksinäiset hahmot ovat enimmäkseen naisia – pukeutuneita, puoliksi pukeutuneita ja alastomia – jotka usein lukevat tai katsovat ulos ikkunasta tai ovat työpaikalla. Hopper maalasi 1920-luvun alussa ensimmäiset tällaiset kuvansa Tyttö ompelukoneen ääressä (1921), New York Interior (toinen nainen ompelemassa) (1921) ja Moonlight Interior (alaston nainen sänkyyn menossa) (1923). Automaatti (1927) ja Hotellihuone (1931) edustavat kuitenkin enemmän Hopperin kypsää tyyliä ja korostavat yksinäisyyttä avoimemmin.
Kuten Hopper-tutkija Gail Levin kirjoitti Hotel Roomista:
Vapaat pystysuorat ja diagonaaliset värikaistat ja terävät sähköiset varjot luovat yöhön tiiviin ja intensiivisen draaman… Yhdistämällä koskettavan aiheen näin voimakkaaseen muodolliseen järjestelyyn Hopperin sommittelu on tarpeeksi puhdasta lähestyäkseen lähes abstraktia herkkyyttä, mutta silti se on kerrostunut runollisella merkityksellä katsojalle.
Hopperin Huone New Yorkissa (1932) ja Cape Codin ilta (1939) ovat esimerkkejä hänen ”pari”-maalauksistaan. Ensimmäisessä taulussa nuori pariskunta vaikuttaa vieraantuneelta ja kommunikaatiokyvyttömältä – Hopper lukee sanomalehteä, kun nainen istuu pianon ääressä. Katsoja omaksuu tirkistelijän roolin, ikään kuin katselisi kaukoputkella asunnon ikkunan läpi vakoillakseen pariskunnan läheisyyden puutetta. Jälkimmäisessä maalauksessa vanhempi pariskunta, jolla ei ole paljon sanottavaa toisilleen, leikkii koiransa kanssa, jonka oma huomio kiinnittyy pois isänniltään. Hopper vie pariskunta-teeman kunnianhimoisemmalle tasolle teoksessa Excursion into Philosophy (1959). Keski-ikäinen mies istuu masentuneena sängyn reunalla. Hänen vieressään makaa avattu kirja ja osittain pukeutunut nainen. Valoakseli valaisee miehen edessä olevaa lattiaa. Jo Hopper merkitsi päiväkirjaansa: ”Avoin kirja on Platon, joka on luettu uudelleen liian myöhään”.
Levin tulkitsee maalauksen:
Platonin filosofin on todellista ja todellista etsiessään käännyttävä pois tästä ohimenevästä maailmasta ja mietittävä ikuisia muotoja ja ideoita. Hopperin maalauksen mietteliäs mies on asettunut naisen esittämän maallisen alueen houkutuksen ja eteerisen valoputouksen edustaman korkeamman henkisen alueen kutsun väliin. Tuska, joka aiheutuu tämän valinnan ja sen seurausten pohtimisesta Platonin koko yön kestäneen lukemisen jälkeen, on ilmeinen. Melankolisen kiihkeä sisäinen työ lamaannuttaa hänet.
Toisessa ”pariskunta”-maalauksessaan Office at Night (1940) Hopper luo psykologisen arvoituksen. Maalauksessa mies keskittyy työpapereihinsa, kun hänen viehättävä naispuolinen sihteerinsä vetää lähistöllä kansiota. Useat maalausta varten tehdyt tutkimukset osoittavat, miten Hopper kokeili näiden kahden hahmon sijoittelua, ehkäpä lisätäkseen eroottisuutta ja jännitystä. Hopper esittää katsojalle mahdollisuuden, että mies on joko todella kiinnostumaton naisen vetovoimasta tai että hän tekee kovasti töitä sivuuttaakseen naisen. Toinen mielenkiintoinen piirre maalauksessa on se, miten Hopper käyttää kolmea valonlähdettä: pöytälamppua, ikkunan kautta tulevaa valoa ja epäsuoraa valoa ylhäältä. Hopper teki myöhemmin useita ”toimisto”-maalauksia, mutta ei muita, joissa olisi aistillinen pohjavire.
Hopperin tunnetuin maalaus, Nighthawks (1942), on yksi hänen ryhmäkuvistaan. Siinä asiakkaat istuvat yöravintolan tiskillä. Muodot ja diagonaalit on rakennettu huolellisesti. Näkökulma on elokuvamainen – jalkakäytävältä, ikään kuin katsoja lähestyisi ravintolaa. Kuppilan kova sähkövalo erottaa sen ulkona vallitsevasta pimeästä yöstä ja korostaa tunnelmaa ja hienovaraista tunnetta. Kuten monissa Hopperin maalauksissa, vuorovaikutus on vähäistä. Kuvattu ravintola on saanut inspiraationsa Greenwich Villagessa sijaitsevasta ravintolasta. Sekä Hopper että hänen vaimonsa poseerasivat kuvissa, ja Jo Hopper antoi maalaukselle sen nimen. Inspiraatio kuvaan on saattanut olla peräisin Ernest Hemingwayn novellista ”The Killers”, jota Hopper ihaili suuresti, tai filosofisemmasta ”A Clean, Well-Lighted Place” -teoksesta. Maalauksen tunnelma on joskus tulkittu sodanaikaisen ahdistuksen ilmaisuksi. Maalauksensa otsikon mukaisesti Hopper sanoi myöhemmin, että Nighthawks liittyy enemmänkin petoeläinten mahdollisuuteen yössä kuin yksinäisyyteen.
Hänen toiseksi tunnetuin maalauksensa Nighthawksin jälkeen on toinen urbaani maalaus, Early Sunday Morning (alkuperäiseltä nimeltään Seventh Avenue Shops), jossa näkyy tyhjä katukohtaus terävässä sivuvalaistuksessa, ja palopostia ja parturipylvästä on käytetty ihmishahmojen sijaisina. Alun perin Hopperin tarkoituksena oli sijoittaa hahmoja yläkerran ikkunoihin, mutta hän jätti ne tyhjiksi korostaakseen lohduttomuuden tunnetta.
Hopperin Uuden Englannin maaseutumaisemat, kuten Gas (1940), ovat yhtä merkityksellisiä. Gas edustaa ”erilaista, yhtä puhdasta, hyvin valaistua turvapaikkaa … ke avoinna niitä tarvitseville, kun he kulkevat yön läpi, matkustaen omia kilometrejään ennen nukkumaanmenoa”. Teoksessa yhdistyvät useat Hopperin teemat: yksinäinen hahmo, hämärän melankolia ja yksinäinen tie.
Hopper lähestyy surrealismia teoksessaan Rooms by the Sea (1951), jossa avoimesta ovesta avautuu näkymä merelle ilman näkyviä tikkaita tai portaita eikä mitään viitteitä rannasta.
Opiskeluaikojensa jälkeen Hopperin alastonkuvat olivat kaikki naisia. Toisin kuin aiemmat taiteilijat, jotka maalasivat naisten alastonkuvia ihannoidakseen naisen muotoa ja korostaakseen naisen eroottisuutta, Hopperin alastonkuvat ovat yksinäisiä naisia, jotka ovat psykologisesti alttiita. Yksi rohkea poikkeus on Girlie Show (1941), jossa punatukkainen striptease-kuningatar astelee itsevarmasti lavan poikki kuopiossa olevien muusikoiden säestyksellä. Girlie Show sai inspiraationsa Hopperin vierailusta burleskiesityksessä muutamaa päivää aiemmin. Hopperin vaimo poseerasi hänelle tavalliseen tapaansa maalausta varten ja merkitsi päiväkirjaansa: ”Ed aloittaa uuden kankaan – burleskikuningatar strippiteatteria tekemässä – ja minä poseeraan ilman tikkiä hellan edessä – pelkät korkokengät lotossa tanssiposeerauksessa.” Hopperin vaimo oli myös poseerannut maalausta varten.
Hopperin muotokuvia ja omakuvia oli suhteellisen vähän hänen opiskeluaikojensa jälkeen. Hopper teki kuitenkin tilaustyönä ”muotokuvan” talosta, The MacArthurs” Home (1939), jossa hän kuvaa uskollisesti näyttelijä Helen Hayesin kodin viktoriaanista arkkitehtuuria. Hän kertoi myöhemmin: ”En kai ole koskaan elämässäni tavannut ihmisvihamielisempää, äreämpää yksilöä”. Hopper nurisi koko projektin ajan eikä enää koskaan hyväksynyt tilausta. Hopper maalasi myös Portrait of Orleans (1950), ”muotokuvan” Cape Codin kaupungista sen pääkadulta.
Vaikka Hopper oli hyvin kiinnostunut Amerikan sisällissodasta ja Mathew Bradyn taistelukenttäkuvista, hän teki vain kaksi historiallista maalausta. Molemmat kuvasivat sotilaita matkalla Gettysburgiin. Hänen aiheistaan harvinaisia ovat myös toimintaa esittävät maalaukset. Paras esimerkki toimintamaalauksesta on Bridle Path (1939), mutta Hopperin kamppailu hevosten oikean anatomian kanssa on saattanut lannistaa hänet vastaavista yrityksistä.
Hopperin viimeisessä öljyvärimaalauksessa Kaksi komediaa (1966), joka on maalattu vuotta ennen hänen kuolemaansa, keskitytään hänen rakkauteensa teatteriin. Kaksi ranskalaista pantomiiminäyttelijää, toinen mies ja toinen nainen, molemmat pukeutuneina kirkkaanvalkoisiin pukuihin, kumartavat pimeän näyttämön edessä. Jo Hopper vahvisti, että hänen miehensä tarkoitti hahmojen viittaavan siihen, että he tekevät elämänsä viimeiset kumarrukset yhdessä aviomiehenä ja vaimona.
Hopperin maalausten on usein katsottu sisältävän kerronnallisen tai temaattisen sisällön, jota taiteilija ei välttämättä ole tarkoittanut. Maalauksen otsikko voi antaa maalaukselle paljon merkitystä, mutta Hopperin maalausten otsikot ovat joskus muiden valitsemia tai Hopperin ja hänen vaimonsa valitsemia tavalla, joka tekee epäselväksi, onko niillä mitään todellista yhteyttä taiteilijan merkitykseen. Esimerkiksi Hopper kertoi kerran haastateltavalle, että hän ”piti Early Sunday Morning -teoksesta… mutta se ei välttämättä ollut sunnuntai. Tuon sanan oli joku muu takertunut siihen myöhemmin”.
Taipumus lukea Hopperin maalauksiin temaattista tai narratiivista sisältöä, jota Hopper ei ollut tarkoittanut, ulottui jopa hänen vaimoonsa. Kun Jo Hopper kommentoi Cape Cod Morning -teoksen hahmoa: ”Se on nainen, joka katsoo ulos katsomaan, onko sää tarpeeksi hyvä pyykkien ripustamiseen”, Hopper vastasi: ”Sanoinko minä niin?”. Teet siitä Norman Rockwellin. Minun näkökulmastani hän vain katsoo ulos ikkunasta.” Toinen esimerkki samasta ilmiöstä on kirjattu vuoden 1948 Time-lehden artikkeliin:
Hopperin Kesäilta, jossa nuori pariskunta keskustelee mökin kuistin karussa valossa, on väistämättä romanttinen, mutta Hopperia loukkasi erään kriitikon ehdotus, jonka mukaan se kelpaisi kuvitukseksi ”mihin tahansa naistenlehteen”. Hopperilla oli maalaus takaraivossaan ”20 vuotta, enkä koskaan ajatellut laittaa hahmoja siihen, ennen kuin aloitin viime kesänä. Miksi kuka tahansa taiteellinen johtaja repisi kuvan kappaleiksi. Minua eivät kiinnostaneet hahmot, vaan valon virtaaminen alaspäin ja yö ympärillä.”
Lue myös, elamakerrat – Lorenzo di Credi
Paikka amerikkalaisessa taiteessa
Keskittymällä ensisijaisesti hiljaisiin hetkiin ja esittämällä hyvin harvoin toimintaa Hopper käytti toisen johtavan amerikkalaisen realistin, Andrew Wyethin, omaksumaa realismin muotoa, mutta Hopperin tekniikka poikkesi täysin Wyethin hyperdetaljoidusta tyylistä. Joidenkin aikalaistensa kanssa Hopper jakoi urbaanin herkkyytensä John Sloanin ja George Bellowsin kanssa, mutta vältti heidän avointa toimintaansa ja väkivaltaa. Siinä missä Joseph Stella ja Georgia O”Keeffe ihastuttivat kaupungin monumentaalisia rakenteita, Hopper pelkisti ne arkipäiväisiksi geometrisiksi kuviksi, ja hän kuvasi kaupungin sykettä pikemminkin lohduttomana ja vaarallisena kuin ”tyylikkäänä tai viettelevänä”.
Charles Burchfield, jota Hopper ihaili ja johon häntä verrattiin, sanoi Hopperista, että ”hän saavuttaa niin täydellisen totuudenmukaisuuden, että hänen tulkintoihinsa taloista ja käsityksiin New Yorkin elämästä voi lukea mitä tahansa inhimillisiä merkityksiä haluaa”. Hopperin menestys johtui hänen mukaansa myös hänen ”rohkeasta individualismistaan”. … Hänessä olemme saaneet takaisin sen jämäkän amerikkalaisen itsenäisyyden, jonka Thomas Eakins antoi meille, mutta joka oli jonkin aikaa menetetty.” Hopper piti tätä suurena kohteliaisuutena, sillä hän piti Eakinsia suurimpana amerikkalaisena taidemaalarina.
Hopper-tutkija Deborah Lyons kirjoittaa: ”Omat ilmestyshetkemme heijastuvat usein hänen teoksissaan, ylitsepääsemättöminä. Kun Hopperin tulkinnat on nähty, ne ovat tietoisuudessamme rinnakkain oman kokemuksemme kanssa. Näemme ikuisesti tietynlaisen talon Hopperin talona, johon on kenties sijoitettu mysteeri, jonka Hopper istutti omaan näkemykseemme.” Hopperin maalaukset nostavat esiin näennäisen arkisia ja tyypillisiä kohtauksia jokapäiväisessä elämässämme ja antavat niille aihetta oivallukseen. Näin Hopperin taide ottaa karun amerikkalaisen maiseman ja yksinäiset huoltoasemat ja luo niihin kauniin odotuksen tunteen.
Vaikka Hopperia verrattiin aiheiltaan aikalaisensa Norman Rockwellin kanssa, hän ei pitänyt vertailusta. Hopper piti itseään hienovaraisempana, vähemmän kuvittavana eikä todellakaan sentimentaalisena. Hopper torjui myös vertailut Grant Woodiin ja Thomas Hart Bentoniin toteamalla: ”Mielestäni American Scene -maalarit karrikoivat Amerikkaa. Minä halusin aina tehdä itseni”.
Lue myös, elamakerrat – Claudius
Vaikutusvalta
Hopperin vaikutus taidemaailmaan ja populaarikulttuuriin on kiistaton; katso lukuisten esimerkkien osalta § Populaarikulttuurissa. Vaikka hänellä ei ollut virallisia oppilaita, monet taiteilijat ovat maininneet hänet vaikutteekseen, kuten Willem de Kooning, Jim Dine ja Mark Rothko. Yksi esimerkki Hopperin vaikutuksesta on Rothkon varhainen teos Composition I (n. 1931), joka on suora parafraasi Hopperin Chop Suey -teoksesta.
Hopperin elokuvamaiset sommitelmat ja valon ja pimeyden dramaattinen käyttö ovat tehneet hänestä elokuvantekijöiden suosikin. Esimerkiksi House by the Railroadin kerrotaan vaikuttaneen suuresti Alfred Hitchcockin Psycho-elokuvan ikoniseen taloon. Saman maalauksen on myös mainittu vaikuttaneen Terrence Malickin elokuvan Days of Heaven (Taivaan päivät) kotiin. Vuonna 1981 valmistuneessa elokuvassa Pennies from Heaven (Pennies from Heaven) on Nighthawksin tableau vivant, jossa pääosanäyttelijät ovat ruokailijoiden paikoilla. Myös saksalainen ohjaaja Wim Wenders mainitsee Hopperin vaikutuksen. Hänen vuonna 1997 valmistuneessa elokuvassaan Väkivallan loppu on myös näyttelijöiden uudelleenluoma tableau vivant Nighthawksista. Tunnettu surrealistinen kauhuelokuvaohjaaja Dario Argento meni niin pitkälle, että hän loi Nighthawksin ruokalan ja sen asiakkaat uudelleen osana vuoden 1976 elokuvansa Deep Red (alias Profondo Rosso) lavastusta. Ridley Scott on maininnut saman maalauksen Blade Runnerin visuaalisena inspiraationa. Vuoden 2002 elokuvan Road to Perdition kohtausten valaistusta varten ohjaaja Sam Mendes käytti Hopperin maalauksia inspiraation lähteenä, erityisesti New York Movie -elokuvaa.
Julistekaupoista ja lahjatavarakaupoista löytyy usein Nighthawksin kunnianosoituksia, joissa on sarjakuvahahmoja tai kuuluisia pop-kulttuurin ikoneita, kuten James Dean ja Marilyn Monroe. Kaapelitelevisiokanava Turner Classic Movies esittää joskus Hopperin maalauksiin perustuvia animaatioita ennen elokuviensa esittämistä. Musiikillisia vaikutteita ovat muun muassa laulaja
Runoudessa Hopperin maalaukset ovat inspiroineet lukuisia runoja, jotka ovat tyypillisesti eläviä kuvauksia ja dramatisointeja; tätä tyylilajia kutsutaan ekfraasiksi. Lukuisien Hopperin innoittamien yksittäisten runojen lisäksi useat runoilijat ovat kirjoittaneet Hopperin maalauksiin perustuvia kokoelmia. Ranskalainen runoilija Claude Esteban kirjoitti proosarunokokoelman Soleil dans une pièce vide (Soleil dans une pièce vide) (Aurinko tyhjässä huoneessa, 1991), joka perustuu neljäänkymmeneenseitsemään Hopperin maalaukseen vuosilta 1921-1963, ja joka päättyy teokseen Aurinko tyhjässä huoneessa (1963), mistä myös teoksen nimi. Runot dramatisoivat kukin Hopperin maalauksen ja kuvittelivat tarinan sen takana. Kirja voitti Prix France Culture -palkinnon vuonna 1991. Kahdeksan runoa – Ground Swell, Girl at Sewing Machine, Compartment C, Car 293, Nighthawks, South Carolina Morning, House by the Railroad, People in the Sun ja Roofs of Washington Square – on sittemmin säveltäjä Graciane Finzi sävelsi, ja laulaja Natalie Dessay levytti ne luettuna hänen albumilleen Portraits of America (2016), johon niitä täydennettiin valitsemalla kymmenen muuta Hopperin maalausta ja lauluja amerikkalaisesta laulukirjasta niiden kanssa. Vastaavasti espanjalainen runoilija Ernest Farrés kirjoitti katalaaniksi viisikymmentäyksi runokokoelman nimellä Edward Hopper (2006, englanninkielisen käännöksen 2010 tehnyt Lawrence Venuti), ja James Hoggard kirjoitti Triangles of Light: The Edward Hopper Poems (Wings Press, 2009). Eri runoilijoiden kokoelma järjestettiin teoksessa The Poetry of Solitude: A Tribute to Edward Hopper 1995 (toimittaja Gail Levin). Yksittäisiä runoja ovat muun muassa Byron Vazakas (1957) ja John Stone (1985) Early Sunday Morningin innoittamana ja Mary Leader Girl at Sewing Machinein innoittamana.
Lue myös, historia-fi – Ukrainan sosialistinen neuvostotasavalta
Näyttelyt
Vuonna 1980 Edward Hopperin näyttely Edward Hopper: The Art and the Artist avattiin Whitney Museum of American Artissa, ja se vieraili Lontoossa, Düsseldorfissa ja Amsterdamissa sekä San Franciscossa ja Chicagossa. Näyttelyssä esiteltiin ensimmäistä kertaa Hopperin öljyvärimaalauksia yhdessä teosten valmistelujen kanssa. Tämä oli Hopperin suosion alku Euroopassa ja hänen suuren maailmanlaajuisen maineensa alku.
Vuonna 2004 suuri valikoima Hopperin maalauksia kiersi Euroopassa, ja se vieraili Museum Ludwigissa Kölnissä ja Tate Modernissa Lontoossa. Tate-näyttelystä tuli gallerian historian toiseksi suosituin näyttely, jossa kävi 420 000 kävijää kolmen kuukauden aikana.
Vuonna 2007 Bostonin Museum of Fine Artsissa järjestettiin näyttely, jossa keskityttiin Hopperin suurimpien saavutusten ajanjaksoon noin vuodesta 1925 vuosisadan puoliväliin. Näyttelyssä oli viisikymmentä öljymaalausta, kolmekymmentä akvarellimaalausta ja kaksitoista grafiikkaa, mukaan lukien suosikit Nighthawks, Chop Suey ja Lighthouse and Buildings. Näyttelyn järjestivät Bostonin Museum of Fine Arts, Washingtonin National Gallery of Art ja Chicagon Art Institute, ja sitä sponsoroi maailmanlaajuinen liikkeenjohdon konsulttiyritys Booz Allen Hamilton.
Vuonna 2010 Sveitsin Lausannessa sijaitseva Eremitaasimuseo (Fondation de l”Hermitage) järjesti Hopperin koko uran kattavan näyttelyn, jonka teokset olivat suurelta osin peräisin New Yorkin Whitney-museosta. Näyttelyssä oli maalauksia, akvarelleja, etsauksia, pilapiirroksia, julisteita sekä joitain valittujen maalausten valmisteluaiheita. Näyttely oli aiemmin nähty Milanossa ja Roomassa. Vuonna 2011 The Whitney Museum of American Art järjesti näyttelyn nimeltä Edward Hopper and His Times.
Vuonna 2012 Pariisin Grand Palais”ssa avattiin näyttely, joka pyrki valottamaan Hopperin mestariteosten monitahoisuutta, mikä on osoitus Hopperin teoksen rikkaudesta. Näyttely oli jaettu kronologisesti kahteen pääosaan: ensimmäinen osa käsitteli Hopperin muotoutumisvuosia (1900-1924), ja siinä verrattiin hänen töitään aikalaistensa töihin ja Pariisissa näkemäänsä taiteeseen, joka on saattanut vaikuttaa häneen. Toisessa osassa tarkasteltiin Hopperin kypsän iän taidetta ensimmäisistä hänen persoonallista tyyliään ilmentävistä maalauksista, kuten House by the Railroad (1924), aina hänen viimeisiin teoksiinsa.
Vuonna 2020 Fondation Beyeler järjesti Hopperin taidetta esittelevän näyttelyn. Näyttelyssä keskityttiin Hopperin ”ikonisiin kuvauksiin amerikkalaisten maisemien ja kaupunkimaisemien äärettömästä laajuudesta”. Tähän näkökohtaan on harvoin viitattu näyttelyissä, vaikka se on keskeinen ainesosa Hopperin työn ymmärtämisessä.
Lue myös, elamakerrat – Michael Curtiz
Taidemarkkinat
Hopperin teoksia on harvoin markkinoilla. Taiteilija ei ollut tuottelias, sillä hän maalasi vain 366 maalausta. 1950-luvulla, 70-vuotiaana, hän teki noin viisi maalausta vuodessa. Hopperin pitkäaikainen jälleenmyyjä Frank Rehn, joka järjesti taiteilijalle ensimmäisen yksityisnäyttelynsä vuonna 1924, myi vuonna 1957 Hotel Windowin (1956) keräilijä Olga Knoepkelle 7 000 dollarilla (vastaa 64 501 dollaria vuonna 2020). Vuonna 1999 Forbes Collection myi sen yksityisesti näyttelijä Steve Martinille noin 10 miljoonalla dollarilla. Vuonna 2006 Martin myi sen 26,89 miljoonalla dollarilla Sotheby”s New Yorkissa, mikä oli taiteilijan huutokauppaennätys.
Vuonna 2013 Pennsylvanian taideakatemia asetti Hopperin East Wind Over Weehawken (1934) -maalauksen myyntiin toivoen saavansa maalauksen arvoksi 22-28 miljoonaa dollaria, jotta se voisi perustaa rahaston, jonka tarkoituksena olisi hankkia arvoa nostavaa nykytaidetta. Se on tummilla, maanläheisillä sävyillä toteutettu katukohtaus, joka kuvaa New Jerseyn Weehawkenissa sijaitsevan 1001 Boulevard Eastin ja 49th Streetin kulmassa sijaitsevaa harjakattoista taloa. Sitä pidetään yhtenä Hopperin parhaista teoksista. Se hankittiin suoraan taiteilijan maalauksia käsittelevältä jälleenmyyjältä vuonna 1952, viisitoista vuotta ennen taiteilijan kuolemaa, erittäin edulliseen hintaan. Maalaus myytiin New Yorkissa Christie”sissä ennätyksellisellä 36 miljoonan dollarin hinnalla nimettömälle puhelinhuutajalle.
Vuonna 2018, kun taidekeräilijä Barney A. Ebsworth kuoli ja monet hänen kokoelmansa teokset huutokaupattiin, Chop Suey (1929) myytiin 92 miljoonalla dollarilla, ja siitä tuli kallein Hopperin teos, joka on koskaan ostettu huutokaupasta.
Sen lisäksi, että Hopperilla on vaikutusvaltaa (ks. § Vaikutusvalta), häneen viitataan usein populaarikulttuurissa.
Whitney Museum of American Artin tuottama Brian O”Dohertyn dokumenttielokuva Hopper”s Silence esitettiin vuonna 1981 New Yorkin elokuvajuhlilla Alice Tully Hallissa.
Itävaltalainen ohjaaja Gustav Deutsch loi vuonna 2013 elokuvan Shirley – Visions of Reality, joka perustuu 13 Edward Hopperin maalaukseen.
Muita Hopperin maalauksiin perustuvia tai niiden innoittamia teoksia ovat muun muassa Tom Waitsin vuonna 1975 julkaistu albumi Nighthawks at the Diner ja Gail Albert Halabanin vuonna 2012 julkaisema valokuvasarja.
Kirjassa (1985, 1998) ja kiertonäyttelyssä Hopper”s Places Gail Levin paikallisti ja valokuvasi monien Hopperin maalausten paikat. Vivien Raynor kirjoitti New York Timesissa vuonna 1985 arvostelussaan Levinin järjestämästä näyttelystä: ”Neiti Levinin johtopäätökset ovat poikkeuksetta valaisevia, kuten silloin, kun hän päättelee, että Hopperin taipumus pidentää rakenteita oli heijastusta hänen omasta suuresta pituudestaan.”
New wave -yhtye Orchestral Manoeuvres in the Darkin vuonna 1985 ilmestyneellä Crush-albumilla on useiden Hopperin maalausten, kuten Early Sunday Morning, Nighthawks ja Room in New York, inspiroima kuvitus. Yhtyeen vuoden 2013 single ”Night Cafe” sai vaikutteita Nighthawksista ja mainitsee Hopperin nimeltä. Seitsemän hänen maalaustaan mainitaan kappaleen sanoituksissa.
New Yorkin kaupunginooppera esitti itärannikon ensi-iltansa Stewart Wallacen ”Hopper”s Wife” – kamarioopperan Edward Hopperin ja juorukolumnisti Hedda Hopperin kuvitteellisesta avioliitosta vuonna 1997 Harlem Stagella vuonna 2016.
Irlantilainen kirjailija Christine Dwyer Hickey julkaisi vuonna 2019 romaanin The Narrow Land, jossa Edward ja Jo Hopper ovat keskeisiä hahmoja.
Paul Weller sisällytti kappaleen nimeltä ”Hopper” vuoden 2017 albumilleen A Kind Revolution.
lähteet
