Ellsworth Kelly
gigatos | 16 helmikuun, 2022
Yhteenveto
Ellsworth Kelly (31. toukokuuta 1923 – 27. joulukuuta 2015) oli yhdysvaltalainen taidemaalari, kuvanveistäjä ja taidegrafiikan tekijä, joka liittyi kovan reunan maalaukseen, värikenttämaalaukseen ja minimalismiin. Hänen teoksensa osoittavat vaatimattomia, viivaa, väriä ja muotoa korostavia tekniikoita, jotka muistuttavat John McLaughlinin ja Kenneth Nolandin töitä. Kelly käytti usein kirkkaita värejä. Hän asui ja työskenteli Spencertownissa, New Yorkissa.
Kelly syntyi Allan Howe Kellyn ja Florence Rose Elizabeth (Githens) Kellyn kolmen lapsen toisena poikana Newburghissa, New Yorkissa, noin 60 mailia New Yorkista pohjoiseen. Hänen isänsä oli vakuutusyhtiön johtaja, joka oli skotlantilais-irlantilaista ja saksalaista syntyperää. Hänen äitinsä oli entinen opettaja, joka oli walesilaista ja pennsylvanialaissaksalaista sukua. Perhe muutti Newburghista New Jerseyn Oradelliin, joka on lähes 7 500 asukkaan kaupunki. Hänen perheensä asui lähellä Oradellin tekojärveä, jossa isänpuoleinen isoäiti tutustutti hänet ornitologiaan hänen ollessaan kahdeksan tai yhdeksänvuotias.
Siellä hän kehitti intohimonsa muotoa ja väriä kohtaan. John James Audubon vaikutti erityisen voimakkaasti Kellyn työhön koko hänen uransa ajan. Kirjailija Eugene Goossen arveli, että kaksi- ja kolmiväriset maalaukset (kuten Three Panels: Red Yellow Blue, I 1963), joista Kelly on niin tunnettu, ovat peräisin hänen lintujen tarkkailustaan ja niiden kaksi- ja kolmiväristen lintujen tutkimisesta, joita hän näki niin usein jo nuorena. Kelly on sanonut olleensa nuorena poikana usein yksin, ja hänestä tuli jonkinlainen ”yksinäinen”. Hänellä oli lievä änkytys, joka jatkui teini-ikään asti.
Kelly kävi julkista koulua, jossa taideluokissa painotettiin materiaaleja ja pyrittiin kehittämään ”taiteellista mielikuvitusta”. Tämä opetussuunnitelma oli tyypillistä laajemmalle kouluopetuksen suuntaukselle, joka oli syntynyt Columbia-yliopiston opettajakorkeakoulun, jossa amerikkalainen modernistimaalari Arthur Wesley Dow oli opettanut, edistyksellisistä kasvatusteorioista. Vaikka hänen vanhempansa olivat vastahakoisia tukemaan Kellyn taidekoulutusta, hänen koulunopettajansa Dorothy Lange Opsut kannusti häntä jatkamaan. Koska hänen vanhempansa maksoivat vain teknisen koulutuksen, Kelly opiskeli ensin Brooklynin Pratt-instituutissa, jota hän kävi vuodesta 1941 siihen asti, kunnes hänet värvättiin armeijaan uudenvuodenpäivänä 1943.
Astuessaan Yhdysvaltain armeijan palvelukseen vuonna 1943 Kelly pyysi päästä 603. pioneeripataljoonan naamiointipataljoonaan, joka otti monia taiteilijoita. Hänet otettiin palvelukseen Fort Dixissä, New Jerseyssä, ja hänet lähetettiin Camp Haleen, Coloradoon, jossa hän harjoitteli vuoristohiihtoryhmien kanssa. Hän ei ollut koskaan aiemmin hiihtänyt. Kuusi-kahdeksan viikkoa myöhemmin hänet siirrettiin Fort Meadeen, Marylandiin. Toisen maailmansodan aikana hän palveli muiden taiteilijoiden ja suunnittelijoiden kanssa harhautusyksikössä, joka tunnettiin nimellä The Ghost Army. Ghost-sotilaat käyttivät ilmatäytteisiä tankkeja, kuorma-autoja ja muita huijauselementtejä harhauttaakseen akselivaltojen joukkoja liittoutuneiden joukkojen suunnasta ja sijoittelusta. Hänen altistumisestaan sotilasnaamioinnille palvelusaikanaan tuli osa hänen taiteen peruskoulutustaan. Kelly palveli yksikössä vuodesta 1943 sodan Euroopan-vaiheen loppuun asti.
Kelly käytti G.I. Bill -rahaa opiskellakseen vuosina 1946-47 Bostonin Museum of Fine Artsin koulussa, jossa hän hyödynsi museon kokoelmia, ja sen jälkeen École nationale supérieure des Beaux-Artsissa Pariisissa. Bostonissa ollessaan hän osallistui ensimmäiseen ryhmänäyttelyynsä Boris Mirskin galleriassa ja opetti taideluokkia Norfolk House Centerissä Roxburyssa. Pariisissa Kelly vakiinnutti estetiikkansa. Hän osallistui tunneille harvoin, mutta uppoutui Ranskan pääkaupungin rikkaisiin taiteellisiin resursseihin. Hän oli kuullut Max Beckmannin luennon ranskalaisesta taiteilijasta Paul Cézannesta vuonna 1948 ja muutti samana vuonna Pariisiin. Siellä hän tapasi amerikkalaiset John Cagen, joka kokeili musiikkia, ja Merce Cunninghamin, joka kokeili tanssia, ranskalaisen surrealistitaiteilijan Jean Arpin sekä abstraktin kuvanveistäjän Constantin Brâncușin, jonka luonnonmuotojen yksinkertaistaminen vaikutti häneen pysyvästi. Alberto Magnellin, Francis Picabian, Alberto Giacomettin ja Georges Vantongerloon kaltaisten taiteilijoiden vierailut heidän ateljeissaan olivat mullistavia.
Kuuden vuoden ulkomailla olon jälkeen Kellyn ranskan kielen taito oli edelleen heikko, ja hän oli myynyt vain yhden maalauksen. Vuonna 1953 hän sai häädön ateljeestaan ja palasi seuraavana vuonna Amerikkaan. Hän oli kiinnostunut lukiessaan arvostelun Ad Reinhardtin näyttelystä, taiteilijan, jonka työhön hän tunsi oman työnsä liittyvän. Palattuaan New Yorkiin hän huomasi taidemaailman ”hyvin kovaksi”. Vaikka Kellyä pidetään nykyään keskeisenä uudistajana ja amerikkalaisen taiteen liikkeen tekijänä, monien oli vaikea löytää yhteyttä Kellyn taiteen ja vallitsevien tyylisuuntien välillä. Toukokuussa 1956 Kelly piti ensimmäisen New Yorkin näyttelynsä Betty Parsonsin galleriassa. Hänen taidettaan pidettiin eurooppalaisempana kuin mitä New Yorkissa tuolloin oli suosittua. Hän näytti uudelleen Paronsonin galleriassa syksyllä 1957. Kolme hänen teoksistaan: Atlantic, Bar ja Painting in Three Panels, valittiin ja esitettiin Whitney Museum of American Artin näyttelyssä ”Young America 1957”. Hänen teoksiaan pidettiin radikaalisti erilaisina kuin muiden kahdenkymmenen yhdeksän taiteilijan teoksia. Esimerkiksi Painting in Three Panels sai erityistä huomiota; tuolloin kriitikot kyseenalaistivat hänen luomansa teoksen kolmesta kankaasta. Esimerkiksi Michael Plante on todennut, että useimmiten Kellyn monitauluteokset olivat ahtaita asennusrajoitusten vuoksi, mikä vähensi teosten ja huoneen arkkitehtuurin välistä vuorovaikutusta.
Kelly muutti lopulta pois Coenties Slipistä, jossa hän oli joskus jakanut studion taiteilijatoverinsa ja ystävänsä Agnes Martinin kanssa, kerrostalon yhdeksänteen kerrokseen.
Kelly lähti New Yorkista Spencertowniin vuonna 1970, ja hänen kumppaninsa, valokuvaaja Jack Shear, liittyi häneen vuonna 1984. Vuodesta 2001 kuolemaansa asti Kelly työskenteli Spencertownissa sijaitsevassa 20 000 neliömetrin studiossa, jota arkkitehti Richard Gluckman oli muokannut ja laajentanut. Kelly ja Shear muuttivat vuonna 2005 asuinpaikkaan, jonka he jakoivat taidemaalarin kuolemaan asti, noin vuonna 1815 rakennettuun puuverhoiltuun kolonialistiseen taloon. Shear toimii Ellsworth Kelly Foundationin johtajana. Vuonna 2015 Kelly lahjoitti rakennussuunnitelmansa mietiskelypaikkaa varten Blanton Museum of Artille Texasin yliopistossa Austinissa. Austiniksi nimetty, 2 715 neliömetrin kokoinen kivirakennus – jossa on värillisiä lasi-ikkunoita, toteemimainen puuveistos ja mustavalkoisia marmoripaneeleita – on ainoa Kellyn suunnittelema rakennus, ja se on hänen monumentaalisin teoksensa. Austin, jonka Kelly suunnitteli kolmekymmentä vuotta aiemmin, avattiin helmikuussa 2018.
Kelly kuoli New Yorkin Spencertownissa 27. joulukuuta 2015, 92-vuotiaana.
Lue myös, elamakerrat – Max Beckmann
Maalaus
Pariisissa ollessaan Kelly oli jatkanut hahmomaalausta, mutta toukokuussa 1949 hän teki ensimmäiset abstraktit maalauksensa. Hän tarkkaili valon hajoamista veden pinnalla ja maalasi Seine-maalauksen (1950), joka koostui sattumanvaraisesti asetelluista mustavalkoisista suorakulmioista. Vuonna 1951 hän aloitti kahdeksan kollaasin sarjan nimeltä Spectrum Colors Arranged by Chance I-VIII. Hän loi sen käyttämällä numeroituja paperilappuja; kukin viittasi väriin, yhteen kahdeksastatoista eri sävystä, jotka sijoitettiin 40 tuumaa kertaa 40 tuumaa kokoiseen ruudukkoon. Jokaisessa kahdeksassa kollaasissa käytettiin erilaista prosessia.
Kellyn löydettyä Monet”n myöhäistuotannon vuonna 1952 hän sai uutta maalauksellista ilmaisun vapautta: hän alkoi työskennellä erittäin suurissa formaateissa ja tutki sarjallisuuden ja yksivärimaalauksen käsitteitä. Maalarina hän työskenteli siitä lähtien yksinomaan abstraktisti. 1950-luvun loppupuolella hänen maalauksensa korosti muotoa ja tasomaisia massoja (usein ei-suoralinjaisia formaatteja). Hänen tämän ajanjakson työnsä toimivat myös hyödyllisenä siltana 1930-luvun ja 1940-luvun alun amerikkalaisen geometrisen abstraktion etujoukosta 1960-luvun puolivälin ja 1970-luvun minimalismiin ja reduktiiviseen taiteeseen. Esimerkiksi Kellyn reliefimaalaus Blue Tablet (1962) oli mukana vuoden 1963 Juutalaisessa museossa järjestetyssä, uraauurtavassa näyttelyssä Toward a New Abstraction (Kohti uutta abstraktiota).
1960-luvulla hän alkoi työskennellä epäsäännöllisen kulmikkailla kankailla. Yellow Piece (1966), taiteilijan ensimmäinen muotoiltu kangas, edustaa Kellyn ratkaisevaa irtautumista suorakulmaisesta alustasta ja maalauksen hahmon uudelleenmäärittelyä.
1970-luvulla hän lisäsi kaarevia muotoja repertuaariinsa. Vihreä valkoinen (1968) merkitsee kolmion ensiesiintymistä Kellyn teoksessa, muodon, joka toistuu koko hänen uransa ajan; maalaus koostuu kahdesta erillisestä, muotoillusta yksivärisestä kankaasta, jotka on asennettu päällekkäin: suuri, käänteinen, vihreä puolisuunnikas on sijoitettu pystysuoraan pienemmän valkoisen kolmion yläpuolelle muodostaen uuden geometrisen kokoonpanon.
Lähdettyään New Yorkista Spencertowniin vuonna 1970 hän vuokrasi entisen teatterin läheisestä Chathamin kaupungista, jossa hän saattoi työskennellä studiossa, joka oli tilavampi kuin yksikään hänen aiemmin käyttämänsä. Työskenneltyään siellä vuoden ajan Kelly aloitti 14 maalauksen sarjan, josta tuli Chatham-sarja. Jokainen teos on muodoltaan käänteinen ell, ja se koostuu kahdesta yhteen liitetystä kankaasta, joista jokainen on yksivärinen ja erivärinen. Teosten mittasuhteet ja paletti vaihtelevat toisistaan; kunkin taulun kokoon ja valittuun väriin kiinnitettiin tarkkaa huomiota tasapainon ja kontrastin aikaansaamiseksi näiden kahden taulun välillä.
Suurempi, kahdentoista teoksen sarja, jonka Kelly aloitti vuonna 1972 ja sai valmiiksi vasta vuonna 1983, oli alun perin suunniteltu sodanvastaiseksi kannanotoksi, ja se on väritön. Vuonna 1979 hän käytti käyrää erillisistä paneeleista tehdyissä kaksivärisissä maalauksissa.
Myöhemmissä maalauksissaan Kelly tislasi palettiaan ja otti käyttöön uusia muotoja. Jokaisessa teoksessa hän aloitti suorakaiteen muotoisesta kankaasta, jonka hän maalasi huolellisesti useilla kerroksilla valkoista maalia; sen päälle asetettiin muotoiltu, useimmiten mustaksi maalattu kangas.
Omaan työhönsä viitaten Kelly sanoi haastattelussa vuonna 1996: ”Luulen, että me kaikki haluamme taiteelta pysyvyyden tunnetta, tunnetta, joka vastustaa jokapäiväisen elämän kaaosta. Tämä on tietysti illuusio. Kangas mätänee. Maali vaihtaa väriä. Mutta sinä yrität jäädyttää maailmaa ikään kuin voisit saada sen kestämään ikuisesti. Tavallaan olen yrittänyt vangita virtauksen todellisuutta, pitää taiteen avoimena, epätäydellisenä tilanteena, päästä näkemisen riemuun.”
Kelly kommentoi: ”Tajusin, etten halunnut säveltää kuvia … halusin löytää ne. Minusta tuntui, että näkemykseni oli valita asioita maailmasta ja esittää ne. Minua kiinnosti eniten havaintojen tutkiminen. Oli niin paljon nähtävää, ja kaikki näytti minusta fantastiselta.”
Lue myös, sivilisaatiot – Maurya-valtakunta
Litografiat ja piirustukset
Kelly tarjosi piirroksia kasveista ja kukista 1940-luvun lopulta lähtien. Ailanthus (1948) on hänen ensimmäinen Bostonissa tekemänsä kasvipiirustus, Hyacinth (1949) oli ensimmäinen Pariisissa tekemänsä piirustus. Vuodesta 1949 alkaen Pariisissa asuessaan (ja Henri Matissen ja Jean Arpin vaikutuksesta tähän aihevalintaan) hän alkoi piirtää yksinkertaisia kasvi- ja levämuotoja. Kasvitutkimukset ovat suurimmaksi osaksi lehtien, varsien ja kukkien ääriviivapiirroksia, jotka on tehty puhtailla lyijykynän tai kynän vedoilla ja keskitetty sivulle.
Hän aloitti taidegrafiikan tekemisen 1960-luvun puolivälissä, jolloin hän valmisti Pariisissa Maeght Éditeur -yhtiön kanssa 27 litografian sarjan (1964-66). Tuolloin hän loi ensimmäisen kasvilitografiaryhmänsä. Vuodesta 1970 lähtien hän teki yhteistyötä pääasiassa Gemini G.E.L:n kanssa. Hänen ensimmäinen 28 siirtolitografian sarjansa, nimeltään Suite of Plant Lithographs, oli alku 72 vedokselle ja lukemattomille lehtipiirroksille. Vuonna 1971 hän sai valmiiksi neljä painosta vedoksia ja painoksen moninkertaisesta Mirrored Concorde -teoksesta Gemini G.E.L:ssä. Hänen Purple
Lue myös, taistelut – Cannaen taistelu
Veistos
Vaikka Kelly tunnetaankin paremmin maalauksistaan, hän työskenteli koko uransa ajan myös kuvanveiston parissa. Vuonna 1958 Kelly suunnitteli yhden ensimmäisistä puuveistoksistaan, Concorde Relief I:n (1958), joka on vaatimattoman mittakaavaisen, jalavasta valmistetun seinäreliefin, jossa tutkitaan kahden päällekkäin asetetun suorakulmaisen muodon visuaalista leikkiä ja tasapainoa, kun ylimmän muodon oikeanpuoleinen yläkulma ja vasemmanpuoleinen alakulma on poistettu. Hän teki uransa aikana 30 puuveistosta. Vuodesta 1959 lähtien hän loi vapaasti seisovia taitettuja veistoksia. Rocker-sarja sai alkunsa vuonna 1959 Kellyn keskusteltua satunnaisesti Agnes Martinin kanssa, joka asui hänen alapuolellaan Coenties Slipissä Lower Manhattanilla. Leikitellen kahvikupin paperikannella Kelly leikkasi ja taitteli pyöreästä esineestä osan, jonka hän sitten asetti pöydälle ja keinutti sitä edestakaisin. Pian tämän jälkeen hän rakensi ensimmäisen pyöreän veistoksensa, Pony. Nimi viittaa lapsen harrastehevoseen, jossa on kaarevat keinutuet.
Vuonna 1973 Kelly alkoi tehdä säännöllisesti suuria ulkoveistoksia. Kelly luopui maalatuista pinnoista ja valitsi sen sijaan lakkaamattoman teräksen, alumiinin tai pronssin, usein toteemimaisiksi kokoonpanoiksi, kuten Curve XXIII (1981). Hänen vapaasti seisovien veistostensa toteemimaiset muodot voivat olla jopa 15 jalkaa korkeita, mutta hänen seinäreliefinsä voivat olla yli 14 jalkaa leveitä. Kellyn veistosten ”perustana on sen pitäytyminen absoluuttiseen yksinkertaisuuteen ja muodon selkeyteen”. 1980-luvun veistoksiaan varten taiteilija käytti tänä Spencertownissa viettämänsä ajanjakson aikana ensimmäistä kertaa yhtä paljon energiaa veistoksiinsa kuin maalaamiseensa ja tuotti samalla yli kuusikymmentä prosenttia yhteensä 140 veistoksestaan.
Kelly loi teoksiaan käyttäen peräkkäisiä ideoita eri muodoissa. Hän saattoi aloittaa piirustuksesta, parantaa piirustusta luodakseen vedoksen, ottaa vedoksen ja luoda siitä vapaasti seisovan teoksen, josta sitten tehtiin veistos. Hänen veistostensa on tarkoitus olla täysin yksinkertaisia ja niitä voi tarkastella nopeasti, usein vain yhdellä silmäyksellä. Katsoja tarkkailee sileitä, tasaisia pintoja, jotka ovat eristäytyneet ympäröivästä tilasta. Tämä tasaisuuden ja minimalismin tuntu tekee etu- ja taustan eron erottamisen vaikeaksi. Kellyn Blue Disc -teos oli mukana New Yorkin juutalaisessa museossa vuonna 1966 järjestetyssä tärkeässä Primary Structures -näyttelyssä monien paljon nuorempien taiteilijoiden rinnalla, jotka olivat juuri aloittamassa työskentelyä minimaalisten muotojen parissa.
Lue myös, elamakerrat – Antonin Artaud
Tyyli
William Rubin totesi, että ”Kellyn kehitys oli ollut päättäväisesti sisäisesti ohjattua: se ei ollut reaktio abstraktiin ekspressionismiin eikä tulosta vuoropuhelusta aikalaistensa kanssa.” Monet hänen maalauksistaan koostuvat yhdestä (yleensä kirkkaasta) väristä, ja jotkut kankaista ovat epäsäännöllisen muotoisia, joita kutsutaan joskus ”muotoilluiksi kankaiksi”. Hänen maalauksissaan ja muotoiltujen kankaidensa muodossa näkyvä viivan laatu on hyvin hienovaraista ja viittaa täydellisyyteen. Tämä käy ilmi hänen teoksessaan Block Island Study (1959).
Lue myös, elamakerrat – Jean-Baptiste Camille Corot
Vaikutukset
Kellyn sotilastaustan on arveltu olevan syynä hänen teostensa vakavuuteen. Palvelusaikanaan armeijassa Kelly tutustui naamiointiin, jonka parissa hänen pataljoonansa työskenteli, ja se vaikutti häneen. Tämä opetti hänelle muodon ja varjon käyttöä sekä näkyvän rakentamista ja purkamista. Se oli olennainen osa hänen varhaista taiteilijakoulutustaan. Ralph Coburn, Kellyn ystävä Bostonista, esitteli hänelle automaattisen piirtämisen tekniikan vieraillessaan Pariisissa. Kelly omaksui tämän tekniikan, jossa kuva tehdään katsomatta paperiarkkia. Nämä tekniikat auttoivat Kellyä höllentämään piirtotyyliään ja laajensivat hänen hyväksyntäänsä sille, mitä hän piti taiteena. Viimeisen Pariisissa vietetyn vuoden aikana Kelly oli sairas ja kärsi myös masennuksesta; Sims arveli, että tämä vaikutti siihen, että hän käytti tuona aikana pääasiassa mustaa ja valkoista.
Kellyn ihailu Henri Matissea ja Pablo Picassoa kohtaan näkyy hänen töissään. Hän harjaantui näkemään asioita eri tavoin ja työskentelemään eri välineillä heidän innoittamana. Piet Mondrian vaikutti epäobjektiivisiin muotoihin, joita hän käytti sekä maalauksissaan että veistoksissaan. Kelly sai ensimmäisen vaikutteensa romaanisen ja bysanttilaisen aikakauden taiteesta ja arkkitehtuurista opiskellessaan Pariisissa. Surrealismiin ja uusplastisismiin tutustuminen vaikutti hänen työhönsä ja sai hänet kokeilemaan geometristen muotojen abstraktiota.
Lue myös, elamakerrat – George H. W. Bush
Kuratointi
Vuonna 2014 Kelly järjesti Matissen piirustusten näyttelyn Mount Holyoke College Art Museumissa South Hadleyssä, Massachusettsissa. Vuonna 2015 hän kuratoi Monet
Vuonna 1990 Kelly kuratoi näyttelyn ”Artist”s Choice: Ellsworth Kelly Fragmentation and the Single Form” (Ellsworth Kellyn fragmentaatio ja yhtenäinen muoto) Museum of Modern Artissa.
Vuonna 1956 hän tapasi Robert Indianan, joka muutti samaan rakennukseen, ja heistä tuli kumppaneita. Kellystä tuli hänen mentorinsa. He erosivat noin vuonna 1964. Yksi syy oli Indianan sanojen käyttö maalauksissaan, ja Kelly katsoi, ettei tällainen tekniikka ollut korkeataiteen arvoista.
Vuodesta 1984 kuolemaansa asti Kelly asui miehensä, valokuvaaja Jack Shearin kanssa, joka toimii Ellsworth Kelly Foundationin johtajana.
Kellyn ensimmäinen yksityisnäyttely järjestettiin Galerie Arnaud”ssa Pariisissa vuonna 1951. Hänen ensimmäinen yksityisnäyttelynsä New Yorkissa järjestettiin Betty Parsonsin galleriassa vuonna 1956. Vuonna 1957 hän esitti teoksiaan ryhmänäyttelyssä Ferus Galleriassa Los Angelesissa. Vuonna 1959 hän oli mukana Museum of Modern Artin uraauurtavassa näyttelyssä Sixteen Americans. Kelly kutsuttiin osallistumaan São Paulon biennaaliin vuonna 1961. Myöhemmin hänen töitään oli mukana documentassa vuosina 1964, 1968, 1977 ja 1992. Hänen maalauksiaan sisältävä huone oli mukana Venetsian biennaalissa vuonna 2007.
Kellyn ensimmäinen retrospektiivinen näyttely järjestettiin Museum of Modern Artissa vuonna 1973. Hänen työnsä on sittemmin saanut tunnustusta lukuisissa retrospektiivisissä näyttelyissä, muun muassa New Yorkin Whitney Museum of American Artin veistosnäyttelyssä vuonna 1982, paperille painettujen teosten näyttelyssä ja grafiikan näyttelyssä, joka kiersi laajalti Yhdysvalloissa ja Kanadassa vuosina 1987-1988, sekä Solomon R. Guggenheim -museon vuonna 1996 järjestämässä uran retrospektiivisessä näyttelyssä, joka kiersi Los Angelesin nykytaiteen museossa, Lontoon Tate-galleriassa ja Münchenin Haus der Kunstissa. Tämän jälkeen Kellyn töitä on ollut yksityisnäyttelyissä Metropolitan Museum of Artissa New Yorkissa (1998), Fogg Art Museumissa Cambridgessa (1999), San Franciscon Museum of Modern Artissa (1988), New Yorkissa (1998) ja San Franciscossa (1988).
Vuonna 1993 Galerie nationale du Jeu de Paume Pariisissa järjesti näyttelyn ”Ellsworth Kelly: Vuonna 2008 Musée d”Orsay kunnioitti Kellyä näyttelyllä ”Correspondences: Paul Cézanne Ellsworth Kelly”. Haus der Kunstissa oli vuonna 2012 ensimmäinen kattava retrospektiivinen näyttely Kellyn mustavalkoisista teoksista.
Taiteilijan 90-vuotissyntymäpäivänä vuonna 2013 Washingtonissa sijaitseva National Gallery of Art järjesti näyttelyn hänen grafiikastaan, Philadelphiassa sijaitseva Barnes-säätiö kokosi näyttelyyn viisi veistosta, Washingtonissa sijaitseva Phillips Collection esitteli hänen paneelimaalauksiaan ja Museum of Modern Art avasi Chatham-sarjan näyttelyn.
Lue myös, historia-fi – Aleksandrian kirjasto
Valitut yksityisnäyttelyt
Vuonna 1957 Kelly sai toimeksiannon valmistaa 65-metrisen seinäveistoksen Philadelphian Penn Centerin Transportation Buildingiin, joka oli hänen siihen mennessä suurin teoksensa. Suurelta osin unohdettu veistos nimeltä Sculpture for a Large Wall (1957) purettiin lopulta. Kelly on sittemmin tehnyt useita julkisia tilauksia, kuten Wright Curve (1966), teräsveistos, joka on suunniteltu pysyväksi asennettavaksi Guggenheimin Peter B. Lewis Theateriin, seinämaalauksen Unescon päämajaan Pariisissa vuonna 1969, Curve XXII (vuonna 1985 I. M. Guggenheimin toimeksiannosta) ja Curve XXII (vuonna 1985 I. M. Guggenheimin teatterin toimeksiannosta). Pein toimeksiannosta Raffles City -rakennusta varten Singaporessa; Houstonin triptyykki, korkeaan betoniin asennetut pystysuorat pronssitasot Museum of Fine Artsissa Houstonissa vuonna 1986; Totem (Dallas Panels (veistos Nestlén pääkonttoriin Veveyssä Sveitsissä vuonna 1989; Gaul (kaksiosainen muistomerkki Yhdysvaltain holokaustin muistomuseoon Washingtonissa, vuonna 1993; ja suurikokoiset Berliinin paneelit Saksan liittopäiville Berliiniin vuonna 1998. Bostonissa sijaitsevaan John Joseph Moakley United States Courthouseen (Henry N. Cobbin suunnittelema) hän suunnitteli Boston Panels -teoksen, joka koostuu 21:stä loistavan värisestä alumiinipaneelista, jotka on asennettu keskimmäiseen rotundaan yhtenä teoksena koko rakennukseen.
Kellyn kaksiruutuinen Blue Black (2001), 28 jalkaa korkea ja maalatusta hunajakennoalumiinista valmistettu teos tilattiin Pulitzer Arts Foundationille St. Louisiin, ja suurikokoinen pronssinen Untitled (2005) tilattiin erityisesti Phillips Collectionin pihalle. Vuonna 2005 Kelly sai ainoan paikkakohtaisen teoksen Renzo Pianolta Chicagon taideinstituutin moderniin siipeen. Hän loi White Curve -teoksen, suurimman koskaan tekemänsä seinäveistoksen, joka on ollut esillä vuodesta 2009. Kelly asensi Berlin Totem -nimisen 40-metrisen ruostumattomasta teräksestä valmistetun veistoksen Yhdysvaltain Berliinin suurlähetystön pihalle vuonna 2008. Myöhemmin hän teki 12 värillisestä nauhasta koostuvan verhon Spectrum VIII (2014) Pariisissa sijaitsevan Louis Vuitton -säätiön auditorioon.
Vuonna 1986 Kelly suunnitteli ensimmäisen vapaasti seisovan rakennuksensa yksityiselle keräilijälle, mutta sitä ei koskaan toteutettu. Vasta vuonna 2015 Blanton Museum of Art hankki hänen suunnittelemansa 2 715 neliömetrin kokoisen kivirakennuksen, johon sisältyi 14 mustavalkoista marmoripaneelia ja värillisiä lasi-ikkunoita, ja suunnitteli sen rakentamista museon alueelle Texasin yliopistossa Austinissa. Rakennus avattiin yleisölle 18. helmikuuta 2018. Taide- ja arkkitehtuuriteos Austinia pidetään Kellyn uran huipentumana.
Kelly sai vuonna 1968 toimeksiannon luoda suuren ulkoveistoksen Nelson A. Rockefellerin Empire State Plaza -taidekokoelmaan Albanyyn, New Yorkiin. Yellow Blue -niminen veistos sai inspiraationsa Empire State Plazan puitteista, ja se on Kellyn suurin pystyssä seisova veistos, joka on yhdeksän metriä korkea ja lähes kuusitoista metriä leveä. Yellow Blue oli hänen ensimmäinen teräsveistoksensa, ja se on toistaiseksi ainoa maalattu teräsveistos.
Vuonna 1957 Whitney Museum of American Art osti maalauksen Atlantic, jossa oli kaksi valkoista aaltomaista kaarta mustaa vasten; se oli Kellyn ensimmäinen museo-ostos. Nykyään hänen teoksiaan on monissa julkisissa kokoelmissa, muun muassa Pariisin Centre Pompidoussa, Madridin Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofíassa, Albanyssa, New Yorkissa sijaitsevassa kuvernööri Nelson A. Rockefellerin Empire State Plazan taidekokoelmassa ja Lontoon Tate Modernissa. Vuonna 1999 San Franciscon modernin taiteen museo ilmoitti ostaneensa 22 Ellsworth Kellyn teosta, maalauksia, seinäreliefejä ja veistoksia. Niiden arvo on arvioitu yli 20 miljoonaksi dollariksi. Vuonna 2003 Menil Collection sai Kellyn Tabletin, 188 kehystettyä paperiteosta, mukaan lukien luonnoksia, työpiirustuksia ja kollaaseja. Merkittäviä yksityisiä keräilijöitä ovat muun muassa Eli Broad ja Gwyneth Paltrow.
Kelly on myös saanut lukuisia kunniatohtorin arvonimiä, muun muassa Bard Collegesta (Harvardin yliopisto, Cambridge) ja Williams Collegesta (2005).
Lue myös, elamakerrat – Thomas Newcomen
Kelly postimerkit
Yhdysvaltain postilaitos ilmoitti tammikuussa 2019, että Kellyn taidetta kunnioittava postimerkkisarja julkaistaisiin vuonna 2019. USPS:n lehdistötiedotteessa tunnustetaan, että Kelly on ollut edelläkävijä ”omaleimaisessa abstraktiotyylissä, joka perustuu todellisiin elementteihin, jotka on pelkistetty niiden olennaisiin muotoihin”. Kymmenen teosta on edustettuna, muun muassa Keltainen valkoinen, Colors for a Large Wall, Sinipunainen rokkari, Spectrum I, South Ferry, Sinivihreä, Oranssipunainen reliefi (Delphine Seyrigille), Meschers, Punainen sininen ja Gaza. Postimerkkisarja lasketaan liikkeeseen 31. toukokuuta 2019.
Jälleenmyyjä Betty Parsons tarjosi hänelle ensimmäisen kerran yksityisnäyttelyä vuonna 1956. Vuonna 1965, kun hän oli työskennellyt Parsonsin kanssa lähes kymmenen vuotta, hän aloitti näyttelyt Sidney Janisin galleriassa. 1970- ja 1980-luvuilla hänen töitään hoitivat yhdessä Leo Castelli ja Blum Helman New Yorkissa. Vuonna 1992 hän liittyi Matthew Marksin galleriaan New Yorkissa ja Los Angelesissa sekä Anthony d”Offayn galleriaan Lontoossa. Marksin Los Angelesin gallerian julkisivu on saanut inspiraationsa Study for Black and White Panels -kollaasista, jonka hän teki asuessaan Pariisissa vuonna 1954, sekä maalauksesta Black Over White. Vuodesta 1964 lähtien hän tuotti vedoksia ja painettuja veistoksia Gemini G.E.L. -yrityksessä Los Angelesissa ja Tyler Graphics Ltd:ssä New Yorkin lähellä.
Vuonna 2014 Kellyn maalaus Red Curve (1982) myytiin huutokaupassa Christie”s New Yorkissa 4,5 miljoonalla dollarilla. Kyseisen Ellsworth Kellyn teoksen huutokauppaennätyksen teki 13-osainen maalaus Spectrum VI (1969), joka myytiin 5,2 miljoonalla dollarilla Sotheby”s New Yorkin nykytaiteen iltamyynnissä 14. marraskuuta 2007.
Marraskuussa 2019 Christie”s teki taiteilijan huutokauppaennätyksen teoksella Red Curve VII, joka myytiin 9,8 miljoonalla dollarilla.
lähteet
