James McNeill Whistler
gigatos | 26 tammikuun, 2022
Yhteenveto
James Abbott McNeill Whistler RBA (11. heinäkuuta 1834 – 17. heinäkuuta 1903) oli yhdysvaltalainen taidemaalari, joka toimi Yhdysvaltain kulta-aikakaudella ja asui pääasiassa Yhdistyneessä kuningaskunnassa. Hän vältti maalaustaiteessa sentimentaalisuutta ja moraalisia viittauksia ja oli ”taide taiteen vuoksi” -periaatteen johtava kannattaja. Hänen maalaustensa tunnusmerkki oli tyylitelty perhonen, jolla on pitkä pyrstö. Symboli yhdisti hänen persoonallisuutensa molemmat puolet: hänen taiteelleen on ominaista hienovarainen herkkyys, kun taas hänen julkinen persoonansa oli taistelutahtoinen. Hän piti maalaustaiteen ja musiikin välisiä yhtäläisyyksiä ja nimesi monet maalauksensa ”sovituksiksi”, ”harmonioiksi” ja ”nocturnes” korostaen tonaalisen harmonian ensisijaisuutta. Hänen tunnetuin maalauksensa Arrangement in Grey and Black No. 1 (1871), joka tunnetaan yleisesti nimellä Whistlerin äiti, on kunnioitettu ja usein parodioitu muotokuva äitiydestä. Whistler vaikutti aikansa taidemaailmaan ja laajemmin kulttuuriin teorioillaan ja ystävyyssuhteillaan muihin johtaviin taiteilijoihin ja kirjailijoihin.
Lue myös, elamakerrat – Jean Tinguely
Uusi Englanti
James Abbott Whistler syntyi 11. heinäkuuta 1834 Lowellissa, Massachusettsissa. Hän oli Anna McNeill Whistlerin ja George Washington Whistlerin ensimmäinen lapsi ja konfederaatiokirurgi William McNeill Whistlerin veli. Hänen isänsä oli rautatieinsinööri, ja Anna oli hänen toinen vaimonsa. James asui elämänsä ensimmäiset kolme vuotta vaatimattomassa talossa osoitteessa 243 Worthen Street Lowellissa. Talo on nykyään Whistler House Museum of Art, joka on hänelle omistettu museo. Ruskinin oikeudenkäynnissä hän väitti syntymäpaikakseen Pietaria Venäjällä: ”Synnyn milloin ja missä haluan, enkä halua syntyä Lowellissa.”
Perhe muutti Lowellista Connecticutin Stoningtoniin vuonna 1837, jossa hänen isänsä työskenteli Stoningtonin rautatiellä. Kolme pariskunnan lapsista kuoli lapsena tänä aikana. Heidän omaisuutensa koheni huomattavasti vuonna 1839, kun isästä tuli Boston & Albany Railroadin pääinsinööri, ja perhe rakensi kartanon Springfieldiin, Massachusettsiin, jossa nykyään sijaitsee Wood Museum of History. He asuivat Springfieldissä, kunnes lähtivät Yhdysvalloista vuoden 1842 lopulla. Venäjän Nikolai I sai tietää George Whistlerin nerokkuudesta Boston & Albany Railroadin suunnittelussa, ja hän tarjosi hänelle vuonna 1842 työpaikkaa suunnittelemassa rautatietä Pietarista Moskovaan, ja perhe muutti Pietariin talvella 1842.
Whistler oli oikukas lapsi, jolla oli taipumusta raivokohtauksiin ja röyhkeyteen, ja hän ajautui usein laiskuuteen sairausjaksojen jälkeen. Hänen vanhempansa huomasivat, että piirtäminen usein rauhoitti häntä ja auttoi keskittymään hänen huomionsa. Myöhempinä vuosinaan hän korosti äitinsä yhteyttä Amerikan etelään ja sen juuriin, ja hän esitti itsensä köyhänä etelävaltioiden aristokraattina, vaikka on epäselvää, missä määrin hän todella tunsi sympatiaa etelävaltioiden asiaa kohtaan Yhdysvaltain sisällissodan aikana. Hän otti äitinsä tyttönimen käyttöön tämän kuoltua ja käytti sitä ylimääräisenä toisena nimenä.
Lue myös, elamakerrat – Elizabeth Taylor
Venäjä ja Englanti
Vuodesta 1842 alkaen hänen isänsä työskenteli rautatietyömaalla Venäjällä. Muutettuaan Pietariin isänsä luokse vuotta myöhemmin nuori Whistler otti yksityisiä taidetunteja ja kirjoittautui sitten keisarilliseen taideakatemiaan yksitoistavuotiaana. Nuori taiteilija noudatti perinteistä opetussuunnitelmaa, jossa piirrettiin kipsimalleista ja toisinaan elävistä malleista, nautti vanhempien ikätovereiden kanssa käytyjen taidekeskustelujen ilmapiiristä ja ilahdutti vanhempiaan anatomian ensiluokkaisella arvosanalla. Vuonna 1844 hän tapasi tunnetun taiteilijan Sir William Allanin, joka tuli Venäjälle tilauksesta maalaamaan Pietari Suuren elämänhistorian. Whistlerin äiti merkitsi päiväkirjaansa, että ”suuri taiteilija huomautti minulle: ”Pikku pojallasi on harvinaisen nerokas nero, mutta älä kannusta häntä ylittämään taipumustaan””.
Vuosina 1847-1848 hänen perheensä vietti jonkin aikaa Lontoossa sukulaisten luona, kun taas hänen isänsä jäi Venäjälle. Whistlerin lanko Francis Haden, lääkäri, joka oli myös taiteilija, herätti hänen kiinnostuksensa taiteeseen ja valokuvaukseen. Haden vei Whistlerin keräilijöiden luo ja luennoille ja antoi hänelle akvarellisarjan opastuksineen. Whistler kuvitteli jo taiteilijauraa. Hän alkoi kerätä taidekirjoja ja opiskeli muiden taiteilijoiden tekniikoita. Kun Sir William Boxall maalasi hänen muotokuvansa vuonna 1848, nuori Whistler huudahti, että muotokuva oli ”hyvin paljon minun näköiseni ja erittäin hieno kuva. Herra Boxall on kaunis koloristi… Se on kauniin kermainen pinta ja näyttää niin täyteläiseltä.” Kukoistavassa taideinnostuksessaan hän ilmoitti viisitoista vuotiaana isälleen kirjeitse tulevasta suuntautumisestaan: ”Toivon, rakas isä, ettet vastusta valintaani”. Hänen isänsä kuitenkin kuoli koleraan 49-vuotiaana, ja Whistlerin perhe muutti takaisin äitinsä kotikaupunkiin Pomfretiin, Connecticutiin. Hänen taidesuunnitelmansa jäivät epämääräisiksi ja tulevaisuus epävarmaksi. Perhe eli säästeliäästi ja pärjäsi vähäisillä tuloilla. Hänen serkkunsa kertoi, että Whistler oli tuohon aikaan ”hoikka, mietteliäät, herkät kasvot, joita varjostivat pehmeät ruskeat kiharat… hänellä oli hieman vieras ulkonäkö ja käytös, mikä teki hänestä luonnollisten kykyjensä ansiosta hyvin viehättävän jo tuossa iässä”.
Lue myös, historia-fi – Konkistadori
West Point
Whistler lähetettiin Christ Church Hall -kouluun äitinsä toiveesta, että hänestä tulisi ministeri. Whistler oli harvoin ilman luonnosvihkoa ja oli luokkatovereidensa suosiossa karikatyyriensä vuoksi. Kävi kuitenkin selväksi, että uskonnollinen ura ei sopinut hänelle, joten hän haki West Pointin Yhdysvaltain sotilasakatemiaan, jossa hänen isänsä oli opettanut piirtämistä ja jossa muut sukulaisensa olivat opiskelleet. Hän pääsi heinäkuussa 1851 erittäin valikoivaan oppilaitokseen sukunimensä perusteella, vaikka hän oli erittäin likinäköinen ja hänen terveydentilansa oli huono. Kolmen vuoden aikana hänen arvosanansa olivat kuitenkin hädin tuskin tyydyttävät, ja hän oli surkea näky harjoituksissa ja pukeutumisessa, ja häntä kutsuttiin ”Curlyksi”, koska hänen hiustensa pituus ylitti määräykset. Whistler uhmasi auktoriteetteja, lausui sarkastisia kommentteja ja keräsi virheitä. Eversti Robert E. Lee oli West Pointin ylitarkastaja, ja Whistlerin huomattavan lempeän kohtelun jälkeen hänellä ei ollut muuta vaihtoehtoa kuin erottaa nuori kadetti. Whistlerin tärkein saavutus West Pointissa oli se, että hän oppi piirtämistä ja karttojen tekemistä amerikkalaiselta taiteilijalta Robert W. Weiriltä.
Hänen lähtönsä West Pointista näyttää johtuneen epäonnistumisesta kemian kokeessa, jossa häntä pyydettiin kuvailemaan piitä ja hän aloitti sanomalla: ”Pii on kaasu.” Hän ei kuitenkaan onnistunut. Kuten hän itse myöhemmin totesi: ”Jos pii olisi kaasu, minusta olisi jonain päivänä tullut kenraali”. Erään toisen anekdootin mukaan Whistlerin lähtemisen syynä oli kuitenkin huono käytös piirustustunneilla.
Lue myös, elamakerrat – Wilhelm Röntgen
Ensimmäinen työpaikka
West Pointin jälkeen Whistler työskenteli piirtäjänä, joka kartoitti koko Yhdysvaltain rannikon sotilas- ja merenkulkutarkoituksiin. Hän piti työtä tylsänä ja oli usein myöhässä tai poissa. Hän käytti suuren osan vapaa-ajastaan biljardin pelaamiseen ja joutenoloon, oli aina varaton ja vaikka hän oli hurmuri, hänellä oli vain vähän tuttavuuksia naisten kanssa. Kun selvisi, että hän piirsi karttojen reunoihin merikäärmeitä, merenneitoja ja valaita, hänet siirrettiin Yhdysvaltain rannikkotutkimuslaitoksen kaiverrusosastolle. Hän kesti siellä vain kaksi kuukautta, mutta hän oppi etsaustekniikan, joka osoittautui myöhemmin arvokkaaksi hänen uransa kannalta.
Tässä vaiheessa Whistler päätti vakaasti, että taide olisi hänen tulevaisuutensa. Muutaman kuukauden ajan hän asui Baltimoressa varakkaan ystävänsä Tom Winansin luona, joka jopa toimitti Whistlerille ateljeen ja hieman käyttörahaa. Nuori taiteilija solmi arvokkaita kontakteja taideyhteisössä ja myi myös joitakin varhaisia maalauksia Winansille. Whistler torjui äitinsä ehdotukset muista käytännöllisemmistä uramahdollisuuksista ja ilmoitti äidilleen, että Winansin rahojen turvin hän aikoi jatkaa taidekoulutustaan Pariisissa. Whistler ei koskaan palannut Yhdysvaltoihin.
Lue myös, elamakerrat – Donald Judd
Taiteen opiskelu Ranskassa
Whistler saapui Pariisiin vuonna 1855, vuokrasi ateljeen Latinalaiskorttelista ja omaksui nopeasti boheemin taiteilijan elämän. Pian hänellä oli ranskalainen tyttöystävä, Héloise-niminen ompelija. Hän opiskeli lyhyen aikaa perinteisiä taiteen menetelmiä Ecole Impérialessa ja Marc Charles Gabriel Gleyren ateljeessa. Jälkimmäinen oli Ingresin työn suuri puolestapuhuja, ja hän teki Whistleriin vaikutuksen kahdella periaatteella, joita hän käytti koko loppu-uransa ajan: että viiva on väriä tärkeämpi ja että musta on tonaalisen harmonian perusväri. Kaksikymmentä vuotta myöhemmin impressionistit kumosivat pitkälti tämän filosofian, kielsivät mustan ja ruskean ”kiellettyinä väreinä” ja korostivat väriä muodon sijaan. Whistler opiskeli mieluummin itse ja nautti kahvilaelämästä, ja vaikka kotoa tulleissa kirjeissä kerrottiin äidin säästäväisyydestä, Whistler tuhlasi vapaasti, myi ensimmäisenä Pariisin-vuotenaan vähän tai ei mitään ja oli jatkuvasti velkaa. Tilannetta helpottaakseen hän ryhtyi maalaamaan ja myymään kopioita Louvren teoksista ja muutti lopulta halvempiin tiloihin. Onneksi toisen rikkaan ystävän, George Lucasin, saapuminen Pariisiin auttoi vakauttamaan Whistlerin taloutta joksikin aikaa. Taloudellisesta hengähdystauosta huolimatta talvi 1857 oli Whistlerille vaikea. Hänen huono terveytensä, jota liiallinen tupakointi ja juominen pahensivat, painoi hänet matalaksi.
Olosuhteet paranivat kesällä 1858. Whistler toipui ja matkusti taiteilijatoverinsa Ernest Delannoyn kanssa Ranskassa ja Reininmaalla. Myöhemmin hän valmisti ranskalaisen kirjapainomestarin Auguste Delâtren avustuksella ryhmän etsauksia, jotka tunnetaan nimellä ”The French Set”. Samana vuonna hän maalasi ensimmäisen omakuvansa, Portrait of Whistler with Hat, tummanpuhuvan ja paksusti piirretyn teoksen, joka muistuttaa Rembrandtia. Tärkein tapahtuma tuona vuonna oli kuitenkin hänen ystävyytensä Henri Fantin-Latourin kanssa, jonka hän tapasi Louvressa. Hänen kauttaan Whistler tutustui Gustave Courbet”n piiriin, johon kuuluivat Carolus-Duran (myöhemmin John Singer Sargentin opettaja), Alphonse Legros ja Édouard Manet.
Tähän ryhmään kuului myös Charles Baudelaire, jonka ajatukset ja teoriat ”modernista” taiteesta vaikuttivat Whistleriin. Baudelaire haastoi taiteilijat tarkastelemaan elämän ja luonnon raakuutta ja kuvaamaan sitä uskollisesti välttäen vanhoja mytologian ja allegorian aiheita. Théophile Gautier, joka oli yksi ensimmäisistä taiteen ja musiikin välisiä käännösominaisuuksia tutkineista, saattoi inspiroida Whistleriä tarkastelemaan taidetta musiikillisin termein.
Lue myös, sivilisaatiot – Visigootit
Lontoo
Whistler maalasi ensimmäisen näytteille asetetun teoksensa La Mere Gerard vuonna 1858 ja heijasteli omaksumansa piirin realismia. Sen jälkeen hän maalasi vuonna 1859 teoksen At the Piano (Pianon äärellä) Lontoossa, jonka hän otti kodikseen, mutta vieraili myös säännöllisesti ystäviensä luona Ranskassa. At the Piano on muotokuva, joka esittää hänen veljentytärtään ja tämän äitiä heidän lontoolaisessa musiikkihuoneessaan ja joka osoitti selvästi hänen lahjakkuutensa ja lupauksensa. Eräs kriitikko kirjoitti: ” holtittoman rohkea maneeri ja luonnosmaisuus villeintä ja karuinta laatua, aito väritaju ja loistava sommittelu- ja suunnitteluvoima, jotka osoittavat taiteilijoiden keskuudessa hyvin harvinaista luonnon oikeudenmukaista arvostusta.” Teos on epäsentimentaalinen, ja siinä on tehokas kontrasti, jossa äiti on mustalla ja tytär valkoisella, ja muut värit on pidetty hillittyinä hänen opettajansa Gleyren neuvomalla tavalla. Se oli esillä Royal Academyssa seuraavana vuonna ja monissa myöhemmissä näyttelyissä.
Toisessa samassa huoneessa tehdyssä maalauksessa Whistler osoitti luontaista taipumustaan innovaatioihin ja uutuuksiin muotoilemalla genrekohtauksen, jossa oli epätavallinen sommittelu ja lyhennys. Myöhemmin se sai uuden nimen Harmony in Green and Rose: Musiikkihuone. Tämä maalaus osoitti myös Whistlerin jatkuvaa työskentelytapaa erityisesti muotokuvien kohdalla: nopea aloitus, suuret korjaukset, laiminlyöntijakso ja sitten viimeinen kiire viimeistelyyn.
Vuoden Lontoossa vietetyn vuoden jälkeen, vastapainona vuoden 1858 ranskalaiselle sarjalle, hän tuotti vuonna 1860 toisen kaiverrussarjan nimeltä Thames Set sekä joitakin varhaisia impressionistisia teoksia, kuten The Thames in Ice. Tässä vaiheessa hän alkoi vakiinnuttaa rajoitettuun, ennalta määrättyyn palettiin perustuvaa tonaalista harmoniaa hyödyntävää tekniikkaansa.
Palattuaan hetkeksi Pariisiin vuonna 1861 Whistler maalasi ensimmäisen kuuluisan teoksensa Sinfonia valkoisissa, nro 1: Valkoinen tyttö. Muotokuva hänen rakastajattarestaan ja liikkeenjohtajastaan Joanna Hiffernanista oli luotu yksinkertaiseksi valkoiseksi tutkimukseksi, mutta muut näkivät sen toisin. Kriitikko Jules-Antoine Castagnary piti maalausta allegoriana uuden morsiamen menetetystä viattomuudesta. Toiset yhdistivät sen Wilkie Collinsin The Woman in White -romaaniin, joka oli tuolloin suosittu romaani, tai erilaisiin muihin kirjallisiin lähteisiin. Englannissa jotkut pitivät sitä esiraffaelilaiseen tapaan maalauksena. Maalauksessa Hiffernan pitää liljaa vasemmassa kädessään ja seisoo karhunnahkamattoa (joidenkin tulkintojen mukaan se edustaa maskuliinisuutta ja himoa) vasten, ja karhun pää tuijottaa katsojaa uhkaavasti. Muotokuvaa ei hyväksytty konservatiivisen Royal Academyn näyttelyyn, mutta se esiteltiin yksityisessä galleriassa nimellä Nainen valkoisissa. Vuonna 1863 se oli esillä Salon des Refusés -tapahtumassa Pariisissa, joka oli keisari Napoleon III:n sponsoroima tapahtuma Salonista hylättyjen teosten näyttelyä varten.
Whistlerin maalaus huomattiin laajalti, vaikka Manet”n järkyttävämpi maalaus Le déjeuner sur l”herbe jäikin sen varjoon. Vastapainona traditionalistien kritiikille Whistlerin kannattajat väittivät, että maalaus oli ”ilmestys, jolla on henkinen sisältö” ja että se ilmentää hänen teoriaansa, jonka mukaan taiteen tulisi keskittyä lähinnä värien harmoniseen järjestämiseen, ei luonnon kirjaimelliseen kuvaamiseen.
Kaksi vuotta myöhemmin Whistler maalasi Hiffernanista toisen valkoisen muotokuvan, joka tällä kertaa osoitti hänen uutta kiinnostustaan aasialaisiin motiiveihin ja jonka hän nimesi Pieni valkoinen tyttö. Hänen vuonna 1864 valmistuneet Lady of the Land Lijsen ja The Golden Screen kuvaavat jälleen hänen rakastajattarensa vielä korostuneemmin aasialaisessa asussa ja ympäristössä. Tänä aikana Whistleristä tuli läheinen Gustave Courbet”n, ranskalaisen realistisen koulukunnan varhaisen johtajan kanssa, mutta kun Hiffernan teki Courbet”lle alastonmallia, Whistler raivostui ja hänen suhteensa Hiffernaniin alkoi hajota. Tammikuussa 1864 Lontooseen saapui Whistlerin hyvin uskonnollinen ja hyvin säädyllinen äiti, mikä sekoitti poikansa boheemielämän ja pahensi tilapäisesti perheen jännitteitä. Kuten hän kirjoitti Henri Fantin-Latourille: ”Yleinen mullistus!!! Minun oli tyhjennettävä taloni ja puhdistettava se kellarista räystääseen.” Hän myös muutti Hiffernanin välittömästi toiseen paikkaan.
Lue myös, elamakerrat – Olga (Kiova)
Nocturnes
Vuonna 1866 Whistler päätti vierailla Valparaísossa Chilessä, mikä on askarruttanut tutkijoita, vaikka Whistler kertoi tehneensä sen poliittisista syistä. Chile kävi sotaa Espanjan kanssa, ja ehkä Whistler ajatteli, että kyseessä oli pienen kansakunnan sankarillinen taistelu suurempaa vastaan, mutta mikään todiste ei tue tätä teoriaa. Matkan tuloksena syntyi Whistlerin kolme ensimmäistä yömaalausta, joita hän kutsui ”kuunvaloiksi” ja jotka hän myöhemmin nimesi uudelleen ”nocturnes”-maalauksiksi – yöllisiä satamakuvia, jotka oli maalattu sinisellä tai vaaleanvihreällä paletilla. Palattuaan Lontooseen hän maalasi seuraavan kymmenen vuoden aikana vielä useita yömaalauksia, joista monet esittivät Thames-jokea ja Cremorne Gardensia, huvipuistoa, joka oli kuuluisa usein toistuvista ilotulitusnäytöksistään ja joka tarjosi uudenlaisen haasteen maalaamiseen. Merellisissä yöunissaan Whistler käytti pohjana voimakkaasti ohennettua maalia ja kevyesti häivytettyjä värejä, joilla hän antoi viitteitä laivoista, valoista ja rantaviivasta. Joissakin Thames-maalauksissa on myös sommittelullisia ja temaattisia yhtäläisyyksiä Hiroshigen japanilaisiin vedoksiin.
Vuonna 1872 Whistler kiitti Chopinille omistautunutta amatöörimuusikkoa Frederick Leylandia, joka oli hänen suojelijansa, musiikillisesti inspiroituneista otsikoista.
Sanon, etten voi kiittää teitä liikaa nimestä ”Nocturne” kuutamourakkoni otsikoksi! Teillä ei ole aavistustakaan, miten ärsyttävää se on kriitikoille ja miten ilahduttavaa se on minulle – sen lisäksi, että se on todella niin viehättävä ja kertoo runollisesti kaiken sen, mitä haluan sanoa, enkä enempää kuin toivon!
Tuolloin Whistler maalasi toisen omakuvan ja antoi sille nimeksi Arrangement in Gray: Portrait of the Painter (n. 1872), ja hän alkoi myös uudelleennimittää monia aiempia teoksiaan käyttämällä musiikkiin liittyviä termejä, kuten ”nocturne”, ”sinfonia”, ”harmonia”, ”study” tai ”arrangement”, korostaakseen sävyjä ja sommittelua ja vähentääkseen kerronnallisen sisällön merkitystä. Whistlerin nocturnet olivat hänen innovatiivisimpia teoksiaan. Lisäksi useiden nokturnien toimittaminen taidekauppias Paul Durand-Ruelille Ranskan ja Preussin sodan jälkeen antoi Whistlerille tilaisuuden selittää kehittyvää ”taideteoriaansa” taiteilijoille, ostajille ja kriitikoille Ranskassa. Hänen hyvä ystävänsä Fantin-Latour, joka oli yhä taantumuksellisempi mielipiteissään ja suhtautui kielteisesti erityisesti nousevaan impressionistiseen koulukuntaan, piti Whistlerin uusia teoksia yllättävinä ja hämmentävinä. Fantin-Latour myönsi: ”En ymmärrä siinä mitään; on outoa, miten ihminen muuttuu. En tunnista häntä enää.” Heidän suhteensa oli tuolloin jo lähes lopussa, mutta he jatkoivat mielipiteiden vaihtoa satunnaisessa kirjeenvaihdossa. Kun Edgar Degas kutsui Whistlerin näyttelyyn impressionistien ensimmäiseen näyttelyyn vuonna 1874, Whistler kieltäytyi kutsusta, samoin kuin Manet, ja jotkut tutkijat katsoivat tämän johtuvan osittain Fantin-Latourin vaikutuksesta molempiin miehiin.
Lue myös, historia-fi – Hussilaissodat
Muotokuvat
Ranskan ja Preussin sota vuonna 1870 pirstoi Ranskan taideyhteisön. Monet taiteilijat, kuten Camille Pissarro ja Monet, hakeutuivat Whistlerin mukana Englantiin, kun taas Manet ja Degas jäivät Ranskaan. Whistlerin tavoin Monet ja Pissarro keskittyivät molemmat kaupunkinäkymiin, ja on todennäköistä, että Whistler oli altistunut näiden taiteilijoiden perustaman impressionismin kehitykselle ja että he olivat nähneet hänen yöuniaan. Whistler oli ajautumassa pois Courbet”n ”kirotusta realismista”, ja heidän ystävyytensä oli kuihtunut, samoin kuin hänen suhteensa Joanna Hiffernaniin.
Vuoteen 1871 mennessä Whistler palasi muotokuvien pariin, ja pian syntyi hänen tunnetuin maalauksensa, lähes yksivärinen kokopituinen hahmo nimeltä Arrangement in Grey and Black No.1, jota yleensä kutsutaan Whistlerin äidiksi. Äidin lähettämän kirjeen mukaan malli ei eräänä päivänä tullut paikalle, joten Whistler kääntyi äitinsä puoleen ja ehdotti, että hän tekisi hänen muotokuvansa. Aluksi hän laittoi hänet seisomaan, hänelle tyypilliseen hitaaseen ja kokeilevaan tapaan, mutta se osoittautui liian väsyttäväksi, joten hän päätyi istuvaan asentoon. Kuvan valmistuminen kesti kymmeniä istuntoja.
Muotokuva, jonka sävymaailma on tavanomaisesti rajoitettu, on jälleen yksi Whistlerin harjoitus sävyjen harmoniaa ja sommittelua varten. Petollisen yksinkertainen muotoilu on itse asiassa erilaisten muotojen tasapainoilua, erityisesti verhon, seinällä olevan kuvan ja lattian suorakulmiot, jotka vakauttavat naisen kasvojen, mekon ja tuolin kaarevuutta. Whistler kommentoi, että maalauksen kerronnalla ei ollut suurta merkitystä, mutta maalaus oli myös kunnianosoitus hänen hurskaalle äidilleen. Alkujärkytyksen jälkeen, kun hän muutti poikansa luokse, hän auttoi poikaansa huomattavasti vakauttamalla tämän käyttäytymistä jonkin verran, huolehtimalla tämän kodin tarpeista ja tarjoamalla konservatiivisen kunniallisuuden auran, joka auttoi saamaan mesenaatteja.
Yleisö suhtautui maalaukseen kielteisesti lähinnä sen anti-viktoriaanisen yksinkertaisuuden vuoksi aikana, jolloin Englannissa sentimentaalisuus ja räikeä koristelu olivat muodissa. Kriitikot pitivät maalausta pikemminkin epäonnistuneena ”kokeiluna” kuin taiteena. Kuninkaallinen akatemia hylkäsi sen, mutta hyväksyi sen sitten vastahakoisesti Sir William Boxallin lobbauksen jälkeen – mutta se ripustettiin näyttelyssään epäsuotuisaan paikkaan.
Whistlerin äiti herätti alusta alkaen erilaisia reaktioita, kuten parodiaa, pilkkaa ja kunnioitusta, jotka ovat jatkuneet tähän päivään asti. Jotkut pitivät sitä ”vanhan rouvuuden arvokkaana tunteena”, ”vakavana surutunnelmana” tai ”täydellisenä äitiyden symbolina”, toiset taas käyttivät sitä pilkan välineenä. Sitä on satiirisoitu loputtomasti onnittelukorteissa ja aikakauslehdissä sekä piirroshahmojen, kuten Aku Ankan ja Bullwinkle-hirven, toimesta. Whistler teki oman osansa kuvan edistämisessä ja popularisoinnissa. Hän piti sitä usein näytteillä ja antoi luvan varhaisiin jäljennöksiin, jotka päätyivät tuhansiin koteihin. Maalaus välttyi täpärästi palamiselta junan tulipalossa kuljetuksen aikana. Ranskan hallitus osti sen lopulta ensimmäisenä Whistlerin teoksena julkiseen kokoelmaan, ja se on nyt Pariisin Musée d”Orsayssa.
Laman aikana taulua mainostettiin miljoonan dollarin maalauksena, ja se oli suuri hitti Chicagon maailmannäyttelyssä. Maailmanlaajuinen yleisö, joka ei ollut erityisen tietoinen Whistlerin esteettisistä teorioista eikä ollut kiinnostunut niistä, hyväksyi sen universaaliksi äitiyden ikoniksi. Tunnustuksena maalauksen asemasta ja suosiosta Yhdysvallat julkaisi vuonna 1934 postimerkin, jossa oli maalauksen muunnelma. Vuonna 2015 New Yorkerin kriitikko Peter Schjeldahl kirjoitti, että se ”on edelleen tärkein amerikkalainen teos, joka asuu Yhdysvaltojen ulkopuolella”. Martha Tedeschi kirjoittaa:
Whistlerin ”Äiti”, Woodin ”American Gothic”, Leonardo da Vincin ”Mona Lisa” ja Edvard Munchin ”Huuto” ovat kaikki saavuttaneet jotakin, mitä useimmat maalaukset – riippumatta niiden taidehistoriallisesta merkityksestä, kauneudesta tai rahallisesta arvosta – eivät ole saavuttaneet: ne välittävät lähes jokaiselle katsojalle lähes välittömästi tietyn merkityksen. Nämä muutamat teokset ovat onnistuneet siirtymään museokävijän eliittitason alueelta populaarikulttuurin valtavaan kenttään.
Lue myös, elamakerrat – Francisco de Goya
Muut muotokuvat
Whistlerin muita merkittäviä muotokuvia ovat muun muassa Thomas Carlyle (historioitsija, 1873), Maud Franklin (hänen rakastajattarensa, 1876), Cicely Alexander (lontoolaisen pankkiirin tytär, 1873), Lady Meux (seurapiirikaunotar, 1882) ja Théodore Duret (kriitikko, 1884). 1870-luvulla Whistler maalasi kokopitkät muotokuvat F. R. Leylandista ja hänen vaimostaan Francesista. Sittemmin Leyland tilasi taiteilijalta ruokasalinsa sisustuksen (ks. alla Peacock Room).
Whistler oli pettynyt siihen, että hänen teoksiaan ei hyväksytty Royal Academyn näyttelyihin ja että hänen maalauksensa ripustettiin ja sijoitettiin huonosti. Vastauksena tähän Whistler järjesti ensimmäisen yksityisnäyttelynsä vuonna 1874. Näyttely oli kuitenkin merkittävä ja huomionarvoinen Whistlerin taideteorioidensa mukaisesti hyvin maalausten kanssa sopusoinnussa olleen salin suunnittelun ja koristelun vuoksi. Eräs arvostelija kirjoitti: ”Galleriaan astuessaan kävijä hämmästyy sitä läpäisevää omituista harmonian ja sopivuuden tunnetta, ja on ehkä enemmän kiinnostunut yleisvaikutelmasta kuin yhdestä yksittäisestä teoksesta.”
Whistler ei menestynyt muotokuvamaalarina yhtä hyvin kuin toinen kuuluisa amerikkalainen ulkosuomalainen John Singer Sargent. Whistlerin säästeliäs tekniikka ja hänen haluttomuutensa imarrella kuvattavia sekä hänen tunnettuutensa saattavat selittää tämän. Hän työskenteli myös hyvin hitaasti ja vaati poikkeuksellisen pitkiä istuntoja. William Merritt Chase valitti istuessaan Whistlerin muotokuvaa varten: ”Hän osoittautui todelliseksi tyranniksi, joka maalasi joka päivä hämärään asti, kun raajojani särki väsymys ja päätäni huimasi. ”Älkää liikkuko! Älä liiku!” hän huusi aina, kun aloin levätä.”” Kun Whistler sai 1890-luvulla laajaa hyväksyntää, hän oli jo ohi parhaasta iästään muotokuvamaalarina.
Whistlerin lähestymistapaa muotokuviin hänen myöhäisessä kypsyydessään kuvasi yksi hänen asiakkaistaan, Arthur J. Eddy, joka poseerasi taiteilijalle vuonna 1894:
Hän työskenteli erittäin nopeasti ja pitkiä aikoja, mutta käytti värejä ohuesti ja peitti kankaan lukemattomilla maalikerroksilla. Värit syvenivät ja voimistuivat teoksen edetessä. Aluksi koko hahmo maalattiin harmaanruskeilla sävyillä, joissa oli hyvin vähän lihaväriä, ja kokonaisuus sulautui täydellisesti valmistellun kankaan harmaanruskeaan sävyyn; sitten koko tausta voimistui hieman, sitten hahmo voimistui hieman, sitten tausta ja niin edelleen päivästä ja viikosta toiseen ja usein kuukaudesta toiseen…. Näin muotokuva todella kasvaisi, kehittyisi kokonaisuutena, aivan kuten negatiivin negatiivit kemikaalin vaikutuksesta tulevat vähitellen esiin – valo, varjot ja kaikki ensimmäisistä heikoista merkkeistä täydellisiin arvoihinsa. Aivan kuin muotokuva olisi kätketty kankaaseen, ja mestari herättäisi kuvan kuljettamalla sauvojaan päivä toisensa jälkeen kankaan pinnalla.
Lue myös, tarkeita_tapahtumia – Kuuban vallankumous
Painaminen
Whistler valmisti lukuisia etsauksia, litografioita ja kuivapistokuvia. Hänen litografioitaan, joista osa on piirretty kivelle ja osa suoraan litografiapaperille, on ehkä puolet vähemmän kuin etsauksia. Jotkin litografioista esittävät hieman verhottuja hahmoja; kaksi tai kolme hienointa litografiaa esittävät Thamesin aluetta, muun muassa Limehousessa sijaitsevan ”nocturnen”; toiset taas kuvaavat Pariisin Faubourg Saint-Germainia ja georgialaisia kirkkoja Sohossa ja Bloomsburyssa Lontoossa.
Kaiverrukset sisältävät muotokuvia perheestä, rakastajattarista ja intiimejä katukuvia Lontoossa ja Venetsiassa. Whistler saavutti valtavan maineen kaivertajana. Martin Hardie kirjoitti: ”Jotkut pitävät häntä Rembrandtin rinnalla, ehkä jopa Rembrandtin yläpuolella, kaikkien aikojen suurimpana mestarina. Henkilökohtaisesti pidän heitä mieluummin Jupiterina ja Venuksena, suurimpina ja kirkkaimpina etsaajan taivaan planeetoista.” Hän huolehti erittäin huolellisesti etsaustensa painatuksesta ja paperin valinnasta. Uransa alussa ja lopussa hän painotti suuresti viivan puhtautta, vaikka keskivaiheilla hän kokeili enemmän mustetta ja pintasävyn käyttöä.
Lue myös, elamakerrat – T. S. Eliot
Perhosen allekirjoitus ja maalausasetukset
Whistlerin kuuluisa perhosmerkki syntyi 1860-luvulla hänen kiinnostuksestaan Aasian taiteeseen. Hän tutki keramiikkaposliinien savenvalajien merkkejä, joita hän oli alkanut kerätä, ja päätti suunnitella nimikirjaimistaan koostuvan monogrammin. Ajan myötä siitä kehittyi abstraktin perhosen muoto. Noin vuonna 1880 hän lisäsi perhosen kuvaan pistimen luodakseen merkin, joka edustaa sekä hänen lempeää ja herkkää luonnettaan että hänen provokatiivista ja reipasta henkeään. Hän kiinnitti suurta huomiota kuvan asianmukaiseen sijoittamiseen sekä maalauksiinsa että mittatilaustyönä tekemiinsä kehyksiin. Hänen keskittymisensä tasapainon ja harmonian merkitykseen ulottui kehystä pidemmälle ja ulottui maalausten sijoitteluun niiden ympäristöön ja edelleen kokonaisen arkkitehtonisen elementin suunnitteluun, kuten Peacock Roomissa.
Lue myös, elamakerrat – Edvard V
Peacock Room
Harmony in Blue and Gold: The Peacock Room on Whistlerin mestariteos sisustustaiteen seinämaalauksista. Hän maalasi Thomas Jeckyllin (1827-1881) suunnitteleman alkuperäisen paneelihuoneen päälle yhtenäisellä paletilla, jossa on käytetty loistavia sinivihreitä sävyjä, joissa on päällyslasitusta ja metallista lehtikultaa. Vuosina 1876-1877 maalattua taulua pidetään nykyään anglojapanilaisen tyylin huippuesimerkkinä. Frederick Leyland jätti huoneen Whistlerin huostaan tekemään pieniä muutoksia ”harmonisoidakseen” huonetta, jonka ensisijainen tarkoitus oli esitellä Leylandin posliinikokoelmaa. Whistler päästi kuitenkin mielikuvituksensa valloilleen: ”No, tiedäthän, minä vain maalasin eteenpäin. Jatkoin – ilman suunnitelmaa tai luonnosta – laittamalla jokaista kosketusta niin vapaasti …”. Sinisen ja kultaisen harmonian kehittyessä unohdin kaiken ilossani siitä.” Hän maalasi kokonaan 1500-luvun Cordoban nahkaseinänpäällysteet, jotka Aragonin Katariina toi ensimmäisenä Britanniaan ja joista Leyland oli maksanut 1 000 puntaa.
Hankittuaan huoneen keskipisteen, Whistlerin maalauksen Prinsessa posliinimaasta, amerikkalainen teollisuusmies ja esteetikko Charles Lang Freer osti koko huoneen vuonna 1904 Leylandin perillisiltä, joihin kuuluivat myös Leylandin tytär ja tämän aviomies, brittiläinen taiteilija Val Prinsep. Tämän jälkeen Freer asensi Peacock Roomin sisällön detroitilaiseen kartanoonsa. Freerin kuoltua vuonna 1919 Peacock Room asennettiin pysyvästi Smithsonianin Freer Gallery of Artiin Washingtonissa, D.C. Galleria avattiin yleisölle vuonna 1923. Whistlerin maalaama suuri karikatyyri Leylandista, joka esittää häntä pianoa soittavan antropomorfisen riikinkukon muodossa ja jonka nimi on The Gold Scab: Eruption in Frilthy Lucre – sanaleikki Leylandin mieltymyksestä röyhelöisiin paitojen etuosiin – on nykyään San Franciscon taidemuseoiden kokoelmassa.
Lue myös, elamakerrat – Tiberius
Ruskinin oikeudenkäynti
Vuonna 1877 Whistler haastoi kriitikko John Ruskinin oikeuteen kunnianloukkauksesta sen jälkeen, kun kriitikko oli tuominnut hänen maalauksensa Nocturne in Black and Gold: The Falling Rocket. Whistler esitteli teoksen Grosvenor Gallery -näyttelyssä, joka oli vaihtoehto Royal Academy -näyttelylle, Edward Burne-Jonesin ja muiden taiteilijoiden teosten rinnalla. Ruskin, joka oli ollut esiraafaliittien ja J. M. W. Turnerin puolestapuhuja, arvosteli Whistlerin teoksen julkaisussaan Fors Clavigera 2. heinäkuuta 1877. Ruskin kehui Burne-Jonesia, mutta hyökkäsi Whistleriä vastaan:
Sir Coutts Lindsayn ei olisi pitänyt hyväksyä galleriaan teoksia, joissa taiteilijan huonosti koulutettu omahyväisyys lähenteli niin paljon tahallisen huijauksen piirteitä, ei vähiten Whistlerin itsensä vuoksi eikä myöskään ostajan suojelemiseksi. Olen ennenkin nähnyt ja kuullut paljon cockneyläistä röyhkeyttä, mutta en koskaan odottanut kuulevani, että joku kettu pyytää kaksisataa guineaa siitä, että hän heittää ruukun maalia yleisön silmille.
Kun Whistler näki hyökkäyksen sanomalehdessä, hän vastasi ystävälleen George Boughtonille: ”Se on halveksittavinta kritiikkiä, mitä minulle on tähän mennessä esitetty.” Sitten hän meni asianajajansa luo ja laati kunnianloukkauskanteen, joka toimitettiin Ruskinille. Whistler toivoi saavansa takaisin 1 000 puntaa sekä oikeudenkäyntikulut. Juttu tuli oikeuteen seuraavana vuonna Ruskinin mielisairauden aiheuttamien viivästysten jälkeen, ja Whistlerin taloudellinen tilanne heikkeni entisestään. Asiaa käsiteltiin High Courtin valtiovarainosastolla 25. ja 26. marraskuuta 1878 paroni Huddlestonin ja erityisen valamiehistön edessä. John Ruskinin asianajaja, oikeusministeri Sir John Holker, kuulusteli Whistleriä ristikuulustelussa:
Holker: ”Mikä on Nocturne in Black and Gold -teoksen aihe: The Falling Rocket?”
Whistler oli laskenut monien taiteilijoiden olevan hänen puolellaan todistajina, mutta he kieltäytyivät peläten maineensa vahingoittuvan. Muut todistajat eivät olleet vakuuttavia, ja valamiehistön oma reaktio teokseen oli pilkallinen. Koska Ruskinin todistajat olivat vaikuttavampia, muun muassa Edward Burne-Jones, ja Ruskin oli poissa lääketieteellisistä syistä, Whistlerin vastahyökkäys oli tehoton. Valamiehistö kuitenkin teki päätöksen Whistlerin hyväksi, mutta myönsi nimellisenä vahingonkorvauksena vain muutaman sentin, ja oikeudenkäyntikulut jaettiin. Oikeudenkäynnin kustannukset ja hänen asuntonsa (”The White House” Tite Streetillä Chelseassa, jonka hän suunnitteli yhdessä E. W. Godwinin kanssa vuosina 1877-1877) rakentamisesta aiheutuneet valtavat velat ajoivat hänet konkurssiin toukokuussa 1879, minkä seurauksena hänen teoksensa, kokoelmansa ja talonsa joutuivat huutokaupattaviksi. Stansky huomauttaa ironisesti, että Lontoon Fine Art Society of London, joka oli järjestänyt keräyksen Ruskinin oikeudenkäyntikulujen maksamiseksi, tuki häntä ”Venetsian kivien” etsauksessa (ja sarjan näyttelyssä vuonna 1883), mikä auttoi kattamaan Whistlerin kulut.
Whistler julkaisi kertomuksensa oikeudenkäynnistä pamfletissa Whistler vastaan Ruskin: Art and Art Critics, joka sisältyi hänen myöhempään teokseensa The Gentle Art of Making Enemies (1890), joulukuussa 1878, pian oikeudenkäynnin jälkeen. Whistlerin suuri toivo siitä, että oikeudenkäynnin saama julkisuus pelastaisi hänen uransa, kariutui, sillä hän pikemminkin menetti kuin sai lisää suosiota mesenaattien keskuudessa. Hänen velkojiensa joukossa oli Leyland, joka valvoi Whistlerin omaisuuden myyntiä. Whistler teki useita karikatyyrejä entisestä mesenaatistaan, muun muassa purevan satiirisen maalauksen nimeltä The Gold Scab (Kultainen rupi), juuri sen jälkeen kun Whistler oli tehnyt konkurssin. Whistler syytti aina Leylandia taloudellisesta romahduksestaan.
Oikeudenkäynnin jälkeen Whistler sai toimeksiannon tehdä kaksitoista etsausta Venetsiassa. Hän otti toimeksiannon innokkaasti vastaan ja saapui kaupunkiin tyttöystävänsä Maudin kanssa, ja he majoittuivat huonokuntoiseen palazzoon, jonka he jakoivat muiden taiteilijoiden, kuten John Singer Sargentin, kanssa. Vaikka hänellä oli koti-ikävä Lontooseen, hän sopeutui Venetsiaan ja alkoi tutustua sen luonteeseen. Hän yritti parhaansa mukaan harhauttaa itsensä pois taloudellisten asioidensa synkkyydestä ja siitä, että kaikki hänen tavaransa oli tarkoitus myydä Sotheby”sissa. Hän oli vakiovieraana Yhdysvaltain konsulaatin juhlissa ja tavanomaisella nokkeluudellaan lumosi vieraat sanallisilla kikkailuilla, kuten ”taiteilijan ainoa positiivinen hyve on tyhjäkäynti – ja vain harvat ovat siinä lahjakkaita”.
Hänen uudet ystävänsä kertoivat päinvastoin, että Whistler nousi aikaisin ja ponnisti koko päivän. Hän kirjoitti eräälle ystävälleen: ”Olen oppinut tuntemaan Venetsiassa Venetsian, jota muut eivät näytä koskaan havainneen, ja joka, jos tuon sen mukanani takaisin, kuten aion, korvaa paljon enemmän kuin hyvin kaikki ärsyttävät viivytykset ja henkiset haitat.” Kolmen kuukauden komennus venyi neljätoista kuukaudeksi. Tänä poikkeuksellisen tuotteliaana aikana Whistler sai valmiiksi yli viisikymmentä etsausta, useita nokturneita, joitakin akvarelleja ja yli sata pastellia, jotka kuvasivat sekä Venetsian tunnelmia että sen hienoja arkkitehtonisia yksityiskohtia.Lisäksi Whistler vaikutti Venetsian amerikkalaiseen taideyhteisöön, erityisesti Frank Duveneckiin (ja Duveneckin ”poikiin”) ja Robert Blumiin, jotka jäljittelivät Whistlerin näkemystä Venetsiasta ja levittivät myöhemmin Whistlerin metodejaan ja vaikutusvaltaansa takaisin Amerikkaan.
Lontoossa pastellit myivät erityisen hyvin, ja hän totesi: ”Ne eivät ole niin hyviä kuin oletin. Ne myyvät!” Hän osallistui aktiivisesti muiden töidensä esittelyyn, mutta vain vähäisellä menestyksellä. Vaikka hänellä oli edelleen taloudellisia vaikeuksia, häntä rohkaisi huomio ja ihailu, jota hän sai nuoremmalta englantilais- ja amerikkalaissukupolvelta, joka teki hänestä idolinsa ja otti innokkaasti käyttöön tittelin ”Whistlerin oppilas”. Monet heistä palasivat Amerikkaan ja levittivät tarinoita Whistlerin provosoivasta itsekkyydestä, terävästä nokkeluudesta ja esteettisistä lausunnoista – Whistlerin legenda syntyi Whistlerin omaksi iloksi.
Whistler julkaisi ensimmäisen kirjansa Ten O”clock Lecture vuonna 1885, joka oli merkittävä osoitus hänen uskostaan ”taiteeseen taiteen vuoksi”. Tuohon aikaan vallitsi viktoriaanisen ajan vastakkainen käsitys, jonka mukaan taiteella ja monella muullakin inhimillisellä toiminnalla oli moraalinen tai sosiaalinen tehtävä. Whistlerille taide oli kuitenkin itsetarkoitus, eikä taiteilijan vastuulla ollut yhteiskunnalle vaan itselleen tulkita taiteen kautta eikä toistaa eikä moralisoida näkemäänsä. Lisäksi hän totesi, että ”luonto on hyvin harvoin oikeassa”, ja taiteilijan on parannettava sitä omalla näkemyksellään.
Vaikka Oscar Wilde oli Whistlerin kanssa eri mieltä monista asioista, kuten siitä, että runous on maalausta korkeampi taidemuoto, hän kehui luentoa anteliaasti ja piti sitä mestariteoksena:
ei pelkästään sen nokkelan satiirin ja huvittavien pilailujen vuoksi … vaan monien sen osien puhtaan ja täydellisen kauneuden vuoksi … sillä hän on mielestäni todellakin yksi maalaustaiteen suurimmista mestareista. Ja voin lisätä, että herra Whistler itse on täysin samaa mieltä.
Whistler kuitenkin ajatteli, että Oscar Wilde pilkkasi häntä, ja siitä lähtien seurasi julkista kiistelyä, joka johti heidän ystävyytensä täydelliseen hajoamiseen Herbert Vivianin kirjoittaman raportin seurauksena. Myöhemmin Wilde iski jälleen Whistleriin ja perusti Dorian Grayn kuva -romaaninsa murhatun taiteilijan Whistlerin mukaan.
Tammikuussa 1881 Anna Whistler kuoli. Äitinsä kunniaksi hän otti tämän jälkeen julkisesti käyttöön tämän tyttönimen McNeill toisena nimenä.
Whistler liittyi Society of British Artists -yhdistykseen vuonna 1884, ja 1. kesäkuuta 1886 hänet valittiin sen puheenjohtajaksi. Seuraavana vuonna, kuningatar Victorian kultaisen juhlavuoden aikana, Whistler lahjoitti kuningattarelle seuran puolesta taideteollisen albumin, joka sisälsi pitkän kirjallisen puheen ja hänen tekemiään kuvituksia. Kuningatar Victoria ihasteli ”kaunista ja taiteellista valaistusta” niin paljon, että hän määräsi, että ”seuran nimi on vastedes oltava kuninkaallinen”. Jäsenet arvostivat tätä saavutusta laajalti, mutta pian sitä varjosti kiista, joka väistämättä syntyi Royal Academy of Artsin kanssa. Whistler ehdotti, että Royal Societyn jäsenten tulisi erota Royal Academysta. Tämä sytytti jäsenistön riveissä riidan, joka varjosti kaikkia muita seuran asioita. Toukokuussa 1888 yhdeksän jäsentä kirjoitti Whistlerille ja vaati häntä eroamaan. Kesäkuun 4. päivänä pidetyssä vuosikokouksessa hänet hylättiin uudelleenvalinnassa äänin 18-19, ja yhdeksän äänesti tyhjää. Whistler ja 25 kannattajaa erosivat, kun taas Whistlerin vastainen enemmistö (hänen mielestään) onnistui puhdistamaan hänet hänen ”eksentrisyytensä” ja ”ei-englantilaisen” taustansa vuoksi.
Kun hänen suhteensa Maudin kanssa oli hajoamassa, Whistler kosi ja meni naimisiin Beatrice Godwinin (myös ”Beatrix” tai ”Trixie”) kanssa, joka oli hänen entinen oppilaansa ja arkkitehti Edward William Godwinin leski. Godwinin kanssa solmimansa ystävyyden kautta Whistler oli tullut läheiseksi Beatricen kanssa, jonka Whistler maalasi kokopitkään muotokuvaan nimeltä Harmony in Red: Lampunvalo (GLAHA 46315). Kesään 1888 mennessä Whistler ja Beatrice esiintyivät julkisuudessa pariskuntana. Illallisella Louise Jopling ja Henry Labouchère vaativat, että heidän pitäisi mennä naimisiin ennen viikon loppua.
Avioliittoseremonia järjestettiin; parlamentin jäsenenä Labouchère järjesti parlamentin alahuoneen kappalaisen vihkimään parin. Seremoniaa ei julkistettu, jotta vältettäisiin mahdollisuus, että raivostunut Maud Franklin keskeyttäisi vihkimisen. Avioliitto solmittiin 11. elokuuta 1888, ja seremoniaan osallistui Pall Mall Gazetten toimittaja, jotta tapahtuma saisi julkisuutta. Pariskunta lähti pian sen jälkeen Pariisiin välttääkseen kohtauksen riskin Maudin kanssa.
Whistlerin maine Lontoossa ja Pariisissa oli nousussa, ja hän sai kriitikoilta myönteisiä arvioita ja uusia tilauksia. Hänen kirjansa The Gentle Art of Making Enemies julkaistiin vuonna 1890 vaihtelevalla menestyksellä, mutta siitä oli hyötyä julkisuudessa.
Vuonna 1890 hän tapasi Charles Lang Freerin, josta tuli arvokas mesenaatti Amerikassa ja lopulta hänen tärkein keräilijänsä. Noihin aikoihin Whistler kokeili muotokuvien lisäksi varhaista värivalokuvausta ja litografiaa ja loi sarjan, jossa hän esitteli lontoolaista arkkitehtuuria ja ihmishahmoja, enimmäkseen naisia alastonkuvissa. Hän toimitti kolme ensimmäistä Songs of Stone -litografiaansa The Whirlwind -lehteen, joka oli hänen ystävänsä Herbert Vivianin julkaisema uusjakobolaislehti. Whistler oli tavannut Vivianin 1880-luvun lopulla, kun molemmat olivat jäseniä Order of the White Rose -järjestössä, joka oli ensimmäinen uusjakobiittiseuroista. Vuonna 1891 Whistlerin läheisen ystävän Stéphane Mallarmén avustuksella Ranskan hallitus osti Whistlerin Äidin 4 000 frangilla. Se oli paljon vähemmän kuin mitä amerikkalainen keräilijä olisi ehkä maksanut, mutta se ei Whistlerin laskelmien mukaan olisi ollut kovinkaan arvovaltaista.
Kun hänen yksityisnäyttelynsä Lontoossa, jossa esiteltiin lähinnä hänen yöuniaan, sai välinpitämättömän vastaanoton, Whistler päätti äkkiä, että hän oli saanut tarpeekseen Lontoosta. Hän muutti Trixien kanssa Pariisiin vuonna 1892 ja asui osoitteessa Rue du Bac 110, Pariisi, ja hänen ateljeensa sijaitsi Montparnassessa Rue Notre Dame des Champs 86:n yläosassa. Monet, Auguste Rodin, Henri de Toulouse-Lautrec ja Stéphane Mallarmé toivottivat hänet tervetulleeksi, ja hän perusti itselleen suuren ateljeen. Hän oli uransa huipulla, kun selvisi, että Trixie sairasti syöpää. He palasivat Lontooseen helmikuussa 1896 ja ottivat huoneet Savoy-hotellista, kun he hakeutuivat hoitoon. Hän teki piirroksia litografiselle siirtopaperille Thames-joen näkymistä hotellin ikkunasta tai parvekkeelta, kun hän istui Trixien kanssa.
Vuonna 1899 Charles Freer esitteli Whistlerin ystävälleen ja liikemiesystävänsä Richard Albert Canfieldille, josta tuli Whistlerin henkilökohtainen ystävä ja suojelija. Canfield omisti useita muodikkaita pelitaloja New Yorkissa, Rhode Islandissa, Saratoga Springsissä ja Newportissa, ja hän oli myös kulttuurimies, jolla oli hienostunut taidemaku. Hän omisti varhaisia amerikkalaisia ja Chippendale-huonekaluja, seinävaatteita, kiinalaista posliinia ja Barye-pronssia, ja hänellä oli ennen kuolemaansa vuonna 1914 maailman toiseksi suurin ja merkittävin Whistler-kokoelma. Toukokuussa 1901 Canfield tilasi muotokuvan Whistleriltä; hän alkoi poseerata Portrait of Richard A. Canfield (YMSM 547) -teoksessa maaliskuussa 1902. Alexander Gardinerin mukaan Canfield palasi Eurooppaan istumaan Whistlerille vuoden 1903 uudenvuoden aikaan ja istui joka päivä 16. toukokuuta 1903 asti. Whistler oli tuolloin sairas ja hauras, ja teos oli hänen viimeinen valmistunut muotokuvansa. Canfieldin muotokuvalle antama harhaanjohtava kunnioituksen ilmiasu sai Whistlerin kutsumaan sitä nimellä ”Hänen kunnioituksensa”. Miehet olivat kirjeenvaihdossa vuodesta 1901 Whistlerin kuolemaan asti. Muutamaa kuukautta ennen omaa kuolemaansa Canfield myi kokoelmansa, joka sisälsi Whistlerin etsauksia, litografioita, piirustuksia ja maalauksia, amerikkalaiselle taidekauppiaalle Roland F. Knoedlerille 300 000 dollarilla. Kolme Canfieldin Whistler-maalausta on esillä Frick Museumissa New Yorkissa.
Elämänsä viimeisinä seitsemänä vuotena Whistler teki joitakin minimalistisia merimaisemia vesiväreillä ja viimeisen omakuvansa öljyllä. Hän kävi kirjeenvaihtoa monien ystäviensä ja kollegoidensa kanssa. Whistler perusti taidekoulun vuonna 1898, mutta hänen huono terveytensä ja harvoin esiintymisensä johtivat koulun sulkemiseen vuonna 1901. Hän kuoli Lontoossa 17. heinäkuuta 1903, kuusi päivää 69-vuotissyntymäpäivänsä jälkeen. Hänet on haudattu Chiswickin vanhalle hautausmaalle Länsi-Lontoossa, Chiswickin St Nicholas Churchin viereen.
Whistleristä kirjoittivat vuonna 1908 elämäkerran hänen ystävänsä, taidegraafikko Joseph Pennell ja taidekriitikko Elizabeth Robins Pennell. Pennellien laaja Whistler-kokoelma testamentattiin kongressin kirjastolle. Taiteilijan koko omaisuus jäi hänen kälylleen Rosalind Birnie Philipille. Hän puolusti loppuelämänsä ajan taiteilijan mainetta ja hoiti hänen taidettaan ja omaisuuttaan, josta suuri osa lahjoitettiin lopulta Glasgow”n yliopistolle.
Whistlerillä oli omaleimainen ulkonäkö, lyhyt ja hoikka, lävistävät silmät ja kiharat viikset, usein monokeli ja räikeä dandyn pukeutuminen. Hän vaikutti itsevarmalta ja eksentriseltä. Hän oli usein ylimielinen ja itsekäs ystäviä ja asiakkaita kohtaan. Jatkuva itsensä mainostaja ja egoisti, hän nautti ystävien ja vihollisten järkyttämisestä. Vaikka hän saattoi suhtautua yhteiskunnallisiin ja poliittisiin asioihin hölmösti ja kevytmielisesti, hän suhtautui taiteeseen aina vakavasti ja kutsui usein julkisia kiistoja ja väittelyjä esiin vahvasti kannattamiensa teorioiden puolesta.
Whistlerillä oli korkea, laahaava ääni ja ainutlaatuinen puhetapa, joka oli täynnä laskelmoituja taukoja. Eräs ystävä sanoi: ”Hetken päästä huomaa, ettei hän keskustele – hän piirtää sanoin, antaa ääni- ja aistivaikutelmia, jotka kuulija voi tulkita.”
Whistler oli tunnettu purevasta nokkeluudestaan, erityisesti ystävänsä ja kilpailijansa Oscar Wilden kanssa käymissään keskusteluissa. Molemmat olivat Pariisin kahvilayhteisön hahmoja, ja he olivat usein ”kaupungin puheenaiheita”. He esiintyivät usein karikatyyreinä Punch-lehdessä keskinäiseksi huvikseen. Erään kerran nuori Oscar Wilde osallistui Whistlerin illallisille ja sanoi isäntänsä loistavan huomautuksen jälkeen: ”Olisinpa sanonut tuon”, mihin Whistler vastasi: ”Kyllä sinä sanot, Oscar, kyllä sinä sanot!”. Itse asiassa Wilde toisti julkisuudessa monia Whistlerin keksimiä vitsikkäitä lausahduksia. Heidän suhteensa heikkeni 1880-luvun puoliväliin mennessä, kun Whistler kääntyi Wildea ja esteettistä liikettä vastaan. Kun Wilde tunnustautui julkisesti homoseksuaaliksi vuonna 1895, Whistler pilkkasi häntä avoimesti. Whistler nautti seurapiiritilaisuuksiensa valmistelusta ja hallinnoinnista. Kuten eräs vieras totesi:
Siellä tapasi yhteiskunnan parhaita ihmisiä – ihmisiä, joilla oli aivot, ja niitä, joilla oli tarpeeksi niitä arvostamaan. Whistler oli jäljittelemätön isäntä. Hän rakasti olla aurinko, jonka ympärillä me pienemmät valot pyörimme… Kaikki joutuivat hänen vaikutuksensa alaisiksi, eikä kukaan ollut tylsistynyt eikä tylsä.
Pariisissa Whistler ystävystyi taiteilijoiden, kirjailijoiden ja runoilijoiden symbolistisen piirin jäsenten kanssa, johon kuului myös Stéphane Mallarmé Schwob oli tavannut Whistlerin 1890-luvun puolivälissä Stéphane Mallarmén kautta, ja heillä oli muitakin yhteisiä ystäviä, kuten Oscar Wilde (kunnes he riitelivät) ja Whistlerin lanko Charles Whibley.
Henri Fantin-Latourin, Alphonse Legrosin ja Courbet”n lisäksi Whistler oli ystävällinen monien muiden ranskalaisten taiteilijoiden kanssa. Hän kuvitti kirjan Les Chauves-Souris yhdessä Antonio de La Gandaran kanssa. Hän tunsi myös impressionisteja, erityisesti Édouard Manet”n, Monet”n ja Edgar Degasin. Nuorena taiteilijana hänellä oli läheinen ystävyyssuhde Dante Gabriel Rossettin kanssa, joka kuului preraafaliittiveljeskuntaan. Hänen läheiset ystävyyssuhteensa Monet”n ja runoilija Stéphane Mallarmén kanssa, joka käänsi Kymmenen kellon luennon ranskaksi, vahvistivat Whistlerin arvostusta ranskalaisessa yleisössä. Whistler oli ystävällinen Gleyren ateljeen opiskelutovereidensa kanssa, joihin kuului myös Ignace Schott, jonka poika Leon Dabo Whistler myöhemmin opetti.
Whistlerin rakastaja ja Valkoisen tytön malli Joanna Hiffernan poseerasi myös Gustave Courbet”lle. Historioitsijat arvelevat, että Courbet käytti häntä mallina eroottisessa maalauksessaan L”Origine du monde, mikä mahdollisesti johti Whistlerin ja Courbet”n välisen ystävyyden katkeamiseen. 1870-luvulla ja suurimman osan 1880-luvusta hän asui malliemäntänsä Maud Franklinin kanssa. Hänen kykynsä kestää pitkät, toistuvat istunnot auttoivat Whistleriä kehittämään muotokuvataitojaan. Hän teki hänestä useita erinomaisia muotokuvia, mutta hän oli myös hyödyllinen sijaisnäyttelijä muille kuvaajille.Whistlerillä oli useita aviottomia lapsia, joista Charles Hanson on parhaiten dokumentoitu. Erottuaan rakastajattarestaan Joanna Hiffernanista hän auttoi kasvattamaan Whistlerin pojan, Charles James Whistler Hansonin (1870-1935), joka oli syntynyt seurustelusuhteen seurauksena salonkipalvelijattaren Louisa Fanny Hansonin kanssa. Avopuolisonsa Maud Franklinin kanssa Whistlerillä oli kaksi tytärtä: Ione (syntynyt noin vuonna 1877) ja Maud McNeill Whistler Franklin (syntynyt 1879). Hän kutsui itseään toisinaan ”rouva Whistleriksi”, ja vuoden 1881 väestönlaskennassa hän ilmoitti nimensä ”Mary M. Whistler”.
Vuonna 1888 Whistler avioitui Beatrice Godwinin kanssa (Whistler kutsui häntä Beatrixiksi tai Trixieksi). Hän oli Whistlerin Valkoisen talon suunnitelleen arkkitehti E. W. Godwinin leski. Beatrix oli kuvanveistäjä John Birnie Philipin ja hänen vaimonsa Frances Blackin tytär. Beatrix ja hänen sisarensa Rosalind Birnie Philip ja Ethel Whibley poseerasivat monissa Whistlerin maalauksissa ja piirustuksissa; Ethel Whibley mallina helmiäislampaan ja hopean äiti: Andalusialainen (1888-1900). Heidän avioliittonsa ensimmäiset viisi vuotta olivat hyvin onnellisia, mutta hänen myöhempi elämänsä oli pariskunnalle kurjuuden aikaa hänen sairautensa ja lopulta syöpään kuolemansa vuoksi. Loppua kohden hän makasi suuren osan ajasta koomassa, täysin kivunlievitykseen annetun morfiinin vaikutuksen alaisena. Hänen kuolemansa oli voimakas isku, josta Whistler ei koskaan päässyt yli.
Whistler sai vaikutteita monista lähteistä, kuten Rembrandtin ja Velázquezin töistä sekä antiikin Kreikan kuvanveistosta, ja sisällytti niitä taiteeseensa kehittääkseen oman, erittäin vaikutusvaltaisen ja yksilöllisen tyylinsä. Hän oli taitava monissa välineissä, ja hän teki yli 500 maalausta sekä etsauksia, pastelleja, akvarelleja, piirroksia ja litografioita. Whistler oli esteettisen liikkeen johtaja, joka edisti, kirjoitti ja luennoi ”taide taiteen vuoksi” -filosofiasta. Oppilaidensa kanssa hän kannatti yksinkertaista suunnittelua, keinojen säästämistä, liian vaivalloisen tekniikan välttämistä ja lopputuloksen tonaalista harmoniaa. Whistleristä on järjestetty monia merkittäviä museonäyttelyitä, tutkimuksia ja julkaisuja. Impressionistien tavoin hän käytti luontoa taiteellisena voimavarana. Whistler vaati, että taiteilijan velvollisuutena oli tulkita näkemäänsä, ei olla todellisuuden orja ja ”tuoda kaaoksesta esiin loistavaa harmoniaa”.
Hän vaikutti elämänsä aikana kahteen taiteilijasukupolveen Euroopassa ja Yhdysvalloissa. Whistler oli merkittävässä yhteydessä realistisiin, impressionistisiin ja symbolistisiin taidemaalareihin ja vaihtoi heidän kanssaan ajatuksia ja ihanteita. Kuuluisia suojatteja olivat muun muassa Walter Sickert ja kirjailija Oscar Wilde. Hänen tonalismillaan oli suuri vaikutus moniin amerikkalaisiin taiteilijoihin, kuten John Singer Sargentiin, William Merritt Chaseen, Henry Salem Hubbelliin ja Willis Seaver Adamsiin (jonka kanssa hän ystävystyi Venetsiassa). Toinen merkittävä vaikutus oli Arthur Frank Mathewsilla, jonka Whistler tapasi Pariisissa 1890-luvun lopulla. Mathews vei Whistlerin tonaalisuuden San Franciscoon, mikä synnytti kyseisen tekniikan laajan käytön vuosisadan vaihteen kalifornialaisten taiteilijoiden keskuudessa. Amerikkalainen kriitikko Charles Caffin kirjoitti vuonna 1907:
Hän ei vain houkutellut muutamia seuraajia ja jäljittelijöitä, vaan vaikutti koko taidemaailmaan. Tietoisesti tai tiedostamatta hänen läsnäolonsa tuntuu lukemattomissa työhuoneissa, ja hänen neroutensa läpäisee modernin taideajattelun.
Vuonna 1880 tekemällään Venetsian-matkalla Whistler loi sarjan etsauksia ja pastelleja, jotka eivät ainoastaan elvyttäneet hänen talouttaan, vaan myös antoivat uutta virtaa taiteilijoiden ja valokuvaajien tavalle tulkita kaupunkia keskittymällä sen sivukujiin, sivukanaviin, sisäänkäynteihin ja arkkitehtonisiin kuvioihin ja vangitsemalla kaupungin ainutlaatuisen tunnelman.
Vuonna 1940 Whistlerin muistoksi julkaistiin Yhdysvaltojen postimerkki, kun Yhdysvaltain postilaitos julkaisi 35 postimerkin sarjan, jossa muistettiin Amerikan kuuluisia kirjailijoita, runoilijoita, kasvattajia, tiedemiehiä, säveltäjiä, taiteilijoita ja keksijöitä: ”Famous Americans Series”.
Gilbertin ja Sullivanin operetti Patience tekee pilaa esteettisestä liikkeestä, ja Reginald Bunthornen päähenkilö on usein tunnistettu Oscar Wilden parodioinniksi, vaikka Bunthorne on todennäköisemmin useiden merkittävien taiteilijoiden, kirjailijoiden ja esteettisten hahmojen yhdistelmä. Bunthorne käyttää monokkelia, ja hänen tummissa hiuksissaan on Whistlerin tapaan näkyviä valkoisia raitoja.
Whistler oli laulaja ja näyttelijä Doris Dayn suosikkitaiteilija. Hän omisti ja esitteli Whistlerin alkuperäisen kaiverruksen Rotherhithestä sekä kaksi hänen alkuperäistä litografiaansa: The Steps, Luxemburgin puutarha, Pariisi ja Pantheon, Luxemburgin puutarhan terassilta.
Talo, jossa Whistler syntyi, on nykyään Whistler House Museum of Art. Hänet on haudattu St Nicholas Churchiin, Chiswickiin.
Whistler saavutti elinaikanaan maailmanlaajuista tunnustusta:
Nicholas Dimblebyn suunnittelema James McNeill Whistlerin patsas pystytettiin vuonna 2005 Battersea-sillan pohjoispäähän Thames-joen varrelle Yhdistyneessä kuningaskunnassa.
Lokakuun 27. päivänä 2010 Swann Galleries teki huutokaupassa Whistlerin vedoksen ennätyshinnan, kun mustalla värillä lämpimälle, kermanväriselle Japanin paperille painettu etsaus ja kuivaneula Nocturne, 1879-80, myytiin 282 000 dollarilla.
Lue myös, elamakerrat – Nikolai II
Ensisijaiset lähteet
lähteet
