Robert Altman

Mary Stone | 4 tammikuun, 2023

Yhteenveto

Robert Bernard Altman (20. helmikuuta 1925 – 20. marraskuuta 2006) oli yhdysvaltalainen elokuvaohjaaja, käsikirjoittaja ja tuottaja. Altman tunnetaan viisinkertaisena parhaan ohjaajan Oscar-ehdokkaana ja uuden Hollywoodin aikakauden pysyvänä hahmona.

Hänen elokuvantekotyylinsä kattoi monia genrejä, mutta yleensä ”kumouksellisella” otteella, joka yleensä perustui satiiriin ja huumoriin ilmaistakseen henkilökohtaisia näkemyksiään. Altmanille kehittyi maine ”anti-Hollywoodina” ja epäsovinnaisena sekä teemojensa että ohjaustyylinsä suhteen. Näyttelijät nauttivat erityisesti työskentelystä Altmanin ohjauksessa, koska hän rohkaisi heitä improvisoimaan ja innoitti näin heidän omaa luovuuttaan.

Hän suosi elokuvissaan suuria kokoonpanoja ja kehitti moniraitaäänitystekniikan, joka tuotti päällekkäistä dialogia useilta näyttelijöiltä. Näin katsojalle tuotettiin luonnollisempi, dynaamisempi ja monimutkaisempi kokemus. Hän käytti myös erittäin liikkuvaa kameratyöskentelyä ja zoom-objektiiveja, joilla hän korosti valkokankaalla tapahtuvaa toimintaa. Kriitikko Pauline Kael sanoi Altmanin ohjaustyylistä kirjoittaessaan, että Altman pystyi ”tekemään elokuvan ilotulituksen lähes tyhjästä”. Altmanin tunnetuimpiin ohjaustöihin kuuluvat M*A*S*H (1970), McCabe & Mrs. Miller (1971), The Long Goodbye (1973), Nashville (1975), 3 naista (1977), The Player (1992), Short Cuts (1993) ja Gosford Park (2001).

Vuonna 2006 Academy of Motion Picture Arts and Sciences myönsi Altmanille kunniapalkinnon hänen työstään. Hän ei koskaan voittanut kilpailevaa Oscar-palkintoa seitsemästä ehdokkuudesta huolimatta. Hänen elokuvansa M*A*S*H, McCabe & Mrs. Miller, The Long Goodbye ja Nashville on valittu Yhdysvaltain kansalliseen elokuvarekisteriin. Altman on yksi kolmesta elokuvantekijästä, joiden elokuvat ovat voittaneet Kultaisen karhun Berliinissä, Kultaisen leijonan Venetsiassa ja Kultaisen palmun Cannesissa (kaksi muuta ovat Henri-Georges Clouzot ja Michelangelo Antonioni).

Altman syntyi 20. helmikuuta 1925 Kansas Cityssä, Missourissa. Hän oli Nebraskasta Mayflowerin jälkeläisen Helenin (o.s. Matthews) ja Bernard Clement Altmanin, varakkaan vakuutusmyyjän ja amatööripelaajan poika, joka oli peräisin yläluokan perheestä. Altmanin sukujuuret olivat saksalaisia, englantilaisia ja irlantilaisia; hänen isänpuoleinen isoisänsä, Frank Altman, Sr., anglifioi sukunimen kirjoitusasun ”Altmannista” ”Altmaniksi”. mutta hän ei jatkanut uskonnon seuraamista tai harjoittamista aikuisena, vaikka häntä on kutsuttu ”eräänlaiseksi katolilaiseksi” ja katoliseksi johtajaksi. Hän opiskeli jesuiittakouluissa, muun muassa Rockhurst High Schoolissa Kansas Cityssä. Hän valmistui Wentworthin sotilasakatemiasta Lexingtonissa Missourissa vuonna 1943.

Pian valmistumisensa jälkeen Altman liittyi 18-vuotiaana Yhdysvaltain armeijan ilmavoimiin. Toisen maailmansodan aikana Altman lensi yli 50 pommituslentoa B-24 Liberator -lentokoneen perämiehenä 307. pommiryhmässä Borneossa ja Alankomaiden Itä-Intiassa. Kun Altman kotiutui vuonna 1947, hän muutti Kaliforniaan. Hän työskenteli mainostehtävissä yrityksessä, joka oli keksinyt tatuointilaitteen koirien tunnistamiseen. Hän ryhtyi elokuvantekijäksi hetken mielijohteesta myymällä RKO:lle käsikirjoituksen vuoden 1948 elokuvaan Bodyguard, jonka hän kirjoitti yhdessä George W. Georgen kanssa. Altmanin välitön menestys rohkaisi häntä muuttamaan New Yorkiin, jossa hän yritti luoda uraa kirjailijana. Menestyttyään heikosti hän palasi Kansas Cityyn vuonna 1949, jossa hän otti vastaan työn Calvin-yhtiön teollisuuselokuvien ohjaajana ja käsikirjoittajana. Altman ohjasi Calvin Companylle noin 65 teollisuuselokuvaa ja dokumenttia. Teollisuuselokuvien parissa tekemänsä varhaisen työn kautta Altman kokeili kerrontatekniikkaa ja kehitti hänelle ominaisen päällekkäisen dialogin käytön. Helmikuussa 2012 elokuvantekijä Gary Huggins löysi Altmanin ohjaaman varhaisen Calvin-elokuvan Modern Football (1951).

Lue myös, elamakerrat – Charles Maurice de Talleyrand

1950s

Altmanin ensimmäiset kokeilut tv-ohjaajana olivat DuMontin draamasarjassa Pulse of the City (1953-1954) ja vuoden 1956 lännensarjan The Sheriff of Cochise jaksossa. Vuonna 1956 eräs paikallinen liikemies palkkasi hänet kirjoittamaan ja ohjaamaan Kansas Cityssä näytelmäelokuvan nuorisorikollisuudesta. Elokuva nimeltä The Delinquents, joka tehtiin 60 000 dollarilla, ostettiin United Artistsin toimesta 150 000 dollarilla, ja se julkaistiin vuonna 1957. Vaikka tämä teini-ikäisten hyväksikäyttöelokuva oli alkeellinen, se sisälsi Altmanin myöhempien töiden perustan, sillä siinä käytettiin rentoa, naturalistista dialogia. Sen menestyksen myötä Altman muutti Kansas Citystä Kaliforniaan viimeisen kerran. Hän oli mukana ohjaamassa James Deanin tarinaa (1957), dokumenttielokuvaa, joka tuotiin teattereihin näyttelijän hiljattaisen kuoleman vuoksi ja jota markkinoitiin näyttelijän syntymässä olevalle kulttiyleisölle. Molemmat teokset herättivät Alfred Hitchcockin huomion, joka palkkasi Altmanin ohjaajaksi CBS:n antologiasarjaan Alfred Hitchcock Presents. Vain kahden jakson jälkeen Altman irtisanoutui erimielisyyksien vuoksi tuottajan kanssa, mutta tämä altistuminen mahdollisti hänen menestyksekkään tv-uransa. Seuraavan vuosikymmenen aikana Altman työskenteli runsaasti televisiossa (ja lähes yksinomaan sarjadraamojen parissa) ohjaten useita jaksoja sarjoihin Whirlybirds, The Millionaire, U.S. Marshal, The Troubleshooters, The Roaring 20s, Bonanza, Bus Stop, Kraft Mystery Theater, Combat! sekä yksittäisiä jaksoja useisiin muihin merkittäviin sarjoihin, kuten Hawaiian Eye, Maverick (neljännen kauden jakso ”Bolt From the Blue” oli myös Altmanin käsikirjoittama ja Roger Mooren tähdittämä), Lawman, Surfside 6, Peter Gunn, ja Route 66.

Lue myös, elamakerrat – Mihail Gorbatšov

1960s

1960-luvulle tultaessa Altman oli vakiinnuttanut asemansa tv-ohjaajana, koska hän pystyi työskentelemään nopeasti ja tehokkaasti rajallisella budjetilla. Vaikka Altman sai usein potkut televisioprojekteista, koska hän kieltäytyi mukautumasta verkon määräyksiin, hän pystyi aina saamaan uusia tehtäviä. Vuonna 1964 tuottajat päättivät laajentaa ”Once Upon a Savage Night” -elokuvan, yhden hänen Kraft Suspense -teatterin jaksoista, julkaistavaksi tv-elokuvana nimellä Nightmare in Chicago.

Kaksi vuotta myöhemmin Altman palkattiin ohjaamaan pienen budjetin avaruusmatkailuelokuvaa Countdown, mutta hänet erotettiin muutama päivä projektin päättymisen jälkeen, koska hän kieltäytyi leikkaamasta elokuvaa hallittavaan pituuteen. Hän ohjasi uuden elokuvan vasta elokuvassa That Cold Day in the Park (1969), joka oli kriittinen ja kassatappio.

Vuosikymmenen aikana Altman alkoi ilmaista teoksissaan poliittisia subtekstejä. Hän ilmaisi erityisesti Vietnamin sotaa koskevia sodanvastaisia tunteita. Tämän vuoksi Altmanin ura kärsi jonkin verran, kun hänet yhdistettiin sodanvastaiseen liikkeeseen.

Lue myös, elamakerrat – Vere Gordon Childe

1970s

Vuonna 1969 Altmanille tarjottiin käsikirjoitusta MASH-elokuvaan, joka oli sovitus vähän tunnetusta Korean sodan aikaisesta romaanista, joka satiirisoi elämää asevoimissa; yli kymmenkunta muuta elokuvantekijää oli jättänyt sen väliin. Altman oli epäröinyt ryhtyä tuotantoon, ja kuvaukset olivat niin myrskyisät, että Elliott Gould ja Donald Sutherland yrittivät saada Altmanin erotetuksi hänen epäsovinnaisten kuvausmenetelmiensä vuoksi. Siitä huolimatta MASHia pidettiin laajalti klassikkona, kun se julkaistiin vuonna 1970. Se voitti Kultaisen palmun Cannesin elokuvajuhlilla vuonna 1970 ja sai viisi Oscar-ehdokkuutta. Se oli Altmanin eniten tuottanut elokuva, joka julkaistiin aikana, jolloin sodanvastaisuus lisääntyi Yhdysvalloissa. Akatemian elokuva-arkisto säilytti MASHin vuonna 2000.

Nyt Altman tunnustetaan merkittävä lahjakkuus, ja hän saavutti kriittistä menestystä elokuvilla McCabe ja rouva Miller (1971), revisionistinen lännenelokuva, jossa Leonard Cohenin katkerat laulut korostavat karua näkemystä amerikkalaisesta rajaseudusta; The Long Goodbye (1973), kiistanalainen sovitus Raymond Chandlerin romaanista (Thieves Like Us (1974), sovitus Edward Andersonin romaanista, jonka Nicholas Ray oli aiemmin filmannut elokuvana He elävät yöllä (ja Nashville (1975), jossa oli vahva poliittinen teema vasten kantrimusiikin maailmaa. Elokuvan tähdet kirjoittivat omat kappaleensa; Keith Carradine voitti Oscarin kappaleesta ”I”m Easy”. Vaikka hänen elokuvansa saivat usein ristiriitaisia arvioita, monet aikakauden merkittävistä elokuvakriitikoista (kuten Pauline Kael, Vincent Canby ja Roger Ebert) pysyivät vankkumattomasti uskollisina hänen ohjaustyylilleen koko vuosikymmenen ajan.

Yleisöllä kesti jonkin aikaa arvostaa hänen elokuviaan, eikä hän halunnut tyydyttää studiovirkailijoita. MASH-elokuvan julkaisun jälkeen vuonna 1970 hän perusti Lion”s Gate Filmsin saadakseen itsenäisen tuotantovapauden. Altmanin yhtiötä ei pidä sekoittaa nykyiseen Lionsgateen, kanadalaiseen

Lue myös, sivilisaatiot – Kundan kulttuuri

1980s

Vuonna 1980 hän ohjasi musikaalielokuvan Kippari. Robert Evansin tuottama ja Jules Feifferin käsikirjoittama elokuva perustui sarjakuvaan ”Popee”.

Vuonna 1981 ohjaaja myi Lion”s Gate -elokuvan tuottaja Jonathan Taplinille sen jälkeen, kun hänen poliittinen satiirinsa Health (kuvattu alkuvuodesta 1979 joulun julkaisua varten) hyllytettiin pitkäaikaisen jakelijan 20th Century Foxin toimesta sen jälkeen, kun elokuvan koe- ja festivaalinäytökset olivat jääneet vähäisiksi vuoden 1980 aikana. Myös pitkäaikaisen Altmanin kannattajan Alan Ladd Jr:n lähtö Foxilta oli ratkaisevassa asemassa elokuvan julkaisun estämisessä.

Koska Altman ei pystynyt hankkimaan merkittävää rahoitusta New Hollywoodin jälkeisellä blockbuster-aikakaudella oikullisen maineensa ja Popeye-elokuvan tuotantoon liittyneiden erityisen myrskyisien tapahtumien vuoksi, hän alkoi ”ohjata lukutaitoista draamaa pienillä budjeteilla näyttämölle, kotivideolle, televisiolle ja rajoitettuun teatterilevitykseen”, mukaan luettuna ylistetty Salainen kunnianosoitus ja Palaa takaisin viiteen kymppiin (Come Back to the Five and Dime), sekä kriittisesti antipodealainen sovitus näytelmästä, jonka Altman oli ohjannut Broadwaylla.: 115

Vuonna 1982 Altman lavasti Igor Stravinskyn Rake”s Progress -teoksen Michiganin yliopistossa, jossa hän samanaikaisesti opetti kurssin hänen elokuvistaan. Pian sen jälkeen hän palasi elokuvaan Secret Honor opiskelijoiden kanssa. Vuonna 2008 Michiganin yliopiston kirjasto hankki Altmanin arkiston. Hän oli myös mukana kirjoittamassa John Andersonin vuonna 1983 julkaistua hittisingleä ”Black Sheep”.

Teinikomedia O.C. ja Stiggs (1985), epäonnistunut paluu Hollywood-elokuvantekoon, jota British Film Institute luonnehti jälkikäteen ”luultavasti Altmanin vähiten menestyksekkääksi elokuvaksi”, sai myöhästyneen rajoitetun kaupallisen julkaisun vuonna 1987 sen jälkeen, kun MGM oli hyllyttänyt sen.

Altmanin ja Sam Shepardin The Cannon Groupille tekemä sovitus Shepardin Pulitzer-palkintoehdokkaana olleesta näytelmästä Fool for Love (se menestyi paremmin kuin useimmat Altmanin aikakauden elokuvat, ja se tuotti 900 000 dollaria kotimaassa 2 miljoonan dollarin budjetilla ja sai positiiviset arvostelut Roger Ebertiltä ja Vincent Canbylta). Yleisön suosio ei kuitenkaan saavuttanut häntä.

Hän jatkoi kriittisen suosion saamista Tanner ”88 -dokumenttielokuvallaan (1988), joka oli yhteistyössä Garry Trudeaun kanssa toteutettu Yhdysvaltain presidentinvaalikampanjan miljööseen sijoittuva elokuva, josta hän sai Primetime Emmy -palkinnon.

Lue myös, elamakerrat – Pedro Álvares Cabral

1990s

Vuonna 1990 Altman ohjasi Vincent & Theo -elämäkertaelokuvan Vincent van Goghista, joka oli tarkoitettu televisiossa esitettäväksi minisarjaksi Yhdistyneessä kuningaskunnassa. Elokuvan teatteriversio oli vaatimaton menestys Yhdysvalloissa, mikä merkitsi merkittävää käännekohtaa ohjaajan kriittisessä nousussa.

Hän elvytti uransa toden teolla Hollywood-satiirilla The Player (1992). Vaikutusvaltaisen David Brownin (The Sting, Jaws, Cocoon) yhteistuottajana elokuva oli ehdolla kolmeksi Oscar-palkinnoksi, muun muassa parhaasta ohjauksesta. Vaikka hän ei voittanut Oscar-palkintoa, Cannesin elokuvajuhlat, BAFTA ja New Yorkin elokuvakriitikkojen piiri palkitsivat hänet parhaana ohjaajana.

Sen jälkeen Altman ohjasi elokuvan Short Cuts (1993), joka on kunnianhimoinen sovitus Raymond Carverin novelleista ja jossa kuvataan Los Angelesin eri asukkaiden elämää useiden päivien aikana. Elokuvan suuri näyttelijäkaarti ja monien eri tarinalinjojen kietoutuminen toisiinsa muistuttivat Altmanin 1970-luvulla tekemiä suuren näyttelijäkaartin elokuvia. Altman voitti Kultaisen leijonan Venetsian kansainvälisillä elokuvajuhlilla vuonna 1993 ja sai toisen Oscar-ehdokkuuden parhaasta ohjauksesta.

Loppuvuosi 1990-luvulla Altmanin menestys oli vähäistä. Hänen vuonna 1994 julkaistu Prêt-à-Porter (joka tunnetaan myös nimellä Ready to Wear) keräsi merkittävää julkisuutta ennen julkaisua, mutta oli kaupallinen ja kriittinen floppi, vaikka se sai useita ehdokkuuksia vuoden lopun palkinnoista, mukaan lukien kaksi Golden Globe -ehdokkuutta, ja voitti National Board of Review -palkinnon parhaasta näyttelijäntyön kokonaisuudesta. Vuonna 1996 Altman ohjasi Kansas Cityn, jossa hän ilmaisi rakkautensa 1930-luvun jazziin monimutkaisen kidnappaustarinan kautta. Tarina sai laimeista positiivisiin vaihtelevia arvosteluja, mutta ei tuottanut lipputuloja juuri lainkaan, kuten ei myöskään vuoden 1998 oikeustrilleri The Gingerbread Man.

Hän ei sulkea vuosikymmenen korkealla, vuoden 1999 Cookie”s Fortune, omituinen musta komedia itsemurhasta varakkaan dowager, hänen ensimmäinen elokuva lähes 6 vuotta tehdä takaisin sen budjetin, ja joka ansaitsi hänet yleisesti myönteistä kiitosta kriitikot. Hänet valittiin Yhdysvaltain taide- ja tiedeakatemian jäseneksi vuonna 1999.

Lue myös, sivilisaatiot – Preussin kuningaskunta

2000s

Gosford Park (2001), brittiläisen maalaistalon murhamysteeri, jossa on suuri näyttelijäkaarti, oli monien kriitikoiden listoilla kyseisen vuoden kymmenen parhaan elokuvan joukossa. Se voitti Oscar-palkinnon parhaasta alkuperäiskäsikirjoituksesta (Julian Fellowes) sekä kuusi muuta ehdokkuutta, joista kaksi Altmanille, parhaana ohjaajana ja parhaana elokuvana.

Työskentely riippumattomien studioiden, kuten nyt suljetun Fine Linen, Artisanin (joka sulautettiin nykyiseen Lionsgateen) ja USA Filmsin (nykyisin Focus Features) kanssa antoi Altmanille etulyöntiaseman tehdä sellaisia elokuvia, joita hän aina halusi tehdä ilman studion puuttumista asiaan. Elokuvaversio Garrison Keillorin julkisen radion A Prairie Home Companion -sarjasta julkaistiin kesäkuussa 2006. Altman kehitti kuolemaansa asti uusia projekteja, muun muassa elokuvan, joka perustuu elokuvaan Hands on a Hard Body: The Documentary (1997).

Vuonna 2006 Academy of Motion Picture Arts and Sciences myönsi Altmanille elämäntyöstä myönnettävän kunniapalkinnon. Hän paljasti kiitospuheessaan, että hänelle oli tehty sydämensiirto noin kymmenen tai yksitoista vuotta aiemmin. Tämän jälkeen ohjaaja vitsaili, että ehkäpä Akatemia oli toiminut ennenaikaisesti antaessaan tunnustusta hänen työstään, sillä hänestä tuntui, että hänellä olisi vielä neljä vuosikymmentä elämää edessään.

Lue myös, sivilisaatiot – Wessex

Maverick ja auteur

Menestyksekkään televisio-uransa jälkeen Altman aloitti uuden uransa elokuvateollisuudessa keski-iässä. Hän ymmärsi television asettamat luovuuden rajat ja lähti nyt ohjaamaan ja kirjoittamaan elokuvia, jotka ilmentäisivät hänen henkilökohtaisia näkemyksiään amerikkalaisesta yhteiskunnasta ja Hollywoodista. Hänen elokuviaan kuvailtiin myöhemmin ”auteuristisiksi hyökkäyksiksi” ja ”omintakeisiksi muunnelmiksi” perinteisistä elokuvista, ja hän käytti yleensä hienovaraista komediaa tai satiiria keinona ilmaista havaintojaan.

Hänen elokuvansa liittyivät tyypillisesti poliittisiin, ideologisiin ja henkilökohtaisiin aiheisiin, ja Altman tunnettiin siitä, että hän ”kieltäytyi tinkimästä omasta taiteellisesta näkemyksestään”. Häntä on kuvailtu ”anti-Hollywoodiksi”, ja hän jätti usein huomiotta sosiaaliset paineet, jotka vaikuttivat muihin alan toimijoihin, mikä vaikeutti monien hänen elokuviensa näkemistä. Hän sanoi, että hänen riippumattomuutensa elokuvantekijänä auttoi häntä kaiken kaikkiaan:

En usko, että kukaan elossa oleva tai koskaan elänyt elokuvantekijä on saanut parempaa potkua kuin minä. En ole koskaan ollut ilman projektia, ja se on aina ollut itse valitsemani projekti. Joten en tiedä, miten paljon parempi se voisi olla. Minusta ei ole tullut mogulia, en rakenna linnoja eikä minulla ole valtavaa henkilökohtaista omaisuutta, mutta olen pystynyt tekemään sitä, mitä olen halunnut tehdä, ja olen tehnyt sitä paljon.

”Altman oli aito elokuvataiteilija”, toteaa kirjailija Ian Freer, koska hän vastusti elokuvateollisuuden kaupallista mukautumista: ”Hän oli elokuvayhtiön vitsaus, ja hänen teoksensa valoivat yleensä tarkkanäköisen, viiltävän katseen amerikkalaisen kulttuurin laajuuteen, usein räjäyttäen genrejä ja hahmoarketyyppejä; Altmania kiehtoivat ihmiset, joilla oli puutteita, ihmiset sellaisina kuin he todella ovat, eivät sellaisina kuin elokuvat antavat sinun uskoa.” Ohjaaja Alan Rudolph kutsuu Altmanin elokuvantekotyyliä Altmanin kunniaksi ”altmanilaiseksi”.

Riippumattoman ohjaustyylinsä ansiosta hän sai huonon maineen käsikirjoittajien ja elokuvien liiketoimintapuolella työskentelevien keskuudessa. Hän myöntää: ”Minulla on huono maine käsikirjoittajien keskuudessa, joka on kehittynyt vuosien varrella: ”Voi, hän ei tee sitä, mitä sinä kirjoitat, blaa blaa blaa.” …”. Ring Lardner oli hyvin vihainen minulle”, koska en noudattanut käsikirjoitustaan.: 18 Altman ei myöskään tullut hyvin toimeen studiopäälliköiden kanssa, sillä kerran hän löi erästä johtajaa nenään ja pudotti hänet uima-altaaseen, koska tämä vaati häntä leikkaamaan kuusi minuuttia elokuvasta, jonka parissa hän työskenteli:  9

Hänen maineensa näyttelijöiden keskuudessa oli parempi. Heidän kanssaan hänen itsenäisyytensä ulottui joskus myös näyttelijöiden valintaan, ja hän toimi usein vastoin konsensusta. Esimerkiksi Cher kiittää häntä uransa käynnistämisestä sekä näyttämönäytelmällä että elokuvalla Come Back to the Five and Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean (1982). ”Ilman Bobia minulla ei olisi koskaan ollut elokuvauraa. Kaikki sanoivat hänelle, ettei hän saisi antaa minulle roolia. Kaikki. … Kukaan ei antanut minulle mahdollisuutta. Olen vakuuttunut siitä, että Bob oli ainoa, joka uskalsi tehdä sen.” Toiset, kuten Julianne Moore, kuvailevat työskentelevänsä hänen kanssaan:

Tiedättekö, kaikki tämä puhe siitä, että Bob on sellainen ärhäkkä, vaikea ihminen? Hän ei koskaan ollut sellainen näyttelijän tai luovan ihmisen kanssa. Ei koskaan, ei koskaan, ei koskaan. Hän säästi kaiken sen raha-ihmisille..:  431

Ohjaaja Robert Dornhelm sanoi, että Altman ”katsoi elokuvaa puhtaana, taiteellisena tapahtumapaikkana”. Esimerkiksi elokuvan Short Cuts (1993) kohdalla levittäjä ”aneli häntä” leikkaamaan muutaman minuutin pituudesta, jotta se pysyisi kaupallisesti kannattavana: ”Bobin mielestä antikristus yritti tuhota hänen taiteensa. He olivat hyvää tarkoittavia ihmisiä, jotka halusivat hänen saavan sen, minkä hän ansaitsi, eli suuren kaupallisen menestyksen. Mutta kun oli kyse taiteesta tai rahasta, hän oli taiteen puolella.”:  438

Sally Kellerman, joka huomasi Altmanin omapäisen asenteen, muistelee vieläkin katuen luopumistaan mahdollisuudesta näytellä yhdessä hänen elokuvistaan:

Olin juuri lopettanut Last of the Red Hot Loversin kuvaukset, kun Bob soitti minulle eräänä päivänä kotiin. ”Sally, haluatko olla elokuvassani seuraavaksi?” hän kysyi. ”Vain jos se on hyvä osa”, sanoin. Hän löi luurin korvaani.

Lue myös, elamakerrat – Gregorius XIII

Teemat ja aiheet

Toisin kuin ohjaajat, joiden työt sopivat eri elokuvagenreihin, kuten lännenelokuviin, musikaaleihin, sotaelokuviin tai komedioihin, eri kriitikot ovat määritelleet Altmanin työn ”genren vastaiseksi”. Tämä johtuu osittain monien hänen elokuviensa satiirisesta ja komediallisesta luonteesta. Geraldine Chaplin, Charlie Chaplinin tytär, vertasi Altmanin elokuvien huumoria isänsä elokuviin:

Ne ovat hauskoja oikealla tavalla. Hauskoja kriittisellä tavalla – sitä kohtaan, mitä maailma on ja missä me elämme. He olivat molemmat neroja omalla tavallaan. Ne muuttavat kokemustasi todellisuudesta. Heillä on maailmansa ja heillä on huumorinsa. Tuo huumori on niin harvinaista. 287

Altman teki selväksi, että hän ei pitänyt ”tarinankerronnasta” elokuvissaan, toisin kuin useimmat televisio- ja valtavirtaelokuvat tehdään. Altmanin elämäkerran kirjoittajan Mitchell Zuckoffin mukaan ”hän inhosi sanaa ”tarina”, sillä hän uskoi, että juonen tulisi olla toissijainen verrattuna puhtaan (tai, mikä vielä parempi, epäpuhtaan) inhimillisen käyttäytymisen tutkimiseen.”: xiii Zuckoff kuvailee monien Altmanin elokuvien taustalla olevia tarkoituksia: ”Hän rakasti tosielämän kaoottista luonnetta, ristiriitaisia näkökulmia, yllättäviä käänteitä, selittämättömiä tekoja ja moniselitteisiä loppuja. Hän rakasti erityisesti monia ääniä, jotka joskus riitelivät, joskus olivat samaa mieltä, mieluiten päällekkäin, cocktailkutsut tai katukohtaus kuvattuna sellaisena kuin hän sen koki.”: xiii Julianne Moore, nähtyään joitakin Altmanin elokuvia, kiittää Altmanin ohjaustyyliä siitä, että hän päätti ryhtyä elokuvanäyttelijäksi näyttelijäntyön sijasta:

Tunsin sen todella voimakkaasti. Ajattelin: ”En tiedä, kuka tämä tyyppi on, mutta haluan tehdä juuri sitä. Haluan tehdä sellaista työtä.” Siitä lähtien katsoin hänen elokuviaan aina kun vain pystyin, ja hän oli aina ehdoton suosikkiohjaajani sen vuoksi, mitä hän sanoi temaattisesti ja emotionaalisesti, ja sen vuoksi, miten hän suhtautui ihmisiin.  324

Elokuvakirjailija Charles Derry kirjoittaa, että Altmanin elokuville ”on ominaista, että ne sisältävät tarkkanäköisiä havaintoja, kertovia keskusteluja ja kristallinkirkkaita hetkiä, jolloin inhimillinen hulluus paljastuu”. Koska Altman oli tarkka yhteiskunnan tarkkailija ja ”erityisen kiinnostunut ihmisistä”, Derry toteaa, monissa hänen elokuvahahmoissaan oli ”se huolimaton epätäydellisyys, joka liittyy ihmisiin sellaisena kuin he ovat, elämään sellaisena kuin se eletään”. Tämän seurauksena hänen elokuvansa ovat usein epäsuoraa amerikkalaisen yhteiskunnan kritiikkiä.

Monissa Altmanin elokuvissa satiirinen sisältö on ilmeinen: Altman itse sanoi, että The Player (1992) oli ”hyvin lievä satiiri” Hollywoodin elokuvateollisuudesta, ja Vincent Canby oli samaa mieltä todeten, että ”satiirina The Player kutittaa.” Altmanin mukaan The Player on ”hyvin lievä satiiri”. Se ei vedä verta”. Hänen elokuviensa satiiri johti joskus niiden epäonnistumiseen lipputuloissa, jos levittäjä ei ymmärtänyt niiden satiirista luonnetta. Altman syyttää dekkarin The Long Goodbye (1973) lipputulotappiota siitä, että elokuvaa markkinoitiin virheellisesti trillerinä:

Kun elokuva avattiin, se oli suuri, suuri floppi. … Menin David Pickerin luo ja sanoin: ”Et voi tehdä tätä. Ei ihme, että elokuva epäonnistuu. Se antaa väärän vaikutelman. Teet siitä trillerin näköisen, mutta se ei ole sitä. Se on satiiri.

Samoin Altman syyttää O.C. & Stiggsin epäonnistumisesta sitä, että sitä markkinoitiin tyypillisenä ”teinielokuvana” sen sijaan, että se olisi ollut ”teinielokuvan satiiri”, kuten hän sanoi.

Lue myös, elamakerrat – Pieter Brueghel vanhempi

Improvisaatiokeskustelu

Altman suosi tarinoita, jotka kuvaavat useiden hahmojen keskinäisiä suhteita, ja oli kiinnostuneempi hahmojen motivaatiosta kuin monimutkaisista juonenkäänteistä. Siksi hänellä oli taipumus hahmotella elokuvalle vain perusjuoni, ja hän kutsui käsikirjoitusta ”toimintapiirustukseksi”. Rohkaisemalla näyttelijöitään improvisoimaan dialogia Altman tuli tunnetuksi ”näyttelijän ohjaajana”, ja tämä maine houkutteli monia merkittäviä näyttelijöitä työskentelemään hänen suurissa rooleissaan. Näyttelijät nauttivat työskentelystä Altmanin kanssa osittain siksi, että ”hän antaa heille vapauden kehittää hahmojaan ja muuttaa käsikirjoitusta usein improvisoinnin ja yhteistyön avulla”, Derry toteaa. Richard Baskin sanoo, että ”Bob oli melko poikkeuksellinen tavassaan antaa ihmisten tehdä, mitä he tekivät. Hän luotti siihen, että teet mitä teet, ja siksi tapoit hänen puolestaan”.

: 282 Geraldine Chaplin, joka näytteli Nashvillessä, muistelee yhtä ensimmäisistä harjoituksista:

Hän kysyi: ”Oletko tuonut käsikirjoituksesi?” Sanoimme kyllä. Hän sanoi: ”No, heittäkää ne pois. Ette tarvitse niitä. Teidän on tiedettävä, kuka olette, missä olette ja kenen kanssa olette.” … Se oli kuin olisi ollut lavalla joka sekunti täydessä salissa. Kaikki sirkusnumerot, joita sinulla oli kehossasi, teit vain hänen vuokseen.: 282

Altman antoi näyttelijöidensä säännöllisesti kehittää hahmonsa improvisoimalla harjoitusten aikana tai joskus itse kuvausten aikana. Tällainen improvisointi oli elokuvissa harvinaista, koska elokuvatuotanto oli kallista ja vaati huolellista suunnittelua, tarkkoja käsikirjoituksia ja harjoituksia ennen kuin kallista elokuvaa valotettiin. Tästä huolimatta Altman käytti mieluummin improvisaatiota keinona auttaa näyttelijöitään kehittämään luonnettaan. Altman sanoi, että ”kun alamme kuvata, se on hyvin asetettu asia. Improvisaatio ymmärretään väärin. Emme vain päästä ihmisiä irti.” Tosin hän pyrki välttämään näyttelijöiden jokaisen liikkeen sanelemista ja antoi heidän mieluummin hallita itseään:

Kun teen elokuvan valinnan, suurin osa luovasta työstäni on tehty. Minun on oltava paikalla käynnistämässä kytkintä ja kannustettava heitä isähahmona, mutta he tekevät kaiken työn itse. … Yritän vain helpottaa näyttelijän työtä, sillä kun kuvaukset alkavat, näyttelijä on taiteilija. … Minun on annettava heille itseluottamusta ja huolehdittava siitä, että heillä on tietty määrä suojaa, jotta he voivat olla luovia. … Annan heidän tehdä sitä, mitä varten heistä alun perin tuli näyttelijöitä: luoda.

Carol Burnett muistaa Altmanin myöntäneen, että monet hänen elokuviensa ideat tulivat näyttelijöiltä. ”Et koskaan kuule ohjaajan sanovan niin. Se oli todella hämmästyttävä asia”, hän sanoi. 328 Toiset, kuten Jennifer Jason Leigh, tulivat luovuuden ajamiksi:

Hän inspiroi sinua silkasta välttämättömyydestä keksimään asioita, joihin et tiennyt pystyväsi, joita et tiennyt itsessäsi olevan. Hän oli niin aidosti ilkikurinen ja pirun hauska.: 435

Hän tykkäsi työskennellä monien samojen esiintyjien kanssa, kuten Shelley Duvall ja Bert Remsen (Jeff Goldblum, Lily Tomlin, Lyle Lovett, Henry Gibson, David Arkin ja John Schuck (Tim Robbins, Carol Burnett, Belita Moreno, Richard E. Grant, Geraldine Chaplin, Craig Richard Nelson, Sally Kellerman ja Keith Carradine (3 elokuvaa kukin). Krin Gabbard lisää, että Altman käytti mielellään näyttelijöitä, jotka ”kukoistavat improvisoijina”, kuten Elliott Gouldia, joka näytteli kolmessa hänen elokuvassaan: MASH, The Long Goodbye ja California Split. Gould muistelee, että MASHia kuvatessaan, joka oli hänen ensimmäinen näyttelijätyönsä Altmanin kanssa, hän ja vastanäyttelijä Donald Sutherland eivät uskoneet, että Altman tiesi, mitä hän teki. Hän kirjoitti vuosia myöhemmin: ”Jälkikäteen ajateltuna luulen, että Donald ja minä olimme kaksi elitististä, ylimielistä näyttelijää, jotka eivät todellakaan ymmärtäneet Altmanin neroutta.”:  174 Muut näyttelijät arvostivat Altmanin ohjaustyyliä välittömästi. René Auberjonois selittää:

Luulimme, että elokuvat olivat sellaisia. Että ne olivat niin iloinen kokemus. Jos on tehnyt jonkinlaista uraa, huomaa nopeasti, että useimmat ohjaajat eivät luota näyttelijöihin eivätkä halua nähdä näyttelijöiden näyttelevän. Se oli ero Bob Altmanin kanssa. Hän rakasti näyttelijöitä ja halusi nähdä näyttelemistä..:  175

Toisin kuin televisiossa ja perinteisissä elokuvissa, Altman vältti myös ”perinteistä tarinankerrontaa” ja näytti mieluummin ”tosielämän kiireisen sekasorron”, toteaa Albert Lindauer. Erilaisista tekniikoista tämän vaikutuksen saavuttamiseksi hänen elokuviinsa kuuluu usein ”äänien ja kuvien runsaus, valtavilla näyttelijöillä tai hulluilla hahmoilla, moninkertaiset juonet tai ei juonta lainkaan, … ja riippuvuus improvisaatiosta”. Muutama kuukausi ennen kuolemaansa Altman yritti tiivistää elokuvantekotyylinsä motiivit:

Suhtaudun tähän työhön enemmän maalaustaiteeseen kuin teatteriin tai kirjallisuuteen. Tarinat eivät kiinnosta minua. Periaatteessa olen enemmän kiinnostunut käyttäytymisestä. En ohjaa, vaan katselen. Minun on oltava innostunut, jos odotan yleisön olevan innostunut. Koska se, mitä todella haluan nähdä näyttelijältä, on jotain, mitä en ole koskaan ennen nähnyt, joten en voi kertoa heille, mitä se on. Yritän rohkaista näyttelijöitä olemaan vuorottelematta. Käsitellä keskustelua keskusteluna. Se on mielestäni työn tarkoitus. Se on luoda mukavuusalue, jotta näyttelijä voi mennä pidemmälle kuin mihin hän luuli pystyvänsä.”: 8

Lue myös, elamakerrat – Louis de Bonald

Äänitekniikat

Altman oli yksi niistä harvoista elokuvantekijöistä, jotka ”kiinnittivät täyden huomion äänen mahdollisuuksiin” kuvatessaan. Hän yritti jäljitellä luonnollisia keskusteluääniä jopa suurilla näyttelijäjoukoilla kytkemällä näyttelijöihin piilomikrofoneja ja nauhoittamalla sitten heidän keskustelunsa toistensa päälle useilla ääniraidoilla. Kuvausten aikana hän käytti kuulokkeita varmistaakseen, että tärkeä dialogi kuului korostamatta sitä. Tämä tuotti katsojille ”tiheän äänikokemuksen”, jonka ansiosta he saivat kuulla useita dialogin pätkiä, ikään kuin he kuuntelisivat erilaisia yksityisiä keskusteluja. Altman myönsi, että vaikka suuret näyttelijäkaartit haittaavat elokuvaa kaupallisesti, ”haluan nähdä paljon tapahtumia”.

Altman käytti päällekkäisiä ääniraitoja ensimmäisen kerran MASH-elokuvassa (1970), äänitekniikkaa, jota elokuvakirjailija Michael Barson kuvailee ”henkeäsalpaavaksi innovaatioksi tuohon aikaan”. Altmanin mukaan hän kehitti sen pakottaakseen katsojat kiinnittämään huomiota ja sitoutumaan elokuvaan ikään kuin he olisivat aktiivisia osallistujia. Joidenkin kriitikoiden mukaan yksi tekniikan äärimmäisimmistä käyttötavoista on McCabe ja rouva Miller (1971), jota myös pidetään Altmanin parhaimpiin elokuviin kuuluvana.

Elokuvahistorioitsija

Lue myös, tarkeita_tapahtumia – Suomen sota

Ensemblen kokoonpanot

Suurten näyttelijäryhmien päällekkäinen vuoropuhelu tekee Altmanin elokuvista monimutkaisempia, ja niitä kritisoitiinkin usein siitä, että ne vaikuttavat sattumanvaraisilta tai irrallisilta ensimmäisellä katselukerralla. Jotkut kriitikot muuttivat mielensä nähtyään ne uudelleen. Brittiläinen elokuvakriitikko David Thomson antoi Nashville (1975) -elokuvalle huonon arvostelun nähtyään sen ensimmäisen kerran, mutta kirjoitti myöhemmin: ”Mutta Nashvillen ja joidenkin aiempien elokuvien katsominen uudelleen … sai minut miettimään: On edelleen arvoituksellista, miten järjestäytynyt tai tarkoituksenmukainen Nashville on. … Mosaiikki tai sekoitus sallii vapauden ja inhimillisen omalaatuisuuden, jota Renoir olisi saattanut ihailla.” Elokuvan tekovaiheessa näyttelijät innostuivat, ja kanssanäyttelijä Ronee Blakley oli vakuuttunut elokuvan lopullisesta menestyksestä:

Kyllä, luulin, että siitä tulisi loistava, kaikki työ oli niin hyvää, jokainen näyttelijä oli inspiroitunut, ja Altmanin tiimi oli erittäin pätevä, ja hän oli se harvinainen nero, joka tietää, mikä toimii ja mikä ei sillä hetkellä, kun se tapahtuu.

Thomson tunnusti myöhemmin, että nämä piirteet olivat osa Altmanin tyyliä MASH:sta (1970) alkaen: ”MASH alkoi kehittää Altmanin ratkaisevaa tyyliä, jossa ääni on päällekkäistä, sumeaa ja kuvat ovat niin liukkaita, ettei sommittelusta ole mitään käsitystä. Juuri se tekee Nashvillestä niin mukaansatempaavan.” Altman selitti, että hänelle tällainen päällekkäinen dialogi hänen elokuvissaan oli lähempänä todellisuutta, varsinkin suurten ryhmien kanssa: ”Jos ruokapöydässä on neljätoista ihmistä, minusta on aika epätodennäköistä, että vain kaksi heistä puhuu.” Pauline Kael kirjoittaa, että Altman, ”suurten kokonaisuuksien, löyhän toiminnan ja päällekkäisten äänten mestari, osoittaa, että … hän voi tehdä elokuvan ilotulituksen melkein tyhjästä”.

Lue myös, elamakerrat – Neil Armstrong

Valokuvaus

Altmanin omaleimainen ohjaustyyli heijastui myös hänen mieltymyksiinsä kameratyöskentelyssä. Hän käytti muun muassa laajakuvakompositioita, joiden tarkoituksena oli vangita monta ihmistä tai toimintaa, jotka tapahtuvat ruudulla samanaikaisesti. Joihinkin elokuviin, kuten McCabe ja rouva Milleriin, hän loi kuvaaja Vilmos Zsigmondin kanssa voimakkaan visuaalisen ilmapiirin, kuten kohtauksia, joissa käytettiin juoksevaa kameratyöskentelyä, zoom-objektiiveja ja savuisia efektejä, joissa käytettiin erityisiä sumusuotimia. Ohjaaja Stanley Kubrick sanoi Altmanille, että ”kameratyö oli upeaa”, ja kysyi: ”Miten teit sen?”.

Nashvillessä Altman käytti lavasteita, joiden värit olivat selvästi punaisia, valkoisia ja sinisiä. The Long Goodbye -elokuvassa hän vaati Zsigmondia pitämään kameran liikkuvana kiinnittämällä sen liikkuviin esineisiin. Zsigmond toteaa, että Altman ”halusi tehdä jotain erilaista” tässä elokuvassa ja kertoi hänelle, että hän ”halusi kameran liikkuvan – koko ajan. Ylös. alas. Sisään ja ulos. Sivulta toiselle.” Kuvaaja Roger Deakins kommentoi zoom-objektiivien käytöstä: ”Minusta olisi aika jännittävää kuvata elokuvaa zoom-objektiivilla, jos se olisi sellaista havainnoivaa, kiertävää katsetta, josta Robert Altman oli tunnettu. Hän laittoi kameran puomin varteen ja leijui näyttämön poikki ja valitsi otoksia matkan varrella – aika hieno tapa työskennellä.” Hän ei ole koskaan nähnyt, että hän olisi tehnyt niin.

Zsigmond muistelee myös, että työskentely Altmanin kanssa oli hauskaa:

Nautimme melko paljon siitä, että teemme asioita ”improvisoidusti”. Altman on loistava improvisoija. Kuvausten ensimmäisinä päivinä hän ”loi” erilaisia lähestymistapoja hetken mielijohteesta. Hän näytti minulle, miten hän halusi kameran liikkuvan – aina liikkuvan. Mikä oli hauskaa. Näyttelijät pitivät siitä, ja minua haastettiin aina löytämään tapoja kuvata Altmanin keksimiä asioita.

Vilmos Zsigmondin kuvaus elokuvassa McCabe ja rouva Miller sai ehdokkuuden Britannian elokuva-akatemialta.

Lue myös, historia-fi – Bonnie ja Clyde

Musiikkipartituurit

Kun Altman käytti musiikkia elokuvissaan, hän oli tunnetusti hyvin valikoiva ja valitsi usein musiikkia, josta hän itse piti. Ohjaaja Paul Thomas Anderson, joka työskenteli Altmanin kanssa, toteaa, että ”Altmanin musiikin käyttö on aina tärkeää”, ja lisää: ”Bob rakasti musiikkiaan, eikö niin? Luoja, hän rakasti musiikkiaan”. Koska hän oli esimerkiksi Leonard Cohenin musiikin ”suuri fani” ja sanoi, että hän ”vain pilvessä soitti sitä kamaa” koko ajan, hän käytti kolmea hänen kappalettaan elokuvassa McCabe ja rouva Miller (1971) ja toista kappaletta elokuvan Häät (1978) loppukohtauksessa.

Nashvillea (1975) varten Altman teetti näyttelijöillä lukuisia uusia country-musiikkikappaleita realistisen tunnelman luomiseksi. Hän sisällytti ”ahdistavasti toistuvan melodian” elokuvaan The Long Goodbye (1973) ja palkkasi Harry Nilssonin ja Van Dyke Parksin säveltämään Popeye-elokuvan (1980):  347

Monet musiikin asiantuntijat ovat kirjoittaneet Altmanin musiikin käytöstä, kuten Richard R. Ness, joka kirjoitti monien Altmanin elokuvien musiikista artikkelissa, jota pidetään arvokkaana lähteenä Altmanin elokuvantekotekniikan ymmärtämiseksi. Samoin elokuvatutkimuksen professori Krin Gabbard kirjoitti analyysin Altmanin jazzmusiikin käytöstä elokuvassa Short Cuts (1993) ja totesi, että harvat kriitikot ovat pohtineet ”musiikin merkitystä” elokuvassa.

Jazz oli merkittävää myös Kansas Cityssä (1996). Kyseisessä elokuvassa musiikkia pidetään tarinan perustana. Altman toteaa, että ”koko ajatuksena oli, ettei tarina olisi liian tarkka”, vaan että elokuva itsessään olisi ”pikemminkin eräänlainen jazz”. Altmanin tekniikkaa tehdä elokuvan teemasta musiikin muoto pidettiin ”kokeiluna, jota kukaan ei ole kokeillut aiemmin”, ja Altman myönsi sen olleen riskialtista. ”En tiennyt, toimisiko se. … Jos ihmiset ”tajuavat sen”, heillä on taipumus pitää siitä.”

Altmanin vaikutteita ovat saaneet muun muassa Paul Thomas Anderson, Wes Anderson, Judd Apatow, Richard Linklater, Alejandro González Iñárritu, Noah Baumbach, David Gordon Green, Safdien veljekset, Harmony Korine ja Michael Winterbottom.

Johtajana

Altman sai useita palkintoja ja ehdokkuuksia, muun muassa seitsemän Oscar-ehdokkuutta, joista hän voitti kunnia-Oscarin vuonna 2006. Hän sai seitsemän Britannian elokuva-akatemiapalkintoehdokkuutta ja voitti kaksi kertaa elokuvista The Player (1992) ja Gosford Park (2001). Hän sai Primetime Emmy -palkinnon erinomaisesta draamasarjan ohjauksesta elokuvasta Tanner ”88 (1988). Hän sai myös viisi Golden Globe -ehdokkuutta ja voitti Golden Globe -palkinnon parhaasta ohjauksesta elokuvasta Gosford Park. Hän sai myös useita elokuvafestivaalien palkintoja, kuten Cannesin elokuvajuhlien arvostetun Kultaisen palmun M*A*S*H:sta ja Cannesin elokuvajuhlien parhaan ohjaajan palkinnon elokuvasta The Player. Hän on saanut myös Berliinin kansainvälisten elokuvajuhlien Kultaisen karhun ja Venetsian elokuvajuhlien Kultaisen leijonan. Vuonna 1994 hän sai Directors Guild of America -järjestön elämäntyöpalkinnon.

Lue myös, tarkeita_tapahtumia – Suuri harppaus

Perhe

Altman oli naimisissa kolme kertaa: Hänen ensimmäinen vaimonsa oli LaVonne Elmer. He olivat naimisissa vuosina 1947-1949, ja heillä oli tytär Christine. Hänen toinen vaimonsa oli Lotus Corelli. He olivat naimisissa vuosina 1950-1955, ja heillä oli kaksi poikaa, Michael ja Stephen. Neljätoistavuotiaana Michael kirjoitti sanat kappaleeseen ”Suicide Is Painless”, joka on Altmanin elokuvan MASH tunnussävelmä. Stephen on tuotantosuunnittelija, joka työskenteli usein isänsä kanssa. Altmanin kolmas vaimo oli Kathryn Reed. He olivat naimisissa vuodesta 1957 hänen kuolemaansa vuonna 2006. Heillä oli kaksi poikaa, Robert ja Matthew. Altmanista tuli Konni Reedin isäpuoli, kun hän meni naimisiin Kathrynin kanssa.

Vuonna 2016 kuollut Kathryn Altman oli mukana kirjoittamassa Altmanista kertovaa kirjaa, joka julkaistiin vuonna 2014. Hän oli toiminut konsulttina ja kertojana vuonna 2014 ilmestyneessä Altman-dokumenttielokuvassa ja puhunut monissa miehensä elokuvien retrospektiivisissä näytöksissä.

Lue myös, elamakerrat – Francisco de Orellana

Kodit

1960-luvulla Altman asui vuosia Mandeville Canyonissa Brentwoodissa, Kaliforniassa. Hän asui Malibussa koko 1970-luvun, mutta myi tämän kodin ja Lion”s Gate -tuotantoyhtiön vuonna 1981. ”Minulla ei ollut vaihtoehtoja”, hän kertoi New York Timesille. ”Kukaan ei vastannut puhelimeen” Kippari-elokuvan flopattua. Hän muutti perheensä ja yrityksensä pääkonttorin New Yorkiin, mutta muutti lopulta takaisin Malibuun, jossa hän asui kuolemaansa asti.

Lue myös, elamakerrat – Marc Chagall

Poliittiset näkemykset

Marraskuussa 2000 Altman väitti muuttavansa Pariisiin, jos George W. Bush valittaisiin, mutta vitsaili tarkoittavansa Pariisia, Teksasissa, kun asia toteutui. Hän totesi, että ”osavaltiolle kävisi paremmin, jos hän (Bush) olisi poissa”. Altman oli suorapuheinen marihuanan käyttäjä, ja hän toimi NORML:n neuvoa-antavan lautakunnan jäsenenä. Hän oli myös ateisti ja sodanvastainen aktivisti. Hän oli yksi niistä lukuisista julkisuuden henkilöistä, kuten kielitieteilijä Noam Chomsky ja näyttelijä Susan Sarandon, jotka allekirjoittivat ”Not in Our Name” -julistuksen, jossa vastustettiin vuoden 2003 hyökkäystä Irakiin. Julian Fellowes uskoo, että Altmanin sodan ja Bushin vastainen asenne maksoi hänelle parhaan ohjaajan Oscarin Gosford Parkista.: 478

Altman halveksi vuoden 1970 elokuvaansa seurannutta televisiosarjaa M*A*S*H, jonka hän katsoi olevan vastakohta sille, mistä hänen elokuvassaan oli kyse, ja piti sen sodanvastaista sanomaa ”rasistisena”. MASH:n DVD-kommentaarissa vuonna 2001 hän kertoi selvästi syyt, joiden vuoksi hän paheksui sarjaa.

Altman kuoli leukemiaan Cedars-Sinai Medical Centerissä Los Angelesissa 20. marraskuuta 2006 81-vuotiaana.

Ohjaajakollega Paul Thomas Anderson omisti vuonna 2007 ilmestyneen elokuvansa There Will Be Blood Altmanille. Anderson oli toiminut vara-ohjaajana A Prairie Home Companion -elokuvassa vakuutustarkoituksessa siltä varalta, että 80-vuotias Altman ei pystyisi saattamaan kuvauksia loppuun.

Muutama kuukausi Altmanin kuoleman jälkeen järjestetyssä Altmanin muistojuhlassa häntä kuvailtiin ”intohimoiseksi elokuvantekijäksi” ja kirjailijaksi, joka hylkäsi konventiot ja loi elokuvia, joita ohjaaja Alan Rudolph kutsui ”altmanilaiseksi” tyyliksi. Hän suosi suuria näyttelijäjoukkoja, luonnollisia päällekkäisiä keskusteluja ja rohkaisi näyttelijöitään improvisoimaan ja ilmaisemaan luontaista luovuuttaan, mutta ilman pelkoa epäonnistumisesta. Lily Tomlin vertasi häntä ”suureen hyväntahtoiseen patriarkkaan, joka aina huolehti sinusta näyttelijänä”, ja lisäsi, että ”hänen kanssaan ei pelkää ottaa riskejä”.

Monia hänen elokuviaan kuvaillaan ”happamiksi satiireiksi ja vastakulttuurin luonnetutkimuksiksi, jotka määrittelivät uudelleen ja elvyttivät modernin elokuvan”. Vaikka hänen elokuvansa kattoivat useimmat elokuvagenret, kuten lännenelokuvat, musikaalit, sotaelokuvat tai komediat, häntä pidettiin ”genren vastaisena”, ja hänen elokuvansa olivat ”avoimen kumouksellisia”. Hänen tiedettiin vihaavan useimmissa valtavirtaelokuvissa näkemäänsä ”teennäisyyttä”, ja ”hän halusi räjäyttää ne” satiirin avulla.

Näyttelijä Tim Robbins, joka näytteli useissa Altmanin elokuvissa, kuvailee joitakin Altmanin ohjaustavan ainutlaatuisia piirteitä:

Hän loi lavasteisiinsa ainutlaatuisen ja ihanan maailman, … jossa ilkikurinen isä päästi ”lapsinäyttelijät” leikkimään. Jossa mielikuvitusta rohkaistiin, vaalittiin, sille naurettiin, se hyväksyttiin ja Altman-istutettiin. Suloinen anarkia, jota monet meistä eivät olleet tunteneet sitten koulunpihan, jonka Bobin villi sydän oli päästänyt valloilleen.

Altmanin henkilökohtainen arkisto sijaitsee Michiganin yliopistossa, ja se sisältää noin 900 laatikkoa henkilökohtaisia papereita, käsikirjoituksia, oikeudellisia, liike- ja talousasiakirjoja, valokuvia, rekvisiittaa ja muuta vastaavaa materiaalia. Altman oli kuvannut Secret Honor -elokuvan yliopistolla sekä ohjannut siellä useita oopperoita.

Vuodesta 2009 lähtien Robert Altman -palkinto on myönnetty elokuvien ohjaajalle, casting directorille ja näyttelijäkaartille vuosittain järjestettävässä Independent Spirit Awards -tapahtumassa.

Vuonna 2014 julkaistiin pitkä dokumenttielokuva Altman, jossa tarkastellaan hänen elämäänsä ja työtään elokuvaleikkeiden ja haastattelujen avulla.

lähteet

1. Robert Altman
2. Robert Altman
3. ^ Powerfully realized study of Vincent van Gogh and his brother Theo marks a return to the mainstream arena for director Robert Altman. Brilliantly acted, splendid film fare should be welcomed in specialty houses and beyond.[17]
4. ^ When The Player came out in 1992, it was greeted as a welcome comeback for director Robert Altman, who spent much of the previous decade working small—making filmed plays instead of the ambitious, character-heavy genre reinventions he”d been known for in the 1970s. But Altman actually reclaimed his ”critics” darling” status two years earlier with Vincent & Theo, a luminous biopic about painter Vincent Van Gogh (played by Tim Roth) and his art-dealer brother (Paul Rhys).[18]
5. (en) « Robert Altman | Biography, Movies, & Facts », sur Encyclopedia Britannica (consulté le 14 mars 2019)
6. Prononciation en anglais américain retranscrite selon la norme API.
7. 1 2 The Religious Affiliation of Robert Altman (неопр.). Adherents.com (28 июля 2005). Дата обращения: 22 ноября 2006. Архивировано из оригинала 4 февраля 2006 года.
8. Butler, Robert W.. Finally, An Attitude Adjustment: Hollywood”s Establishment Now Embraces Rebel Director Altman (5 марта 2006), С. 5.
9. «Interview: Robert Altman» Архивная копия от 13 ноября 2019 на Wayback Machine, The Guardian
10. Правила жизни Роберта Олтмена (англ.), Журнал Esquire. Архивировано 2 марта 2015 года. Дата обращения: 13 августа 2017.
11. Kelleher, Ed. Buying and Booking Guide: Vincent & Theo (англ.) // The Film Journal  (англ.) (рус. : magazine. — 1990. — 1 November (vol. 93, no. 10). — P. 38—39.. — «Powerfully realized study of Vincent van Gogh and his brother Theo marks a return to the mainstream arena for director Robert Altman. Brilliantly acted, splendid film fare should be welcomed in specialty houses and beyond.».
12. Director Robert Altman dead at 81. (Memento vom 21. Dezember 2006 im Internet Archive) CNN, 22. November 2006.