Roy Lichtenstein
gigatos | 4 helmikuun, 2022
Yhteenveto
Roy Fox Lichtenstein (27. lokakuuta 1923 – 29. syyskuuta 1997) oli yhdysvaltalainen pop-taiteilija. Hänestä tuli 1960-luvulla muun muassa Andy Warholin, Jasper Johnsin ja James Rosenquistin ohella uuden taidesuuntauksen johtohahmo. Hänen teoksensa määrittelivät pop-taiteen lähtökohdan parodian kautta. Sarjakuvien innoittamana Lichtenstein tuotti tarkkoja sommitelmia, jotka dokumentoivat samalla kun parodioivat, usein kieli poskessa. Hänen työhönsä vaikuttivat populaarimainonta ja sarjakuvatyyli. Hänen teoksiaan pidettiin ”häiritsevinä”. Hän kuvaili pop-taidetta ”ei ”amerikkalaiseksi” maalaukseksi vaan itse asiassa teolliseksi maalaukseksi”. Hänen maalauksiaan oli esillä Leo Castellin galleriassa New Yorkissa.
Whaam! ja Drowning Girl ovat yleisesti ottaen Lichtensteinin tunnetuimpia teoksia. Drowning Girl, Whaam! ja Look Mickey ovat hänen vaikutusvaltaisimpia teoksiaan. Hänen kallein teoksensa on Masterpiece, joka myytiin 165 miljoonalla dollarilla tammikuussa 2017.
Lichtenstein oli juutalainen, vaikka hän ”vähätteli juuriaan” eikä ”puhunut usein juutalaisuudestaan”. Hänen isänsä Milton oli kiinteistönvälittäjä ja äitinsä Beatrice (Werner) kotiäiti. Hän varttui New Yorkin Upper West Sidessa ja kävi julkista koulua 12-vuotiaaksi asti. Sen jälkeen hän kävi New Yorkin Dwight-koulua, josta hän valmistui vuonna 1940. Lichtenstein kiinnostui taiteesta ja muotoilusta ensin harrastuksena, koulun kautta. Hän oli innokas jazzin ystävä ja kävi usein Harlemin Apollo Theaterin konserteissa. Hän piirsi usein muotokuvia muusikoista, jotka soittivat instrumenttejaan. Viimeisenä lukiovuotenaan 1939 Lichtenstein kirjoittautui kesäkursseille New Yorkin Art Students League of New Yorkiin, jossa hän työskenteli Reginald Marshin johdolla.
Tämän jälkeen Lichtenstein lähti New Yorkista opiskelemaan Ohion valtionyliopistoon, joka tarjosi studiokursseja ja kuvataiteen tutkinnon. Hänen opintonsa keskeytyivät kolmen vuoden armeijan palvelukseen toisen maailmansodan aikana ja sen jälkeen vuosina 1943-1946. Oltuaan kieli-, insinööri- ja lentäjäkoulutuksessa, jotka kaikki peruttiin, hän toimi järjestysmiehenä, piirtäjänä ja taiteilijana.
Lichtenstein palasi kotiin vierailemaan kuolevan isänsä luona, ja hänet kotiutettiin armeijasta, jolloin hän sai G.I. Billin. Hän palasi opiskelemaan Ohioon yhden opettajansa Hoyt L. Shermanin ohjaukseen, jolla katsotaan yleisesti olleen merkittävä vaikutus hänen tulevaan työhönsä (Lichtenstein nimesi myöhemmin OSU:ssa rahoittamansa uuden studion Hoyt L. Sherman Studio Art Centeriksi).
Lichtenstein pääsi Ohio State -yliopiston jatko-opintoihin ja hänet palkattiin taideopettajaksi, ja hän hoiti tätä tehtävää kymmenen seuraavan vuoden ajan. Vuonna 1949 Lichtenstein sai Ohio State Universitystä taiteen maisterin tutkinnon.
Vuonna 1951 Lichtensteinilla oli ensimmäinen yksityisnäyttelynsä Carlebachin galleriassa New Yorkissa.Samana vuonna hän muutti Clevelandiin, jossa hän asui kuusi vuotta, vaikka hän matkusti usein takaisin New Yorkiin. Tänä aikana hän teki niinkin erilaisia töitä kuin piirtäjästä ikkunan sisustajaksi maalausjaksojen välissä. Hänen työnsä vaihteli tuona aikana kubismin ja ekspressionismin välillä. Vuonna 1954 syntyi hänen ensimmäinen poikansa, David Hoyt Lichtenstein, nykyään lauluntekijä. Hänen toinen poikansa Mitchell Lichtenstein syntyi vuonna 1956.
Vuonna 1957 hän muutti takaisin New Yorkin osavaltion pohjoisosaan ja aloitti jälleen opettamisen. Tuolloin hän omaksui abstraktin ekspressionismin tyylin, sillä hän oli myöhäinen käännynnäinen tähän maalaustyyliin. Lichtenstein aloitti opettamisen New Yorkin osavaltion osavaltion yliopistossa Oswegossa vuonna 1958. Samoihin aikoihin hän alkoi sisällyttää abstrakteihin teoksiinsa piilotettuja kuvia sarjakuvahahmoista, kuten Mikki Hiirestä ja Bugs Bunnysta.
Lue myös, elamakerrat – Bindusara
Nousu julkisuuteen
Vuonna 1960 hän aloitti opettamisen Rutgersin yliopistossa, jossa häneen vaikutti suuresti Allan Kaprow, joka myös opetti yliopistossa. Tämä ympäristö auttoi herättämään uudelleen hänen kiinnostuksensa proto-pop-kuviin. 1961 Lichtenstein aloitti ensimmäiset pop-maalauksensa, joissa hän käytti sarjakuvamaisia kuvia ja tekniikoita, jotka oli johdettu kaupallisen painamisen ulkoasusta. Tämä vaihe jatkuisi vuoteen 1965, ja siihen sisältyi myös kulutukseen ja kodinhoitoon viittaavien mainoskuvien käyttö. hänen ensimmäinen teoksensa, jossa hän käytti suuressa mittakaavassa kovasärmäisiä hahmoja ja Ben-Day-pisteitä, oli Look Mickey (1961, National Gallery of Art, Washington, D.C.). Tämä teos sai alkunsa erään hänen poikansa esittämästä haasteesta, kun tämä osoitti Mikki Hiiri -sarjakuvaa ja sanoi: ”Veikkaanpa, ettet osaa maalata yhtä hyvin kuin tuo, vai mitä, isä?”. Samana vuonna hän teki kuusi muuta teosta, joissa oli tunnistettavia hahmoja purkkapapereista ja sarjakuvista.
Vuonna 1961 Leo Castelli aloitti Lichtensteinin töiden esittelyn New Yorkin galleriassaan. Lichtenstein piti ensimmäisen yksityisnäyttelynsä Castellin galleriassa vuonna 1962; vaikutusvaltaiset keräilijät ostivat koko kokoelman jo ennen näyttelyn avaamista. Vuosina 1961-1962 tuotettu maalausten ryhmä keskittyi yksinäisiin kotitalousesineisiin, kuten lenkkareihin, hot dogeihin ja golfpalloihin. Syyskuussa 1963 hän jäi virkavapaalle Rutgersin Douglass Collegen opettajan tehtävistä.
Hänen teoksiaan inspiroivat sota- ja romanttisia tarinoita sisältävät sarjakuvat ”Tuohon aikaan”, Lichtenstein kertoi myöhemmin, ”olin kiinnostunut kaikesta, mitä voisin käyttää aiheena, joka oli emotionaalisesti vahva – yleensä rakkaudesta, sodasta tai jostain, joka oli erittäin latautunut ja emotionaalinen aihe, joka oli vastakohta poistetuille ja harkituille maalaustekniikoille”.
Lue myös, elamakerrat – Gregorius XIII
Lichtensteinin korkeimman profiilin ajanjakso
Tuolloin Lichtenstein alkoi saavuttaa mainetta paitsi Amerikassa myös maailmanlaajuisesti. Hän muutti takaisin New Yorkiin ollakseen taiteen keskipisteessä ja erosi Rutgersin yliopistosta vuonna 1964 keskittyäkseen maalaamiseen. Lichtenstein käytti öljy- ja Magna-maaleja (varhaisia akryylimaaleja) tunnetuimmissa teoksissaan, kuten Drowning Girl (1963), joka on otettu DC Comicsin Secret Hearts -lehden numeron 83 pääjännäristä. (Drowning Girl on nykyään esillä Museum of Modern Artissa New Yorkissa.) Drowning Girlissä on myös paksuja ääriviivoja, rohkeita värejä ja Ben-Day-pisteitä, jotka ovat kuin valokuvataiteen jäljennöksellä luotuja. Omasta työstään Lichtenstein sanoisi, että abstraktit ekspressionistit ”laittoivat asioita kankaalle ja reagoivat siihen, mitä he olivat tehneet, värien asentoihin ja kokoihin. Minun tyylini näyttää täysin erilaiselta, mutta viivojen asettaminen on luonteeltaan melko samanlaista; minun tyylini ei vain näytä kalligrafiselta, kuten Pollockin tai Klenen.”
Sen sijaan, että Lichtenstein olisi yrittänyt jäljitellä kohteitaan, hän käsitteli teoksissaan tapaa, jolla joukkotiedotusvälineet kuvaavat heitä. Hän ei kuitenkaan koskaan ottanut itseään liian vakavasti: ”Mielestäni työni eroaa sarjakuvista – mutta en kutsuisi sitä transformaatioksi; en usko, että mitä sillä sitten tarkoitetaankaan, on taiteen kannalta tärkeää.” Kun Lichtensteinin teoksia esiteltiin ensimmäistä kertaa, monet silloiset taidekriitikot kyseenalaistivat niiden omaperäisyyden. Hänen töitään arvosteltiin ankarasti mauttomiksi ja tyhjiksi. Life-lehden artikkelin otsikossa vuonna 1964 kysyttiin: ”Onko hän Yhdysvaltain huonoin taiteilija?”. Lichtenstein vastasi tällaisiin väitteisiin muun muassa seuraavanlaisilla vastauksilla: ”Mitä lähempänä teokseni ovat alkuperäistä, sitä uhkaavampi ja kriittisempi sisältö. Työni on kuitenkin täysin muuttunut, koska tarkoitukseni ja käsitykseni ovat täysin erilaiset. Uskon, että maalaukseni ovat kriittisesti muuntuneita, mutta sitä olisi vaikea todistaa millään rationaalisella argumenttilinjalla.” Hän käsitteli tämän voimakkaan kritiikin kokemista April Bernardin ja Mimi Thompsonin haastattelussa vuonna 1986. Vihjaillessaan, että kritiikin vastaanottaminen oli ajoittain vaikeaa, Lichtenstein sanoi: ”En epäile, kun itse asiassa maalaan, kritiikki pistää miettimään, se tekee sen.” Hän sanoi: ”En epäile, kun itse asiassa maalaan.”
Hänen tunnetuin kuvansa on kiistatta Whaam! (1963, Tate Modern, Lontoo), yksi varhaisimmista tunnetuista pop-taiteen esimerkeistä, joka on muokattu Irv Novickin sarjakuvapaneelista DC Comicsin All-American Men of War -lehden vuoden 1962 numeroon. Maalauksessa esitetään hävittäjälentokone, joka laukaisee raketin viholliskoneeseen, ja siinä tapahtuu punakeltainen räjähdys. Sarjakuvamaista tyyliä korostavat onomatopoeettinen kirjoitusasu ”Whaam!” ja laatikossa oleva kuvateksti ”I pressed the fire control … and ahead of me rockets blazed through the sky …”. Tämä diptyykki on mittakaavaltaan suuri, 1,7 x 4,0 m (5 ft 7 in x 13 ft 4 in). Whaam noudattaa joidenkin aiempien maalausten sarjakuvapohjaisia teemoja ja on osa vuosina 1962-1964 syntynyttä sota-aiheista teoskokonaisuutta. Se on yksi hänen kahdesta merkittävästä suuresta sota-aiheisesta maalauksestaan. Tate Gallery osti sen vuonna 1966 sen jälkeen, kun se oli ollut esillä Leo Castellin galleriassa vuonna 1963, ja (nykyään Tate Modernissa) se on ollut sen kokoelmassa siitä lähtien. Vuonna 1968 Darmstadtin yrittäjä Karl Ströher osti useita Lichtensteinin suuria teoksia, kuten Nurse (1964), Compositions I (1964), We rise up slowly (1964) ja Yellow and Green Brushstrokes (1966). Oltuaan useita vuosia lainassa Darmstadtin Hessiches Landesmuseumissa Frankfurtin Museum für Moderne Kunstin perustajajohtaja Peter Iden sai vuonna 1981 hankittua yhteensä 87 teosta, pääasiassa amerikkalaista pop-artia ja minimalistista taidetta, rakenteilla olevaan museoon vuoteen 1991 asti.
Lichtenstein aloitti veistoskokeilut noin vuonna 1964, ja hän osoitti taitavuuttaan muotoon, joka oli ristiriidassa hänen maalaustensa itsepintaisen litteyden kanssa. Tytön päätä (1964) ja päätä punaisen varjon kanssa (1965) varten hän teki yhteistyötä keraamikon kanssa, joka veisti pään muodon savesta. Tämän jälkeen Lichtenstein käytti lasitetta luodakseen samantyyppisiä graafisia motiiveja kuin maalauksissaan; mustien viivojen ja Ben-Day-pisteiden levittäminen kolmiulotteisiin esineisiin johti muodon litistymiseen.
Useimmat Lichtensteinin tunnetuimmista teoksista ovat suhteellisen läheisiä, mutta eivät tarkkoja kopioita sarjakuvapaneeleista, joista hän luopui suurelta osin vuonna 1965, vaikka hän sisällytti sarjakuvia töihinsä toisinaan eri tavoin myöhempinä vuosikymmeninä. Nämä paneelit olivat alun perin sellaisten sarjakuvataiteilijoiden piirtämiä kuin Jack Kirby ja DC Comicsin taiteilijat Russ Heath, Tony Abruzzo, Irv Novick ja Jerry Grandenetti, jotka harvoin saivat minkäänlaista tunnustusta. Lichtenstein-säätiön toiminnanjohtaja Jack Cowart kiistää käsityksen, jonka mukaan Lichtenstein olisi kopioinut: ”Royn työ oli muiden laatimien graafisten kaavojen ja tunteiden kodifioinnin ihmettelyä. Tauluja muutettiin mittakaavaltaan, väreiltään, käsittelyltään ja vaikutuksiltaan. Tarkkaa kopiota ei ole olemassa.” Lichtenstein on kritisoinut Lichtensteinin sarjakuvakuvien ja taideteosten käyttöä, erityisesti sikäli kuin sen on katsottu tukevan taiteen valtavirran holhoavaa näkemystä sarjakuvista; sarjakuvataiteilija Art Spiegelman kommentoi, että ”Lichtenstein ei tehnyt sarjakuville enempää tai vähempää kuin Andy Warhol teki keitolle.” Hän ei ole myöskään arvostellut sitä, että Lichtenstein on käyttänyt sarjakuvia ja taideteoksia, erityisesti sikäli kuin tämä käyttö on nähty taiteen valtavirtapiirin holhoavan näkemyksen tukemisena sarjakuvista.
Lichtensteinin teokset, jotka perustuivat sarjakuvien suurennettuihin paneeleihin, herättivät laajaa keskustelua niiden ansioista taiteena. Lichtenstein itse myönsi: ”Nimellisesti kopioin, mutta todellisuudessa muotoilen kopioidun asian uudelleen muilla termeillä. Näin tehdessään alkuperäinen saa aivan toisenlaisen tekstuurin. Se ei ole paksuja tai ohuita siveltimenvetoja, vaan pisteitä ja tasaisia värejä ja taipumattomia viivoja.” Eddie Campbell kirjoitti blogissaan, että ”Lichtenstein otti pienen, kämmentä pienemmän kuvan, joka oli painettu nelivärimusteilla sanomalehtipaperille, ja paisutti sen tavanomaiseen kokoon, jossa ”taidetta” tehdään ja näytteille asetetaan, ja viimeisteli sen maalilla kankaalle.” Bill Griffith sanoi kerran Lichtensteinista: ”On olemassa korkeaa taidetta ja matalaa taidetta. Ja sitten on korkeata taidetta, joka voi ottaa matalan taiteen, tuoda sen korkeataiteen kontekstiin, omaksua sen ja nostaa sen joksikin muuksi.”
Vaikka Lichtensteinin sarjakuvapohjaiset työt saivat jonkin verran hyväksyntää, kriitikot ovat edelleen huolissaan siitä, että Lichtenstein ei ole maininnut alkuperäisiä taiteilijoita tai tekijänoikeuksien haltijoita, maksanut heille tekijänoikeuskorvauksia tai pyytänyt heiltä lupaa. BBC Fourin dokumenttia varten vuonna 2013 antamassaan haastattelussa Alastair Sooke kysyi sarjakuvataiteilija Dave Gibbonsilta, pitikö hän Lichtensteinia plagioijana. Gibbons vastasi: ”Sanoisin ”kopioija”. Esimerkiksi musiikissa ei voi vain viheltää jonkun toisen sävelmää tai esittää jonkun toisen sävelmää, vaikka se olisi kuinka huono, ilman, että alkuperäistä taiteilijaa jotenkin mainitaan ja hänelle maksetaan. Eli tämä on ”WHAAM! by Roy Lichtenstein, after Irv Novick”.”” Sooke itse väittää, että ”Lichtenstein muutti Novickin teosta monin hienovaraisin mutta ratkaisevin tavoin”.
Lehden perustaja, Lontoon City Universityn luennoitsija ja University College Londonin tohtori Ernesto Priego toteaa, että se, että Lichtenstein ei maininnut sarjakuviensa alkuperäisiä tekijöitä, oli osoitus DC Comicsin edeltäjän National Periodical Publicationsin päätöksestä jättää kirjailijat ja taiteilijat mainitsematta:
Sen lisäksi, että esimerkit, kuten Lichtensteinin omaksuma sarjakuvan sanasto, ilmentävät kulttuurista ennakkoluuloa sarjakuvia kohtaan taiteen välineinä, ne tuovat esiin sen, miten tärkeää on ottaa julkaisumuoto huomioon sarjakuvaa määriteltäessä, sekä poliittisen talouden, jota tietyntyyppiset historialliset julkaisut, tässä tapauksessa amerikkalainen valtavirran sarjakuva, merkitsevät. Missä määrin National Periodical Publications (myöhemmin DC) oli vastuussa siitä, että Kanigherin ja Novickin roolit omina taiteilijoina hylättiin, kun heille ei myönnetty täyttä kirjailijanoikeutta itse julkaisussa?”
Lisäksi Campbell huomauttaa, että aikoinaan sarjakuvataiteilijat kieltäytyivät usein nimeämästä työtään.
Vuonna 1998 julkaistussa kertomuksessaan Novick kertoi tavanneensa Lichtensteinin armeijassa vuonna 1947 ja vastanneensa hänen esimiehenään Lichtensteinin itkuiseen valitukseen hänen vähäisistä tehtävistään suosittelemalla hänelle parempaa työtä. Jean-Paul Gabilliet on kyseenalaistanut tämän kertomuksen ja todennut, että Lichtenstein oli lähtenyt armeijasta vuotta ennen sitä aikaa, jolloin Novickin mukaan tapaus tapahtui. Bart Beaty, joka toteaa, että Lichtenstein oli ottanut Novickin haltuunsa muun muassa teoksissa Whaam! ja Okay Hot-Shot, Okay!, sanoo, että Novickin tarina ”vaikuttaa yritykseltä vähätellä” kuuluisampaa taiteilijaa henkilökohtaisesti.
Vuonna 1966 Lichtenstein jatkoi 1960-luvun alun paljon ylistettyä kuvakäsitystään ja aloitti Modern Paintings -sarjan, johon kuului yli 60 maalausta ja niihin liittyviä piirustuksia. Käyttämällä hänelle ominaisia Ben-Day-pisteitä ja geometrisia muotoja ja viivoja hän loi epäsopivia ja haastavia kuvia tutuista arkkitehtonisista rakenteista, art decosta lainatuista kuvioista ja muista hienovaraisesti mieleen tuovista, usein peräkkäisistä motiiveista. Vuosina 1967-8 ilmestyneessä Modern Sculpture -sarjassa viitattiin Art Déco -arkkitehtuurin motiiveihin.
Lue myös, elamakerrat – Sigmund Freud
Myöhemmin tehty työ
1960-luvun alussa Lichtenstein jäljenteli Cézannen, Mondrianin ja Picasson mestariteoksia ennen kuin hän aloitti Brushstrokes-sarjan vuonna 1965. Lichtenstein jatkoi tämän teeman käsittelyä myöhemmin urallaan teoksilla, kuten Bedroom at Arles, joka perustuu Vincent van Goghin Bedroom in Arles -teokseen.
Vuonna 1970 Los Angelesin piirikunnan taidemuseo (Los Angeles County Museum of Art) tilasi Lichtensteinilta elokuvan (vuosina 1967-1971 kehitetyn Art and Technology -ohjelman puitteissa). Universal Film Studiosin avustuksella taiteilija suunnitteli ja tuotti Three Landscapes -elokuvan merellisistä maisemista, joka liittyi suoraan vuosina 1964-1966 luomaansa maisema-aiheisten kollaasien sarjaan. Vaikka Lichtenstein oli suunnitellut tuottavansa 15 lyhytelokuvaa, New Yorkissa asuvan riippumattoman elokuvantekijän Joel Freedmanin kanssa toteutettu kolmen ruudun installaatio jäi taiteilijan ainoaksi yritykseksi tehdä elokuvaa.
Vuonna 1970 Lichtenstein osti entisen vaunurakennuksen Southamptonista Long Islandilta, rakensi sinne studion ja vietti loput 1970-luvusta suhteellisen syrjässä. 1970- ja 1980-luvuilla hänen tyylinsä alkoi löystyä ja hän laajensi aiempaa työtään. Lichtenstein aloitti Mirrors-maalausten sarjan vuonna 1969. Vuonna 1970 hän aloitti Mirrors-sarjaa jatkaessaan työskentelyn entablatuurien parissa. Entablatuurit koostui ensimmäisestä maalaussarjasta vuosina 1971-1972, jota seurasi toinen sarja vuosina 1974-76 ja reliefipainatussarjan julkaisu vuonna 1976. Hän tuotti sarjan ”Artists Studios”, joka sisälsi elementtejä hänen aiemmista töistään. Merkittävä esimerkki on Artist”s Studio, Look Mickey (1973, Walker Art Center, Minneapolis), joka sisältää viisi muuta aiempaa teosta, jotka on sovitettu kohtaukseen.
Los Angelesin-matkallaan vuonna 1978 Lichtenstein oli innostunut asianajaja Robert Rifkindin saksalaisen ekspressionismin piirroksista ja kuvakirjoista koostuvasta kokoelmasta. Hän alkoi tuottaa teoksia, joissa lainattiin ekspressionistisista maalauksista löytyviä tyylipiirteitä. The White Tree (1980) tuo mieleen lyyriset Der Blaue Reiter -maisemat, kun taas Dr. Waldmann (1980) muistuttaa Otto Dixin Dr. Mayer-Hermannia (1926). Pieniä värikynäpiirroksia käytettiin mallina puupiirroksille, joita Emil Nolde ja Max Pechstein sekä Dix ja Ernst Ludwig Kirchner suosivat. Myös 1970-luvun lopulla Lichtensteinin tyyli vaihtui surrealistisempiin teoksiin, kuten Pow Wow (1979, Ludwig Forum für Internationale Kunst, Aachen). Suuri sarja surrealistis-pop-maalauksia vuosilta 1979-1981 perustuu intiaani-aiheisiin. Teokset vaihtelevat Amerind Figure (1981), mustapatinoitua pronssia olevasta virtaviivaisesta toteemipaalusta muistuttavasta, tyylitellystä elämänkokoisesta veistoksesta Amerind Figure (1981) monumentaaliseen villakangastekstiiliin Amerind Landscape (1979). Intiaaniteosten aiheet, kuten surrealistisen sarjan muidenkin osien, ovat peräisin nykytaiteesta ja muista lähteistä, kuten Lichtensteinin pienestä kirjastosta löytyvistä Amerikan intiaanien muotoilua käsittelevistä kirjoista.
Lichtensteinin Still Life -maalaukset, -veistokset ja -piirustukset, jotka ajoittuvat vuodesta 1972 1980-luvun alkupuolelle, kattavat monenlaisia motiiveja ja aiheita, mukaan lukien perinteisimmät, kuten hedelmät, kukat ja maljakot. Vuonna 1983 Lichtenstein teki kaksi apartheidin vastaista julistetta, joiden nimi on yksinkertaisesti ”Against Apartheid”. Vuosina 1988-1990 valmistuneessa Reflection-sarjassaan Lichtenstein käytti uudelleen omia motiivejaan aiemmista teoksistaan. Interiors (1991-1992) on sarja teoksia, jotka kuvaavat banaaleja kotiympäristöjä ja jotka ovat saaneet inspiraationsa huonekalumainoksista, joita taiteilija löysi puhelinluetteloista tai mainostauluista. New Yorkin Metropolitan Museum of Artin näyttelyssä vuonna 1994 esillä olleista Edgar Degasin monokromaattisista grafiikoista inspiraationsa saaneena Lichtensteinin Landscapes in the Chinese Style -sarjan motiivit on muodostettu simuloiduista Benday-pisteistä ja blokin muotoisista ääriviivoista, jotka on toteutettu kovilla, eloisilla väreillä ja joista on poistettu kaikki käden jäljet. Alaston on toistuva elementti Lichtensteinin 1990-luvun töissä, kuten Collage for Nude with Red Shirt (1995) -teoksessa.
Maalausten ja veistosten lisäksi Lichtenstein teki yli 300 taidegrafiikkaa, enimmäkseen silkkipainolla.
Lue myös, taistelut – Orléansin piiritys
Palkkiot
Vuonna 1969 Gunter Sachs tilasi Lichtensteinilta Composition- ja Leda and the Swan -teokset keräilijän pop art -makuuhuoneen sviittiin St. Moritzin Palace-hotellissa. 1970-luvun lopulla ja 1980-luvulla Lichtenstein sai merkittäviä tilauksia julkisiin tiloihin sijoitettavista teoksista: veistokset Lamp (26 jalkaa korkea Brushstrokes in Flight (viisi kerrosta korkea Mural with Blue Brushstroke (ja El Cap de Barcelona (1992) Barcelonassa. Vuonna 1994 Lichtenstein loi 53 jalkaa pitkän, emali-metallilla päällystetyn Times Square -seinämaalauksen Times Squaren metroasemalle. Vuonna 1977 hän maalasi BMW:n toimeksiannosta BMW 320i:n Group 5 Racing -version BMW Art Car Project -projektin kolmatta osaa varten. DreamWorks Recordsin logo oli hänen viimeinen toteutettu projektinsa. ”En tee mitään sellaista (yrityslogoa) enkä aio tehdä sitä enää uudestaan”, Lichtenstein sallii. ”Mutta tunnen Mo Ostinin ja David Geffenin, ja se vaikutti kiinnostavalta.”
Lue myös, elamakerrat – Lyndon B. Johnson
Tunnustus
Lichtenstein on saanut lukuisia kunniatohtorin arvonimiä muun muassa George Washingtonin yliopistosta (1996), Bard Collegesta, Royal College of Artista (1993), Ohio State Universitystä (1987), Southampton Collegesta (1980) ja California Institute of the Artsista (1977). Hän toimi myös Brooklyn Academy of Musicin johtokunnassa.
Vuonna 1949 Lichtenstein avioitui Isabel Wilsonin kanssa, joka oli aiemmin ollut naimisissa ohiolaisen taiteilijan Michael Sariskyn kanssa. Raakalaismaiset pohjoisen osavaltion talvet vaativat kuitenkin veronsa Lichtensteinilta ja hänen vaimoltaan, kun hän aloitti opettamisen New Yorkin osavaltion yliopistossa Oswegossa vuonna 1958. Pariskunta myi perheen kotitalon Highland Parkissa New Jerseyssä vuonna 1963 ja erosi vuonna 1965.
Lichtenstein avioitui toisen vaimonsa Dorothy Herzkan kanssa vuonna 1968. Vuonna 1966 he vuokrasivat talon Southamptonista, New Yorkista, jonka Larry Rivers oli ostanut oman talonsa nurkan takaa. Kolme vuotta myöhemmin he ostivat vuonna 1910 rakennetun vaunurakennuksen Gin Lanelta, joka oli merelle päin. Vuodesta 1970 kuolemaansa asti Lichtenstein jakoi aikansa Manhattanin ja Southamptonin välillä. Hänellä oli myös koti Captiva Islandilla.
Vuonna 1991 Lichtenstein aloitti suhteen laulaja Erica Wexlerin kanssa, josta tuli hänen alastonkuvasarjansa muusa, mukaan lukien vuonna 1994 julkaistu ”Nudes with Beach Ball”. Lichtenstein oli 22-vuotias ja Lichtenstein 68-vuotias. Suhde kesti vuoteen 1994 ja päättyi, kun Wexler lähti Englantiin tulevan miehensä Andy Partridgen, XTC:n jäsenen, kanssa. Wexlerin mukaan Lichtensteinilla ja hänen vaimollaan Dorothylla oli yhteisymmärrys, ja molemmilla oli avioliiton lisäksi merkittäviä muita.
Lichtenstein kuoli keuhkokuumeeseen 29. syyskuuta 1997 New Yorkin yliopiston lääketieteellisessä keskuksessa, jossa hän oli ollut sairaalahoidossa useita viikkoja, neljä viikkoa ennen 74-vuotissyntymäpäiväänsä. Hän jätti jälkeensä toisen vaimonsa Dorothy Herzkan sekä poikansa Davidin ja Mitchellin ensimmäisestä avioliitostaan.
Pop-taide vaikuttaa edelleen 2000-luvulla. Lichtensteinia ja Andy Warholia käytettiin U2:n PopMart-kiertueella vuosina 1997 ja 1998 sekä Britannian kansallisessa muotokuvagalleriassa vuonna 2007 järjestetyssä näyttelyssä.
Monien muiden World Trade Centeriin 11. syyskuuta 2001 tehdyissä iskuissa menetettyjen taideteosten joukossa Lichtensteinin The Entablature -sarjaan kuuluva maalaus tuhoutui sitä seuranneessa tulipalossa.
Hänen teoksensa Crying Girl oli yksi Night at the Museum -elokuvan teoksista: Smithsonianin taistelu.
Vuonna 1964 Lichtensteinista tuli ensimmäinen amerikkalainen, joka oli esillä Lontoon Tate-galleriassa näyttelyssä ””54-”64: Painting and Sculpture of a Decade”. Vuonna 1967 hänen ensimmäinen museoretrospektiivinen näyttelynsä järjestettiin Pasadenan taidemuseossa Kaliforniassa. Samana vuonna hänen ensimmäinen yksityisnäyttelynsä Euroopassa järjestettiin Amsterdamin, Lontoon, Bernin ja Hannoverin museoissa. Myöhemmin Lichtenstein osallistui Documentas IV (1968) ja VI (1977) -näyttelyihin. Lichtensteinin ensimmäinen retrospektiivinen näyttely oli Guggenheim-museossa vuonna 1969 Diane Waldmanin järjestämänä. Guggenheim-museo esitteli toisen Lichtensteinin retrospektiivin vuonna 1994. Lichtensteinista tuli ensimmäinen elävä taiteilija, jolla oli yksityisnäyttely Museum of Modern Artissa maaliskuusta kesäkuuhun 1987. Viimeaikaisiin retrospektiivisiin näyttelyihin kuuluvat vuonna 2003 Louisianan modernin taiteen museossa Tanskassa järjestetty ”All About Art” (joka jatkoi matkaansa Hayward Galleryyn Lontooseen, Museo Reina Sofiaan Madridiin ja San Franciscon modernin taiteen museoon vuoteen 2005 asti) ja ”Classic of the New”, Kunsthaus Bregenzissä (2005), ”Roy Lichtenstein: Meditations on Art”, Museo Triennale, Milano (2010, matkusti Museum Ludwigiin, Köln). Loppuvuodesta 2010 Morgan Library & Museumissa oli esillä Roy Lichtenstein: The Black-and-White Drawings, 1961-1968. Toinen suuri retrospektiivinen näyttely avattiin Chicagon Art Institute of Chicagossa toukokuussa 2012, minkä jälkeen se siirtyi Washingtonin National Gallery of Artiin, Lontoon Tate Moderniin ja Pariisin Centre Pompidou”hun vuonna 2013. 2013: Roy Lichtenstein, Olyvia Fine Art. 2014: Roy Lichtenstein: Intimate Sculptures, The FLAG Art Foundation. Roy Lichtenstein: Opera Prima, Civic Gallery of Modern and Contemporary Arts, Torino. 2018: Näyttely The Tate Liverpoolissa, Merseyside, Yhdistynyt kuningaskunta.
Vuonna 1996 Washingtonissa sijaitsevasta National Gallery of Artista tuli taiteilijan töiden suurin yksittäinen arkisto, kun Lichtenstein lahjoitti 154 taidegrafiikkaa ja kaksi kirjaa. Chicagon Art Institute of Chicagon pysyvään kokoelmaan kuuluu useita tärkeitä Lichtensteinin teoksia, kuten Brushstroke with Spatter (1966) ja Mirror No. 3 (Six Panels) (1971). Lichtensteinin lesken Dorothy Lichtensteinin ja Roy Lichtenstein -säätiön henkilökohtainen omaisuus on satoja. Euroopassa Kölnin Ludwig-museolla on yksi kattavimmista Lichtenstein-kokoelmista, ja siellä on Takka Takka (1962), Nurse (1964) ja Compositions I (1964). Frankfurtin Museum für Moderne Kunstissa on lisäksi We rose up slowly (1964) ja Yellow and Green Brushstrokes (1966). Yhdysvaltojen ja Euroopan ulkopuolella Australian kansallisgallerian Kenneth Tylerin kokoelmalla on laaja, yli 300 teosta käsittävä Lichtensteinin grafiikan kokoelma. Kaikkiaan teoksia arvellaan olevan liikkeessä noin 4 500 kappaletta.
Taiteilijan kuoltua vuonna 1997 perustettiin vuonna 1999 Roy Lichtenstein -säätiö. Vuonna 2011 säätiön hallitus päätti, että pitkittyneiden oikeusjuttujen riskit olivat suuremmat kuin autentikoinnin hyödyt.
Vuoden 2006 lopulla säätiö lähetti joulukortin, jossa oli kuva maalauksesta Electric Cord (1961), joka oli ollut kadoksissa vuodesta 1970 lähtien, kun Leo Castelli Gallery oli lähettänyt sen taiderestauroija Daniel Goldreyerille. Kortissa kehotettiin yleisöä ilmoittamaan kaikki tiedot sen olinpaikasta. Vuonna 2012 säätiö tarkasti teoksen aitouden, kun se löytyi New Yorkin varastosta.
Valokuvaaja Harry Shunkin kuoltua vuonna 2006 Lichtenstein-säätiö hankki vuosien 2008 ja 2012 välisenä aikana haltuunsa Shunkin ja hänen János Kenderinsä kuvaaman valokuvamateriaalin sekä valokuvaajien tekijänoikeudet. Vuonna 2013 säätiö lahjoitti Shunk-Kenderin kokoelman viidelle laitokselle – Los Angelesissa sijaitsevalle Getty Research Institutelle, New Yorkissa sijaitsevalle Museum of Modern Artille, Washingtonissa sijaitsevalle National Gallery of Artille, Pariisissa sijaitsevalle Centre Pompidoulle ja Lontoossa sijaitsevalle Tate-museolle – jolloin kukin museo saa käyttöönsä toistensa osuuden.
Lichtensteinin teoksia on ollut esillä 1950-luvulta lähtien muun muassa New Yorkissa Leo Castellin galleriassa ja Castelli Graphicsissa sekä Ileana Sonnabendin galleriassa Pariisissa, Ferus Galleryssa, Pace Galleryssa, Gagosian Galleryssa ja Mitchell-Innes & Nashissa, Mary Boone, Brooke Alexander Gallery, Carlebach, Rosa Esman, Marilyn Pearl, James Goodman, John Heller, Blum Helman, Hirschl & Adler, Phyllis Kind, Getler Pall, Condon Riley, 65 Thompson Street, Holly Solomon ja Sperone Westwater Galleries. Leo Castellin galleria edusti Lichtensteinia yksinomaan vuodesta 1962 lähtien, jolloin taiteilijan yksityisnäyttely myytiin loppuun ennen avajaisia.
Vuodesta 1962 lähtien Leo Castellin galleriassa New Yorkissa järjestettiin säännöllisesti taiteilijan työnäyttelyitä. Gagosian Gallery on pitänyt Lichtensteinin töitä esillä vuodesta 1996 lähtien.
Big Painting No. 6 (1965) oli Lichtensteinin korkeimmin hinnoiteltu teos vuonna 1970. Kuten koko Brushstrokes-sarjassa, maalauksen aiheena on abstraktiekspressionistisen maalauksen prosessi pyyhkäisevillä siveltimenvedoilla ja tiputtelulla, mutta Lichtensteinin yksinkertaistamisen tuloksena, jossa käytetään Ben-Day-pisteitä taustana, on mekaanisen
Lichtensteinin maalaus Torpedo … Los! (1963) myytiin Christie”sissä 5,5 miljoonalla dollarilla vuonna 1989, mikä oli tuolloin ennätyssumma, ja se teki hänestä yhden vain kolmesta elossa olevasta taiteilijasta, jotka ovat keränneet näin suuria summia. Vuonna 2005 teos In the Car myytiin silloisella ennätyshinnalla 16,2 miljoonalla dollarilla (10 miljoonalla punnalla).
Vuonna 2010 hänen sarjakuvatyylinen maalauksensa Ohhh…Alright… vuodelta 1964, joka oli aiemmin Steve Martinin ja myöhemmin Steve Wynnin omistuksessa, myytiin ennätyksellisellä 42,6 miljoonan Yhdysvaltain dollarin (26,7 miljoonan punnan) hinnalla Christie”sin huutokaupassa New Yorkissa.
Lichtensteinin I Can See the Whole Room…and There”s Nobody in It! perustuu William Overgardin vuonna 1961 Steve Roperin sarjakuvasarjaa varten tekemään piirrokseen. (1961) kuvaa miestä, joka katsoo ovessa olevan reiän läpi. Keräilijä Courtney Sale Ross myi sen 43 miljoonalla dollarilla, joka oli kaksinkertainen hinta-arvioon verrattuna, Christie”sissä New Yorkissa vuonna 2011; myyjän aviomies Steve Ross oli ostanut sen huutokaupasta vuonna 1988 2,1 miljoonalla dollarilla. Maalauksen koko on neljä kertaa neljä jalkaa, ja se on tehty grafiitilla ja öljyllä.
Beatrice ja Phillip Gershin kokoelmasta peräisin oleva sarjakuvamaalaus Sleeping Girl (1964) teki uuden Lichtenstein-ennätyksen 44,8 miljoonaa dollaria Sotheby”sissa vuonna 2012.
Lokakuussa 2012 hänen maalauksensa Electric Cord (1962) palautettiin Leo Castellin leskelle Barbara Bertozzi Castellille, joka oli ollut kadoksissa 42 vuotta. Castelli oli lähettänyt maalauksen taiderestauroijalle puhdistettavaksi tammikuussa 1970, eikä saanut sitä koskaan takaisin. Hän kuoli vuonna 1999. Vuonna 2006 Roy Lichtenstein -säätiö julkaisi kuvan maalauksesta joulutervehdyskortissaan ja pyysi taideyhteisöä auttamaan sen löytämisessä. Maalaus löytyi newyorkilaisesta varastosta sen jälkeen, kun se oli ollut esillä Bogotassa, Kolumbiassa.
Vuonna 2013 maalaus Nainen kukkahattu päässä teki toisen ennätyksen 56,1 miljoonalla dollarilla, kun brittiläinen korukauppias Laurence Graff osti sen amerikkalaiselta sijoittajalta Ronald O. Perelmanilta.
Tämä ylittyi vuonna 2015, kun Nurse myytiin 95,4 miljoonalla dollarilla Christie”s-huutokaupassa.
Tammikuussa 2017 Masterpiece myytiin 165 miljoonalla dollarilla. Myyntitulot käytetään rikosoikeusuudistuksen rahaston perustamiseen.
Lue myös, elamakerrat – Axayacatl
Kirjallisuusluettelo
Elämäkerrallinen:
Toimii:
Muut:
lähteet
