Stuart Davis
gigatos | 13 helmikuun, 2022
Yhteenveto
Stuart Davis (s. 7. joulukuuta 1892 Philadelphia, k. 24. kesäkuuta 1964 New York City) oli yhdysvaltalainen modernistinen taidemaalari ja taidegrafiikan tekijä, joka tunnetaan parhaiten kirkkain värein kuvatuista amerikkalaisen arkielämän tutkimuksista. Hänestä tuli kuuluisa siitä, että hän sovitti jazz-musiikin kieltä moderniin maalaustaiteeseen.
Lue myös, elamakerrat – Randžit Singh
Nuoriso ja koulutus
Stuart Davis oli Edward Wyatt Davisin ja kuvanveistäjä Helen Stuart Davisin poika. Molemmat vanhemmat opiskelivat Pennsylvanian taideakatemiassa. Äiti piti näyttelyitä Philadelphiassa ja New Yorkissa. Isä johti Philadelphia Pressin taideosastoa ja palkkasi kuvittajiksi ystävänsä John French Sloanin, William Glackensin, George Luksin ja Everett Shinnin. Vuonna 1901 Davisin perhe muutti East Orangeen, New Jerseyyn. Vuonna 1909 Davis jätti lukion kesken ja opiskeli seuraavat kolme vuotta New Yorkin taidekoulussa Robert Henrin (The Eight -ryhmittymän perustaja) johdolla. Vaikka hän maalasi realistiseen tyyliin, hän hylkäsi akateemisen idealismin ja kehotti oppilaitaan tarkkailemaan ja tekemään tutkimuksia kaupunkielämästä sellaisena kuin he sen havaitsivat kaduilla, konserttisaleissa, kapakoissa ja muualla. Davisin arvostus nykytaidetta ja abstraktia taidetta kohtaan johtui nimenomaan hänen kiinnostuksestaan Ashcan Schoolin tulevien jäsenten töitä kohtaan.
Lue myös, historia-fi – Atlantin orjakauppa
Modernismin saavutusten mukauttaminen
Vuonna 1913 Davis näytti viisi akvarellia Armory Show”ssa, kansainvälisessä modernin taiteen näyttelyssä, joka herätti hänen kiinnostuksensa modernismin taiteeseen. Näyttelyä hallitsivat ranskalaiset taiteilijat, joiden taiteella oli näkyvin vaikutus amerikkalaiseen taiteeseen. Mukana on teoksia muun muassa seuraavilta taiteilijoilta: Henri Matisse, Georges Braque, Marcel Duchamp ja Pablo Picasso Fauvismi ja kubismi olivat laajasti edustettuina. Davis pääsi näkemään, miten eurooppalaiset avantgardetaiteilijat, kuten Henri Matisse ja Paul Gauguin, toteuttivat innovatiivisia ajatuksiaan moderneista muodoista. He käyttivät värejä, joilla ei ollut mitään tekemistä todellisuuden kanssa. Davis tutustui kubismiin, jossa muodot pirstoutuivat, tila litistyi ja maalauksissa käytettiin sanomalehtien otsikoista tai tuoteselosteista poimittuja sanoja sommitteluelementteinä. Seuraavina vuosina Davis pyrki omaksumaan Armory Show”ssa kokemansa modernismin saavutukset, erityisesti värin, muodon, pintakäsittelyn ja sommittelun osalta. Hän oli tietoinen siitä, että Robert Henrin kanssa työskentelystä saatu kokemus ei enää riittänyt.
Vuosina 1911-1916 Davis työskenteli kuvittajana ja pilapiirtäjänä The Masses -lehdessä ja jatkoi kokeilujaan eri tyylilajeilla, kuten postimpressionismilla, fauvismilla ja kubismilla. Monille hänen vuosina 1916-1919 tekemilleen maalauksille, kuten Gloucester Street (Museum of Fine Arts, Boston), Garage (1917, Earl Davisin kokoelma) ja Gas Station (1917, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden), olivat ominaisia rohkeat värit ja nestemäiset, energiset siveltimenvedot. Kahden Massachusettsin Provincetownissa vietetyn kesän jälkeen Davis kiinnostui Uuden-Englannin rannikosta, ja hän kävi säännöllisesti Gloucesterissa kesäkausina vuoteen 1934 asti. Cézannen, Gauguinin, Matissen ja van Goghin maalausten innoittamana hän maalasi värikkäitä maisemia ja satamakuvia. Vuonna 1921 hän teki uransa abstraktimpia teoksia, kuten maalauksia, joiden aiheena olivat dadaismin innoittamat savukepakkaukset, etiketit, hehkulamput, suuvesipullot, suolankeittimet ja munavispilät. Heidän esimerkkinään on maalaus Lucky Strike (1921, Museum of Modern Art), jossa on kubistisen kollaasin tyyliin tarkasti maalattu savukeaski, jossa värit limittyvät, tumma vastakkain vaalean kanssa ja jossa on pysty- ja vaakasuoria muotoja. Vuonna 1922 Davis liittyi Amerikan modernien taiteilijoiden järjestön (Modern Artists of America) jäseneksi. Vakiintuneena modernina taiteilijana hän pääsi New Yorkin avantgarden piiriin. Vuosien mittaan hän ystävystyi sellaisten abstraktien taidemaalareiden kuin Charles Demuthin, Arshile Gorkin, John D. Grahamin ja runoilija William Carlos Williamsin kanssa.
Vuosina 1927 ja 1928 hän työskenteli tunnetun Eggbeater-sarjan parissa, joka oli kubistisen muodon ja tilan henkilökohtainen tutkimus, jossa hän käytti muun muassa munanvatkainta, sähkötuuletinta ja kumihanskoja. Sarja näyttäytyy eräänlaisena katarsiksena, jonka avulla hän yritti vapauttaa työnsä viimeisistä illusionismin jäänteistä. Hän maalasi edellä mainittuja rekvisiittaa, jotka ovat asetelman elementtejä, toistuvasti, kunnes ne lakkasivat olemasta hänen silmissään ja mielessään, lukuun ottamatta värien, viivojen ja muotojen välisiä yhteyksiä. Näissä ja joissakin muissa saman ajanjakson teoksissa hän saavutti yksinkertaistetun abstraktion asteen, joka ylittää kaiken, mitä hän aikoi luoda seuraavan kymmenen vuoden aikana. Hän myös vakiinnutti maalauksissaan tiettyjä asetelmamotiiveja, joita hän myöhemmin kehitti muissa teoksissaan.
Lue myös, elamakerrat – Banksy
Lähtö Pariisiin
Menestyksekkään debyytin jälkeen Valentine Gallery -galleriassa hänen sponsorinsa Gertrude Vanderbilt Whitney kannusti häntä lähtemään Pariisiin. Hän lähti sinne yhdessä ystävänsä Bessie Chosakin kanssa tämän taloudellisen tuen turvin. Pariisissa hän perusti studion Montparnassen kaupunginosaan. Neljätoista kuukautta kestäneen oleskelunsa aikana hän maalasi katumaisemia käyttäen loistavia värejä ja tyypillisiä ranskalaisia yksityiskohtia, kuten kaiteet, ikkunaluukut, mansardit ja kahvilat. Vuonna 1929 hän avioitui Bessie Chosakin kanssa.
Lue myös, historia-fi – Suuri nälänhätä 1315–1317
Paluu Yhdysvaltoihin
Vuonna 1929 Davis palasi Yhdysvaltoihin. Samana vuonna hänen mentorinsa Robert Henri kuoli. 1930-luvulla Amerikkaa koetteli suuri lama. Kun presidentti Franklin Delano Roosevelt vuonna 1933 ilmoitti liittovaltion taiteen tukiohjelman käynnistämisestä, Davis oli ensimmäisten joukossa mukana. Vuosina 1933-1939 hän toteutti useita seinämaalauksia julkisten taideteosten ohjelman, liittovaltion taideprojektin ja Works Progress Administrationin puitteissa. Hallituksen taloudellisen tuen turvin hän pystyi jatkamaan formalismin ja amerikkalaisten teemojen tutkimista. Edistääkseen taiteilijoiden etuja ja suojellakseen heitä sodalta ja fasismilta hänestä tuli The Artists Unionin ja American Artists” Congressin jäsen. Vuonna 1934 hänet valittiin The Artists Unionin puheenjohtajaksi. Vuosina 1935-1936 hän toimitti Art Front -lehteä. Hän ei kuitenkaan yrittänyt yhdistää yhteiskunnallista työtään taiteelliseen toimintaan. 1930-luvulla Davisin suuret maalaukset osoittivat jatkoa selkeästi määriteltyjen, fragmentaaristen objektien ja geometris-abstraktin rakenteen vuorovaikutukselle. Samaan aikaan taiteilija teki lukuisia kokeiluja täydellisen abstraktion parissa, erityisesti viivapiirroksissa ja maalauksissa. Hänen värinsä muuttuivat yhä kirkkaammiksi, ja monissa teoksissa hän lisäsi vauhdin, liikkeen, iloisuuden ja rytmin tuntua pienempien, epäsäännöllisempien ja kontrastisempien värillisten muotojen lisääntyvällä monimutkaisuudella. 1930-luvun alun maalaukset sisälsivät järjestyksessä olevia, selkeästi tunnistettavia esineitä: bensapumppu, rakennuksia, huonekaluja, hattuja, autoja ja kylttejä, jotka oli sijoitettu eläviin kaupunkimaisemiin. 1930-luvun lopun teoksissa esineet dematerialisoituivat ja muuttuivat muodoiksi, joissa oli värillisiä ääriviivoja. Tämä oli alku taiteilijan uran kahdenkymmenenviiden vuoden kypsälle abstraktille maalaustaiteelle. Tietty poikkeus tästä oli suuri (14 × 46 m) seinämaalauksen History of Communication vuodelta 1939, joka on säilynyt vain luonnoksena ja jonka tunnistettava aihe oli luultavasti tilauksen olosuhteiden määräämä.
1940-luvun alussa nähtiin kuitenkin myös maalauksia, joissa esiintyi enemmän tai vähemmän figuratiivisuutta, kuten New York Under Gaslight vuodelta 1941. Samaan aikaan Davis tuotti sarjan loistavia abstrakteja maisemia: Hot Stillscape in Six Colours (1940), Arboretum by Flashbulb (1942), Ursine Park (1942) ja Ultramarine (1943). Niille on ominaista, että ne luopuvat naturalistisesta visuaalisesta illuusiosta, vaikka ne säilyttävätkin vahvat assosioinnit maisemaan. Toistuvat, rosoiset muodot luovat kokonaisvaltaisen murtuneen kuvion. Käytetyt värit ovat selvästi punaisia, vihreitä ja sinisiä, ja niissä on selviä mustavalkoisia katkoja. 1940-luvun lopulla Davis tuotti sarjan pieniä, kokeellisia maalauksia, joille hän antoi nimet Pad (pikemminkin jazzin mielessä) ja Max sekä juoksevat numerot niiden erottamiseksi toisistaan. Niissä ei ole mitään figuratiivisuuteen viittaavia elementtejä, lukuun ottamatta sanaa ”Pad”, ja ne ovat abstraktin kokeilun ilmauksia, jotka vaihtelevat puhtaasti geometrisista muodoista vahvasti ekspressionistisiin muotoihin. Esimerkkinä on The Mellow Pad, jonka parissa taiteilija työskenteli ajoittain vuosina 1945-1951 ja joka oli yritys kehittää edellä mainittuja abstrakteja luonnoksia monumentaalisemmaksi sommitelmaksi.
Maalarina toimimisensa ohella Davis toimi aktiivisesti kouluttajana: vuonna 1932 hän opetti New Yorkin Art Students League of New Yorkissa, vuonna 1940 hänestä tuli luennoitsija New School for Social Researchissa ja vuonna 1950 Yalen yliopistossa.
Davis jatkoi maalaamista intensiivisesti kuolemaansa saakka. Lukuisissa pienissä öljy- tai guassimaalauksissa hän kokeili uusia ideoita tai kävi uudelleen läpi vanhoja motiiveja mahdollisia muunnelmia varten, kuten Combination Concrete II (1958) tai The Paris Bit (1959), joka on nostalginen pastissi Pariisin muistoista. Hän jätti työhuoneeseensa useita keskeneräisiä maalauksia ja piirustuksia, jotka dokumentoivat hänen luovia menetelmiään ja hänen mielikuvituksensa ehtymätöntä hedelmällisyyttä. Hän jätti myös monia muistiinpanovihkoja, joihin hän kirjasi havaintojaan ja ajatuksiaan niiden myöhempää kehittämistä silmällä pitäen. Davis on lähes ainoa 1900-luvun yhdysvaltalainen taidemaalari, jonka teokset kestivät kaikki tyylin, liikkeen ja muodin muutokset. Jopa 1950-luvulla, jolloin abstrakti ekspressionismi hallitsi amerikkalaista näyttämöä, taiteilija kunnioitti ja ihaili edelleen kaikkein kokeellisimpia uusia taiteilijoita.
Myöhempinä vuosinaan Davis jatkoi taiteellista menestystään. Vuosina 1952 ja 1954 hän sai Yhdysvaltojen edustajana palkintoja Venetsian biennaalissa. Lisäksi hänelle myönnettiin kansainvälinen Solomon R. Guggenheim -palkinto vuosina 1958 ja 1960. Hän kuoli äkillisesti aivohalvaukseen jättäen jälkeensä taiteellisen perinnön maalauksia ja maineen yhtenä Amerikan ensimmäisistä modernisteista. Taidekriitikko Brian O”Doherty kuvaili häntä The New York Timesin sivuilla ”yhdeksi niistä harvoista suurista taidemaalareista, joita Amerikka on tuottanut ja jotka eivät koskaan olleet anakronistisia”.
Davis aloitti taiteellisen uransa Robert Henrin koulukunnan edustaman amerikkalaisen realismin perinteessä. Myöhemmin hän tutustui jälki-impressionistiseen ja fauvistiseen maalaustaiteeseen ja 1920-luvulla abstraktion ja synteettisen kubismin eurooppalaisiin tekniikoihin. Nämä kokemukset huipentuivat Eggbeater-sarjaan. Davisin katsotaan kehittäneen eurooppalaisen kubismin amerikkalaisen muunnelman. Hänen maalauksensa lujittivat Yhdysvaltojen asemaa nykytaiteen maailmassa käyttämällä selvästi amerikkalaista slangia ja symboliikkaa. Davis oli yksi ensimmäisistä, joka käsitteli jazzia ja swingiä yhdessä maalauksen kanssa. Kirkkaiden, sykkivien värien, ilmeikkäiden viivojen ja toistuvien muotojen käyttö antoi hänen maalauksilleen visuaalisen rytmin, joka muistuttaa jazz-musiikille ominaista synkooppia ja improvisaatiota. Davis otti käyttöön uuden, post-kubistisen lähestymistavan abstraktioon, hajottaen muotoja kankaalle ja manipuloiden rohkeita värejä siten, että katsojan huomion keskipiste hylätään. Tämä uusi menetelmä, jossa kaikki maalauksen osat ovat tasavertaisia ja suunniteltu niin, että katsojan katse voi vaeltaa ohjaamattomana, oli tärkeä askel kohti Jackson Pollockin kaltaisten abstraktioiden kuten abstrakti ekspressionistien toteuttamaa täydellistä abstraktiota. Davisin kulutushyödykkeiden ja mainosten muuttaminen taideteoksiksi ennakoi puolestaan 1960-luvun pop-taidetta. Davis on edelleen yksi tärkeimmistä amerikkalaisista taiteilijoista, jotka työskentelivät sotien välisenä aikana.
Prace Stuarta Davisa znajdują się w zbiorach głównych amerykańskich muzeów sztuki, w tym: Addison Gallery of American Art, Amon Carter Museum of American Art, Art Institute of Chicago, Biblioteka Kongresu, Brooklyn Museum, Carnegie Museum of Art, Dallas Museum of Art, Fine Arts Museums of San Francisco, Harvard University Art Museums, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Hyde Collection, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Memorial Art Gallery, Museum of Fine Arts w Bostonie, Metropolitan Museum of Art, Montclair Art Museum, Museum of Fine Arts, Houston, Museum of Modern Art, Muzeum Thyssen-Bornemisza, National Gallery of Australia, National Portrait Gallery, Norton Museum of Art, Pennsylvania Academy of Fine Arts, Phillips Collection, Portland Museum of Art, Princetonin yliopiston taidemuseo, San Diegon taidemuseo, San Franciscon modernin taiteen museo, Smithsonian American Art Museum ja Renwick Gallery, Virginia Museum of Fine Arts, Walker Art Center, Whitney Museum of American Art.
lähteet
