Edvard Munch

gigatos | janvier 2, 2022

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Résumé

Edvard Munch (12 décembre 1863 – 23 janvier 1944) était un peintre norvégien. Son œuvre la plus connue, Le Cri, est devenue l »une des images emblématiques de l »art mondial.

Son enfance est assombrie par la maladie, les deuils et la crainte d »hériter d »une maladie mentale présente dans la famille. Étudiant à l »École royale d »art et de design de Kristiania (aujourd »hui Oslo), Munch commence à mener une vie de bohème sous l »influence du nihiliste Hans Jæger, qui le pousse à peindre son propre état émotionnel et psychologique (« peinture de l »âme »). C »est de là qu »est né son style distinctif.

Les voyages lui apportent de nouvelles influences et de nouveaux débouchés. À Paris, il apprend beaucoup de Paul Gauguin, Vincent van Gogh et Henri de Toulouse-Lautrec, en particulier leur utilisation de la couleur. À Berlin, il rencontre le dramaturge suédois August Strindberg, qu »il peint, alors qu »il se lance dans son grand canon La Frise de la vie, qui dépeint une série de thèmes profondément ressentis, comme l »amour, l »anxiété, la jalousie et la trahison, imprégnés d »atmosphère.

Le Cri a été conçu à Kristiania. Selon Munch, il se promenait au coucher du soleil lorsqu »il a « entendu le cri énorme et infini de la nature ». Le visage agonisant du tableau est largement identifié à l »angoisse de l »homme moderne. Entre 1893 et 1910, il a réalisé deux versions peintes et deux autres au pastel, ainsi qu »un certain nombre de gravures. L »un des pastels a finalement atteint le quatrième prix nominal le plus élevé payé pour une peinture aux enchères.

Alors que sa notoriété et sa richesse augmentent, son état émotionnel reste incertain. Il envisage brièvement le mariage, mais ne peut s »engager. Une dépression en 1908 l »oblige à renoncer à la consommation excessive d »alcool, et il est réconforté par son acceptation croissante par les habitants de Kristiania et son exposition dans les musées de la ville. Il a passé les dernières années de sa vie à travailler dans la paix et l »intimité. Bien que ses œuvres aient été interdites dans l »Allemagne nazie, la plupart d »entre elles ont survécu à la Seconde Guerre mondiale, lui assurant ainsi un héritage.

Enfance

Edvard Munch est né dans une ferme du village d »Ådalsbruk à Løten, en Norvège, de Laura Catherine Bjølstad et de Christian Munch, fils de prêtre. Christian était médecin et officier de santé et a épousé Laura, une femme deux fois plus jeune que lui, en 1861. Edvard avait une sœur aînée, Johanne Sophie, et trois frères et sœurs plus jeunes : Peter Andreas, Laura Catherine et Inger Marie. Laura avait des talents artistiques et a peut-être encouragé Edvard et Sophie. Edvard était apparenté au peintre Jacob Munch et à l »historien Peter Andreas Munch.

La famille déménage à Christiania (rebaptisée Kristiania en 1877, et aujourd »hui Oslo) en 1864 lorsque Christian Munch est nommé médecin militaire à la forteresse d »Akershus. La mère d »Edvard est morte de la tuberculose en 1868, tout comme la sœur préférée de Munch, Johanne Sophie, en 1877. Après la mort de leur mère, les frères et sœurs Munch sont élevés par leur père et par leur tante Karen. Souvent malade pendant une grande partie des hivers et privé d »école, Edvard dessinait pour s »occuper. Ses camarades de classe et sa tante lui donnaient des cours particuliers. Christian Munch a également instruit son fils en histoire et en littérature, et a diverti les enfants avec des histoires de fantômes vivantes et les contes de l »écrivain américain Edgar Allan Poe.

Selon les souvenirs d »Edvard, le comportement positif de Christian envers ses enfants était éclipsé par son piétisme morbide. Munch a écrit : « Mon père était d »un tempérament nerveux et d »une religiosité obsessionnelle, jusqu »à la psychonévrose. J »ai hérité de lui les graines de la folie. Les anges de la peur, du chagrin et de la mort se tenaient à mes côtés depuis le jour de ma naissance. » Christian réprimandait ses enfants en leur disant que leur mère regardait du haut du ciel et s »affligeait de leur mauvaise conduite. Le milieu religieux oppressant, la mauvaise santé d »Edvard et les histoires de fantômes vivantes ont contribué à inspirer ses visions macabres et ses cauchemars ; le garçon avait l »impression que la mort avançait constamment vers lui. L »une des jeunes sœurs de Munch, Laura, a été diagnostiquée comme souffrant de troubles mentaux à un âge précoce. Des cinq frères et sœurs, seul Andreas se marie, mais il meurt quelques mois après le mariage. Munch écrira plus tard : « J »ai hérité de deux des plus terribles ennemis de l »humanité – l »héritage de la consommation et de la folie. »

La solde militaire de Christian Munch était très faible, et ses tentatives pour développer un cabinet privé ont échoué, ce qui a maintenu sa famille dans une pauvreté agréable mais permanente. Ils déménageaient fréquemment d »un appartement bon marché à un autre. Les premiers dessins et aquarelles de Munch représentent ces intérieurs, ainsi que des objets individuels, tels que des flacons de médicaments et des instruments de dessin, et quelques paysages. À l »adolescence, l »art domine les intérêts de Munch. À treize ans, Munch a eu son premier contact avec d »autres artistes à l »Association artistique nouvellement créée, où il a admiré le travail de l »école norvégienne du paysage. Il revient pour copier les peintures, et bientôt il commence à peindre à l »huile.

Études et influences

En 1879, Munch s »inscrit dans un collège technique pour étudier l »ingénierie, où il excelle en physique, chimie et mathématiques. Il apprend le dessin à l »échelle et en perspective, mais de fréquentes maladies interrompent ses études. L »année suivante, à la grande déception de son père, Munch quitte l »université, déterminé à devenir peintre. Son père considérait l »art comme un « métier impie », et ses voisins réagissaient amèrement et lui envoyaient des lettres anonymes. Contrairement au piétisme enragé de son père, Munch adopte une position non dogmatique vis-à-vis de l »art. Il a écrit son objectif dans son journal intime : « Dans mon art, je tente d »expliquer la vie et son sens à moi-même. »

En 1881, Munch s »inscrit à l »École royale d »art et de design de Kristiania, dont l »un des fondateurs est son parent éloigné Jacob Munch. Ses professeurs étaient le sculpteur Julius Middelthun et le peintre naturaliste Christian Krohg. Cette année-là, Munch démontre qu »il a rapidement assimilé sa formation à l »académie en réalisant ses premiers portraits, dont celui de son père et son premier autoportrait. En 1883, Munch participe à sa première exposition publique et partage un studio avec d »autres étudiants. Son portrait en pied de Karl Jensen-Hjell, un bohème notoire de la ville, lui vaut la réaction dédaigneuse d »un critique : « C »est de l »impressionnisme poussé à l »extrême. C »est une parodie d »art ». Les peintures de nus de Munch de cette période ne survivent que sous forme d »esquisses, à l »exception du Nu debout (1887). Elles ont peut-être été confisquées par son père.

Dès son plus jeune âge, Munch a été influencé par des impressionnistes tels qu »Édouard Manet et, plus tard, par des artistes du post-impressionnisme, notamment Vincent van Gogh et Paul Gauguin. Durant ces premières années, il a expérimenté de nombreux styles, dont le naturalisme et l »impressionnisme. Certaines de ses premières œuvres rappellent celles de Manet. Nombre de ces tentatives lui valent des critiques défavorables de la part de la presse et lui valent les reproches constants de son père, qui lui verse néanmoins de petites sommes pour subvenir à ses besoins. Cependant, à un moment donné, le père de Munch, peut-être influencé par l »opinion négative du cousin de Munch, Edvard Diriks (un peintre traditionnel établi), a détruit au moins une peinture (probablement un nu) et a refusé d »avancer plus d »argent pour les fournitures artistiques.

Munch a également reçu l »ire de son père pour sa relation avec Hans Jæger, le nihiliste local qui vivait selon le code « la passion de détruire est aussi une passion créatrice » et qui prônait le suicide comme l »ultime voie vers la liberté. Munch est tombé sous son charme malveillant et anti-establishment. « Mes idées se sont développées sous l »influence des bohémiens ou plutôt de Hans Jæger. Beaucoup de gens ont prétendu à tort que mes idées s »étaient formées sous l »influence de Strindberg et des Allemands… mais c »est faux. Elles étaient déjà formées à l »époque. » À cette époque, contrairement à beaucoup d »autres bohémiens, Munch était encore respectueux des femmes, ainsi que réservé et bien élevé, mais il commençait à céder aux beuveries et aux bagarres de son cercle. Il était perturbé par la révolution sexuelle en cours à l »époque et par les femmes indépendantes qui l »entouraient. Plus tard, il devient cynique en matière de sexualité, ce qui s »exprime non seulement dans son comportement et son art, mais aussi dans ses écrits, par exemple dans un long poème intitulé The City of Free Love. Toujours dépendant de sa famille pour une grande partie de ses repas, les relations de Munch avec son père sont restées tendues en raison des inquiétudes suscitées par sa vie de bohème.

Après de nombreuses expériences, Munch a conclu que l »idiome impressionniste ne permettait pas une expression suffisante. Il le trouvait superficiel et trop proche de l »expérimentation scientifique. Il ressentait le besoin d »aller plus loin et d »explorer des situations débordant de contenu émotionnel et d »énergie expressive. Sous le commandement de Jæger, qui demandait à Munch d » »écrire sa vie », c »est-à-dire d »explorer son propre état émotionnel et psychologique, le jeune artiste a entamé une période de réflexion et d »auto-examen, consignant ses pensées dans son « journal de l »âme ». Cette perspective plus profonde l »a aidé à adopter une nouvelle vision de son art. Il a écrit que son tableau L »enfant malade (1886), basé sur la mort de sa sœur, était sa première « peinture de l »âme », sa première rupture avec l »impressionnisme. Le tableau a reçu un accueil négatif de la part des critiques et de sa famille, et a provoqué un autre « violent accès d »indignation morale » de la part de la communauté.

Seul son ami Christian Krohg l »a défendu :

Il peint, ou plutôt regarde, les choses d »une manière différente de celle des autres artistes. Il ne voit que l »essentiel, et c »est naturellement tout ce qu »il peint. C »est pourquoi les tableaux de Munch sont en général « incomplets », comme les gens sont si heureux de le découvrir par eux-mêmes. Oh, oui, ils sont complets. Son œuvre complète. L »art est complet lorsque l »artiste a vraiment dit tout ce qu »il avait en tête, et c »est précisément l »avantage que Munch a sur les peintres de l »autre génération : il sait vraiment comment nous montrer ce qu »il a ressenti, ce qui l »a saisi, et il subordonne tout le reste à cela.

Munch continue d »employer une variété de techniques de coups de pinceau et de palettes de couleurs tout au long des années 1880 et au début des années 1890, alors qu »il s »efforce de définir son style. Son idiome continue à osciller entre le naturalisme, comme dans le Portrait de Hans Jæger, et l »impressionnisme, comme dans la Rue Lafayette. Son Inger sur la plage (1889), qui a provoqué une autre tempête de confusion et de controverse, laisse entrevoir les formes simplifiées, les contours lourds, les contrastes marqués et le contenu émotionnel de son style mature à venir. Il commence à calculer soigneusement ses compositions pour créer de la tension et de l »émotion. Bien qu »influencé stylistiquement par les post-impressionnistes, il en résulte un sujet symboliste, décrivant un état d »esprit plutôt qu »une réalité extérieure. En 1889, Munch présente sa première exposition personnelle de presque toutes ses œuvres à ce jour. La reconnaissance qu »il reçoit lui permet d »obtenir une bourse d »État de deux ans pour étudier à Paris auprès du peintre français Léon Bonnat.

Munch semble avoir été un des premiers à critiquer la photographie en tant que forme d »art, et a fait remarquer qu »elle « ne rivalisera jamais avec le pinceau et la palette, jusqu »à ce que les photographies puissent être prises au Paradis ou en Enfer ! ».

La sœur cadette de Munch, Laura, a été le sujet de son intérieur Melancholy de 1899 : Laura. Amanda O »Neill déclare à propos de cette œuvre : « Dans cette scène claustrophobique chauffée, Munch ne dépeint pas seulement la tragédie de Laura, mais aussi sa propre crainte de la folie dont il pourrait avoir hérité. »

Paris

Munch arrive à Paris pendant les festivités de l »Exposition universelle (1889) et loge avec deux autres artistes norvégiens. Son tableau Matin (1884) est exposé dans le pavillon norvégien. Il passe ses matinées dans l »atelier très fréquenté de Bonnat (qui compte des modèles féminins) et ses après-midi à l »exposition, dans les galeries et les musées (où les étudiants sont censés faire des copies pour apprendre la technique et l »observation). Munch n »est guère enthousiaste à l »égard des leçons de dessin de Bonnat – « Cela me fatigue et m »ennuie – c »est engourdissant » – mais il apprécie les commentaires du maître lors des visites de musées.

Munch a été fasciné par la vaste exposition d »art moderne européen, y compris les œuvres de trois artistes qui allaient s »avérer influents : Paul Gauguin, Vincent van Gogh et Henri de Toulouse-Lautrec, tous remarquables pour leur façon d »utiliser la couleur pour transmettre des émotions. Munch a été particulièrement inspiré par la « réaction contre le réalisme » de Gauguin et par son credo selon lequel « l »art est une œuvre humaine et non une imitation de la nature », une conviction déjà exprimée par Whistler. Comme l »a dit plus tard un de ses amis berlinois à propos de Munch, « il n »a pas besoin de se rendre à Tahiti pour voir et expérimenter le primitif de la nature humaine. Il porte en lui son propre Tahiti ». Influencé par Gauguin, ainsi que par les gravures de l »artiste allemand Max Klinger, Munch expérimente les estampes comme support pour créer des versions graphiques de ses œuvres. En 1896, il crée ses premières gravures sur bois, un support qui s »avère idéal pour l »imagerie symbolique de Munch. Avec son contemporain Nikolai Astrup, Munch est considéré comme un innovateur de la gravure sur bois en Norvège.

En décembre 1889, son père meurt, laissant la famille de Munch sans ressources. Il rentre chez lui et obtient un prêt important d »un riche collectionneur norvégien lorsque ses proches ne l »aident pas, et assume désormais la responsabilité financière de sa famille. La mort de Christian le déprime et il est assailli de pensées suicidaires : « Je vis avec les morts – ma mère, ma sœur, mon grand-père, mon père… Tue-toi et puis c »est fini. Pourquoi vivre ? » Les peintures de Munch de l »année suivante comprennent des scènes de taverne esquissées et une série de paysages urbains lumineux dans lesquels il expérimente le style pointilliste de Georges Seurat.

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Berlin

En 1892, Munch a formulé son esthétique synthétiste caractéristique et originale, comme on peut le voir dans Mélancolie (1891), dans laquelle la couleur est l »élément chargé de symboles. Considérée par l »artiste et journaliste Christian Krohg comme la première peinture symboliste d »un artiste norvégien, Mélancolie est exposée en 1891 à l »Exposition d »automne d »Oslo. En 1892, Adelsteen Normann, au nom de l »Union des artistes de Berlin, invite Munch à participer à son exposition de novembre, la première exposition personnelle de la société. Cependant, ses peintures suscitent une vive controverse (surnommée « l »affaire Munch »), et l »exposition est fermée au bout d »une semaine. Munch est satisfait de la « grande agitation » et écrit dans une lettre : « Je n »ai jamais passé un moment aussi amusant – il est incroyable qu »une chose aussi innocente que la peinture ait pu créer une telle agitation. »

À Berlin, Munch se lie à un cercle international d »écrivains, d »artistes et de critiques, dont le dramaturge et intellectuel suédois August Strindberg, qu »il peint en 1892. Il rencontre également l »écrivain et peintre danois Holger Drachmann, qu »il peint en 1898. Drachmann était de 17 ans l »aîné de Munch et un compagnon de boisson au Zum schwarzen Ferkel en 1893-94. En 1894, Drachmann a écrit à propos de Munch : « Il se démène beaucoup. Bonne chance dans tes luttes, Norvégien solitaire. »

Au cours de ses quatre années à Berlin, Munch a esquissé la plupart des idées qui allaient constituer son œuvre majeure, La Frise de la vie, d »abord conçue pour l »illustration d »un livre, puis exprimée en peinture. Il vend peu, mais tire quelques revenus des droits d »entrée qu »il perçoit pour admirer ses peintures controversées. Déjà, Munch montrait une certaine réticence à se séparer de ses tableaux, qu »il appelait ses « enfants ».

Ses autres peintures, notamment des scènes de casino, montrent une simplification des formes et des détails qui a marqué son style de début de maturité. Munch commence également à privilégier un espace pictural peu profond et une toile de fond minimale pour ses figures frontales. Les poses étant choisies pour produire les images les plus convaincantes des états d »esprit et des conditions psychologiques, comme dans Cendres, les figures confèrent une qualité monumentale et statique. Les figures de Munch semblent jouer des rôles sur une scène de théâtre (puisque chaque personnage incarne une seule dimension psychologique, comme dans Le Cri), les hommes et les femmes de Munch ont commencé à apparaître plus symboliques que réalistes. Il a écrit : » Il ne faudrait plus peindre des intérieurs, des gens qui lisent et des femmes qui tricotent : il y aurait des gens vivants, qui respirent et qui ressentent, qui souffrent et qui aiment. «

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Le Cri

Le Cri existe en quatre versions : deux pastels (1893 et 1895) et deux peintures (1893 et 1910). Il existe également plusieurs lithographies du Cri (1895 et plus tard).

Le pastel de 1895 a été vendu aux enchères le 2 mai 2012 pour 119 922 500 dollars américains, commission comprise. C »est la plus colorée des versions et elle se distingue par la posture tournée vers le bas de l »un de ses personnages de fond. C »est également la seule version qui n »est pas détenue par un musée norvégien.

La version de 1893 a été volée à la Galerie nationale d »Oslo en 1994 et récupérée. Le tableau de 1910 a été volé en 2004 au Musée Munch d »Oslo, mais a été retrouvé en 2006 avec des dommages limités.

Le Cri est l »œuvre la plus célèbre de Munch, et l »une des peintures les plus reconnaissables de tout l »art. Elle a été largement interprétée comme représentant l »anxiété universelle de l »homme moderne. Peint avec de larges bandes de couleurs criardes, des formes très simplifiées et un point de vue élevé, il réduit la figure agonisante à un crâne habillé en proie à une crise émotionnelle.

Avec ce tableau, Munch a atteint son objectif déclaré, à savoir « l »étude de l »âme, c »est-à-dire l »étude de mon propre moi ». Munch a écrit sur la façon dont le tableau est né : « Je marchais sur la route avec deux amis lorsque le soleil s »est couché ; soudain, le ciel est devenu aussi rouge que le sang. Je me suis arrêté et me suis appuyé contre la clôture, me sentant incroyablement fatigué. Des langues de feu et de sang s »étendaient sur le fjord noir bleuté. Mes amis ont continué à marcher, tandis que je restais derrière, tremblant de peur. Puis j »ai entendu le cri énorme et infini de la nature ». Plus tard, il a décrit l »angoisse personnelle qui se cachait derrière le tableau : « Pendant plusieurs années, j »étais presque fou… Vous connaissez mon tableau, « Le Cri » ? J »étais tendu à l »extrême – la nature hurlait dans mon sang… Après cela, j »ai abandonné tout espoir de pouvoir aimer à nouveau. »

Pour résumer les effets de la peinture, l »auteur Martha Tedeschi a déclaré :

La Mère de Whistler, le Gothique américain de Wood, la Joconde de Léonard de Vinci et Le Cri d »Edvard Munch ont tous réussi quelque chose que la plupart des peintures – indépendamment de leur importance historique, de leur beauté ou de leur valeur monétaire – n »ont pas réussi : ils communiquent un sens spécifique presque immédiatement à chaque spectateur. Ces quelques œuvres ont réussi à passer du domaine élitiste du visiteur de musée à l »immense espace de la culture populaire.

Frise de la vie – Un poème sur la vie, l »amour et la mort

En décembre 1893, l »Unter den Linden à Berlin a été le lieu d »une exposition de l »œuvre de Munch, montrant, entre autres, six tableaux intitulés Étude pour une série : L »amour. C »est le début d »un cycle qu »il appellera plus tard la Frise de la vie – un poème sur la vie, l »amour et la mort. Les motifs de la Frise de la vie, tels que La tempête et le clair de lune, sont imprégnés d »atmosphère. D »autres motifs éclairent le côté nocturne de l »amour, comme Rose et Amélie et Vampire. Dans La mort dans la salle des malades, le sujet est la mort de sa sœur Sophie, qu »il a retravaillée dans de nombreuses variations ultérieures. Le centre dramatique du tableau, qui représente toute sa famille, est dispersé dans les figures de chagrin séparées et déconnectées. En 1894, il élargit le spectre des motifs en ajoutant Anxiété, Cendres, Madone et Femmes en trois étapes (de l »innocence à la vieillesse).

Au début du 20e siècle, Munch travaille à l »achèvement de la « Frise ». Il peint un certain nombre de tableaux, dont plusieurs sont de plus grand format et reprennent dans une certaine mesure l »esthétique Art nouveau de l »époque. Il a fabriqué un cadre en bois avec des reliefs sculptés pour la grande peinture Métabolisme (1898), initialement appelée Adam et Eve. Cette œuvre révèle la préoccupation de Munch pour la « chute de l »homme » et sa philosophie pessimiste de l »amour. Des motifs tels que La Croix vide et Golgotha (tous deux vers 1900) reflètent une orientation métaphysique, ainsi que l »éducation piétiste de Munch. L »ensemble de la frise a été présenté pour la première fois lors de l »exposition sécessionniste de Berlin en 1902.

Les thèmes de la « Frise de la vie » reviennent tout au long de l »œuvre de Munch, mais il s »y est particulièrement attaché au milieu des années 1890. Dans des croquis, des peintures, des pastels et des gravures, il a puisé au plus profond de ses sentiments pour examiner ses principaux motifs : les étapes de la vie, la femme fatale, le désespoir de l »amour, l »anxiété, l »infidélité, la jalousie, l »humiliation sexuelle et la séparation dans la vie et la mort. Ces thèmes sont exprimés dans des tableaux tels que L »enfant malade (1893-94), Cendres (1894) et Le pont. Ce dernier montre des figures molles aux visages sans traits ou cachés, sur lesquels se profilent les formes menaçantes de lourds arbres et de maisons inquiétantes. Munch a dépeint les femmes soit comme de frêles et innocentes victimes (voir Puberté et Amour et douleur), soit comme la cause d »une grande nostalgie, de jalousie et de désespoir (voir Séparation, Jalousie et Cendres).

Munch utilise souvent des ombres et des cercles de couleur autour de ses personnages pour souligner une aura de peur, de menace, d »anxiété ou d »intensité sexuelle. Ces peintures ont été interprétées comme des reflets des angoisses sexuelles de l »artiste, bien que l »on puisse également affirmer qu »elles représentent sa relation turbulente avec l »amour lui-même et son pessimisme général concernant l »existence humaine. Nombre de ces esquisses et peintures ont été réalisées en plusieurs versions, comme Madone, Mains et Puberté, et également transcrites sous forme de gravures sur bois et de lithographies. Munch détestait se séparer de ses tableaux car il considérait son œuvre comme un seul corps d »expression. Ainsi, pour tirer profit de sa production et gagner un peu d »argent, il s »est tourné vers les arts graphiques pour reproduire nombre de ses peintures, y compris celles de cette série. Munch admettait les objectifs personnels de son travail, mais il offrait également son art à un but plus large : « Mon art est vraiment une confession volontaire et une tentative d »expliquer à moi-même ma relation avec la vie – il s »agit donc en fait d »une sorte d »égoïsme, mais j »espère constamment qu »à travers cela, je peux aider les autres à atteindre la clarté. »

Bien qu »il ait suscité des réactions fortement négatives, dans les années 1890, Munch a commencé à recevoir une certaine compréhension de ses objectifs artistiques, comme l »a écrit un critique : « Avec un mépris impitoyable pour la forme, la clarté, l »élégance, la plénitude et le réalisme, il peint avec une force intuitive de talent les visions les plus subtiles de l »âme. » L »un de ses grands partisans à Berlin était Walther Rathenau, plus tard ministre allemand des affaires étrangères, qui a fortement contribué à son succès.

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Paris, Berlin et Kristiania

En 1896, Munch s »installe à Paris, où il se concentre sur les représentations graphiques des thèmes de sa Frise de la vie. Il perfectionne sa technique de gravure sur bois et de lithographie. L »Autoportrait au bras squelettique (1895) de Munch est réalisé avec une méthode de gravure à l »aiguille et à l »encre également utilisée par Paul Klee. Munch produit également des versions multicolores de L »Enfant malade, concernant la tuberculose, qui se vendent bien, ainsi que plusieurs nus et plusieurs versions de Baiser (1892). En mai 1896, Siegfried Bing organise une exposition des œuvres de Munch dans sa Maison de l »Art Nouveau. L »exposition présente soixante œuvres, dont Le Baiser, Le Cri, La Madone, L »Enfant malade, La Chambre de la mort et Le Jour d »après. L »exposition de Bing a contribué à faire connaître Munch au public français. Pourtant, de nombreux critiques parisiens considèrent toujours l »œuvre de Munch comme « violente et brutale », même si ses expositions reçoivent une attention sérieuse et une bonne fréquentation. Sa situation financière s »améliore considérablement et en 1897, Munch s »achète une maison d »été face aux fjords de Kristiania, une petite cabane de pêcheur construite à la fin du XVIIIe siècle, dans la petite ville d »Åsgårdstrand en Norvège. Il a surnommé cette maison la « Happy House » et y est retourné presque chaque été pendant les 20 années suivantes. C »est cet endroit qui lui manquait lorsqu »il était à l »étranger et qu »il se sentait déprimé et épuisé. « Se promener à Åsgårdstrand, c »est comme se promener parmi mes peintures – je suis tellement inspiré pour peindre quand je suis ici ».

En 1897, Munch est retourné à Kristiania, où il a également été accepté à contrecœur – un critique a écrit : « Un bon nombre de ces tableaux ont déjà été exposés. À mon avis, ils s »améliorent avec le temps. » En 1899, Munch entame une relation intime avec Tulla Larsen, une femme de la classe supérieure « libérée ». Ils voyagent ensemble en Italie et, à leur retour, Munch entame une autre période fertile de son art, qui comprend des paysages et son dernier tableau de la série « La Frise de la vie », La Danse de la vie (1899). Larsen était impatient de se marier, et Munch s »est défilé. Son alcoolisme et sa mauvaise santé renforcent ses craintes, comme il l »écrit à la troisième personne : « Depuis qu »il était enfant, il détestait le mariage. Son foyer malade et nerveux lui avait donné le sentiment qu »il n »avait pas le droit de se marier. » Munch faillit céder à Tulla, mais la fuit en 1900, se détournant également de sa fortune considérable, et s »installe à Berlin. Ses Filles sur la jetée, créées en dix-huit versions différentes, démontrent le thème de la jeunesse féminine sans connotations négatives. En 1902, il expose ses œuvres par thèmes dans la salle de la Sécession berlinoise, produisant « un effet symphonique – il a fait grand bruit – beaucoup d »antagonisme et beaucoup d »approbation ». Les critiques berlinois commençaient à apprécier le travail de Munch, même si le public trouvait encore son œuvre étrangère et étrange.

La bonne couverture médiatique attire l »attention de Munch sur des mécènes influents, Albert Kollman et Max Linde. Il décrit la tournure des événements dans son journal : « Après vingt ans de lutte et de misère, les forces du bien viennent enfin à mon secours en Allemagne – et une porte lumineuse s »ouvre à moi. » Cependant, malgré ce changement positif, le comportement autodestructeur et erratique de Munch l »entraîne d »abord dans une violente querelle avec un autre artiste, puis dans un tir accidentel en présence de Tulla Larsen, revenue pour une brève réconciliation, qui le blesse à deux doigts. Munch sciera plus tard en deux un autoportrait le représentant avec Larsen, à la suite de ce tir et des événements qui suivirent. Elle finit par le quitter et épousa un collègue plus jeune de Munch. Munch prend cela comme une trahison, et il s »attarde sur cette humiliation pendant un certain temps, canalisant une partie de son amertume dans de nouvelles peintures. Ses tableaux Nature morte (la meurtrière) et La mort de Marat I, réalisés en 1906-2007, font clairement référence à l »incident de la fusillade et à ses conséquences émotionnelles.

En 1903-04, Munch a exposé à Paris où les futurs Fauves, célèbres pour leurs fausses couleurs audacieuses, ont probablement vu ses œuvres et ont pu s »en inspirer. Lorsque les Fauves ont organisé leur propre exposition en 1906, Munch a été invité et a exposé ses œuvres avec les leurs. Après avoir étudié la sculpture de Rodin, Munch a peut-être expérimenté la plasticine comme aide à la conception, mais il a produit peu de sculptures. Pendant cette période, Munch reçoit de nombreuses commandes de portraits et de gravures qui améliorent sa situation financière habituellement précaire. En 1906, il peint l »écran pour une pièce d »Ibsen dans le petit théâtre Kammerspiele situé dans le Deutsches Theater de Berlin, dans lequel la Frise de la Vie est accrochée. Le directeur du théâtre, Max Reinhardt, la vendra plus tard ; elle se trouve aujourd »hui à la Nationalgalerie de Berlin. Après une première période de paysages, il se tourne à nouveau vers les figures et les situations humaines en 1907.

Panne et récupération

À l »automne 1908, l »anxiété de Munch, aggravée par une consommation excessive d »alcool et des bagarres, était devenue aiguë. Comme il l »a écrit plus tard, « mon état frôlait la folie – c »était une question de temps ». Sujet à des hallucinations et à des sentiments de persécution, il entre dans la clinique de Daniel Jacobson. La thérapie que Munch a reçue pendant les huit mois suivants comprenait un régime alimentaire et une « électrification » (un traitement alors à la mode pour les troubles nerveux, à ne pas confondre avec la thérapie électroconvulsive). Le séjour de Munch à l »hôpital a stabilisé sa personnalité, et après son retour en Norvège en 1909, son travail est devenu plus coloré et moins pessimiste. Le grand public de Kristiania s »est finalement mis à apprécier son travail et les musées ont commencé à acheter ses tableaux. Il est fait chevalier de l »Ordre royal de Saint-Olav « pour services rendus à l »art ». Sa première exposition américaine a lieu en 1912 à New York.

Dans le cadre de son rétablissement, le Dr Jacobson a conseillé à Munch de ne fréquenter que de bons amis et d »éviter de boire en public. Munch a suivi ce conseil et a ainsi réalisé plusieurs portraits en pied de grande qualité d »amis et de mécènes – des portraits honnêtes dépourvus de flatterie. Il a également créé des paysages et des scènes de personnes au travail et au jeu, en utilisant un nouveau style optimiste – des coups de pinceau larges et lâches de couleurs vives avec une utilisation fréquente de l »espace blanc et une utilisation rare du noir – avec seulement des références occasionnelles à ses thèmes morbides. Grâce à des revenus plus importants, Munch a pu acheter plusieurs propriétés lui offrant de nouvelles perspectives pour son art et il a enfin pu subvenir aux besoins de sa famille.

Au début de la Première Guerre mondiale, Munch a des loyautés partagées, comme il l »a déclaré : « Tous mes amis sont allemands, mais c »est la France que j »aime. » Dans les années 1930, ses mécènes allemands, dont beaucoup sont juifs, perdent leurs fortunes et certains leurs vies lors de la montée du mouvement nazi. Munch a trouvé des imprimeurs norvégiens pour remplacer les Allemands qui avaient imprimé ses œuvres graphiques. Compte tenu de son mauvais état de santé, en 1918, Munch s »estime chanceux d »avoir survécu à un épisode de grippe espagnole, la pandémie mondiale de cette année-là.

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Les années suivantes

Munch a passé la majeure partie de ses deux dernières décennies dans la solitude, dans sa propriété quasi autarcique d »Ekely, à Skøyen, Oslo. Nombre de ses dernières peintures célèbrent la vie à la ferme, dont plusieurs où il utilise son cheval de trait « Rousseau » comme modèle. Sans aucun effort, Munch attirait un flux constant de modèles féminins, qu »il peignait comme sujets de nombreux tableaux de nus. Il a probablement eu des relations sexuelles avec certaines d »entre elles. Munch quittait occasionnellement son domicile pour peindre des peintures murales sur commande, notamment celles réalisées pour la chocolaterie Freia.

Jusqu »à la fin de sa vie, Munch a continué à peindre des autoportraits sans complaisance, ajoutant à son cycle d »auto-analyse de sa vie et à sa série de prises de vue sans complaisance de ses états émotionnels et physiques. Dans les années 1930 et 1940, les nazis qualifièrent le travail de Munch d » »art dégénéré » (au même titre que celui de Picasso, Klee, Matisse, Gauguin et de nombreux autres artistes modernes) et retirèrent ses 82 œuvres des musées allemands. Adolf Hitler a annoncé en 1937 : « Pour ce qui nous importe, ces barbares de la culture préhistorique de l »âge de pierre et ces bégueules de l »art peuvent retourner dans les grottes de leurs ancêtres et y appliquer leur grattage international primitif. »

En 1940, les Allemands ont envahi la Norvège et le parti nazi a pris le contrôle du gouvernement. Munch a 76 ans. Avec la quasi-totalité de sa collection d »art au deuxième étage de sa maison, Munch vivait dans la crainte d »une confiscation par les nazis. Soixante et onze des peintures précédemment prises par les nazis avaient été restituées à la Norvège grâce à l »achat de collectionneurs (les onze autres n »ont jamais été retrouvées), y compris Le Cri et L »Enfant malade, et elles étaient également cachées des nazis.

Munch meurt dans sa maison d »Ekely, près d »Oslo, le 23 janvier 1944, environ un mois après son 80e anniversaire. Ses funérailles orchestrées par les nazis ont suggéré aux Norvégiens qu »il était un sympathisant nazi, une sorte d »appropriation de l »artiste indépendant. La ville d »Oslo a acheté le domaine d »Ekely aux héritiers de Munch en 1946 ; sa maison a été démolie en mai 1960.

À la mort de Munch, ses œuvres restantes ont été léguées à la ville d »Oslo, qui a construit le musée Munch à Tøyen (il a ouvert en 1963). Le musée possède une collection d »environ 1 100 peintures, 4 500 dessins et 18 000 gravures, soit la plus vaste collection d »œuvres de Munch au monde. Le musée Munch est le représentant officiel des droits de Munch ; il a réagi activement aux violations des droits d »auteur, ainsi qu »à l »obtention de droits d »auteur pour l »œuvre, comme l »apparition du Cri de Munch dans une campagne publicitaire de M&M »s en 2006. Le représentant américain des droits d »auteur pour le Musée Munch et la succession d »Edvard Munch est l »Artists Rights Society.

L »art de Munch était très personnalisé et il a peu enseigné. Son symbolisme « privé » était bien plus personnel que celui d »autres peintres symbolistes tels que Gustave Moreau et James Ensor. Munch n »en a pas moins exercé une grande influence, notamment sur les expressionnistes allemands, qui ont suivi sa philosophie : « Je ne crois pas en l »art qui n »est pas le résultat compulsif de l »envie de l »homme d »ouvrir son cœur. » Nombre de ses tableaux, dont Le Cri, ont un attrait universel en plus de leur signification très personnelle.

Les œuvres de Munch sont désormais représentées dans de nombreux musées et galeries importants en Norvège et à l »étranger. Sa cabane, « la maison heureuse », a été donnée à la municipalité d »Åsgårdstrand en 1944 ; elle sert de petit musée Munch. L »inventaire a été maintenu exactement comme il l »a laissé.

Une version du Cri a été volée à la National Gallery en 1994. En 2004, une autre version du Cri, ainsi qu »une autre de Madonna, ont été volées au Musée Munch lors d »un audacieux cambriolage en plein jour. Tous ces tableaux ont finalement été retrouvés, mais ceux qui ont été volés en 2004 ont été gravement endommagés. Ils ont été méticuleusement restaurés et sont à nouveau exposés. Trois œuvres de Munch ont été volées à l »hôtel Refsnes Gods en 2005 ; elles ont été retrouvées peu après, bien que l »une d »entre elles ait été endommagée pendant le vol.

En octobre 2006, la gravure sur bois en couleur Deux personnes. The lonely (To mennesker. De ensomme) a établi un nouveau record pour ses gravures lorsqu »elle a été vendue aux enchères à Oslo pour 8,1 millions de couronnes (1,27 million de dollars américains, soit 1 600 000 dollars en 2020). Elle a également établi un record pour le prix le plus élevé payé aux enchères en Norvège. Le 3 novembre 2008, le tableau Vampire a établi un nouveau record pour ses peintures lorsqu »il a été vendu pour 38 162 000 dollars américains (équivalent à 45 900 000 dollars en 2020) chez Sotheby »s New York.

L »image de Munch figure sur le billet de 1 000 couronnes norvégien, ainsi que des images inspirées de ses œuvres.

En février 2012, une grande exposition sur Munch, Edvard Munch. The Modern Eye, a été inaugurée à la Schirn Kunsthalle de Francfort ; l »exposition a été inaugurée par Mette-Marit, princesse héritière de Norvège.

En mai 2012, The Scream s »est vendu 119,9 millions de dollars américains (équivalent à 135 200 000 dollars en 2020), et est la deuxième œuvre d »art la plus chère jamais vendue lors d »une vente aux enchères ouverte. (Elle a été dépassée en novembre 2013 par Three Studies of Lucian Freud, vendue pour 142,4 millions de dollars américains).

En 2013, quatre des tableaux de Munch ont été représentés dans une série de timbres par la poste norvégienne, pour commémorer en 2014 le 150e anniversaire de sa naissance.

Le 14 novembre 2016, une version des Filles sur le pont de Munch s »est vendue 54,5 millions de dollars américains (équivalent à 58 800 000 dollars en 2020) chez Sotheby »s, à New York, ce qui en fait le deuxième prix le plus élevé atteint pour l »une de ses peintures.

En avril 2019, le British Museum a accueilli l »exposition Edvard Munch : Love and Angst, comprenant 83 œuvres d »art et notamment une impression originale rare de The Scream.

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Aula de l »université

En 1911, le concours final pour la décoration des grands murs de l »Aula (salle d »assemblée) de l »université d »Oslo oppose Munch à Emanuel Vigeland. Cet épisode est connu sous le nom de « controverse de l »Aula ». En 1914, Munch est finalement chargé de décorer l »Aula et l »œuvre est achevée en 1916. Cette œuvre majeure de la peinture monumentale norvégienne comprend 11 tableaux couvrant 223 m2. Le Soleil, l »Histoire et l »Alma Mater sont les œuvres clés de cette séquence. Munch a déclaré : « Je voulais que les décorations forment un monde d »idées complet et indépendant, et je voulais que leur expression visuelle soit à la fois distinctement norvégienne et universellement humaine ». En 2014, il a été suggéré que les peintures de l »Aula ont une valeur d »au moins 500 millions de couronnes.

Sources générales

Sources