Egon Schiele
gigatos | janvier 26, 2022
Résumé
Egon Leo Adolf Schiele, plus connu sous le nom d »Egon Schiele (Tulln an der Donau, Autriche, 12 juin 1890-Vienne, Autriche, 31 octobre 1918), était un peintre et graveur autrichien, contemporain et disciple de Gustav Klimt. Avec Oskar Kokoschka, il est le plus grand représentant de l »expressionnisme autrichien. Au cours de sa courte mais riche vie, il a produit 340 peintures et environ 2 800 dessins.
Sa vie a été entourée d »une aura de mysticisme et de talent précoce. Son travail créatif comprend des poèmes et des expériences photographiques. Son style particulier le place parmi les mouvements expressionnistes, notamment de la Sécession viennoise, avec une typologie très personnelle.
L »une des caractéristiques les plus fortes de la peinture de Schiele est la dextérité et la fermeté de son trait, qui, une fois commencé, se poursuit sans interruption jusqu »à la fin, sans aucune correction ultérieure. Il semble que l »artiste ait poursuivi son dessin sans se soucier du mouvement ou du déplacement du modèle, car la ligne a suivi son cours, portant toute sa dimension émotionnelle.
Les principales œuvres d »Egon Schiele sont conservées à Vienne, réparties entre l »Österreichische Galerie Belvedere et le Leopold Museum, ouvert en 2001 et qui abrite le plus grand nombre d »œuvres. La majeure partie de son importante collection de dessins est également conservée à l »Albertina, également à Vienne.
Son père Adolf Eugen Schiele (1850-1905) était un chef de gare du nord de l »Allemagne, et sa mère Marie (1862-1935), née Soukoupova, était originaire de Krumau (aujourd »hui Český Krumlov) en Bohème. Elle avait trois sœurs, Elivira (1883-1893), Melanie (1886-1974) et Gertrude (1894-1981), qui ont posé pour Egon dès leur plus jeune âge. En 1905, son père meurt et le jeune Schiele est envoyé chez un oncle, Leopold Czihaczek, qui, après avoir essayé en vain de le faire travailler dans les chemins de fer, accepte son talent artistique, probablement grâce aux demandes de soutien de la mère de Schiele pour que le tuteur assure son entretien pendant ses études à Vienne. C »est déjà à cette époque qu »il commence à peindre, notamment des autoportraits.
Dans ses premiers travaux d »enfant, l »influence de sa famille de cheminots est évidente dans ses dessins de trains et, plus tard, dans certains de ses paysages, où les formes semblent émerger d »une succession d »images observées à travers les fenêtres d »un train. On sait que pendant son séjour à Vienne, il prenait souvent le train pour Bregenz et faisait le retour avec le train suivant, sans s »arrêter pour visiter la ville. Invité chez le critique d »art Arthur Roessler, il eut un jour l »occasion de voir une scène qu »il décrivit :
Schiele était assis au milieu de la pièce sur le sol nu, faisant tourner un drôle de petit train à ressort autour de lui….. Aussi étonnante que soit la scène du jeune homme sérieusement occupé par le jouet, bien plus déconcertante encore était la fantastique virtuosité avec laquelle le joueur reproduisait les nombreux sons du sifflet à vapeur, le bip des signaux, le cliquetis des roues, le claquement des rails, le grincement des essieux et le cri strident de l »acier lorsqu »il freine….. C »était étonnant ce que Schiele exécutait. Avec ça, il aurait pu se produire sur n »importe quelle scène de variétés.
En 1906, il entre à l »Académie des Beaux-Arts de Vienne, où il étudie le dessin et le design. En 1909, frustré par l »atmosphère conservatrice et fermée, où la discipline enseignée l »oblige à suivre des voies académiques avec l »étude de modèles vivants, de compositions et de costumes « démodés », il quitte l »Académie et fonde le Neukunstgruppe (groupe d »art nouveau) avec quelques camarades de classe.
En 1907, il rencontre le peintre Gustav Klimt, qu »il a toujours admiré et qui a été un professeur très influent pour Schiele. C »est par l »intermédiaire de Klimt que Schiele a rejoint la nouvelle tendance d »une communauté artistique appelée la Sécession viennoise, qui disposait de son propre bâtiment d »exposition conçu par Joseph Maria Olbrich et dont la devise était « À chaque époque son art et à l »art sa liberté ». Klimt était le peintre le plus éminent du groupe et le premier président de la Sécession.
Klimt le tenait également en haute estime, le présentant à quelques riches mécènes qui lui assuraient une certaine stabilité financière en tant que nouveau venu sur la scène artistique viennoise. En 1908, Schiele organise sa première exposition personnelle à la Wiener Werkstätte, fondée en 1903 par l »architecte Josef Hoffman et Koloman Moser. Il y présentait des œuvres dont le fondement théorique reposait sur l »idée de « l »œuvre d »art totale », l »art ne se limitant pas aux domaines traditionnels, mais aussi aux aspects formels et spirituels qui touchent à la vie quotidienne. Il abandonne le style rigide de l »Académie et se tourne vers l »expressionnisme : à côté de portraits d »amis et d »autoportraits, il représente le nu à travers une distorsion figurative agressive. Si Klimt présentait la figure et l »ornement comme une relation de contraste dans laquelle se manifestait une sorte de jeu entre dissimulation et révélation et où le corps devenait un signe ornemental, chez Schiele, ce jeu devient plus sérieux, la ligne est celle qui montre le sens, elle ne couvre ni ne cache, mais libère, c »est cette ligne même qui a des valeurs ornementales.
La même année, en 1909, Schiele expose à la deuxième exposition internationale dans 54 salles du Kunstschau, qui est le plus grand événement artistique jamais vu en Autriche. Les œuvres exposées allaient de la peinture à la sculpture en passant par les objets du quotidien, les ornements floraux, les décors et les costumes. Dans son discours d »ouverture, Klimt a déclaré : « Aucun secteur de la vie n »est si maigre et insignifiant qu »il n »offre pas d »espace aux aspirations artistiques ». L »exposition a réuni des artistes de l »avant-garde européenne tels que Ernst Barlach, Paul Gauguin, Max Klinger, Pierre Bonnard, Max Lieberman, Henri Matisse, Edvard Munch et Vincent Van Gogh. Il y avait également le sculpteur belge Georges Minne qui, avec le peintre Ferdinand Hodler, a eu la plus grande influence sur l »art expressionniste de Schiele, et qui a exposé quatre portraits dans une salle où Oskar Kokoschka avait également des œuvres. Une critique parue dans le magazine Neue Freie Presse écrivait : « Il faut entrer avec prudence dans une pièce annexe avec des peintures prétendument décoratives de Kokoschka. Les personnes qui ont du goût sont susceptibles de faire une dépression nerveuse ».
Après une exposition organisée à la galerie Pisko de Vienne avec ses collègues du Neukunstgruppe, qui n »a pas eu le succès escompté malgré la visite de l »archiduc François-Ferdinand d »Autriche, il quitte cette fondation pour se consacrer « à lui-même ». Dans une lettre adressée au conseiller judiciaire Josef Czermak en 1910, dans laquelle il l »informe d »une prochaine exposition personnelle à la galerie Miethke, il conclut sa lettre par la phrase suivante : « Jusqu »en mars, je suis passé par Klimt. Aujourd »hui, je pense que je suis une personne complètement différente… ».
Vers 1910, il rencontre le décorateur Erwin Osen, avec qui il loue d »abord un studio dans le village de sa mère, Krumau, où il peint des autoportraits nus et des portraits de son ami Osen sur le même thème. Il a annoncé son intention de fuir Vienne à son beau-frère Anton Peschka dans une lettre :
Je veux quitter Vienne très bientôt. Comme la vie est épouvantable ici. Tous les gens m »envient et conspirent contre moi ; les anciens collègues me méprisent. À Vienne, les ombres règnent, la ville est noire et tout est prescription… Je dois voir quelque chose de nouveau et je veux l »étudier, je veux goûter les eaux sombres et les arbres qui craquent, voir les vents sauvages ; je veux regarder avec étonnement les portes moisies, comment elles vivent toutes, entendre les jeunes forêts de bouleaux et les feuilles qui frissonnent, je veux voir la lumière et le soleil et profiter des vallées humides bleu-vert le soir. Je veux sentir les poissons rouges briller, je veux voir les nuages blancs se former, je veux parler aux fleurs. Je veux voir les prairies et les gens roses avec amour, je veux connaître les vieilles et dignes églises et les petites cathédrales, je veux courir sans fin sur les collines arrondies et les larges plaines, je veux embrasser la terre et sentir les fleurs douces et chaudes de la mousse ; alors je créerai avec tant de beauté : des champs de couleurs…
En 1911, il rencontre à Vienne Valerie (Wally) Neuzil, âgée de 17 ans, avec qui il entretient une relation amoureuse et qui sera le modèle de certaines de ses meilleures œuvres. Schiele et Wally décident de partir pour essayer de trouver l »inspiration à la campagne et s »installent à Krumau. Son mode de vie choque les habitants du petit village, la libre cohabitation avec son modèle et le fait qu »il dessine des filles trop jeunes, si bien qu »ils quittent bientôt Krumau pour Neulengbach, à l »ouest de Vienne. Le plus grand scandale survient en 1912, lorsqu »il est accusé de corruption de mineurs en raison de l »âge de sa jeune maîtresse, ainsi que de son habitude de modeler les enfants qui venaient chez lui et qu »il représentait souvent nus ou dans des positions qui semblaient obscènes. Cela a conduit à ce que son travail soit considéré comme pornographique. Cela lui a valu une arrestation préventive de trois semaines en prison, puis une condamnation à trois jours de prison, ainsi que le brûlage d »un de ses dessins, qu »il avait dans son atelier, représentant une fille habillée à partir du milieu du corps.
Cette histoire a été publiée quatre ans après sa mort par Arthur Roessler (1922) comme un récit authentique du peintre. Il a été démontré qu »une partie du récit était de la propre invention de Roessler, puisque parmi le texte, il a incorporé treize feuilles de papier écrites par Schiele en prison (ainsi qu »autant d »aquarelles et de dessins) dans lesquelles il se décrit comme une victime, les cheveux rasés et la torture se reflétant sur son visage ; plusieurs de ces dessins contiennent des écritures qui montrent sa « vérité » : L »art ne peut pas être moderne, l »art est éternel ; Cet orange était la seule lumière ; Je me sens purifié et non puni ; Réprimer un artiste est un crime, cela signifie assassiner la vie en gestation ; Je persisterai avec plaisir pour l »art et pour mes proches ou La porte vers l »extérieur entre autres.
Schiele retourne à Vienne et installe son nouvel atelier. Grâce à son ami Klimt, il obtient de nombreuses commandes et revient au sommet de la scène artistique autrichienne. Il a participé à de nombreuses expositions internationales, à Budapest, à la galerie Hans Goltz à Munich et à l »exposition « Sonderbund » à Cologne. Sa production artistique devient très nombreuse à cette époque. Il rencontre de grands collectionneurs, dont l »industriel August Lederer, qui lui demande de réaliser un portrait de son fils Erich, pour lequel il l »invite à passer le Noël 1912 dans sa maison de Györ. De là, il envoyait des lettres décrivant le luxe de la vie de son hôte, le magnifique carrosse toujours prêt à l »emploi et tous les domestiques habillés en « gris avec des boutons d »argent ». En 1913, il rejoint la Ligue des artistes autrichiens et participe à de nombreuses expositions, comme l »exposition internationale « Noir et blanc » à la Sécession de Vienne, à Hambourg, Stuttgart et Berlin. C »est à Berlin qu »il est remarqué par le fondateur et rédacteur en chef du magazine Die Aktion et commence à contribuer à des articles. En 1916, un numéro spécial du magazine est entièrement consacré à l »œuvre d »Egon Schiele.
Il rencontre Edith et Adèle Harms, deux sœurs bourgeoises, les invite à des promenades et, pour prouver ses bonnes intentions, compte tenu de l »austérité de leur mère, se fait accompagner par son amant Wally, sans qu »elle se doute de l »idée qui traverse l »esprit du peintre. Cette idée est exposée dans une lettre à Roessler datée de février 1915 : « J »ai l »intention de me marier plus avantageusement, mais pas à Wall. Après avoir courtisé les deux sœurs, il épouse Edith le 17 juin 1915. Leur mariage a lieu pendant la Première Guerre mondiale, et Egon Schiele, qui appartient à ce qui est considéré comme l »élite intellectuelle, n »est pas envoyé au front, mais à Prague pour des tâches administratives. Environ un an plus tard, il est transféré à Vienne avec le privilège d »utiliser son studio. Selon Roessler, Schiele a proposé à Wally, dans une lettre, de « faire un voyage d »agrément avec elle chaque été ». Wally a refusé et a rejoint la Croix-Rouge au début de la Première Guerre mondiale. Elle meurt en 1917, sans avoir rencontré Schiele.
L »année de son mariage, en 1915, Schiele peint La jeune fille et la mort, dans lequel il représente une étreinte désespérée entre un couple sur un tissu froissé blanchâtre représentant un lit mortuaire, les personnages semblant flotter à la surface. Le peintre lui-même est reconnaissable dans la figure masculine et Wally dans la figure féminine ; le geste de la femme embrassant l »homme avec ses mains et ses doigts presque écartés, tandis qu »il semble la repousser avec sa main droite, montre la tension d »un éloignement proche et en même temps insurmontable. C »est l »adieu de Schiele à la perte de Wally, causée par son mariage.
En 1918, il participe avec succès à la quarante-neuvième exposition de la Sécession viennoise, pour laquelle il conçoit l »affiche de l »exposition et où il vend la plupart des cinquante tableaux exposés. La même année, il participe à d »autres expositions à Zurich, Prague et Dresde. À l »automne 1918, la pandémie de grippe (qui a fait plus de 20 millions de morts en Europe) a ravagé Vienne. Edith, enceinte de six mois, est morte le 28 octobre. Trois jours plus tard, le 31 octobre 1918, Egon Schiele meurt de la même maladie à l »âge de 28 ans. Pendant la brève période qui sépare leurs décès, Schiele réalise des esquisses d »Edith, qui sont considérées comme ses dernières œuvres. Quelques mois plus tôt, en février de la même année, la pandémie avait également coûté la vie à son ami et professeur Gustav Klimt.
Son sujet suppose une tension émotionnelle très élevée dans la sensualité, qui devient une obsession érotique, ainsi que le thème de la solitude angoissante. Schiele a utilisé un trait vif et incisif pour exprimer sa propre réalité et montrer avec impétuosité la destruction physique et morale dramatique de l »être humain. La couleur prend une valeur autonome, non naturaliste, et est particulièrement efficace dans ses nombreuses aquarelles et dans ses dessins hallucinatoires.
Comme chez d »autres peintres autrichiens de l »époque, tels qu »Alfred Kubin et Oskar Kokoschka, l »espace devient une sorte de vide qui représente la dimension existentielle tragique de l »homme, en conflit permanent entre la vie et la mort et, surtout, l »incertitude. Son intérêt pour le corps est un fait artistique, qui vise à révéler le côté fort et sensuel de l »un des artistes les plus importants de l »expressionnisme. À ses débuts, Schiele est fortement influencé par Gustav Klimt, mais vers 1910, sa peinture devient un voyage d »introspection psychologique.
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Autoportraits
Schiele a réalisé une centaine d »autoportraits, ce qui montre que, parmi les peintres de son époque, il est l »un de ceux qui ont le plus observé son « propre moi » et s »est toujours représenté de manière figurative, bien que les premiers, exécutés entre 1905 et 1907, soient plus naturalistes. Cette quête de la démonstration de soi est probablement due au désir de compenser la perte de son père par l »exhibition et l »exaltation de son propre ego – car son père avait toujours loué ses dessins – et, encore à l »âge de la puberté, il tente d »assumer le rôle d » »homme de la maison » en intensifiant sa propre fierté. À partir de 1910, il déforme de plus en plus sa figure par des poses extravagantes et des gestes pathétiques, dépersonnalisant ou vieillissant consciemment. Friedrich Stern écrit en novembre 1912 : » Ici aussi, il présente un autoportrait difficilement reconnaissable car la décomposition est trop avancée ; il a senti qu »il devait représenter son jeune visage choqué par cette décomposition. C »est vraiment triste… ».
Les caractéristiques les plus frappantes de la figure étaient son extrême maigreur, les contorsions du corps, les cheveux courts et indisciplinés et un mimétisme presque lugubre. Le peintre a sûrement lu Friedrich Nietzsche ; outre une influence directe, nombre de ses tableaux sont proches des idées de Nietzsche, comme celle formulée dans un chapitre de Ainsi parlait Zarathoustra : « Frère, derrière tes pensées et tes sentiments se tient un puissant souverain, un sage inconnu qui se nomme Soi. Il vit dans votre corps et est votre corps ».
Mais la plupart du temps, il ne semblait pas si fier de son image, mais montrait plutôt le caractère pathétique de son état de délabrement. Épuisée de sa fonction d »idéal classique (le nu académique) et de type social (le genre du portrait), la figure a resurgi presque d »un trouble psychosexuel. La représentation du nu devient plus courante, et la plupart de ses autoportraits n »ont pas de fond, seulement des surfaces monochromes lisses qui, avec les lignes de contour irrégulières et anguleuses du corps, lui permettent d »obtenir une figure plus expressive, tout en enlevant l »aspect naturel de l »image, qu »il obtient encore plus avec de larges coups de pinceau d »un chromatisme saisissant. Cela distingue ses autoportraits de ceux de Richard Gerstl, son prédécesseur, qui a également peint des autoportraits nus à plusieurs reprises.
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Figures humaines
L »attention artistique d »Egon Schiele s »est principalement portée sur la figure humaine, en particulier la figure féminine, qu »il a représentée dans une gamme d »expressions large et variée :
Utilisant des couleurs rouge, brun foncé, jaune pâle et des noirs sombres, il a essayé de peindre le pathos directement à partir de paysages mélancoliques avec des arbres fanés, ainsi que des images désespérées de mères et d »enfants en deuil. Ce sont des signes qui révèlent l »inconscient, en assumant une profondeur émotionnelle beaucoup plus prononcée, caractérisée par une ligne nerveuse, presque névrotique. Ils prennent forme sur la toile dans une dissonance harmonique qui nie l »esthétique et brise le moule traditionnel. L »ego de l »artiste émerge, contorsionne la matière et laisse les yeux sauvages et les mains tordues. C »est dans les mains que les lignes semblent dénoncer la douleur, la souffrance, la tristesse d »une âme à la dérive. Schiele a décrit les méandres de son esprit, les sombres tourments et le traumatisme douloureux de la perte prématurée de son père en 1905. Un événement qui a marqué de manière indélébile sa relation avec les femmes et l »érotisme.
Ses toiles représentent des corps féminins terriblement provocants, souvent dans des poses absurdes, pour brouiller la spatialité. Heinrich Benesch a décrit sa façon de travailler :
La beauté que Schiele nous donne dans la forme et la couleur n »a jamais existé avant lui. Son dessin était unique. La sûreté de sa main était presque infaillible. Lorsqu »il dessinait, il avait l »habitude de s »asseoir sur un tabouret bas, la planche à dessin avec les feuilles sur ses genoux, en posant sa main droite sur le socle. Mais je l »ai aussi vu dessiner d »une autre manière, debout devant le modèle, le pied droit sur le tabouret. Il tenait la planche à dessin sur son genou droit et la tenait avec sa main gauche sur le bord supérieur. Puis il tenait son crayon perpendiculairement à la feuille et traçait ses lignes, pour ainsi dire, en partant de l »articulation de l »humérus.
L »artiste a présenté une tension érotique existentielle et psychologique pour diffuser un message de critique sociale contre la fausseté de la bourgeoisie. Plutôt qu »une libération du moi, son art montre un conflit intérieur du sujet individuel qui le confronte aux autorités, aux institutions académiques et gouvernementales. Dans certaines de ses lettres à son beau-frère Leopold Czihaczek et au collectionneur Oskar Reichel, apparaît chez Schiele une « philosophie de la vie » de tendance solipsiste, dans laquelle il s »exprime contre les attaques des « philistins » :
…les artistes vivront toujours – je pense que les grands peintres ont toujours peint des chiffres….. Je peins la lumière qui vient des corps…-L »œuvre d »art érotique a aussi un caractère sacré !…-Une seule œuvre d »art « vivante » suffit à atteindre l »immortalité de l »artiste…-Mes tableaux devraient être placés dans des bâtiments semblables à des temples.
Sur une surface rugueuse et rude, Schiele a montré, sans fausse pudeur, un érotisme dépourvu de moralité et de tristesse, où les protagonistes sont des filles au visage enfantin et à l »attitude délibérément impudique. Il les a représentés dans les variations les plus diverses, vus de dessus ou de profil, dans des positions bizarres et des mouvements extravagants. Benesch a noté qu »il peignait parfois ses modèles depuis une échelle située au-dessus d »eux.
Schiele était un dessinateur habile, au trait clair, rapide et dur, et il ne laissait certainement pas de place à une appréciation décorative ou esthétique de ses peintures ou dessins. Ses œuvres ont toutes un impact fort et violent sur le spectateur, qui prend presque la position d »un interprète psychanalytique ; elles exsudent le désir de rébellion et de provocation comme une angoisse existentielle. Schiele a recherché, dans les figures angoissées sans référence au contexte historique et social, les « instincts refoulés », a exploré l »exhibitionnisme et le voyeurisme, vers un état affectif qui peut atteindre le pathologique.
Il a travaillé, dans un sens constant et omniprésent, le caractère dramatique et une vision de la réalité subie et méditée intérieurement. L »art de Schiele permet ainsi de se perdre dans l »infini existentiel et de se confronter au sens de la vie, qui défie les ordres et réside dans le magma émotionnel d »une tache de couleur. L »une des sources d »inspiration est venue des expériences de malades mentaux que son ami Erwin Osen avait réalisées pour le compte du Dr Kronfeld : des dessins de patients de l »asile local de Steinhof. Osen était un personnage au mimétisme artificiel que Schiele a réussi à transmettre dans les portraits qu »il a peints de lui. Il est également possible d »établir une relation directe en comparant certains des dessins avec ceux réalisés par le Dr Paul Richer, assistant du neurologue Jean Martin Charcot, qui constituaient un catalogue des traits caractéristiques des phases pathologiques. Le peintre a peut-être adopté ces typologies chez certains de ses modèles, dont lui-même, car ils présentent une certaine ressemblance avec les « mannequins » de Charcot par leurs mouvements statiques ou convulsifs saisissants. Les résultats des recherches de Charcot et Richer, qui constatent que leurs études réapparaissent en partie dans les peintures et dessins historiques, sont publiés dans leur ouvrage Les démoniaques dans l »art (1887).
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Paysages et autres
En regardant autour de lui, Schiele ne peut s »empêcher d »être fasciné par Van Gogh et son charisme personnel, lourd, fort et chromatique. Il lui a rendu hommage dans La chambre de l »artiste à Neulengbach, inspirée de La chambre à coucher à Arles (1888) du peintre néerlandais, comme il a également réinterprété Les tournesols, dans une version à la couleur brune terne, où les pétales perdent leur consistance et acquièrent la vérité tragique de la décadence. Le format très allongé et le mimétisme des grandes feuilles font de son tournesol un reflet de sentiments presque humains.
Dans la dernière phase de sa vie, ses traits deviennent plus nerveux, il atteint la liberté d »expression maximale, créant de nombreux paysages, et dans Quatre arbres, de 1917, il utilise déjà des couleurs chaudes et le fond devient une atmosphère d »émotions violentes. Dans ce tableau, il présente des lignes horizontales et verticales dans sa composition et un arbre aux feuilles tombées, parmi celles qui en sont pleines, ce qui crée un effet automnal de mélancolie.
L »auteur décrit dans une lettre de 1913 la peinture de la nature :
Je fais aussi des études, mais je crois et je sais que copier la nature n »est pas important pour moi, car je peins mieux à partir de souvenirs, comme une vision du paysage. Maintenant, j »observe surtout les mouvements corporels des montagnes, de l »eau, des arbres et des fleurs. Partout, ils rappellent des mouvements similaires à ceux du corps humain, des sentiments similaires de joie et de tristesse chez les plantes.
Les paysages urbains de l »artiste ont changé, tout comme ses représentations de la nature. Les paysages de sa jeunesse présentent un style traditionnel, notamment ceux peints à Klosterneuburg. En 1910, il peint deux tableaux intitulés La ville morte, inspirés par le roman Brugues-la-morte, traduit en allemand, de l »écrivain belge Georges Rodengach (1892). Il abandonne la description de l »environnement ou de la topographie pour se concentrer sur les bâtiments des maisons, souvent en vue plongeante, comme dans Paysage de Krumau (1916) ou Maison de banlieue avec linge (1917), dans lesquels il montre une vision intime de la simplicité avec une apparence pittoresque. Dans ses dessins, cette même approche le rapproche d »un aspect plus illustratif ; après tout, dans ses paysages, il n »y a pas de cheminées ou de traces d »une quelconque technologie industrielle, tout comme pour le poète Georg Trakl, la « grande ville ne produit aucun paysage spirituel ». Le peintre et écrivain Albert Paris Gütersloh, un ami de Schiele, a été le premier à décrire la « vue d »oiseau » dans un essai en 1911 : « Il (Egon Schiele) appelle une ville qu »il voit en perspective, d »en haut et d »en bas, une ville morte. Car toute ville serait morte si elle était vue de cette façon. Le double sens de la vue à vol d »oiseau est compris inconsciemment. Le titre est équivalent à l »idée du tableau qu »il désigne ».
Le dernier tableau important de Schiele est La famille (1918). Elle est d »un réalisme inhabituel pour le peintre et documente sa situation biographique – à l »époque, sa femme Edith attendait un enfant – et son évolution artistique. Elle présente un groupe de nus, l »homme, dans lequel il est facile de reconnaître l »artiste lui-même, est assis sur un canapé, tandis qu »en face de lui, assis sur le sol, se trouve la figure d »une femme avec un petit enfant enveloppé dans une couverture entre ses jambes. Les corps illuminés des personnages adultes et le visage de l »enfant se détachent sur la couleur sombre du fond. Les tons chromatiques de ce tableau sont utilisés pour mettre en valeur les volumes des corps, et non des lignes épaisses remplies de couleur, comme dans ses tableaux précédents. Il s »agit en fait d »une œuvre picturale qui fait preuve d »un langage moins agressif que celui utilisé par Schiele dans ses œuvres précédentes. Malgré son sujet, le tableau montre une mélancolie sans expressivité drastique ; les regards de l »homme et de la femme sont perdus dans leurs pensées, et l »artiste décompose la composition du groupe uni en une forme presque circulaire.
Sources
