Elia Kazan

gigatos | janvier 21, 2022

Résumé

Elia Cazan (7 septembre 1909 – 28 septembre 2003) est un réalisateur, producteur, scénariste et auteur américain de cinéma et de théâtre dont la carrière s »étend des années 1930 aux années 1970.

Le premier grand succès de Kazan se situe à Broadway, où il devient le promoteur d »une nouvelle école de jeu basée sur le système de Stanislavski. À partir de 1935, Kazan met en scène des productions au célèbre théâtre expérimental The Group Theater et, en 1947, il cofonde et dirige l »Actors » Studio, l »une des compagnies théâtrales les plus prestigieuses de son époque. En 1947, Kazan connaît un succès particulier avec la production de deux pièces, All My Sons (1947) d »Arthur Miller, qui lui vaut son premier Tony Award du meilleur metteur en scène, et A Streetcar Named Desire. (1947-1949) de Tennessee Williams. Kazan a ensuite remporté des Tony Awards pour avoir mis en scène The Death of a Salesman (1949-1950), basé sur la pièce de Miller, et J. B. » (1958-1959) d »Archibald MacLeish, ainsi que des nominations aux Tony pour Cat on a Hot Roof (1955-1956) de Williams, Darkness at the Top of the Stairs (1957-1959) de William Inge et The Sweet-Haired Bird of Youth (1959-1960) de Williams.

À partir de 1945, Kazan commence à travailler à Hollywood en tant que réalisateur. Il a remporté des Oscars pour la réalisation de The Gentleman »s Agreement (1947) et At the Port (1954), ainsi que des nominations aux Oscars pour A Streetcar Named Desire (1951). (1951), À l »est du paradis (1955) et America, America (1963, qui lui vaut également des nominations en tant que meilleur scénariste et producteur du meilleur film). Parmi les autres films les plus importants de Kazan figurent Un arbre pousse à Brooklyn (1945), Panique dans les rues (1950), Viva Zapata ! (1952), Dolly (1956), Face in the Crowd (1957) et Splendour in the Grass (1961). En tant que réalisateur, Kazan s »est fait connaître en mettant en scène des films traitant de thèmes sociaux et moraux aigus, fondés sur une dramaturgie solide et sur sa capacité à faire jouer ses acteurs de manière exceptionnelle. Au total, 21 acteurs ont été nominés aux Oscars pour leur interprétation dans des films réalisés par Kazan. Kazan a rendu célèbres des acteurs aussi jeunes et auparavant obscurs que Marlon Brando, James Dean et Warren Beatty. Les actrices Vivien Leigh, Eva Marie Saint, Carroll Baker et Natalie Wood ont toutes joué certains de leurs meilleurs rôles dans ses films.

En plus de deux Oscars pour la réalisation, Kazan a reçu un Oscar pour une réalisation exceptionnelle dans le domaine de la cinématographie, quatre Golden Globes pour sa réalisation et diverses récompenses prestigieuses dans de nombreux festivals internationaux de cinéma, notamment les festivals de Cannes et de Venise.

La vie et la carrière de Kazan ont été entachées par un acte controversé lorsque, en 1952, il a nommé huit de ses anciens collègues de théâtre qui avaient été membres du parti communiste américain avec lui au début des années 1930, lors d »une réunion de la commission du Congrès américain sur les activités anti-américaines. Cela leur a valu d »être inscrits sur une liste noire d »Hollywood et d »être interdits de facto de travailler à Hollywood pendant près de deux décennies, tandis que la carrière de Kazan a explosé après son témoignage. Par la suite, Kazan a tenté à plusieurs reprises d »expliquer et de justifier son acte, mais de nombreux cinéastes établis n »ont jamais accepté son explication.

Elia Kazan (né Elias Kazancioglu) est né le 7 septembre 1909 à Constantinople, dans l »Empire ottoman (aujourd »hui Istanbul, Turquie). Il était l »un des quatre fils d »une famille de Grecs d »Anatolie. Son père a émigré à New York, où il est devenu marchand de tapis, et a installé sa famille peu avant le début de la Première Guerre mondiale. Au moment de son arrivée aux États-Unis, Kazan a quatre ans. La famille s »est d »abord installée à New York, dans le quartier grec de Harlem, et lorsqu »il avait huit ans, la famille a déménagé dans la banlieue de New Rochelle.

Après avoir obtenu son baccalauréat, où Kazan a étudié « sans grande distinction », il s »inscrit au Williams Private College de Williamsburg, dans le Massachusetts. Pour payer ses études, il a travaillé à temps partiel comme serveur et plongeur. Au collège, Kazan était surnommé « Gadge ». (abréviation de « Gadget »), que Kazan lui-même a déclaré avoir reçu parce qu »il était « petit, compact et excentrique… un petit type utile, maniable et toujours accommodant ». Ce surnom, qu »il détestait, est resté attaché à Kazan tout au long de sa vie. Comme Kazan l »a dit lui-même, il s »est fait ainsi « pour trouver un terrain d »entente avec les gens, pour être accepté, pour devenir invisible ». John Steinbeck, qui a plus tard écrit le scénario de Viva Zapata, lui a dit : « Quel surnom ! Utile à tout le monde sauf à lui-même ! ». Kazan attribue beaucoup de choses à ses origines anatoliennes, en particulier ce qu »il appelle dans son autobiographie « un désir de se mettre en valeur et une capacité à faire semblant ». Il avait le même « sourire anatolien » qu »il « détestait tant chez son père, un sourire qui cachait de la rancœur ».

A l »université, Kazan était un outsider. Comme l »écrit l »historien du cinéma David Thompson, « à l »université et plus tard à l »école d »art dramatique, Kazan était toujours un outsider plein de ressentiment, un intrus furieux et intrusif. Il n »avait pas d »amis et bouillonnait de colère d »être ignoré par les jolies filles de l »élite blanche – jusqu »à ce qu »il les touche avec son énergie d »outsider. Il travaillait souvent au noir comme barman dans des fêtes d »étudiants d »élite où il ne pouvait pas entrer en tant que membre de la communauté étudiante fermée. Comme l »a dit Kazan, « C »est dans ces fêtes d »étudiants qu »est née mon attirance obsessionnelle pour les femmes des autres, et mon besoin de les prendre pour moi ». Il a par la suite admis qu »il avait été un « séducteur maniaque de femmes » toute sa vie.

Malgré ses réalisations ultérieures, Kazan a continué toute sa vie à se considérer comme un outsider. Comme il l »a déclaré lors d »une interview en 1995 : « De nombreux critiques me qualifient d »outsider, et je suppose qu »ils le font, car je suis un étranger, un immigrant. Je veux dire, je ne faisais pas partie de la société. Je me suis rebellé contre ça. Et même quand j »ai réussi, je suis resté un outsider. Parce que c »est ma nature.

Lors de sa dernière année d »université, il a vu le film Le cuirassé Potemkine de Sergei Eisenstein. Lors de sa dernière année de collège, il a vu le film Battleship Potemkin et a décidé de se lancer sérieusement dans le métier d »acteur. Après avoir obtenu d »excellentes notes au Williams College, Kazan s »inscrit à l »école d »art dramatique de l »université de Yale, après quoi il rejoint le Group Theatre à New York en 1933.

A lire aussi, biographies-fr – Paul III

Une carrière théâtrale dans les années 1930 et 1960

En 1932, après deux ans à l »école d »art dramatique de l »université de Yale, Kazan rejoint le Group Theater à New York en tant qu »acteur et assistant réalisateur. Il apparaît pour la première fois sur la scène de Broadway dans A Doll (1932), puis joue le rôle d »un infirmier dans le drame médical Men in White (1933-1934) de Sidney Kingsley, avec également Joseph Edward Bromberg, Paula Strasberg, Lewis Leverett, Clifford Odets, Tony Kreiber, Art Smith, Phoebe Brand et son mari Morris Karnowski, que Kazan qualifiera tous de communistes 19 ans plus tard.

En 1934, comme beaucoup de jeunes gens du monde des arts qui voient les ravages de la Grande Dépression et aspirent à un avenir prometteur, Kazan rejoint le parti communiste avec sa femme Molly Day Thatcher. Mais, selon David Thomson du Guardian, « Kazan n »est pas devenu un membre obéissant du parti. Il avait des goûts bien arrêtés. En particulier, il aimait le travail d »Orson Welles. Finalement, un fonctionnaire du parti, « l »homme de Détroit », arrive à la réunion de la cellule de Kazan et le dénonce aux autres. Un vote est organisé sur l »appartenance de Kazan au parti et il est exclu à l »unanimité. Il est devenu un outsider, même dans les années 1930, il détestait le secret et la paranoïa et ne supportait pas la suppression de l »individualité ».

Kazan et Odets étaient de grands amis dans les années 30. Après être devenu dramaturge, Odets a connu « un énorme succès avec sa puissante pièce en un acte » Waiting for Lefty (1935). Dans cette pièce, Kazan excelle dans le rôle important d »un chauffeur de taxi en colère qui incite ses collègues à faire grève, puis se tourne vers le public et l »exhorte à chanter avec lui : « Strike ! ». Harold Clurman, cofondateur du Group Theater, se souvient dans son livre The Fiery Years (1945) (1945) : « Elia a fait une énorme impression. Tout le monde était convaincu que nous l »avions pris directement dans le taxi spécialement pour le rôle. Dans la seconde moitié de 1930, Kazan joue dans les pièces de théâtre d »Odets « Paradis perdu » (1935) et « Golden Boy » (1937), la comédie musicale « Johnny Johnson » (1937) sur la musique de Kurt Weill, ainsi que dans la pièce d »Irwin Shaw « Nice People » (1939).

À la fin des années 1930, Kazan s »était également découvert une vocation de metteur en scène. En 1935, Kazan met en scène sa première pièce, The Young Go First (1935), suivie de Casey Jones (1938) et Thundercliff (1939), d »après des pièces de Robert Ardrey. En 1937, Kazan se tourne pour la première fois vers le cinéma et tourne son premier film avec le cameraman Ralph Steiner, un documentaire indépendant de 20 minutes, The Cumberland Men (1937).

En 1940, Kazan attire l »attention d »Hollywood par son interprétation dans la pièce Night Music (1940) d »Odets. Entre 1940 et 1941, il joue dans deux films de gangsters réalisés par Anatole Litwack – Conquer the City (1940) et Blues in the Night (1941). Selon Thomson, « il était bon dans les deux, mais il ne s »est jamais considéré comme plus qu »un méchant ou un acteur de caractère ». Comme l »écrit Dick Vosburgh dans The Independent, à l »été 1940, Kazan « jouait un gangster agréable dans le film Conquer the City de Warner Bros. Abattu par un autre gangster, il meurt en disant : « Oh mon Dieu, je ne m »attendais pas du tout à ça ! », et c »est l »un des moments les plus mémorables du film. » Comme le rapporte Vosburg, selon la légende hollywoodienne, le directeur du studio Jack Warner a offert à Kazan un contrat d »acteur de plusieurs années tout en lui conseillant de changer son nom en Paul Cézanne. Lorsque le jeune acteur lui a fait remarquer qu »il y avait déjà un Paul Cézanne, Warner aurait répondu : « Mon garçon, tu fais quelques films à succès et les gens oublieront ce type ! ». Après avoir joué les clarinettistes dans Blues in the Night (1941), Cézanne décide de se concentrer sur la réalisation. Dans son autobiographie de 1988, Elia Kazan : A Life, il écrit : « J »ai décidé cet été-là que je ne serais plus jamais acteur, et je ne l »ai plus jamais été.

Kazan retourne à son théâtre, y « saisissant rapidement le pouvoir créatif à ce qui s »est avéré être un moment critique ». À l »époque de la Grande Dépression, le Group Theater était considéré comme le théâtre expérimental le plus important de son temps. Son travail était basé sur le système de Stanislavski « où l »acteur vit intérieurement l »émotion qu »il doit incarner sur scène, reliant les sentiments du personnage à sa propre expérience ». Cependant, Kazan ne s »est pas arrêté là. Auparavant, lorsqu »il travaillait comme assistant réalisateur au Theatre Guild, il a vu une approche différente du jeu théâtral incarnée par l »acteur Osgoode Perkins. Kazan a écrit : « Il n »y a pas d »émotion là-dedans, seulement de l »artisanat. Dans tous les aspects de l »équipement technique, il était sans égal. » À partir de ce moment, Kazan a commencé à chercher à combiner les deux méthodes dans son travail – psychologique et professionnelle, ou technique : « J »ai pensé que je pouvais prendre le type d »art qu »incarnait Perkins – un jeu d »acteur pur à l »extérieur, contrôlé et maîtrisé à chaque minute et à chaque tournant, avec des gestes retenus mais convaincants – et le combiner avec le type de jeu d »acteur que construisait Group – intense et véritablement émotionnel, ancré dans le subconscient et donc souvent inattendu et choquant dans sa révélation. Je voulais essayer de réunir ces deux traditions opposées et souvent conflictuelles. » Comme l »écrit Mervyn Rothstein dans le New York Times, « en combinant ces deux techniques, Kazan s »est fait connaître en tant que metteur en scène d »acteurs – pour beaucoup d »artistes, il était le meilleur metteur en scène d »acteurs de tous les temps. De nombreux critiques ont dit que le jeu d »acteur qu »il a obtenu plus tard de Marlon Brando, Rod Steiger, Karl Molden, James Dean, Julie Harris, Carroll Baker, Ali Wallach et Natalie Wood, parmi beaucoup d »autres, était le meilleur de leur carrière. »

En 1942, Kazan reçoit des critiques élogieuses pour sa production de la comédie populaire Café Corona (1942), qui constitue son premier grand succès en tant que directeur de théâtre. (1942), qui constitue son premier grand succès en tant que metteur en scène de théâtre. La comédie The Skin of Our Teeth (1942-1943), basée sur la pièce de Thornton Wilder, suit bientôt avec un « casting de rêve » comprenant Tallulah Bankhead, Fredric March et Montgomery Clift. La pièce a connu un grand succès avec 359 représentations. La pièce elle-même a remporté le prix Pulitzer, et Kazan a reçu le prix de la New York Drama Critics Society pour sa production. Cette production a constitué une percée pour Kazan. Elle est suivie de productions à succès telles que la comédie musicale One Touch of Venus de Kurt Weill et Ogden Nash (1943-1945, 567 représentations) avec Mary Martin et la comédie antifasciste Jacobowski and the Colonel (1944-1945, 417 représentations).

En fin de compte, Kazan est arrivé à la conclusion que le Group Theater avait tort de supposer que le théâtre est un art collectif. Il a déclaré : « Pour réussir, il faut exprimer la vision, la conviction et la présence persistante d »une seule personne. Cette personne doit avoir la passion de la clarté – avec le scénariste, il affine le thème principal du scénario, puis analyse chaque ligne pour en dégager la motivation et la tension dramatique. »

En 1947, Kazan, Cheryl Crawford et Robert Lewis ont fondé l »Actors Studio comme une plateforme spéciale où les acteurs pouvaient évoluer dans leur profession et développer les connaissances psychologiques requises dans les pièces qui dominaient Broadway dans les années 1940 et 1950. Plus tard, Lee Strasberg a également rejoint l »Actors Studio, dont il est devenu le directeur permanent de 1951 à sa mort en 1982. L »Actors Studio, qui pratique le jeu d »acteur selon une méthode proche du système de Stanislavski, s »est révélé extrêmement influent dans sa quête de la vérité intérieure que l »acteur doit révéler. En effet, c »est cette méthode qui a transformé l »acteur d »un interprète professionnel en un génie créatif. De plus, selon Thomson, cette méthode d »expression personnelle fonctionne encore mieux à l »écran que sur scène. Le studio d »art dramatique est devenu une sorte de foyer spirituel pour les gens du théâtre, et les acteurs ont adoré l »approche de Kazan en matière de mise en scène.

C »est à cette époque que débute la collaboration de Kazan avec des dramaturges tels qu »Arthur Miller et Tennessee Williams, faisant de Kazan l »une des figures les plus puissantes de Broadway. En 1947, Kazan connaît son plus grand succès avec la production de deux pièces, All My Sons (1947) d »Arthur Miller et A Streetcar Named Desire (1947-1949) de Tennessee Williams. (1947-1949) de Tennessee Williams. All My Sons, qui a donné 328 représentations, a été la première collaboration de Kazan avec Miller. La production de cette pièce, qui racontait « les maux créés par la spéculation dans la guerre », a été, selon les mots de Rothstein, exécutée de manière « irrésistible ». La pièce a remporté deux Tony Awards – pour Miller en tant qu »auteur et pour Kazan en tant que réalisateur.

En 1947, la collaboration de Kazan avec Tennessee Williams commence à Broadway. Leur première collaboration a été la production de la pièce Un Tramway nommé Désir. (1947-1949, 855 représentations), pour laquelle le dramaturge a reçu le prix Pulitzer. Comme le note Rothstein, « une magnifique mise en scène de cette pièce sur une aristocrate sordide du Sud, Blanche DuBois, et le mari violent de sa sœur, Stanley Kowalski, a fait de Kazan un metteur en scène exceptionnel à Broadway, et le personnage de Kowalski a fait d »un Brando de 23 ans une nouvelle grande star. Comme le note Thomson, « la production est importante pour l »énergie physique du jeu, la richesse psychologique de l »incarnation de Branlo, que Kazan a choisi pour jouer Kowalski. Et le style d »interprétation typiquement américain que Kazan a développé sous la forte influence de Stanislavsky. » Le critique de théâtre John Chapman du New York Daily News a qualifié la pièce de « l »une de ces œuvres inoubliables où tout va bien et où il n »y a rien de mal ». À l »exception de Jessica Tandy, qui jouait Blanche DuBois à Broadway, toute la distribution new-yorkaise d »Un tramway miracle a reproduit son rôle dans l »incarnation cinématographique de la pièce de 1951. La pièce a remporté deux Tony Awards – celui du meilleur film dramatique (Williams) et celui de la meilleure actrice dramatique (Tandy).

À cette époque, Kazan se trouve à une croisée des chemins : d »une part, il a déjà commencé à travailler à Hollywood, d »autre part, il est toujours attiré par ses racines théâtrales à l »Est. Selon Thomson, Kazan « était intrigué par les possibilités qu »offrait le cinéma en termes de création de la réalité par le biais du vent, de l »air et du choix des lieux, mais aussi en termes de drame et de présentation de bons acteurs. En tant que réalisateur, il devenait plus visuel, plus cinématographique et – comme certains l »ont dit – plus hollywoodien, ce qu »il aimait lui-même mépriser. »

Néanmoins, Kazan a décidé de ne pas abandonner la scène. Il a poursuivi sa collaboration avec Miller avec La Mort d »un commis voyageur (1949-1950, 742 représentations), qu »un critique a qualifié d » »explosion théâtrale fascinante et dévastatrice que seuls les nerfs du spectateur moderne peuvent supporter ». Mervyn Rothstein, dans le New York Times, a qualifié la pièce de « nouveau jalon théâtral » de Kazan, « un réquisitoire accablant contre le mode de vie américain, avec Lee Jay Cobb dans le rôle du vendeur américain moyen, Willie Loman ». Miller a remporté un prix Pulitzer et deux Tony Awards pour la pièce, pour la meilleure pièce et le meilleur auteur, Kazan a remporté un Tony pour la mise en scène, et la pièce a également remporté le prix du meilleur acteur de soutien (Arthur Kennedy), du meilleur producteur dramatique et du meilleur directeur artistique.

Les années 1950 sont marquées par une série de nouvelles productions réussies de Kazan à Broadway. Il s »agit notamment de ses premières productions à Broadway de Camino Real (1953), d »après une pièce de Williams, et de Tea and Sympathy (1953-1955), d »après une pièce de Robert Anderson. La pièce a été jouée 712 fois et a remporté un Tony Award pour le comédien John Kerr ainsi que des Theatre World Awards pour les comédiens Anthony Perkins et Mary Fickett. Le succès majeur suivant de Kazan est Cat on a Hot Tin Roof (1955-1956, 694 représentations), basé sur une pièce de Williams, dont le texte, sous le contrôle de Kazan, a été soumis à une révision substantielle. Pour cette pièce, outre le prix Pulitzer du meilleur drame, Williams a également été nommé aux Tony. Parmi les autres nominations aux Tony, citons Kazan pour la mise en scène, Barbara Bel Geddes pour la meilleure actrice et Joe Milziner pour la meilleure scénographie.

Parmi les productions les plus réussies de Kazan figure également le drame Darkness at the Top of the Stairs (1957-1959, 468 représentations), basé sur la pièce de William Inge, qui a obtenu cinq nominations aux Tony, notamment pour la meilleure pièce (nominée par Inge en tant qu »auteur, Kazan et Arnold St. Sabber en tant que producteurs) et séparément pour la meilleure production de Kazan. La pièce « J. B. » (1958-1959, 364 représentations) basé sur la pièce d »Archibald MacLeish, qui a valu au dramaturge le prix Pulitzer du meilleur drame, a également remporté deux Tony Awards – MacLeish pour la meilleure pièce et Kazan pour le meilleur réalisateur – ainsi que des nominations aux Tony pour la meilleure direction artistique et pour les acteurs Christopher Plummer et Nan Martin. Le drame The Sweet-Haired Bird of Youth (1959-1960, 375 représentations), basé sur la pièce de Williams, a valu à Kazan un prix de la critique new-yorkaise et une nomination au Tony de la meilleure mise en scène, ainsi que des nominations au Tony des acteurs pour Geraldine Page et Rip Torn.En 1961, Kazan a déclaré que « le coût faramineux d »une production à Broadway » et la réduction des horaires de répétition par les producteurs rendaient « presque impossible un travail artistiquement audacieux ». Il a quitté Broadway pour se lancer dans l »écriture de romans et de scénarios.

Après une brève interruption de son travail littéraire et cinématographique, Kazan revient à New York en 1964 en tant que directeur et directeur artistique (avec Robert Whitehead) du nouveau Vivian Beaumont Theater, alors en construction au Lincoln Center. Pendant la construction du nouveau théâtre, Kazan a monté cinq productions, dont deux des drames d »Arthur Miller, Après la chute (1964-1965) et Il est arrivé à Vichy (1964-1965), au théâtre ANTA.

A lire aussi, biographies-fr – Laurence Stephen Lowry

Carrière au cinéma 1945-1952

Comme l »écrit Rothstein, « après avoir atteint le sommet au théâtre, Kazan a commencé à être reconnu en tant que réalisateur de films. Le premier long métrage de Kazan est le mélodrame The Tree Grows in Brooklyn (1945), basé sur le roman à succès de Betty Smith en 1943.

Cette histoire touchante raconte les soucis et les tribulations de la vie de la famille irlandaise Nolan, qui vit dans un immeuble à appartements à Brooklyn en 1912. La famille se compose du père (James Dean), un alcoolique beau et gentil mais irresponsable, de la mère Cathy (Dorothy McGuire), travailleuse et responsable, et des deux enfants, Francie (Peggy Ann Garner), 13 ans, et Neely, 12 ans. L »histoire est racontée au nom de la brillante et sobre Francie, qui, aimant son père et désireuse d »apprendre. La tante Cissy (Joan Blondell), sœur de sa mère, à l »esprit libre et quelque peu extravagant, participe également à la vie de la famille. Comme l »a écrit le critique de cinéma Dick Vosburgh dans l »Independent, lorsque Louis D. Leighton, producteur de la 20th Century Fox, a suggéré que Kazan réalise une version cinématographique du roman, Darryl F. Zanuck, producteur en chef du studio, a répondu : « Je me méfie naturellement des penseurs profonds au cinéma. Ils pensent parfois si profondément qu »ils manquent la cible. » Le film, cependant, a prouvé que Zanuck avait tort. Le film a été réalisé avec beaucoup de sensibilité et James Dean et Peggy Ann Garner ont remporté des Oscars pour leur interprétation. Le film a également été nommé à l »Oscar du meilleur scénario. Il a été suivi par le feuilleton western Sea of Grass (1947), qui raconte l »histoire de Luthie Cameron (Katharine Hepburn), une mondaine de Saint-Louis, qui épouse un gros éleveur de bétail du Nouveau-Mexique, le colonel Jim Brewton (Spencer Tracy). Le colonel mène une lutte acharnée contre les nouveaux colons qui occupent ses terres. Au début, Luthie soutient son mari, mais elle est bientôt dégoûtée par l »intolérance et la cruauté du colonel et le quitte. Installée à Denver, elle entame une liaison avec l »avocat Bryce Chamberlain (Melvin Douglas), qui défend les droits des colons. Quelque temps après la naissance de son fils, elle retourne au colonel, mais sans l »attention parentale appropriée, son fils (Robert Walker) devient un criminel qui finit par être tué par une équipe de police.

Kazan a tellement aimé l »histoire qu »il a contacté les studios Metro-Goldwyn-Mayer pour qu »ils lui permettent de réaliser un film basé sur cette histoire. Plus tard, dans une interview, Kazan a déclaré que ce qui l »avait attiré dans cette œuvre était « l »ampleur d »une histoire américaine classique » et « le sentiment que lorsque des changements historiques se produisent, quelque chose de merveilleux est perdu ». Kazan souhaitait réaliser un film de grande envergure en extérieur avec des acteurs relativement obscurs et « brut de décoffrage », mais il a finalement dû travailler dans un pavillon de studio avec des stars de premier ordre. Comme Kazan l »a dit plus tard, si « je savais qu »un film sur l »herbe, les grands espaces et le ciel » serait tourné en studio, et « si j »étais assez fort et confiant, si je défendais ma propre dignité, j »aurais refusé. Mais on m »a appris à ne pas m »arrêter et à chercher la meilleure solution possible. La version finale du scénario ne plaisait pas du tout à Kazan, mais il ne pouvait pas faire grand-chose, son influence à Hollywood étant limitée à l »époque. Selon l »historien du cinéma Jeremy Arnold, Kazan a fait de son mieux, mais comme il l »avait prévu, le travail était chaotique et inconfortable. Les principaux problèmes étaient le calendrier de production fixé par le studio et de sérieux conflits entre le réalisateur et les deux stars. Tracy souffrait de problèmes d »alcool, qui sont constamment sous-estimés, mais Hepburn, afin de préserver son partenaire d »une dépression complète, admirait sa performance dans chaque scène, ce qui ne permettait pas à Kazan de traduire sa vision du jeu dans le film. Au final, selon Arnold, « ce fut non seulement le film le plus atypique pour Kazan, mais aussi le film le plus faible du duo vedette Tracy-Hapburn. Le critique moderne Dennis Schwartz l »a qualifié de « décevant western de studio aux proportions épiques » qui, « malgré un budget somptueux et une production intelligente, est ennuyeusement lent et sombre, long et ennuyeux et, en outre, dépourvu d »action pour un western… Il y a simplement trop de choses qui ne vont pas dans cette querelle de basse-cour à l »ancienne, y compris le choix anormal des protagonistes d »un western mettant en vedette des stars de comédies urbaines mélodramatiques ». Ils apportent une théâtralité guindée inutile à l »image et semblent tendus.

La prochaine fois que Zanuck et Kazan ont uni leurs forces, c »était pour le film Boomerang, qui a eu beaucoup plus de succès. (1947), qui était basé sur une véritable affaire de meurtre et tourné dans une petite ville semblable à celle où le meurtre s »est produit. Le film commence par le meurtre choquant d »un pasteur âgé lors d »une promenade nocturne dans la rue principale d »une petite ville du Connecticut. La police appréhende bientôt un vagabond local (Arthur Kennedy) soupçonné de meurtre, après quoi le procureur Henry Harvey (Dana Andrews) intervient pour obtenir une condamnation. Dans un premier temps, soutenu par les autorités locales et le public, Henry mène l »affaire avec succès vers un verdict de culpabilité, mais il a ensuite des doutes sur la culpabilité de l »accusé, car toutes les conclusions de l »enquête reposent sur des preuves circonstancielles. Malgré les aveux de l »accusé, Harvey est convaincu de son innocence. Il mène sa propre enquête et, après une profonde réflexion, malgré les pressions intenses exercées sur lui, retire les accusations.

La plupart des critiques et examinateurs ont donné un avis positif au film. Bosley Crowther, dans le New York Times, tout en notant certaines déviations par rapport aux faits dans le scénario, a loué les mérites artistiques du film, écrivant que « le style de présentation s »est développé en un drame d »une clarté et d »une puissance rares » et, à son avis, « en tant que mélodrame aux accents humanistes et sociaux, il n »a aucun défaut artistique. » Le magazine Variety a qualifié le film de « mélodrame fascinant raconté dans un style semi-documentaire », et James Agee, dans The Nation, a écrit que Boomerang ! peut se vanter d »avoir « le jeu d »acteur le plus impeccable que j »aie jamais vu dans un seul film ». Le critique de cinéma contemporain Paul Tatara polit que le film « reste un film passionnant qui frappe plus fort et bouge plus vite que la plupart des films de cette époque ». Le film a été nommé pour l »Oscar du meilleur scénario et du meilleur film au Festival de Cannes, et en tant que réalisateur, Kazan a été récompensé par le National Board of Critics et la New York Film Critics Society. Kazan lui-même considère ce film comme une percée pour lui.

Kazan réalise à nouveau son film suivant, le drame social Gentleman »s Agreement (1947), à la Twentieth Century Fox. Le film raconte l »histoire du journaliste Phil Green (Gregory Peck) qui, ayant déménagé à New York, est chargé par le rédacteur en chef d »un magazine, John Minifee (Albert Dekker), d »écrire un article sur l »antisémitisme. Pour approfondir le sujet, Green, qui n »est pas juif, décide de vivre pendant six mois en se faisant passer pour un juif.

Il rencontre la nièce de l »éditeur, l »enseignante Cathy Lacey (Dorothy McGuire), et commence à sortir avec elle. Cathy approuve la position de Phil sur l »antisémitisme, mais l »interprète de façon moins catégorique. Phil est confronté à plusieurs cas de discrimination à l »égard des Juifs : une secrétaire (June Havoc) se voit refuser un emploi en raison de son nom juif, et son ami juif Dave Goldman (John Garfield) raconte comment un soldat antisémite l »a attaqué dans l »armée. En raison de son origine ethnique, Dave n »est pas en mesure de trouver un logement convenable pour sa famille. Ensuite, Phil est confronté à l »antisémitisme des médecins. En tant que Juif, il se voit refuser l »hébergement dans un hôtel de banlieue coûteux et son fils fait l »objet de railleries à l »école. De nombreux amis de Katie, la sœur de Jane, ne viennent pas à la fête après avoir appris qu »un Juif y sera présent, et Katie refuse de louer son cottage libre à Dave parce que les voisins n »en voudraient pas, ce qui entraîne une rupture des fiançailles avec Phil. Après la publication de l »article de Phil, qui reçoit des éloges dans la salle de rédaction, Cathy accepte de louer son chalet à Dave, après quoi Phil se réconcilie avec elle.

Le film est basé sur le roman à succès de 1947 du même nom, écrit par Laura Z. Hobson. Comme le note l »historien du cinéma David Sturritt, le sujet était risqué pour l »époque et beaucoup ont conseillé à Zanuck de ne pas faire ce film, mais, à son crédit et à celui de Kazan, ils n »ont pas écouté ces conseils et « ont fait courir ce mur à la Twentieth Century Fox ». Néanmoins, certains critiques ont estimé qu »il était erroné de se concentrer sur un héros qui ne souffre que temporairement de l »antisémitisme. Comme l »a écrit l »auteur libéral Ring Lardner, « la morale du film est qu »il ne faut jamais être méchant avec un Juif parce qu »il peut s »avérer être un non-Juif ». D »autres ont reproché au film son caractère trop moralisateur. Robert L. Hatch, notamment, a écrit dans The New Republic qu »il s »agissait « davantage d »un traité que d »une pièce de théâtre, qui souffre des défauts inhérents à une œuvre de vérité ». Il a toutefois noté que l »histoire « va bien au-delà de la démonstration du harcèlement flagrant des Juifs et de la description des sales coups des quartiers fermés et des clients sélectionnés ». Les personnes saines d »esprit s »opposent à de tels exemples de comportement anormal, mais le Gentleman »s Agreement affecte également ces personnes saines d »esprit elles-mêmes, en les mettant dans une situation où un code de comportement acceptable ne peut plus les couvrir et où elles devront exprimer clairement leur position ».

D »autre part, Bosley Crowther, du New York Times, a fait l »éloge du film, écrivant que « la dureté abjecte de l »antisémitisme a été exposée dans le film avec une franchise égale et une force dramatique encore plus grande que dans le roman dont il est tiré. Chaque moment du préjudice décrit dans le livre a reçu une superbe illustration et une démonstration plus expressive dans le film, ce qui a non seulement étendu mais intensifié la portée de l »indignation morale. » Soulignant l »acte de bravoure du producteur Twentieth Century-Fox Studios, qui a rendu le film si poignant, Krauser a ajouté : « Les excellents acteurs, la brillante mise en scène d »Elia Kazan et la franchise du scénariste, qui a cité des noms précis, ont donné au film réalisme et authenticité. Le film contribuera à ouvrir les yeux de millions de personnes à travers le pays sur ce problème laid et inquiétant. » Krauser a toutefois noté que le film ne touche qu »un spectre limité d »Américains « du plus haut niveau social et professionnel », et ne s »intéresse qu »aux manifestations superficielles de l »antisémitisme dans le milieu bourgeois, « sans se plonger dans la moralité diabolique d »où découle l »antisémitisme. » Comme le souligne M. Sterrit, en raison de son contenu courageux, intelligent et engageant, The Gentleman »s Agreement a récolté de nombreux honneurs. En particulier, Zanuck a été nommé à l »Oscar du meilleur film, Kazan a remporté celui du meilleur réalisateur et Celeste Holm a été récompensée pour son second rôle. Le film a reçu un total de huit nominations aux Oscars, dont celles des acteurs Gregory Peck et Dorothy McGuire. Le film a également remporté quatre Golden Globes, dont ceux du meilleur film et du meilleur réalisateur (Kazan). Kazan a également remporté le prix du National Board of Critics, de la New York Society of Film Critics et a été nommé pour le Grand Prix International au Festival du Film de Venise. Selon Thomson, les Oscars du meilleur film et du meilleur réalisateur sont « des récompenses très généreuses aujourd »hui pour un projet sur l »antisémitisme qui semble guindé et hautain dans son sens de sa propre audace et de sa nouveauté. Ce n »est pas un film très bon ou rapide – à l »époque, Kazan était encore un bien meilleur metteur en scène, bien plus en phase avec l »impulsion du théâtre vivant. » Néanmoins, selon Sterrit, le film se classe parmi les meilleurs « films sur des questions sociétales urgentes » qu »Hollywood a réalisés depuis la fin de la Seconde Guerre mondiale et, de plus, « il s »agit toujours d »un drame intelligent, vif et captivant ». Et bien que les temps aient changé depuis 1947, le sujet qu »il aborde avec tant d »audace reste d »actualité ».

Un autre film social poignant, Pinky (1949), a suivi peu après, qui, selon Rothstein, était « l »un des premiers films sur le sujet du racisme et des mariages mixtes ». Le film raconte l »histoire d »une femme afro-américaine à la peau claire, Patricia « Pinky » Johnson Jeanne Crane). Elle grandit et suit une formation d »infirmière dans le nord des États-Unis avant de retourner chez sa grand-mère Daisy (Ethel Waters) dans une petite ville du sud. À Boston, Pinky a un fiancé blanc, le Dr Thomas Adams, qu »elle veut retrouver. Face à l »injustice de la police envers les Noirs et au harcèlement des hommes blancs, Pinky décide de partir. Cependant, Daisy la persuade de devenir l »infirmière de Miss Em (Ethel Barrymore), une femme blanche malade qui vit dans un manoir délabré à côté de chez elle. Miss Em s »avère être une femme dure mais juste. Elle exhorte Pinky à ne pas essayer de se faire passer pour une Blanche et à vivre sa vie naturellement, en faisant fi des préjugés. Pinky dit à Tom, qui est venu lui rendre visite, qu »elle est noire, mais il n »est pas gêné. Il lui propose de retourner dans le Nord avec lui et de vivre comme une femme blanche, mais Pinky veut continuer son travail dans sa ville natale. Avant de mourir, Mlle Em rédige un testament, laissant à Pinky sa maison et ses terres, en espérant qu »elle en fera bon usage. Malgré les demandes des proches de Miss Em et les supplications pour révoquer le testament, Pinkie, touchée par la foi de Miss Em en elle, décide de ne pas retourner dans le Nord tant que la question de l »héritage n »est pas réglée. Pinkie finit par gagner le procès, après quoi, grâce à la maison et au terrain dont elle a hérité, Pinkie crée la clinique et la crèche de Miss Em pour la communauté noire, qu »elle dirige avec Daisy.

Le film est basé sur le roman Quality (1946) de Sid Ricketts Sumner, qui a été publié pour la première fois dans le Ladies Home Journal. John Ford est désigné comme premier réalisateur, mais après une semaine de travail, Zanuck est insatisfait du métrage et des images stéréotypées des personnages noirs. Il remplace Ford par Kazan, qui avait connu un grand succès avec le film antisémite The Gentleman »s Agreement peu de temps auparavant. Lorsque Kazan prend la relève en tant que réalisateur, il écarte toutes les séquences de Ford, qu »il juge inadaptées, mais laisse le scénario et la distribution inchangés, bien qu »il se rende immédiatement compte que Jean Crane, avec sa beauté, son visage intense et sa passivité, ne convient pas au rôle-titre. Cependant, il a trouvé une issue avec Crane en faisant de ces qualités la tension de son personnage. Contrairement aux souhaits de Kazan, qui voulait tourner dans une ville du sud, le studio a décidé de tourner la majeure partie du film dans le pavillon. Comme Kazan l »a dit plus tard, « naturellement, il n »y avait pas de saleté, de sueur et d »eau, il n »y avait rien. C »est pourquoi je n »aime pas beaucoup « Pinky ». Après la sortie du film, Philip Dunn a écrit dans le New York Times que le film brisait « un tabou de longue date sur les films traitant des préjugés raciaux ou religieux ». Le magazine Variety a cependant jugé que le sujet du film n »était pas assez pointu, écrivant que le film place « le divertissement au-dessus du raisonnement ». Dans sa critique parue dans le New York Times, Bosley Crowther a notamment écrit : « Zanuck et Twentieth Century-Fox ont attiré l »attention sur le problème du racisme dans son lieu le plus célèbre – le Sud profond », créant « un film vivant, révélateur et émotionnellement intense ». Le film « présente très franchement certains aspects de la discrimination raciale dans le Sud… Malgré tous ses mérites, cependant, cette démonstration du problème social présente certains défauts et omissions avec lesquels il est difficile d »être d »accord. La vision que les auteurs ont des Noirs et des Blancs est largement confinée à des types qui ne correspondent pas aux réalités d »aujourd »hui. Aucune réflexion véritablement constructive sur les relations entre Noirs et Blancs n »est proposée. Un exposé vivant de certaines atrocités et injustices est tout ce que le film offre. Cependant, il leur présente des sentiments et des préoccupations. Bien que le critique contemporain Thomson ait qualifié le film de « tentative banale de raconter une histoire sur le racisme », Dick Vosburgh a estimé que le film était « une attaque sérieuse contre les préjugés raciaux, qui a constitué un autre succès pour Zanuck et Kazan, bien qu »il ait été gâché par un final évasif ». Bien que le film n »ait pas remporté d »Oscar comme The Gentleman »s Agreement, il a néanmoins obtenu des nominations aux Oscars pour trois interprètes féminines – Jeanne Crane comme meilleure actrice, et Ethel Barrymore et Ethel Waters comme meilleures actrices secondaires.

Le film a été suivi par le thriller noir Panique dans les rues (1950) de Twentieth Century-Fox. Basé sur l »histoire d »Edna et Edward Enkhalt, Quarantine, Some Like It Colder, le film raconte les efforts d »un officier du Corps des services de santé américain (Richard Widmark) et d »un capitaine de police de la ville (Paul Douglas) pour empêcher une épidémie de peste pneumonique à la Nouvelle-Orléans. En un jour ou deux, ils doivent identifier les porteurs de la maladie mortelle avant qu »elle ne se propage en masse. Les infectés s »avèrent être trois bandits qui tuent un homme qui vient d »arriver illégalement de l »étranger. Les trois gangsters, se sentant traqués, se cachent des autorités, mais finissent par être neutralisés.

À sa sortie, le film a reçu des critiques majoritairement positives. Le magazine Variety, par exemple, l »a qualifié de « mélodrame exceptionnel sur le harcèlement », soulignant « le scénario et la mise en scène serrés ». Bien que le film « traite des tentatives réussies de capturer un couple de criminels porteurs de germes pour empêcher la propagation de la peste et la panique dans la grande ville », néanmoins « la peste est quelque part un thème secondaire par rapport à celui des flics et des voyous ». Le magazine note également qu » »il y a beaucoup d »action vivante, de bonnes émotions humaines et quelques moments inhabituels dans le film ». Plus tard, les critiques ont également salué le film. Le magazine TimeOut l »a qualifié d » »excellent thriller, beaucoup moins chargé de sens que la plupart des films de Kazan ». Le critique note que le film « atteint un équilibre saisissant entre le genre du film noir et la méthode du jeu psychologique » épousée par l »Actors Studio de New York, notamment lorsque « la quête de la panique prend de l »ampleur. » Le critique de cinéma Michael Atkinson estime que ce film surpasse la grande majorité des films noirs standard « en raison de la maturité de sa conscience, de son réalisme parfait et de son rejet des réponses faciles et des solutions simples d »Hollywood ». Atkinson écrit que « le film est substantiellement plus qu »un autre film noir, ou même qu »un film « à problèmes »… Bien qu »il s »agisse essentiellement d »une procédure policière – avec un McGuffin épidémiologique en vedette – c »est aussi le portrait le plus intelligent, le plus convaincant, le plus fascinant et le plus détaillé de la vie américaine jamais créé à l »époque de la Nouvelle Vague pré-Hollywood. » Le critique note que dans ce « thriller tendu, l »attention aiguë que Kazan porte à l »énergie de la persécution et à la complexité des procédures bureaucratiques ne constitue que la trame du film. Cependant, ce qui est vraiment captivant dans ce film, ce sont les personnages humains et le sens du chaos. » Selon Atkinson, « rien dans la remarquable filmographie de Kazan – pas même In the Harbour (1954) quatre ans plus tard – n »atteint la subtilité, la variété de texture et l »imprévisibilité de Panic… Réputé pour sa production de superbes acteurs, mais rarement loué pour son acuité visuelle, Kazan présente dans ce film ces ingrédients dans l »ordre inverse : « En filmant cette histoire de crime à un rythme extrêmement rapide, il a conduit un vaste casting dans une voie de réalisme que personne d »autre ne connaissait en 1950… Kazan peint un portrait bouillonnant de la ville, en utilisant de nombreux plans sur place et en remplissant chaque coin du film d »affaires et de préoccupations urbaines authentiques. Le critique de cinéma Jonathan Rosenbaum a qualifié le film de « meilleur et le plus oublié des premiers films de Kazan ». Edna et Edward Enkhalta ont remporté l »Oscar de la meilleure histoire pour ce film et Kazan a remporté le prix international et une nomination pour le Lion d »or au festival du film de Venise. Le film a été classé parmi les dix meilleurs films de l »année par le National Board of Critics américain.

En 1947, Kazan a mis en scène A Streetcar Named Desire de Tennessee Williams sur la scène de Broadway, qui a fonctionné pendant deux ans avec un grand succès auprès du public et de la critique. Warner Bros. a invité Kazan à réaliser le film tiré de cette pièce, « qui était basé essentiellement sur les mêmes principes que le travail sur la pièce. Les rôles principaux étaient également interprétés par des acteurs de la pièce de Broadway, à l »exception de Jessica Tandy, qui jouait Blanche Debois. » Selon Thomson, le studio a décidé de remplacer Tandy par Vivien Leigh, qui était considérée comme une actrice à fort potentiel commercial. Lee a joué le rôle de Blanche dans la production londonienne d »Un tramway nommé désir, qui a été réalisée par son mari Laurence Olivier. Comme l »écrit l »historien du cinéma James Steffen, pendant qu »il travaillait sur le film, Kazan a rencontré certains problèmes avec les acteurs, principalement Vivien Leigh, et avec la censure. En particulier, « Lee était constamment en conflit avec Kazan sur l »interprétation de son rôle, ainsi qu »avec les autres acteurs qui travaillaient sous le système de Stanislavski. » De plus, à ce moment-là, la relation de Lee avec son mari avait commencé à se déliter et « le rôle de Blanche n »a fait que renforcer son état maniaco-dépressif d »alors ». Du film sur la demande de la censure, a été supprimé de la référence à l »homosexualité mari mort Blanche, et la pièce finale, où Stella est resté avec son mari, a été changé à une scène où elle le quitte. Sinon, le reste de la pièce est à peu près inchangé.

Le film raconte l »histoire de Blanche DuBois (Vivien Leigh), une femme mineure mais encore assez séduisante qui, laissée sans ressources, rend visite à sa sœur Stella (Kim Hunter), qui vit avec son mari Stanley Kowalski (Marlon Brando) dans un quartier industriel pauvre de la Nouvelle-Orléans. Blanche, avec la mentalité et les manières d »une noble dame, agace immédiatement le prolétaire et réaliste Stanley, qui voit l »hypocrisie de Blanche et n »accepte pas ses manières « culturelles », ses mensonges, ses fantasmes, ses prétentions et son arrogance. À son tour, Blanche, dans une conversation avec sa sœur, parle de Stanley comme d » »un sous-homme, un animal grossier et primitif ». Lorsque Blanche rencontre les amis de Stanley et que le mariage approche, Stanley découvre la vérité sur son passé. Il s »avère que Blanche a été renvoyée de son travail à cause d »une liaison torride avec son élève de 17 ans, et qu »elle n »est pas prise au sérieux dans sa ville natale à cause de sa prostitution et de ses flirts constants avec des hommes. Stanley le dit à Stella et à son fiancé, qui déclare ensuite qu »il n »a « aucune intention de sauter dans un bassin de requins ». Après avoir emmené Stella en train d »accoucher à l »hôpital, Stanley rentre chez lui et viole Blanche, qui perd alors la raison. Peu après la naissance du bébé, Stanley fait appel à des psychiatres pour placer Blanche dans un hôpital psychiatrique. Blanche croit d »abord que son riche prétendant est venu pour elle. Réalisant finalement que ce n »est pas le cas, elle tente de résister, mais voyant qu »elle n »a pas d »autre choix, elle part avec les médecins. Stella crie qu »elle ne retournera jamais chez Stanley, prend le bébé et s »enfuit chez un voisin. On peut entendre Stanley crier « Stella ! Hey, Stella… ! ».

Selon l »historien du cinéma Roger Ebert, « à sa sortie, le film a provoqué une tempête de controverses. Il a été qualifié d »immoral, de décadent, de vulgaire et de pécheur, malgré les changements importants apportés à la demande de la censure ». Comme le souligne l »historien du cinéma Scott McGee, « bien que le film ait choqué de nombreux spectateurs, il a connu un grand succès au box-office. Mais sa principale réussite a été d »ouvrir la voie à l »administration du code de production pour donner le feu vert à des films plus audacieux et impressionnants ». Le film a rapporté plus de 4 millions de dollars au box-office, ce qui est considérable pour l »année 1951, et, de plus, il a été apprécié par la communauté professionnelle. Le critique de cinéma Bosley Krauser, dans le New York Times, a notamment noté que « à partir de la pièce de Williams, Un tramway nommé désir, qui a remporté la plupart des prix dramatiques au box-office de Broadway, le réalisateur Elia Kazan et une distribution tout simplement superbe ont créé un film qui palpite de passion et de sensibilité ». Comme l »écrit encore le critique, « grâce à la performance inoubliable de la grande Anglaise Vivien Leigh dans le rôle déchirant d »une belle du Sud dégradée et grâce à l »atmosphère envoûtante que Kazan a créée avec la puissance de l »écran, ce film est aussi beau, sinon plus, que la pièce. Le tourment intérieur est rarement transmis à l »écran avec autant de sensualité et de clarté. L »histoire est chorégraphiée par Kazan avec une telle énergie exubérante que l »écran palpite simplement de violence furieuse avant de descendre brusquement dans un silence débilitant et douloureux. L »affrontement haineux entre la femme perdue et l »homme bourru a été filmé avec une telle habileté en gros plans que l »on peut vraiment sentir la chaleur qui émane d »eux. Par la mise en scène et l »éclairage, associés à une musique brillante et à un texte d »une véritable richesse poétique, Kazan a évoqué le chagrin et le désespoir. » En résumé, Krauser observe qu » »aucun mot ne peut rendre justice au contenu et au niveau artistique de ce film. Il faut le voir pour l »apprécier. Nous vous invitons à le faire. » L »influente critique de cinéma Pauline Kael a été enchantée par le jeu « rare » de Lee, qui « évoque la pitié et l »horreur », et a déclaré que Lee et Brando « ont livré deux des plus grandes performances d »acteurs du cinéma ». Le critique de cinéma Roger Ebert a déclaré qu » »aucune autre performance n »a eu un plus grand impact sur le style d »interprétation du cinéma contemporain que le travail de Brando dans le rôle de Stanley Kowalski, le héros bourru, malodorant et sexuellement chargé de Tennessee Williams ». Le critique note également que « outre la puissance stupéfiante de la performance de Brando, le film était également l »une des plus grandes pièces d »ensemble du cinéma ». Selon James Steffen, « le film est aujourd »hui considéré comme une référence pour le cinéma en raison de son jeu d »ensemble, de la mise en scène de Kazan et du travail impressionnant du concepteur de la production. »

Le Hollywood Reporter a suggéré que Un Tramway nommé Désir et Une place au soleil (1951) seraient « au coude à coude (dans la course aux prix)… à cause du pessimisme des histoires et parce que les deux histoires sont faites de façon si réaliste ». Au final, Un Tramway nommé Désir a reçu douze nominations aux Oscars (« Une place au soleil » en a reçu neuf). Vivien Leigh a remporté l »Oscar de la meilleure actrice et Kim Hunter et Carl Molden celui du meilleur acteur dans un second rôle. C »était la première fois qu »un film remportait trois Oscars pour les acteurs. Le film a également remporté des Oscars pour la direction artistique et les décors. Marlon Brando n »a obtenu qu »une nomination, perdant face à Humphrey Bogart. « Un Tramway nommé Désir » a été nominé pour le meilleur film aux Oscars mais a perdu face à Un Américain à Paris (1951). Kazan a été nommé pour le meilleur réalisateur, ainsi que pour la meilleure musique, le meilleur scénario, la meilleure caméra, le meilleur enregistrement sonore et les meilleurs costumes. Bogart ne s »attendait pas à remporter un Oscar car il pensait, comme beaucoup d »autres à Hollywood, que le prix irait à Brando. Les gens de la Metro-Goldwyn-Mayer ont également été surpris que leur film, Un Américain à Paris, ait battu les deux favoris pour remporter l »Oscar. Après l »annonce des résultats, le studio a publié un communiqué dans la presse professionnelle dans lequel le symbole du studio, Leo, avait l »air légèrement embarrassé et pris par surprise, disant : « Honnêtement, j »étais juste debout « sous le soleil » à attendre un « tram » ». Kazan a également remporté un prix spécial du jury au Festival de Venise et une nomination pour le Lion d »or, a reçu le prix de la New York Society of Film Critics, ainsi qu »une nomination pour le prix de la Directors Guild of America.

Le film suivant de Kazan était le drame historique tiré du scénario de John Seinbeck, Viva Zapata ! (1952), qu »il réalise à la Twentieth Century-Fox sous la direction du producteur Darryl Zanuck. Le film suit la vie et l »œuvre d »Emiliano Zapata, l »un des leaders de la révolution mexicaine de 1910 à 1917. Le film se déroule en 1909, lorsqu »une délégation d »Indiens de l »État de Morelos, dont Zapata (Marlon Brando), arrive à Mexico pour rencontrer le président Porfirio Diaz. Le président rejette leur demande de restitution des terres qui leur ont été retirées. De retour chez eux, les paysans tentent de reprendre le contrôle de leurs terres, ce qui entraîne un affrontement avec les troupes gouvernementales. Zapata, le chef de la résistance paysanne, est recherché et contraint de se cacher dans les montagnes, où il s »allie à son frère Eufemio (Anthony Queen). Bientôt, Zapata, dont l »autorité parmi les paysans s »accroît, s »allie à un leader politique influent de l »opposition, Francisco Madero, qui nomme Zapata comme son général au sud et Pancho Villa comme son général au nord. Après le renversement de Diaz, le pouvoir dans le pays passe à Madero. Zapata devient furieux lorsque Madero veut lui rendre son soutien en lui offrant un riche domaine, tout en repoussant la question du rétablissement des droits fonciers des Indiens. Un des généraux de haut rang de Huerta convainc Madero de tuer Zapata, qui est trop puissant et influent. Lorsque Huerta tente en vain d »assassiner Zapata, celui-ci reprend les armes et affronte le général. Huerta arrête et tue Madera, prenant les rênes du pays. Après la défaite de Huerta, Villa et Zapata rencontrent d »autres dirigeants révolutionnaires à Mexico et décident de nommer Zapata comme nouveau président. Après avoir appris des paysans qu »Eufemio est devenu un despote, s »emparant illégalement de terres et d »épouses, Zapata démissionne et rentre chez lui pour s »occuper d »Eufemio, qui est bientôt tué par le mari d »une des femmes qu »il a séduites. Fatigué de la politique, Zapata retourne dans son armée, mais le nouveau président Carranza, qui voit en Zapata une menace sérieuse, décide de le détruire. Zapata est attiré dans un piège et tué, exposant son corps mutilé dans un village voisin. Cependant, le peuple refuse de croire à la mort du chef et continue d »espérer son retour.

Comme le note l »historien du cinéma David Sterrick, bien que Kazan ait prétendu que l »idée de faire un film sur Zapata lui était venue lors d »une simple conversation avec Steinbeck, ce dernier avait en fait commencé à travailler sur le sujet à la fin des années 1940 pour un film mexicain, qui n »a toutefois jamais été produit. La Twentieth Century Fox décide d »entreprendre le film Zapata avec Darryll Zanuck comme producteur, qui réunit une équipe de production de premier ordre comprenant Kazan, les acteurs Marlon Brando et Anthony Quinn et la « superstar de la littérature » John Steinbeck.

Selon Sterrit, le studio craignait des problèmes avec l »administration du code de production, qui ne recommandait pas la production de films sur des figures révolutionnaires, en particulier celles du Mexique, car cela pouvait provoquer des explosions de colère si les événements historiques étaient déformés. Comme le note Thomson, « c »était une sorte de radicalisme hollywoodien – le rebelle est un héros romantique et ses adversaires sont des gens malhonnêtes. En outre, l »atmosphère à Hollywood à l »époque était « sensible en raison de la chasse aux sorcières anticommunistes qui avait commencé », et il était donc assez risqué de s »attaquer à un film sur « un rebelle populaire en héros courageux ». Bien que le studio ait reçu l »approbation de l »Administration du code de production, il y a eu des problèmes avec le gouvernement mexicain. Finalement, le studio a dû se contenter de tourner plusieurs scènes dans des versions différentes, une pour le Mexique et une autre pour le reste du monde. En particulier, les scènes où Zapata exécute personnellement un de ses anciens camarades et où sa fiancée s »accroupit comme une paysanne pour laver son linge ont été retirées de la version mexicaine, ainsi que les scènes qui montrent que Zapata ne savait ni lire ni écrire.

Selon Kazan, ce qui l »a le plus attiré dans cette histoire, c »est que Zapata a reçu un énorme pouvoir et qu »il s »en est éloigné lorsqu »il a senti qu »il le corrompait. Comme l »a dit Kazan, lui et Steinbeck, en tant qu »anciens communistes, voulaient utiliser la vie de Zapata pour « montrer métaphoriquement ce qui est arrivé aux communistes en Union soviétique – comment leurs dirigeants sont devenus réactionnaires et répressifs au lieu d »être avancés et progressistes ». Pour plus d »authenticité, Kazan a cherché à s »assurer qu »il n »y avait pas de « visages familiers » dans le film, et même Brando à l »époque n »avait joué que dans un seul film sorti, Men (1950) de Fred Zinnemann, alors que Quinn était attiré par lui parce qu »il était un Mexicain dont le père avait participé à la révolution. Le film a été tourné aux États-Unis, près de la frontière mexicaine, et Kazan a cherché à donner au film un aspect aussi authentique que possible, en s »inspirant souvent d »images tirées de célèbres photographies documentaires de la période révolutionnaire. Cependant, comme Brando l »a dit plus tard, Kazan n »a pas forcé les acteurs à parler avec un accent mexicain, et tout le monde a parlé « un anglais standard, ce qui n »était pas naturel ».

Kazan a déclaré qu »il était satisfait de la rapidité et de l »énergie du film : « Steinbeck pensait que nous devions introduire plus de moments narratifs, mais je n »aimais pas ça. Le mérite du tableau est d »avoir mis en page tant de choses en des traits très rapides et colorés. » Comme l »a écrit Bosley Krauser dans le New York Times, Twentieth Century-Fox a créé « un très fort souvenir de Zapata » et « le maelström d »agitation le plus vivant depuis longtemps », où « le chef rebelle mexicain, joué par Marlon Brando, est rappelé comme un homme à la passion sauvage, dévoué aux pauvres et aux opprimés ». Selon M. Krauser, on peut bien sûr se demander si « Zapata était une âme aussi désintéressée, dévouée à son foyer, comme il est dépeint dans le film. Mais c »est certainement un portrait passionné de lui, d »une rare vivacité, et une image magistrale d »une nation en pleine révolution, réalisée par le réalisateur Elia Kazan ». Comme le note le critique, « Kazan est éloquent avec son travail de caméra, et tous ses plans individuels et leurs séquences, décrivant le massacre brutal de paysans affamés dans des champs de maïs mûrs, les embuscades, les combats mutins, les meurtres et même les foules dans les rues poussiéreuses, sont pleins d »un style et d »un sens particuliers. » Le critique contemporain David Thomson a conclu que « le film a réussi. Brando était complètement captivé par le travail, et le film avait un sens de la chaleur et de la poussière, de la passion et du mythe, quelque chose que Kazan était si désireux de réaliser ». Selon Sterrit, « le film reste à ce jour l »un des drames historiques les plus populaires et les plus respectés.

Le film a été nommé pour cinq Oscars, et a remporté celui du meilleur acteur dans un second rôle pour Anthony Quinn. John Steinbeck pour le meilleur scénariste et Marlon Brando pour le meilleur acteur dans un rôle principal ont également été nommés. Kazan a été nominé pour le Grand Prix du Festival de Cannes ainsi que pour le Directors Guild of America Award.

A lire aussi, biographies-fr – André de Grèce

Coopération avec la Commission d »enquête sur les activités anti-américaines

Selon Rothstein, il existait dans les années 1930 une cellule communiste secrète au sein du Group Theater, dont Kazan a été membre pendant près de deux ans. Lorsque le Parti communiste des États-Unis a donné l »ordre de reprendre l »ensemble du théâtre, Kazan a refusé de participer. Lors d »une réunion spéciale, il a été dénoncé comme un « brigadier » flagorneur de ses supérieurs, et sommé de se repentir et de se soumettre à l »autorité du Parti. Au lieu de cela, Kazan a démissionné du parti. Il écrira plus tard que cette expérience lui a appris « tout ce qu »il devait savoir sur le fonctionnement du Parti communiste américain ».

En 1947, la commission d »enquête du Congrès américain sur les activités anti-américaines commence ses travaux, « pour lesquels Kazan était une cible très évidente ». Lorsqu »il est appelé à témoigner pour la première fois devant la Commission au début de 1952, Kazan refuse de donner les noms des personnalités du cinéma qu »il connaît et qui sont membres du parti communiste. Cependant, les magnats d »Hollywood l »ont persuadé que s »il ne voulait pas ruiner sa carrière, il devait changer de position. Après cela, Kazan est revenu et a volontairement donné les noms des personnes qui étaient membres du parti. Cazan a déclaré à la Commission qu »il avait rejoint une cellule du parti communiste composée de membres du Théâtre du Groupe au cours de l »été 1934 et qu »il l »avait quittée 18 mois plus tard, frustré qu »on lui dise « comment penser, parler et agir ». Le dramaturge Clifford Odets, l »actrice Phoebe Brand et Paula Miller, actrice et épouse de Lee Strasberg, figurent parmi les huit personnes que Kazan a désignées comme communistes. Kazan s »est justifié en disant que tous les noms qu »il a cités étaient déjà connus de la Commission, mais selon certaines estimations, au moins la moitié n »étaient pas connus. Désireux de se disculper, Kazan rédige un article détaillé qu »il publie à ses frais dans le New York Times. Dans cet article, il déplorait son adhésion de 19 mois au parti communiste au début des années 1930 et invitait les autres à suivre son exemple et à citer des noms. (Dans son autobiographie, Kazan a affirmé que sa première femme avait en fait écrit l »article). Les connaisseurs ont été particulièrement choqués par le fait que Kazan ait désigné Phoebe Brand et Tony Kreiber comme des communistes, alors que c »est lui qui les a persuadés de rejoindre le parti. Lorsque Kreiber a été interrogé sur ses relations avec Kazan lors d »une réunion de la Commission en 1955, il a répondu : « Parlez-vous de Kazan, qui a signé un contrat de 500 000 dollars le jour après avoir donné des noms à la Commission ?

Dans les années qui suivent, Kazan tente à plusieurs reprises d »expliquer et de justifier publiquement son acte. Dans ses mémoires, Kazan écrit qu »il a consulté Arthur Miller sur la façon de procéder. Comme le rappelle Kazan : « J »ai dit que je détestais les communistes depuis des années et que je ne trouvais pas normal de renoncer à ma carrière pour les défendre. Est-ce que je me sacrifiais pour quelque chose en quoi je croyais ? » Sa décision, selon Rotschein, « lui a coûté de nombreux amis ».

Plus tard, Kazan a également donné l »explication suivante : « Vous pouvez détester les communistes, mais vous ne devez pas les attaquer ou les céder, car si vous le faites, vous attaquez le droit d »avoir un point de vue impopulaire. J »ai de bonnes raisons de croire que le parti doit être tiré de ses nombreuses cachettes et mis en lumière afin de faire le tri. Mais je ne dirais jamais rien de tel car cela serait considéré comme du  »harcèlement des rouges ». » À une autre occasion, Kazan a déclaré : « Des amis m »ont demandé pourquoi je n »avais pas choisi la solution décente consistant à tout dire sur moi, mais à ne pas nommer les autres membres du groupe. Mais cela n »aurait pas été ce que je voulais. Je suppose que les anciens communistes sont particulièrement intransigeants envers le parti. Je croyais que cette Commission, que tout le monde autour de moi maudissait – et j »en avais beaucoup contre elle – avait le bon objectif. Je voulais découvrir le secret. » Il a également déclaré que c »était « une chose terrifiante et immorale, mais je l »ai fait par conviction » et a poursuivi en disant : « Ce que j »ai fait était juste. Mais était-ce bien ? ». Selon la télévision CBS, si Kazan était loin d »être le seul à donner des noms à la Commission, de nombreux artistes ont refusé de le faire, ce qui leur a valu d »être mis sur une liste noire pendant de nombreuses années et de ne pas pouvoir trouver d »emploi. La décision de Kazan a fait de lui la cible de critiques intenses et soutenues tout au long de sa vie. » Bien des années plus tard, Kazan a déclaré qu »il ne ressentait aucune culpabilité pour ce que certains considéraient comme une trahison : « Il y a une tristesse normale à faire du mal aux gens, mais je préfère leur faire un peu de mal plutôt que de me faire beaucoup de mal. »

Comme le note Thomson, après le discours de Kazan, il y a eu « un moment de désengagement – beaucoup de gens, pour ne plus jamais parler à Kazan – voyant sa carrière gagnante, ils ont pensé à ces autres qui avaient été détruits. Ils ont vu la saleté dans son auto-justification et ont prédit sa catastrophe morale. » Son amitié avec Miller n »a jamais été la même. Plus tard, Miller écrit dans son journal intime une facette de son ami qu »il n »avait pas vue auparavant : « Il m »aurait sacrifié moi aussi ». Selon Thomson, Kazan a été hanté par sa décision des décennies plus tard. D »un autre côté, il a en partie « profité de la solitude qu »il s »était offerte et a puisé sa force dans le mélodrame des récriminations mutuelles ». Et pourtant, il s »est blessé lui-même, comme un héros tragique. » Le côté positif, cependant, c »est que toute cette affaire « l »a certainement rendu plus profond en tant qu »artiste et en tant que cinéaste ». D »une certaine manière, cette scission l »a amené à regarder plus profondément la nature humaine. »

En 1954, sort le film de Kazan, At the Docks, qui « a été considéré par beaucoup comme une excuse à la décision de Kazan de collaborer avec les chasseurs de rouges du Congrès ». Le héros du film, interprété par Brando, brise la conspiration du silence sur la situation sur les docks et désigne courageusement un patron syndical embourbé dans la corruption et le meurtre lors d »une audience télévisée. Le dramaturge et critique de cinéma Murray Horwitz a même qualifié le film d » »hommage au mouchard ». Selon Kazan, l »énorme succès de « Into Porto » a mis fin à ses craintes de voir sa carrière menacée : « Soudain, personne ne s »est intéressé à mes opinions politiques, ni au fait que j »étais controversé ou compliqué. Après « In Porto », je pouvais faire ce que je voulais. C »est comme ça qu »est Hollywood. »

Une fois encore, la question de l »acte de Kazan a attiré l »attention du public en janvier 1999, lorsque l »Academy of Motion Picture Arts and Sciences a annoncé que Kazan, âgé de 89 ans, recevrait un Oscar honorifique. Selon Dick Vosburgh, « il s »agissait d »une récompense pour l »ensemble de sa carrière – et pourtant sa vie a été ternie à jamais lorsque, le 10 avril 1952, il s »est volontairement présenté à la Commission du Congrès comme un communiste devant onze anciens amis et collègues. » Quarante-sept ans après l »annonce de la décision de l »Académie, les protestations se sont multipliées. Rod Steiger s »est vu refuser le prix alors qu »il avait reçu une nomination aux Oscars pour son rôle dans le film In the Port de Kazan. Le cinéaste Jules Dassin, qui a été mis sur la liste noire dans les années 1950, a publié un article payant dans The Hollywood Reporter pour exprimer son opposition à la décision de l »Académie. Victor Navasky, rédacteur en chef de The Nation, qui n »était pas non plus d »accord, a suggéré : « Donnez un Oscar à Kazan, mais mettez les noms des personnes qu »il a nommées au dos de celui-ci. » D »un autre côté, Kim Hunter a dit un jour : « Je ne pouvais pas le croire quand j »ai entendu que Gadge avait rejoint les chasseurs de sorcières. Il était un réalisateur de premier plan à Broadway, où il n »y a pas de listes noires – il aurait pu rester à New York, en attendant que le règne de la terreur prenne fin. Cela n »avait aucun sens ! ». Bien que Mme Hunter ait elle-même été mise sur la liste noire pendant 16 ans, elle estime néanmoins qu »un Oscar aurait été une juste récompense pour Kazan. Selon elle, « Gadge méritait l »Oscar malgré son témoignage. Chacun a fait ce qu »il avait à faire dans cette période de folie, de colère et de misère. »

A lire aussi, biographies-fr – Alexandre Rodtchenko

Carrière cinématographique 1953-1962

Comme l »a écrit David Thomson, les films de Kazan après son témoignage « semblaient avoir été réalisés par un homme nouveau ». Dans son autobiographie, Kazan a déclaré : « Les seuls films vraiment bons et originaux que j »ai réalisés l »ont été après mon témoignage ». Cependant, selon Dick Wosberg, « on ne peut pas en dire autant du film anticommuniste Man on a Rope (1953). Il se déroule en 1952 en Tchécoslovaquie. Le célèbre clown Karel Černik (Frederik March) dirige le cirque familial Černik, que le gouvernement communiste a rendu étatique. Cela entraîne des problèmes constants de personnel, d »organisation et d »économie, qui empêchent Czernik de maintenir le cirque à un niveau adéquat. En outre, son travail est constamment perturbé par la police secrète et le ministère de la propagande, qui insiste pour qu »il inclue des thèmes anti-occidentaux dans son programme. Karel est également en proie à des problèmes personnels – il désapprouve la relation de sa fille (Terry Moore) avec un nouvel artiste, qu »il considère comme une personnalité suspecte, et fait face à un traitement irrespectueux de la part de sa seconde épouse (Gloria Graham). Alors qu »il se produit près de la frontière bavaroise, Karel décide de traverser la frontière et de fuir avec le cirque vers l »Ouest. Lorsque Karel met son plan à exécution, l »un de ses plus proches assistants, qui s »avère être devenu un agent secret du gouvernement, commence par protester, puis blesse mortellement Karel. Néanmoins, à l »aide de tours de cirque, la troupe parvient à passer la frontière. Après avoir perdu deux autres camarades, le cirque se retrouve en Bavière. L »acte de Karel lui vaut le respect de sa veuve. Conformément aux dernières volontés de Karel, elle demande à la troupe de commencer son spectacle devant les personnes rassemblées sur la place.

Le scénario du film est basé sur le roman de Neil Peterson (1952), qui s »inspire de l »histoire vraie du cirque Brambach en Allemagne de l »Est en 1950. Comme le note l »historienne du cinéma Jill Blake, « Kazan a accepté la production de ce film aux studios de la Twentieth Century Fox pour tenter de réparer sa réputation brisée après la révélation de son association avec des communistes et son témoignage ultérieur devant la Commission des activités anti-américaines, où il a nommé des membres du parti communiste et d »autres collègues aux opinions gauchistes à Hollywood. » Comme Kazan l »a écrit dans son autobiographie, après avoir vu le spectacle du Circus Brambach, il s »est rendu compte qu »il devait réaliser le film Man on a Rope pour prouver qu »il n »avait pas peur de critiquer le parti communiste, dont il avait été brièvement membre.

Toute la troupe du cirque Brambach a participé au film, les artistes interprétant tous les numéros. Le tournage lui-même a eu lieu en Bavière et la production a été réalisée à Munich. L »équipe de production de Kazan était presque entièrement composée d »Allemands, et c »était le premier film d »une grande compagnie américaine avec une équipe entièrement allemande. Le film a reçu un accueil favorable de la part des critiques. En particulier, le critique Anthony Weiler du New York Times a fait une critique positive du film, le qualifiant de « non seulement un mélodrame captivant, mais aussi une vive critique des limites des modes de vie en nos temps troublés ». Cependant, le film n »a pas été un succès au box-office et a entraîné une perte pour le studio. Dans son autobiographie, Kazan a affirmé que la direction du studio avait considérablement réduit sa version de la mise en scène, transformant le film en un mélodrame ordinaire de type soap. Kazan est furieux et contrarié par la réception du film et affirme que le film a encore terni sa réputation auprès de ceux qui le considéraient comme un traître en raison de son témoignage. Cependant, selon Blake, Kazan a rapidement prouvé une fois de plus qu »il était un réalisateur de haut niveau avec In the Harbour et East of Heaven. Pour ce film, Kazan a reçu le prix spécial du Sénat au Festival du film de Berlin. Les critiques de cinéma contemporains ont été plutôt critiques à l »égard du film. Dennis Schwartz en particulier l »a qualifié d » »inexpressif, bien que crédible », notant que « c »est probablement le film le plus faible de Kazan ». Aujourd »hui, selon Thomson, le film est « peu connu ».

En 1954, écrit Vosberg, Kazan travaille avec le scénariste Budd Schulberg (qui a donné à la Commission d »enquête sur les activités anti-américaines les noms de 15 personnes) sur un « film magnifique » intitulé At the Port (1954) qui « réussit à faire d »un informateur un héros ».

Le film raconte l »histoire d »un ancien boxeur devenu docker, Terry Malloy (Marlon Brando), qui, répondant à la demande du patron du syndicat de la mafia, Johnny Friendly (Lee Jay Cobb), est involontairement impliqué dans le meurtre de son ami et collègue Joey Doyle, qui avait menacé de dénoncer Friendly à la Commission des crimes de l »État de New York. Edie, la sœur de l »homme assassiné (Eva Marie Saint), accuse le prêtre de la paroisse, le père Barry (Carl Molden), de ne pas aider les gens à échapper aux griffes de la mafia. Inquiet des propos d »Edie, Terry rend visite à son frère aîné Charlie (Rod Steiger), qui travaille pour Friendly en tant qu »avocat et comptable. Lors de la réunion, Friendly assure à Terry que la mort de Joey était nécessaire pour maintenir le pouvoir sur le port, puis il ordonne au directeur des docks de donner à Terry le meilleur emploi possible dès le lendemain. Le matin de la mise au banc des accusés, Terry est abordé par Eddie Glover de la Commission des affaires criminelles, mais Terry refuse de discuter du cas de Joey. Pendant ce temps, le père Barry invite les dockers à une réunion à l »église où il appelle à la fin du contrôle du port par les gangs, mais les dockers hésitent à soutenir le prêtre par peur de l »amitié. Les hommes de Friendly finissent par perturber la réunion en lançant des pierres à travers les fenêtres de l »église. Après la réunion, Terry et Edie deviennent visiblement proches. Glover remet à Terry une convocation à une audience de la Commission des Crimes. Lorsque Terry demande à Edie de ne pas lui demander qui a tué Joey, elle accuse Terry de travailler encore pour la mafia. Après que l »un des travailleurs a témoigné devant la Commission, les hommes de Friendly utilisent une grue pour le tuer en plein port, devant les autres travailleurs. Le père de Barry, indigné, s »adresse alors à nouveau aux dockers. Lorsque les hommes de Friendly commencent à provoquer le père de Barry, Terry massacre l »un d »entre eux, ce qui provoque le ressentiment de Friendly et Charlie. Terry demande conseil au père de Barry qui ne veut pas témoigner pour ne pas aller contre le frère de Charlie. Le père de Barry exhorte Terry à suivre sa conscience et à être honnête avec Edie. Terry raconte à Edie son rôle dans le meurtre de Joey, après quoi elle s »enfuit. Glover trouve Terry, lui offrant une chance de témoigner. En apprenant cela, Friendly ordonne à Charlie de s »occuper de son frère. Lorsque Charlie le menace d »une arme à feu au cours d »une conversation avec Terry, ce dernier reproche à son grand frère de l »impliquer dans la mafia. Charlie change de position et, en donnant l »arme à Terry, promet d »arrêter Friendly. Terry se réconcilie avec Edie, après quoi un camion tente de les écraser dans la rue. A proximité, sur une barrière, ils voient le corps de Charlie suspendu à un crochet à viande. Terry jure de se venger de Friendly pour son frère, mais le père de Barry le convainc qu »il est préférable de détruire Friendly par le biais du tribunal, et Terry jette donc l »arme. Le lendemain, à l »audience, Terry témoigne de l »implication de Friendly dans la mort de Joey, ce qui met en colère le voyou, qui crie que Terry ne travaillera plus au port. Chez lui, Terry se heurte à l »hostilité de ses voisins. Edie lui conseille alors de partir, mais il décide de rester. Le lendemain matin au port, tout le monde a un travail sauf Terry. Pendant ce temps, Friendly, qui est sur le point d »être inculpé, jure de se venger violemment de Terry. Terry convoque Friendly pour une discussion, disant qu »il est fier de ce qu »il a fait. Une violente bagarre s »ensuit, les hommes de Friendly battant presque Terry à mort. Le père de Barry apparaît, accompagné d »Edie. En les voyant, les déménageurs refusent d »obéir aux ordres de Friendly et le poussent dans l »eau. Le père de Barry aide Terry à se relever, puis il ramène les dockers au travail.

Comme l »a écrit l »historien du cinéma Glenn Erickson, « le film est une icône pour l »Amérique » et « exceptionnel à tous égards ». Il est remarquable pour son « travail de caméra brutal et sans compromis sur les docks froids de New York, qui a apporté aux écrans américains un réalisme brutal jamais vu auparavant dans les films noirs tournés sur place… Le film est une combinaison magistrale de théâtralité et de documentaire post-noir. Il crée un environnement new-yorkais tout à fait convaincant. Nous ressentons le froid des images réalistes de la rue en journée, et les violentes poursuites nocturnes utilisent la technique du noir expressionniste. » En outre, « comme dans presque tous les films de Kazan, le jeu des acteurs, la mise en scène et le scénario sont d »un très haut niveau ». Et enfin, « c »est l »un des meilleurs films de Marlon Brando ». Cela dit, comme le note Erickson, « extérieurement, le film ressemble à d »autres thrillers d »exposition de gangsters qui présentaient sous forme dramatique des enquêtes criminelles connues à l »échelle nationale. » Cela dit, « Kazan n »a jamais eu une approche aussi lourde de l »histoire, que ce soit avant ou après ce film. La saga Terry Malloy ressemble à une réponse artistique confuse aux critiques féroces de Kazan. Et si le film atteint souvent le niveau du drame, il n »est pas plus sophistiqué moralement que le western moyen des studios de la République ».

Comme l »écrit encore Erickson, « il s »agit d »un film controversé, condamné à générer des débats sur sa position politique. Son célèbre réalisateur a souvent affirmé par la suite que l »histoire de l »informateur anti-mafia était l »expression de sa propre expérience avec la Commission des activités anti-américaines pendant la chasse aux communistes à Hollywood. Cependant, selon le critique, « l »attrait du film est éclipsé par l »aspect politique. Certains admirateurs et apologistes considèrent Kazan comme un outsider, un solitaire qui a dû suivre sa propre voie. Et le film semble conçu pour entourer ses actions d »un halo de romance. Mais cette allégorie prolongée était-elle nécessaire ? » Comme le suggère Erickson, en fait, « Kazan s »est avéré être le genre de carriériste ambitieux qui considère le monde professionnel comme un champ de bataille incessant de gagnants durs et de perdants mous ». Comme le souligne Erickson, « dans ce film, Kazan s »identifie comme un noble mouchard, mais le cas de Terry Malloy en tant que mouchard justifié n »a rien à voir avec la situation de Kazan à la Commission. Terry dénonce les gangsters et les meurtriers corrompus qui exploitent les travailleurs comme lui. Il choisit de se ranger du côté des travailleurs et de protéger leurs intérêts. En revanche, Kazan dénonce ses collègues, scénaristes et autres cinéastes, qui n »ont eu aucune possibilité de se défendre lorsque leurs collègues les ont jetés aux loups. » Comme le note Thomson, « les ennemis de Kazan ont détesté le film parce qu »il était une excuse pour moucharder. Ils ont également vu la pseudo-politique de l »histoire elle-même, ainsi que sa position antisyndicale, comme une confirmation du fait que le réalisateur avait finalement vendu. » Et pourtant, selon le critique, « c »est un mélodrame exceptionnel, proche de la meilleure œuvre de James Cagney de son époque, avec un jeu d »acteur d »un niveau tel que les générations à venir l »ont appris par cœur. » Selon Thomson, peut-être « seul un homme blessé aurait pu faire un tel tableau, ou un homme qui sentait sa blessure plus aiguë que les autres ». C »est peut-être ce que signifie être un artiste ». Danny Pirie, dans Guide for the Film Fanatic, écrit que le film « a été critiqué sur plusieurs fronts : ceux qui ont été irrités par son affirmation selon laquelle le syndicat des dockers était corrompu en 1954 (comme le montrent clairement les articles de Malcolm Johnson, qui ont servi de source au film), ceux qui ont pensé qu »il était antisyndical, et ceux qui ont été irrités par la façon dont Kazan et Schulberg (tous deux informateurs pour la Commission des activités anti-américaines) ont manipulé le public pour le faire admirer ceux qui dénoncent la police et le gouvernement. » L »écrivain et spécialiste du cinéma Robert Sklar a écrit : « Les critiques continuent à débattre de la question de savoir si le film est porteur de valeurs démocratiques ou s »il offre une image des dockers comme des suiveurs passifs de celui qui les dirige – qu »il s »agisse d »un patron tyrannique ou d »un informateur. S »agit-il d »un véritable exposé, puisqu »il ne touche pas aux véritables détenteurs du pouvoir corrompu ? Ou n »est-il qu »un monument aux aspirations artistiques et aux compromis politiques de son époque ? »

Après sa sortie, The Hollywood Reporter a conclu qu » »après tant de drames en costumes, c »est probablement ce dont le box-office a besoin, car le film est tellement nerveux et captivant qu »il ne peut être comparé qu »à Little Caesar (1931) et Public Enemy (1931) ». Le New Yorker l »a qualifié d » »œuvre choquante du type de celles que l »on obtenait lorsque les studios Warner Brothers réalisaient des films sur Al Capone et ses associés ». Selon le critique du magazine Life, il s »agit du « film le plus violent de l »année, qui contient également les scènes d »amour les plus tendres ». Et c »est grâce à Brando. » Le critique de cinéma Anthony Weiler du New York Times a écrit : « Un groupe de réalistes, petit mais manifestement dévoué, a transformé l »art, la colère et certaines vérités terribles en ce film, le témoignage le plus brutal et inoubliable sur pellicule de l »inhumanité de l »homme envers l »homme qui soit sorti cette année. Et si ce puissant réquisitoire contre les vautours des quais n »offre parfois qu »un drame superficiel et une simplification excessive de la psychologie, il s »agit néanmoins d »une utilisation exceptionnellement puissante, captivante et créative de l »écran par des professionnels doués. » Le critique note également que « bien que Kazan et Schulberg n »aient pas creusé aussi profondément qu »ils l »auraient pu, ils ont choisi un casting et un décor appropriés et très forts pour leur sombre aventure. Le film expose de nombreux maux de l »activité mafieuse dans le port qui étaient déjà connus par la presse écrite. Le journalisme avait déjà raconté beaucoup de choses « de manière plus substantielle et multidimensionnelle, mais la mise en scène de Kazan, sa remarquable distribution et le jeu perspicace et énergique de Schulberg ont donné au film sa puissance distinctive et son impact formidable. TV Guide a ensuite décrit le film comme « une expérience dévastatrice du début à la fin, impitoyable dans sa description de l »inhumanité ». Il est encore plus sombre et plus brutal grâce à l »approche saisissante et non documentée du caméraman Kaufman. » Selon le magazine, « il s »agissait d »un film controversé pour l »époque en raison de sa violence, de son langage cru et de sa représentation audacieuse des syndicats sous un jour négatif. Le film a connu un succès étonnant au box-office, comparable à celui de la critique. Il a rapporté 9,5 millions de dollars pour un investissement de 900 000 dollars ».

Le film a reçu des nominations aux Oscars dans toutes les catégories d »acteurs. C »est le premier film à avoir trois acteurs représentés dans la même catégorie – meilleur second rôle masculin – Carl Molden, Rod Steiger et Lee J. Cobb. Le film a remporté des Oscars dans les catégories meilleur film, meilleur acteur (Brando), meilleur second rôle (Sainte), meilleur réalisateur (Kazan), meilleur scénario (Schulberg), meilleure photographie (Kaufman), meilleure direction artistique et meilleur montage. Le film a également été récompensé par la New York Film Critics Society, le National Board of Critics et quatre Golden Globes, dont celui de Kazan. Le film a également remporté la Coupe d »or au Festival du film de Venise.

Le film suivant de Kazan, East of Heaven (1955), basé sur « la nouvelle version de l »histoire de Caïn et Abel de John Steinbeck », a permis à James Dean d »accéder à la célébrité à l »écran, devenant « un autre grand acteur que Kazan a trouvé et formé ».

Le film se déroule en 1917 à Salinas, en Californie. L »éleveur Adam Trask (Raymond Massey) s »installe en ville avec ses deux fils jumeaux, le turbulent Caleb (James Dean) et le droit Aron (Richard Davalos), qu »il nomme d »après des personnages bibliques. Malgré leur amour mutuel, les frères sont très différents – Aron, comme son père, est très pieux et organisé, tandis que Cale est inconstant et se cherche dans la vie, à la grande désapprobation de son père. Selon leur père, les fils pensent que leur mère est morte peu après l »accouchement, tandis qu »Adam lui-même pense qu »elle s »est enfuie en Orient. Après avoir appris par hasard que la mère de Kate (Jo Van Fleet) est en vie et dirige une maison close dans la ville voisine de Monterey, Cal souffre de pensées selon lesquelles il est aussi « mauvais » qu »elle. Le projet d »Adam de livrer des légumes frais sur la côte Est échoue et il perd presque toute sa fortune. Pour renflouer les caisses de son père, Cal, avec son vieil ami Will Hamilton (Albert Dekker), se lance dans la culture et la vente de haricots, ce qui lui rapporte un bénéfice considérable. Lorsque la guerre éclate, Adam décide de retourner dans son ranch par manque d »argent, mais Cal, qui garde son entreprise de haricots secrète, demande à son père de ne pas s »inquiéter. Au carnaval, Cal protège Abra (Julie Harris), la petite amie d »Aron, des avances d »un des soldats. En attendant Aron, ils passent du temps ensemble et s »embrassent spontanément en montant sur la grande roue. Pendant ce temps, Aron devient protecteur d »un commerçant allemand qui est attaqué par une foule de faux patriotes, et Cal aide son frère jusqu »à ce que le shérif Sam arrête le combat. Lorsqu »Abra se présente avec le manteau de Cal, Aron accuse Cal d »avoir déclenché la bagarre par jalousie, après quoi Cal frappe son frère à plusieurs reprises. Pour l »anniversaire d »Adam, Cal offre à son père l »argent qu »il a gagné en vendant des haricots, mais celui-ci refuse de l »accepter car il ne veut pas profiter de la guerre. De façon inattendue, Aron annonce que lui et Abra sont fiancés. Un Cal en détresse hurle de douleur et s »éloigne, tandis qu »Abra tente de le réconforter. Aron, accusant son frère de « méchanceté et de cruauté », exige qu »il ne la touche plus jamais. Cal convainc son frère de l »accompagner à Monterey pour rencontrer Kate. Apprenant que sa mère, qu »il idolâtrait, est une prostituée, Aron, choqué, part. De retour chez lui, Cal décide de créer sa propre entreprise avec l »argent qu »il gagne et de vivre indépendamment de son père. Quand Adam pose des questions sur Aron, Cal répond : « Je ne suis pas le gardien de mon frère. » Après avoir accusé son père de ne pas l »aimer parce qu »il lui rappelle Kate, Cal avoue qu »il a été jaloux d »Aron toute sa vie. Il déclare à son père qu »il ne veut plus de son amour, tandis qu »Abre dit qu »il ne veut « plus d »amour » car il « ne rapporte rien ». Sam informe la famille qu »Aron a été impliqué dans une bagarre d »ivrognes, après laquelle il a décidé de s »engager comme soldat. Adam, Cal et Abra se rendent à la gare pour raccompagner l »ivrogne Aron, à qui on ne peut même pas parler. Après le départ du train, Adam perd connaissance et tombe dans les bras de Cal. Le médecin prescrit le repos au lit pour Adam et le laisse aux soins d »une infirmière en colère. Sam suggère à Cal de quitter la ville. Après s »être excusé auprès de son père, il commence à préparer ses affaires. Abra avoue à Adam qu »elle aime vraiment Cal, après quoi elle déclare que Cal ne sera jamais un homme sans l »amour qu »Adam lui a refusé. Elle supplie Adam de demander quelque chose à Cal pour lui montrer qu »il l »aime et qu »il a besoin de lui avant qu »il ne soit trop tard. Cal, sur l »insistance d »Abra, retourne dans la chambre de son père et lui dit qu »il a tenu compte de ses paroles selon lesquelles « un homme a le choix, et le choix est ce qui fait un homme ». Adam supplie alors Cal de renvoyer l »infirmière ennuyeuse et chuchote : « Reste avec moi et prends soin de moi. » Après avoir embrassé Abra, Cal rapproche sa chaise du lit de son père.

Comme l »a écrit l »historien du cinéma Sean Exmaker, en 1954, « étant à l »apogée de son succès, Kazan était libre de choisir le matériel qu »il voulait, et il a opté pour le roman à succès de John Steinbeck, East of Heaven, choisissant d »en projeter la dernière partie, basée sur l »histoire de Caïn et Abel. Plus tard, lors d »interviews, Kazan a souvent décrit le film comme étant autobiographique, un reflet de sa propre relation insatisfaisante avec son père et son jeune frère, que son père a toujours préféré, selon lui : « L »image du garçon est assez claire pour moi. Je connaissais un tel garçon, c »était moi-même. » Comme l »écrit encore Exmaker, « malgré le prestige de Steinbeck et la renommée de Kazan, la plus grande attention dans le film a été accordée à la découverte de Kazan, le jeune acteur new-yorkais James Dean, qui a fait ses débuts au cinéma dans le rôle-titre. Sur la suggestion du scénariste Paul Osborne, Kazan a regardé Dean jouer un petit rôle sur la scène de Broadway, après quoi, bien qu »il n »ait pas été entièrement satisfait des qualités d »acteur de Dean, il a néanmoins su immédiatement qu »il jouerait Cal, et Steinbeck était d »accord avec lui. » Kazan, qui était un partisan du système Stanislavski, a décidé d »abandonner la participation de stars hollywoodiennes au profit des jeunes acteurs du New York Actors Studio, et a également invité Richard Davalos et Julie Harris pour les rôles principaux. Le rôle d »Adam est confié à Raymond Massey, un acteur plus traditionnel, et la différence entre les deux écoles d »acteurs souligne, dans l »esprit de Kazan, la différence entre les deux générations. Selon Exmaker, pendant le tournage, Dean était souvent pris au dépourvu, ne connaissait pas les mots ou s »écartait du script, ce qui l »a amené à faire de nombreuses prises supplémentaires et à avoir de nombreux démêlés avec Massey. Cependant, comme Kazan l »a écrit plus tard, cela n »a fait que jouer à l »avantage du film : « C »était un antagonisme que je n »ai pas essayé d »arrêter, je l »ai alimenté. L »écran était vivant avec exactement ce que je voulais – ils se détestaient. »

C »était le premier film en couleur de Kazan et son premier en format CinemaScope, et il a exploité ces qualités d »image de façon superbe. Avec de longs plans, il installe le film dans le rythme plus lent de l »époque précédente, puis attire l »attention de la caméra sur la spontanéité agitée et nerveuse de Dean, qui tranche nettement avec le calme et la retenue du reste de l »équipe. Comme l »a écrit Kazan, « il avait un corps beaucoup plus expressif et agile que Brando, et il y avait beaucoup de tension en lui. Et j »ai beaucoup utilisé son corps vif dans les longs épisodes. » Les prises de vue en extérieur ont été tournées dans la vaste étendue du littoral de Monterrey, avec en toile de fond des champs massifs confinés dans les montagnes pour les scènes à Salinas. Les extérieurs lumineux de la journée, avec leurs champs dorés et leur ciel bleu, contrastent avec les intérieurs sombres et les scènes de nuit, à mesure que l »histoire devient plus sombre et plus problématique.

Comme le note Exmaker, « le film a connu un succès retentissant, et pas seulement parce qu »il a lancé le culte de James Dean. À sa sortie, Variety a noté la « dramaturgie puissamment sombre du roman de Steinberg » que Kazan a « fait vivre à l »écran ». Qualifiant le film d » »œuvre forte d »un réalisateur qui a un penchant pour une description puissante et dépassionnée de la vie », le magazine a poursuivi en notant que « Kazan n »a pas le mérite de sembler exiger de James Dean qu »il joue comme Marlon Brando, bien que l »acteur lui-même soit si convaincant qu »il réussit à toucher le public malgré le lourd fardeau de copier le style, la voix et les manières d »un autre ». Le critique de cinéma Bosley Crowther du New York Times a fait l »éloge du film, écrivant que « sur un point, il est superbe. La façon dont Kazan utilise l »étendue et l »atmosphère de la Californie est sans égale. Certains plans d »intérieur, en particulier dans la dernière scène, ont également une atmosphère, et font vibrer le spectateur par leurs forts sous-entendus émotionnels. » Cependant, on a l »impression que « le réalisateur travaille davantage avec la scénographie qu »avec les personnages… Les personnages de ce film ne sont pas bien préparés pour donner une idée de la souffrance qu »ils endurent, et l »étalage de leurs tourments est nettement stylisé et grotesque ». C »est particulièrement vrai pour James Dean dans le rôle de Cal…., un personnage dérouté et grincheux. Ce film est plein d »énergie et de suspense, mais peu de clarté ou d »émotion. C »est comme un énorme iceberg vert – c »est énorme et imposant, mais très glacial. » Cependant, les évaluations du film ont été pour la plupart positives. Le Library Journal, par exemple, a qualifié le film de « l »un des meilleurs films de cette année ou de toute autre année, un film qui jette un regard intérieur profondément troublant sur ce que les psychologues appellent les « sentiments de rejet » ». William Zinsser, dans le New York Herald Tribune, a écrit que « Kazan fait en sorte que ses personnages se révèlent lentement, mais lorsqu »ils éclatent finalement en colère ou en violence, vous comprenez exactement pourquoi cela se produit ». En 1984, la célèbre critique de cinéma Pauline Cale a estimé qu »il s »agissait d » »un film d »une sensibilité et d »une nervosité frappantes, d »une poésie fiévreuse… En tant que jeune héros romantique et aliéné, James Dean fait preuve de toutes sortes de maladresses charmantes – il est sensible, sans défense, blessant… Dean semble être allé aussi loin qu »il le pouvait dans la représentation de quelqu »un qui n »est pas compris… C »est loin d »être ennuyeux, mais certainement un film très étrange ». Jeff Andrew a écrit en 2000 : « L »adaptation par Kazan du roman de Steinbeck sur deux adolescents qui se disputent l »amour de leur père est aussi verbeuse et pleine d »allégories bibliques que le roman lui-même. Néanmoins, il s »agit d »un film au jeu d »acteur superbe, à la caméra atmosphérique et au sens précis du temps et du lieu. » David Thomson en 2000 estimait que « c »est le meilleur film de Kazan : en partie à cause de l »indécision piquante de Dean, en partie à cause du choc fascinant des styles d »interprétation (Dean et Massey), et aussi parce que le format CinemaScope a encouragé Kazan à travailler la caméra avec le même soin d »écriture qu »il accordait habituellement entièrement à ses acteurs. » Kenneth Turan a écrit dans le Los Angeles Times en 2005 qu »il s »agissait « non seulement de l »un des films les plus riches de Kazan et du premier rôle important de Dean, mais peut-être aussi du meilleur rôle de l »acteur ».

Le film a été nommé pour quatre Oscars, dont celui du meilleur réalisateur (Kazan), du meilleur scénariste (Osborne) et du meilleur acteur pour James Dean, qui est décédé dans un accident de voiture avant l »annonce des nominations (il s »agissait de la deuxième nomination posthume de l »histoire des Oscars et de la première des trois nominations de Dean). Cependant, seule Jo Van Fleet a remporté un Oscar pour son second rôle. Le film a également remporté le Golden Globe du meilleur film et le prix du meilleur film dramatique au Festival de Cannes, et Kazan a été nommé meilleur réalisateur par la Directors Guild of America.

Kazan réalise et produit son film suivant, Dolly (1956), que Rothstein qualifie de « comédie noire sur un thème sexuel ».

Le film, basé sur une pièce en un acte de Tennessee Williams, se déroule dans une petite ville du delta du Mississippi. Dans un manoir délabré du Sud, une séduisante jeune fille de dix-neuf ans surnommée Dolly (Carroll Baker) est malencontreusement mariée à un malheureux propriétaire de machines à nettoyer le coton, Archie Lee Meighan (Carl Molden), qui est beaucoup plus âgé qu »elle. Avant de mourir, le père de Dolly a accepté son mariage avec Archie à la condition qu »il ne prenne pas sa virginité avant son vingtième anniversaire. À deux jours d »un autre anniversaire, Archie devient de plus en plus impatient dans son désir de faire de Dolly sa femme « pour de vrai » – il commence par jeter un coup d »oeil à son bain, puis tente de l »aborder. Le lendemain soir, ils voient des meubles être enlevés de leur maison pour cause de dette. Dolly décide alors de s »éloigner de son mari et de s »installer dans un motel. Pendant ce temps, Silva Vacarro (Eli Wallach), le directeur de la nouvelle usine de nettoyage du coton, qui est arrivé de Sicile, célèbre avec ses ouvriers leur première récolte réussie. Archie, qui a perdu tous ses revenus à cause de Silva, met le feu à son usine, qui brûle en plein milieu de la fête. Malgré les tentatives de Silva de signaler l »incendie criminel, la police, qui le perçoit comme un étranger, refuse d »enquêter. Le lendemain matin, Silva apporte son coton à Archie pour le traiter. Alors qu »il est occupé avec le coton, Silva apprend de Dolly qu »Archie est parti de chez lui la nuit dernière. Silva commence alors à flirter avec Dolly, décidant ainsi de se venger d »Archie pour avoir mis le feu. Elle est heureuse de l »attention de Silva, mais trouve la force de lui résister et se rend chez son mari, qui répare sa voiture. Furieux de son apparence, Archie gifle Doll au visage. Silva est horrifiée par l »état de l »équipement d »Archie et par le fait que les travaux n »ont pas encore commencé. Lorsqu »Archie part chercher une nouvelle courroie pour la machine, Dolly court après lui, craignant de rester seule avec Silva. Lorsque le matériel parvient à s »installer, Dolly parle à Silva de sa relation avec son mari, affirmant que son « état de préparation » dépendra du retour ou non des meubles dans la maison. En l »absence d »Archie, Dolly et Silva commencent à se déchaîner dans la maison avec des connotations érotiques. À la fin, Silva annonce à Dolly qu »elle la laissera tranquille si elle signe une déclaration de témoin incriminant son mari dans l »incendie criminel. Les larmes aux yeux, elle signe le papier et persuade ensuite Silva de se reposer dans son lit de camp. Lorsqu »Archie rentre chez lui, Dolly accuse son mari d »incendie criminel et annonce que leur relation est terminée. Elle dit qu »elle va s »amuser avec Silva pendant qu »il s »occupe du coton sur la voiture d »Archie. Silva prend de plus en plus confiance dans la maison d »Archie, et engage même sa tante Rose, qui a été renvoyée, comme cuisinière. Archie finit par accuser sa femme de le tromper, mais Silva lui assure qu »il n »est venu que pour obtenir une déclaration. Lorsqu »un Archie en colère s »empare d »une arme, Silva se cache dans un arbre et Dolly appelle la police, puis se cache avec Silva. La police arrive et retire l »arme à Archie, après quoi Silva montre la déclaration de Dolly incriminant Archie. Avant de partir, Silva promet de revenir le lendemain avec plus de coton. Le marshal de la ville informe alors Archie qu »il doit l »arrêter « par décence », et on voit Archie revenir seul à la maison le jour de son vingtième anniversaire par Dolly. À la maison, elle dit à tante Rose qu »elle devra attendre jusqu »à demain pour voir si le grand et sombre inconnu se souviendra d »elles.

Comme l »a noté l »historien du cinéma Jay Steinberg, « Kazan, qui n »a jamais reculé devant la provocation, a persuadé Tennessee Williams, son partenaire habituel au théâtre et à l »écran, au début des années 50, de préparer une courte pièce en un acte pour le cinéma intitulée 27 Carts of Cotton. Le résultat est une farce noire amusante et souvent insolente sur le Sud profond qui a rendu furieux les prudes de l »époque, mais qui a fini par être considérée comme tout à fait inoffensive. » Le film a été tourné dans le Missouri, et Kazan a fait appel à de nombreux habitants de la région pour des petits rôles, avec un excellent effet. Selon Steinberg, Carroll Baker et Wallach, que Kazan a fait venir de l »Actors Studio, étaient toutes deux excellentes – la chaleur sexuelle générée par leurs scènes ensemble est encore palpable aujourd »hui. Bosley Crowther a donné au film une critique mitigée dans le New York Times après sa sortie, notant la faiblesse de l »histoire et de l »imagerie psychologique par rapport à Un Tramway nommé Désir. Dans le même temps, le critique fait l »éloge de la composante satirique du film, notant que Williams a écrit ses « personnages trashs et imparfaits de telle manière qu »ils sont cliniquement intéressants » et que « sous la superbe direction de Kazan, les acteurs dévorent pratiquement l »écran ». De plus, les personnages sont présentés avec une franchise grésillante. Pas une seule laideur de leur vie n »est passée sous silence. » Cela dit, le « flirt entre Dolly et Vacarro, que Kazan a mis en scène avec un sens frappant, est particulièrement impressionnant. Bien qu »il ne se demande pas si la jeune fille a été réellement séduite, il ne fait aucun doute qu »elle est courtisée et poursuivie avec exubérance. M. Kazan trouve constamment un équilibre entre l »émotionnel et le ridicule. » Mais, comme le note Krauser, « l »aspect le plus artistique et le plus digne du film est de loin les compositions picturales de Kazan, rendues en noir et blanc contrasté et ayant pour la plupart pour toile de fond une vieille ferme du Mississippi ». TimeOut a ensuite qualifié le tableau de « probablement l »un des moins ambitieux de Kazan ». C »est essentiellement une comédie noire sur un triangle romantique étrange et violent. » Bien que le film ait été condamné par la Légion nationale de la décence à sa sortie, « son contenu érotique est aujourd »hui considéré comme très modéré ». D »un autre côté, « les acteurs grotesquement caricaturaux et l »image inoubliable d »un manoir sulfureux, poussiéreux et paresseux constituent un spectacle spirituel et irrésistible ».

Selon Steinberg, malgré un fort accueil critique, le box-office n »a été que médiocre et le film n »a obtenu que quatre nominations aux Oscars – pour Williams comme scénariste et Boris Kaufman comme caméraman, et pour les actrices Carrol Baker et Mildred Dunnock. Les raisons en sont en partie dues à la réaction négative des organisations chrétiennes à l »égard de la photo. Kazan se souvient : « Après la première bonne semaine, il y a eu une baisse rapide et le film n »a jamais été rentable. Aujourd »hui, le film ne ressemble à rien de plus qu »une comédie plutôt drôle, et il est surprenant qu »il ait fait autant de bruit à l »époque. » Kazan a remporté un Golden Globe et une nomination au New York Society of Film Critics Award pour son travail de réalisateur et le film a également reçu une nomination au BAFTA du meilleur film.

Cazan se tourne alors à nouveau vers la collaboration avec Budd Schulberg, produisant « une pièce satirique puissante », Face in the Crowd (1957), « un film sur les médias et le vedettariat », qui raconte comment « un démagogue rural arrive au pouvoir grâce aux médias ». Il s »agit, selon Susan King, « d »un film magnifique sur un vagabond de l »Arkansas qui devient une star de la télévision, détruisant tous ceux qui l »entourent » et, selon McGee, « un film puissant avec un message sur le pouvoir des célébrités dans les médias de masse ».

Le film commence par une scène dans une prison rurale de l »Arkansas d »où la journaliste Marcia Jeffries (Patricia Neal) émet pour une station de radio locale. Là, elle attire l »attention d »un vagabond ivre, Larry Rhodes (Andy Griffith), qu »elle persuade de parler de sa vie et de chanter pour la radio. La performance de Larry, charismatique et plein d »esprit, fait forte impression sur le propriétaire de la station de radio, qui décide de faire une émission matinale régulière avec Larry, qui reçoit le nom de Lone Rhodes. Avec quelques difficultés, Marcia parvient à persuader Rhodes d »animer l »émission, qui devient instantanément un succès auprès des auditeurs de la radio. Au bar, Rhodes confie à Marcia que tous les récits de sa vie, qu »il livre à l »antenne, sont en fait des fictions. Marcia fait passer Rhodes à l »étape suivante en déménageant avec lui à Memphis, où il commence avec succès à animer une émission de télévision. Marcia et Rhodes commencent une liaison. Après la montée en flèche des ventes du sponsor de l »émission, une entreprise de matelas, l »un des employés ambitieux de l »entreprise, Joey De Palma (Anthony Franchoza), crée une société commune avec Rhodes, lui promettant un gros contrat avec une agence de publicité de New York. Bientôt, Rhodes commence à promouvoir les vitamines Vitajex, en les faisant passer pour des pilules stimulant la libido. Les ventes commencent à monter en flèche, tout comme l »audience de Rhodes. Le général Hainsworth, président de Vitajex, décide d »utiliser Rhodes pour promouvoir le sénateur Worthington Fuller à la présidence. Après avoir fait la couverture du magazine Life, Rhodes devient une figure nationale, organisant des téléthons et lançant des bateaux. Dans son luxueux appartement, Rhodes demande Marcia en mariage et elle accepte. Cependant, Rhodes revient d »un autre voyage d »affaires avec sa nouvelle femme de 17 ans. Rhodes explique à Marcia qu »il a peur de l »épouser en raison de son attitude critique à l »égard de son comportement et, en retour, Marcia exige de faire d »elle une partenaire égale dans son entreprise. Tout en assurant avec succès la promotion de Fuller à la télévision, Rhodes commence simultanément à le dominer en imposant ses vues, ce qui déplaît à Hainsworth. Un jour, Marcia est approchée par son ancien assistant Mel Miller (Walter Matthau), l »informant de son intention d »écrire un reportage sur Rhodes intitulé « Le démagogue en jeans ». Joey entame une liaison avec la femme de Rhodes, et lorsque ce dernier tente de rompre avec Joey, il lui rappelle qu »il possède 51 % de leur société commune. Le lendemain, Marcia, qui a perdu ses illusions à l »égard de Rhodes, décide de mettre fin à sa carrière en organisant secrètement une provocation lors d »une émission de télévision qui donne une mauvaise image de Rhodes. Les membres du public se détournent de lui, suivis par les annonceurs. Rhodes persuade Marcia de retravailler avec lui, mais elle part et Mel lui dit que bientôt tous ses fans l »oublieront. Lorsque Marcia entend l »appel apitoyé de Rhodes depuis la rue, elle s »arrête un instant, mais Mel la convainc qu »elles doivent passer à autre chose.

Comme l »a écrit l »historien du cinéma Scott McGee, « clairement en avance sur son temps, c »était certainement l »un des premiers films à soulever la question de l »impact de la télévision ». Aujourd »hui, la vision de la télévision de Kazan et Schulberg « semble tout à fait visionnaire ». Ils ont réalisé le film « pour nous avertir que lorsque nous allumons nos téléviseurs, nos radios ou que nous exerçons notre droit de vote, nous devons nous méfier du fantôme de Lone Rhodes ». Cet avertissement est toujours d »actualité. » Selon M. Kazan, « l »une des raisons pour lesquelles nous avons réalisé ce film est la fantastique mobilité verticale dans ce pays, la vitesse à laquelle on monte et on descend. Nous le savions bien tous les deux, car nous nous étions nous-mêmes retrouvés plusieurs fois en haut et en bas. Notre objectif était d »avertir le public par le biais d »Odinoche Rhodes – faites attention à la télévision… Nous essayons de dire : ne faites pas attention à son apparence, ne faites pas attention à qui il ressemble, ne faites pas attention à qui il vous rappelle, écoutez ce qu »il dit… La télévision est bonne pour cela. Elle trompe certaines personnes et en expose d »autres. » Kazan a déclaré plus tard dans une interview que le film était « en avance sur son temps… La première partie du film est plus une satire et la deuxième partie implique davantage le spectateur dans le destin et les sentiments de Lone Rhodes… Ce que j »aime dans ce film, c »est son énergie, son inventivité et ses sauts brusques, ce qui est très américain ». Il y a vraiment quelque chose de merveilleux dans ce rythme changeant et palpitant. À bien des égards, il est plus américain que tout autre film que j »ai fait. Elle représente la vie des affaires, la vie urbaine, la façon dont les choses se passent à la télévision, le rythme de la vie du pays. Son sujet, même aujourd »hui, est tout à fait significatif. »

Le film a été tourné dans divers endroits de l »Arkansas, de Memphis, du Tennessee et de New York. À New York, un vieux studio a été utilisé pour le tournage, où l »authenticité de l »environnement a été maintenue par la présence de nombreuses personnalités de la télévision reconnaissables dans le cadre. Le critique de cinéma du Sunday Times, Dylis Powell, se souvient avoir passé une matinée dans un studio du Bronx à « regarder Kazan répéter des scènes de Faces in the Crowd ». À l »époque, j »ai été frappé par la richesse de l »inventivité que Kazan a apportée à l »œuvre, ses idées sur les gestes, la tonalité, les regards – une grande richesse de détails – travaillant à renforcer la vivacité comique de chaque scène. Et maintenant, quand je vois le film terminé, il y a à nouveau la même densité d »image qui m »émerveille. Rien n »est laissé au hasard. » Selon McGee, contrairement à de nombreux autres films « honnêtes » dont la faiblesse est leur « mollesse, leur timidité et leur neutralité anesthésiante », ce film est « passionné, sublime, féroce et implacable, ce qui est un délice pour l »esprit ». Le film est également important dans la mesure où il a lancé les carrières d »Andy Griffith et de Lee Remick, qui ont fait leurs débuts dans ce film.

À sa sortie, le film a déçu au box-office et a reçu des avis mitigés du public et des critiques. Bosley Krauser, dans le New York Times, a notamment écrit que Schulberg et Kazan, qui « ont fait preuve d »une rare sympathie lorsqu »ils ont travaillé sur  »Into the Harbour », se produisent à nouveau ensemble, retraçant l »ascension (et la chute) phénoménale d »un  »personnage » de la télévision dans leur nouveau film, Face in the Crowd ». Selon le critique, « cet exposé grésillant et cynique a plus à voir avec la nature même de la personnalité flamboyante de l »idole qu »avec l »environnement et la machine qui l »ont produite. Shulberg a peint l »homme puissant comme un rustre et un plouc grossier et vulgaire, et Griffith, sous la direction de Kazan, l »incarne avec une énergie tonitruante. Schulberg et Kazan produisent un monstre qui ressemble au monstre du Dr Frankenstein. Et ils sont tellement fascinés qu »ils lui consacrent tout le film. En conséquence, selon Krauser, son apparente « domination, la quantité de détails télévisés et le style narratif saccadé de Kazan rendent le film un peu monotone ». Le critique contemporain Dennis Schwartz a qualifié le film de « satire caustique et cinglante de  »l »ascension et la chute » qui lance un avertissement sur les personnalités emblématiques créées par la télévision – elles peuvent être hypocrites et pas aussi géniales que vous le pensez si vous les jugez uniquement sur leur apparence à l »écran ». Kazan a reçu une nomination pour le prix de la Directors Guild of America pour ce film.

À propos du mélodrame Wild River (1960), Thomson a écrit que c »était « un chef-d »œuvre qui n »a pas reçu l »attention qu »il méritait », tandis que Vosburgh l »a qualifié de « film sous-estimé ». C »est en 1941, alors que Kazan créait un spectacle théâtral pour le ministère de l »Agriculture à New York, qu »il a eu l »idée du projet, qui est finalement devenu ce film. Kazan s »est intéressé à la manière dont les agences gouvernementales traitaient les personnes « de chair et de sang ». Il s »est notamment intéressé au sort de ceux qui ont rencontré la Tennessee Valley Authority, une agence fédérale créée en 1933 pour assurer la gestion de l »eau et le développement socio-économique de la Tennessee River Valley, une région durement touchée par la Grande Dépression. Kazan voyait dans ce projet un hommage au président Roosevelt et à son New Deal. Pendant des années, Kazan a travaillé sur son propre scénario pour le film envisagé, mais il n »était pas satisfait du résultat et a demandé l »aide de son ami, le dramaturge et scénariste Paul Osborne, qui avait écrit le scénario d »À l »est d »Eden. Entre-temps, les studios de la 20th Century Fox avaient acquis les droits de deux romans traitant à peu près du même thème : Dunbar Cove de Borden Deale, qui raconte la lutte entre les autorités et les anciens propriétaires terriens de la vallée du Tennessee, et Mud in the Stars de William Bradford Huey, qui raconte l »histoire d »une famille rurale matriarcale et sa réaction à la destruction de ses terres. Osborne a combiné l »idée originale de Kazan avec les deux livres, ce qui a finalement satisfait le réalisateur.

Le film se déroule en 1933, lorsque la Tennessee Valley Authority commence à construire une cascade de barrages sur le fleuve afin d »éviter des inondations meurtrières et d »améliorer le niveau de vie de la population locale. L »Autorité envoie son employé Chuck Glover (Montgomery Clift) dans une petite ville du Tennessee avec pour mission d »achever la réinstallation des habitants et de défricher les terres dans la section de la vallée qui doit être inondée. La première tâche de Chuck est de convaincre le gouvernement de vendre leurs terres à la vieille Ella Garth (Joe Van Fleet), dont la famille vit sur une île au bord de la rivière depuis des générations. Après qu »Ella a refusé de lui parler, Chuck se tourne vers ses trois fils adultes, mais le plus âgé d »entre eux, Joe John Garth, jette Chuck dans la rivière. Le lendemain, Chuck rend à nouveau visite à Ella, qu »il retrouve entourée de ses employés noirs et de leurs familles. Elle déclare qu »elle n »est pas intéressée par les commodités modernes que le barrage apportera et qu »elle ne peut pas être forcée de vendre sa terre car ce serait « contre nature ». Chuck invite les travailleurs dans son bureau pour discuter de leurs possibilités d »emploi. Chuck se rapproche également de la petite-fille d »Ella, Carol Baldwin (Lee Remick), une jeune veuve solitaire avec deux jeunes enfants, qui a déménagé sur l »île après la mort de son mari. Carol comprend le caractère inévitable du progrès et accepte d »aider Chuck, bien qu »elle se rende compte que pour Ella, quitter son pays natal équivaudrait à la mort. Une relation romantique se développe entre Chuck et Carol. Avec l »aide de travailleurs noirs, Chuck commence à défricher l »île. Cela déplaît aux habitants de la région, qui exigent que Chuck paie les travailleurs noirs moins que les travailleurs blancs. Peu à peu, les ouvriers d »Ella, puis ses fils, sont sur le point de quitter l »île. Finalement, Ella se retrouve seule sur l »île, à l »exception du fidèle Sam, qui refuse de la quitter. Chuck reçoit l »ordre de Washington d »engager une procédure auprès du US Marshal pour expulser Ella par la force. Ayant obtenu la déclaration d »incompétence de sa mère, ses deux fils proposent à Chuck de leur racheter les terres de sa mère. Pendant ce temps, Chuck développe un respect croissant pour Ella. Le lendemain, contre son gré, il demande au marshal de retirer Ella de sa parcelle, puis se rend sur l »île pour tenter une dernière fois de la persuader de partir elle-même. Ayant essuyé un nouveau refus, Chuck retourne chez Carol, qui le supplie de l »emmener avec lui, mais Chuck est incapable de lui donner une réponse. Pendant ce temps, une foule d »habitants en colère détruit la maison de Carol et la voiture de Chuck, puis bat Chuck lui-même. Après que la foule se soit jetée sur Carol, le shérif a mis fin à la confrontation. Ravi de l »héroïsme de Carol, Chuck la demande en mariage et ils se marient le soir même. Le lendemain, Chuck et Carol arrivent avec le marshal sur l »île pour rendre visite à Ella. Après que le marshal a lu l »avis d »expulsion, une Ella silencieuse marche vers le ferry au son des coups de hache et des arbres qui tombent. Dans sa nouvelle maison moderne, Ella est assise sur le porche, regardant la rivière et refusant de parler. Au bout d »un certain temps, alors que les ouvriers ont fini de nettoyer l »île et se préparent à brûler sa ferme, Ella meurt. Une fois les travaux terminés, Chuck et sa nouvelle famille s »envolent de la vallée, survolant d »abord l »île Garth, devenue un minuscule point dans un lac artificiel, puis le puissant nouveau barrage.

À l »origine, Kazan avait prévu de confier le rôle principal à un acteur moins jeune, mais au fur et à mesure qu »Osborne développait le scénario, Kazan a décidé de confier le rôle central à un jeune employé sexy du ministère de l »agriculture, ce qui aurait ajouté de l »énergie et un attrait commercial au film. À l »origine, Kazan voulait confier le rôle principal à Brando, mais il a finalement opté pour Montgomery Clift, malgré des doutes sur sa fiabilité. Après un terrible accident de voiture qui a ruiné son beau visage et détruit son corps, Clift a souffert d »une dépendance à l »alcool et aux drogues. On savait qu »il avait eu des difficultés avec son précédent film « Suddenly Last Summer » (1959), mais Kazan a apprécié le talent de Clift en 1942, lorsqu »il a travaillé avec lui sur la pièce « La peau des dents ». Il offre à l »acteur des rôles principaux dans ses films « In the Port » (1954) et « East of Heaven » (1955), mais Clift refuse les deux. Cette fois, Kazan a dit sans détour : « Je ne peux pas travailler avec un ivrogne », et oblige Clift à faire la promesse qu »il ne touchera pas d »alcool pendant le tournage. Clift, qui avait un énorme respect pour Kazan, a fait de son mieux pour tenir sa promesse, et de l »avis général, il a très bien réussi, livrant une performance puissante et concentrée.

Dans ses mémoires, Kazan écrit à propos du film : « J »ai découvert une chose étonnante. Je suis passé de l »autre côté… Mon personnage était censé être un agent déterminé du New Deal, engagé dans la tâche difficile de persuader les villageois  » réactionnaires  » de quitter la terre pour le bien public… Mais au fur et à mesure que je travaillais, je me suis rendu compte que mes sympathies allaient à la vieille dame têtue qui refusait d »être patriote.  » Il a également constaté qu »une fois que Clift a été impliqué, la dynamique du film a changé : « Il n »est pas à la hauteur des villageois qu »il doit convaincre du  »plus grand bien », et il n »est certainement pas à la hauteur d »aucun d »entre eux physiquement s »il s »agit de violence. Au sens figuré, c »est l »histoire du choc entre les faibles et les forts – mais à l »envers. » Kazan a accepté avec joie ce changement, et a renforcé le dispositif avec le reste de la distribution. Pour le rôle d »Ella Garth, il a pris Jo Van Fleet, 44 ans, qui s »était spécialisée dans les rôles d »héroïnes beaucoup plus âgées et qui a remporté un Oscar pour son rôle dans À l »est d »Eden. Comme Kazan l »a écrit, il savait qu »elle allait « dévorer Clift tout cru » dans leurs scènes ensemble, et c »est ce qu »il voulait faire. Pour le rôle de Carroll, douce mais volontaire, Kazan a choisi Lee Remick, avec qui il a travaillé sur le film « Face in the crowd » (1957) et qu »il considère comme « l »une des meilleures jeunes actrices » de l »époque, ainsi que comme « une personne exceptionnelle ». Dans le film, Kazan profite pleinement du fait que Remick sera dominant et que Clift sera « sexuellement peu sûr de lui ». Cette combinaison inégale de personnalités, selon l »historien du cinéma Roger Freistow, « donne une tension inhabituelle et délicieuse à leurs scènes d »amour ».

Il s »agit du premier grand film à être entièrement tourné dans le Tennessee. Le tournage a commencé en novembre 1959 et a duré deux mois et demi. Les habitants, qui n »avaient aucune expérience du métier d »acteur, ont joué environ 40 des 50 rôles avec des mots. La propriété de Garth, dont la construction a pris deux mois et coûté 40 000 dollars, a été réduite en cendres dans la scène finale du film. Kazan a passé six mois à monter le film, qui est sorti en juillet 1960. Le film commence par un prologue en noir et blanc relatant des images de l »inondation de la rivière Tennessee, qui a causé de grandes destructions et coûté de nombreuses vies humaines.

Sentant que le studio ne donnerait aucune chance au film d »être largement distribué aux États-Unis et ne s »occuperait même pas des offres en Europe, Kazan n »a pas fait de « scène tapageuse » dans le bureau du directeur du studio, Spyros Skouras. Kazan, en particulier, a écrit : « L »argent gouverne le marché et selon cette règle, le film est un désastre ». Le film a déçu au box-office, et les critiques de l »époque étaient mitigées. A.H. Weiler, dans le New York Times, a notamment écrit : « Malgré son titre, le film se présente comme un drame intéressant mais étrangement dérangeant plutôt que comme un examen écrasant de l »aspect historique d »une Amérique en mutation. Bien que l »accent soit mis sur les personnes affectées par la Tennessee Valley Authority au début des années trente, le producteur-réalisateur Elia Kazan distrait étrangement le spectateur avec une romance qui partage l »importance du bouleversement social et économique qui est sûrement le plus proche du cœur de ce film. Suivre deux cours en même temps diminue la puissance potentielle de l »image. La rivalité entre le jeune amour et l »impact du progrès sur les vieilles coutumes devient une dichotomie insidieusement intrusive. Cela dit, curieusement, les deux composantes de cette belle histoire populaire sont réalisées de manière professionnelle… Kazan mérite de véritables éloges pour ne pas prendre parti dans le traitement des aspects socio-économiques de son histoire. » Le film est arrivé huitième dans le classement des meilleurs films du National Council of Critics en 1960, et Kazan a été nommé pour l »Ours d »or au Festival du film de Berlin. Le film s »est avéré par la suite avoir de nombreux partisans parmi les critiques contemporains. Par exemple, Dave Kehr du Chicago Reader l »a qualifié de « probablement le film le plus subtil et le plus profond de Kazan, une méditation sur la façon dont le passé supprime et enrichit le présent ». La critique du magazine TimeOut disait que « c »est peut-être le tournage en extérieur, peut-être le jeu des acteurs, mais cette histoire lyrique en style libre de Kazan est devenue l »un de ses films les moins théâtraux et les plus émouvants. Cela s »explique en partie par le fait que la ligne de bataille – entre la ville et la campagne, l »ancien et le nouveau, l »opportunisme et la conviction – est effectivement brouillée, rendant le conflit plus complexe sur le plan dramatique que ce à quoi on pourrait s »attendre ; mais la nostalgie évidente de Kazan pour le cadre des années 1930 (New Deal) donne également au film plus de profondeur et d »envergure que ce que l »on trouve habituellement dans son œuvre. » Comme le note Freistow, ce film « est resté un favori du réalisateur lui-même ».

Selon Rothstein, parmi les films de Kazan « qui résonnent encore particulièrement auprès des jeunes cinéphiles, il y a Splendeur dans l »herbe (1961) avec Warren Beatty et Natalie Wood dans les rôles d »adolescents amoureux qui font face à l »hypocrisie des adultes.

Le film se déroule à la fin des années 1920 dans une petite ville du Kansas où deux des plus jolies lycéennes de l »école, Wilma Dean Loomis (Natalie Wood) et Bud Stamper (Warren Beatty), tombent amoureuses l »une de l »autre. Malgré une forte attirance mutuelle et un désir d »intimité, ils sont obligés de se restreindre. La mère de Wilma lui interdit effectivement de « faire ça » et le père de Bud, un riche pétrolier, insiste pour que son fils satisfasse ses besoins avec une « moins bonne fille » et oublie le mariage jusqu »à ce qu »il obtienne son diplôme de l »université de Yale. Après avoir reçu une interdiction de fait de ses parents, Bud demande à Wilma de mettre fin à leur relation, ce qui leur coûte très cher à tous les deux. Wilma fait une tentative de suicide, après quoi elle se retrouve dans un hôpital psychiatrique. Bud tombe bientôt gravement malade de la pneumonie, après quoi il commence à sortir avec sa camarade de classe Juanita. Les études de Bud à Yale ne se passent pas bien, et après la Grande Dépression, son père fait faillite et se suicide. Bud quitte l »université et épouse une pauvre serveuse italienne, Angelina. Pendant ce temps, dans le sanatorium, où Wilma passe plus de deux ans, elle rencontre un autre patient, Johnny Masterson, qui la demande en mariage. Après avoir quitté le sanatorium, avant d »accepter la proposition de Johnny, Wilma part à la recherche de Bud. Elle le retrouve dans une petite ferme où il vit avec Angelina, enceinte, et son jeune fils. Ils réalisent que, même s »ils ont encore des sentiments, le passé ne reviendra pas et qu »ils iront chacun de leur côté.

Comme l »écrit l »historienne du cinéma Margarita Landazuri, « le film a été réalisé à une époque où le cinéma et la société en général connaissaient des changements fondamentaux, et il est plus sombre que les films traditionnels sur l »amour entre adolescents. Il raconte de façon réaliste, voire choquante, l »agonie du premier amour et les forces qui privent les amoureux l »un de l »autre. » Le dramaturge William Inge a écrit la pièce sur des personnes qu »il a connues en grandissant au Kansas dans les années 1920. Inge a parlé de la pièce à Kazan lorsqu »ils ont travaillé ensemble sur une production de Broadway de Darkness at the Top of the Stairs en 1957. Ils ont convenu que cela ferait un bon film, et ont volontiers entrepris le travail. Inge a repéré le jeune Warren Beatty dans la pièce dans un des théâtres du New Jersey, et impressionné par sa performance, l »a recommandé à Kazan pour le rôle de Bud. Bien que Kazan soit agacé par l »arrogance de l »acteur inexpérimenté, il est impressionné par son jeu et son talent et accepte de confier le rôle de Bud à Beatty. Selon Landazuri, « C »était le premier film de Beatty et ce film a fait de lui une star ».

D »autre part, malgré ses 22 ans, Natalie Wood était déjà une actrice hollywoodienne expérimentée, ayant commencé à jouer dans des films dès l »âge de cinq ans. Bien qu »elle soit facilement passée du statut d »enfant star à des rôles d »adultes, les films dans lesquels elle a joué avant cela n »étaient pas particulièrement significatifs. Wood avait un contrat à long terme avec Warner Brothers, le studio qui a produit le film, et le studio voulait que Kazan l »engage. Ne voyant en elle rien de plus qu »une enfant star dont le temps est passé, Kazan commence à résister. Mais lorsqu »il a rencontré Wood en personne, il a senti dans son caractère une « agitation et une impermanence » qui correspondaient parfaitement à sa vision du personnage principal, et il l »a acceptée. Bien que Wood ait été marié au moment du tournage et que Beatty ait eu un partenaire régulier, il y a eu non seulement une romance cinématographique mais aussi une romance réelle entre eux. Kazan, considérant que cela était bénéfique pour le tableau, l »a encouragé de toutes les manières possibles. Il s »en souviendra plus tard : « Je n »avais aucun regret à ce sujet. Ça a aidé leurs scènes d »amour. » Au moment de la première du film à l »automne 1961, Wood et Beatty avaient déjà quitté leurs partenaires précédents et vivaient ensemble. Comme le note Landazuri, pour renforcer l »atmosphère artistique du film, Kazan a invité le compositeur d »avant-garde David Amram, qui a écrit « une musique moderniste (souvent dissonante), et a demandé au concepteur de production de concevoir la scénographie dans des couleurs dures et vibrantes, ce qui a fait du film l »antithèse de la sentimentalité ».

Le film a reçu d »excellentes critiques lors de sa sortie. Time Magazine a noté que « dans ce film… une histoire relativement simple d »amour et de désillusion d »adolescents dans une petite ville du Midwest devient une monographie psychosociologique furieuse décrivant les mœurs sexuelles de la cambrousse sans cœur ». Grâce à Kazan, « le film est certainement réalisé avec art, de manière palpitante et professionnelle dans les moindres détails ». Selon M. Krauser du New York Times, « Le sexe et le despotisme parental entravent la relation entre les deux lycéens romantiques du nouveau film d »Inge et Kazan. Inj a écrit et Kazan a réalisé ce drame social franc et effrayant qui fait sortir les yeux de leurs orbites et enflammer les humbles joues ». Le film dépeint la vie dans les petites villes, « laide, vulgaire et oppressante, parfois comique et triste ». Notant l » »excellent » travail sur les couleurs et la « superbe » direction artistique, Krauser a également rendu hommage au jeu des acteurs, en particulier à Natalie Wood, qui « possède une beauté et un rayonnement qui lui permettent de traverser le rôle des passions orageuses et des désirs avec une pureté et une puissance intactes ». Il y a de la poésie dans son jeu, et ses yeux dans la scène finale témoignent de la signification morale et du contenu émotionnel de ce film. » Variety a écrit que le film de Kazan touche « un territoire interdit avec beaucoup de soin, de compassion et de flair cinématographique ». C »est un drame extrêmement personnel et émouvant qui bénéficie énormément d »une diffusion cinématographique. » La critique de Newsweek notait que « les cinéphiles choqués peuvent être perplexes quant à savoir qui mérite leurs principaux remerciements pour l »un des films américains les plus riches de ces dernières années. Pour plus de simplicité, les mots de remerciement peuvent être adressés à Kazan. Agissant comme le principal point de contact entre la grande distribution et le scénario d »Inge, il a produit un film qui révèle le talent unique d »Inge pour la satire sympathique dans la narration dramatique. Il s »enorgueillit du plus grand nombre de personnages vivants de tous les films de ces dernières années, il explose avec un humour saisissant et franc et il emporte avec lui un sentiment déchirant de tragédie inévitable ». Thomson a écrit plus tard que le film était « la meilleure preuve que Natalie Wood était une grande actrice » et que Beatty et Wood « y ont joué les meilleurs rôles de leur carrière ». Wosberg a également noté que sur cette photo, « Wood a donné le match de sa carrière ». Le film a valu à William Inge un Oscar du meilleur scénario et une nomination aux Oscars pour Natalie Wood. Wood a également reçu une nomination au BAFTA pour la meilleure actrice. Kazan a été nominé pour un Directors Guild of America Award. Le film a reçu une nomination au Golden Globe du meilleur film dramatique, et Wood et Beatty ont été nommés pour le meilleur acteur aux Golden Globes.

A lire aussi, histoire – Époque du commerce Nanban

Carrière littéraire et cinématographique dans les années 1960 et 1980

Selon Thomson, dans les années 1960, alors que Kazan avait la cinquantaine, il a commencé à écrire des romans parce qu »il estimait que la littérature était « plus noble et plus précieuse ». Kazan a un jour expliqué sa décision de devenir écrivain comme suit : « Je voulais dire exactement ce que je ressens. J »aime dire ce que je ressens sans détours. Peu importe la pièce que vous jouez ou la sympathie que vous avez pour le dramaturge, ce que vous essayez de faire, c »est d »interpréter son point de vue sur la vie… Quand je parle pour moi-même, j »ai un énorme sentiment de libération. » Depuis le début des années 1960, Kazan a écrit six romans, dont plusieurs best-sellers. Deux romans – America, America (1962) et The Deal (1967) – ont été adaptés au cinéma. De manière générale, comme l »écrit Thomson, Kazan « s »est révélé être un auteur passionnant ». Après le succès de ses deux premiers livres, il publie les romans The Killers (1972), The Undertaker (1974), Acts of Love (1978) et The Anatolian (1982). Selon M. Rothstein, ces livres ont reçu des « avis mitigés ou critiques ». Comme le note Thomson, « ils peuvent encore être lus aujourd »hui, mais ce sont des livres ordinaires ».

Le premier roman de Kazan, America, America (1962), retrace l »odyssée de son oncle, un jeune Grec qui a fui la pauvreté et les persécutions en Turquie et qui, après avoir surmonté de nombreux obstacles et problèmes, a atteint l »Amérique. Selon Rothstein, « le livre est devenu un best-seller ». En 1963, Kazan a réalisé un film du même nom basé sur le livre aux studios Warner Bros., en tant que scénariste, producteur et réalisateur. Le film se déroule en 1896 dans une province profonde de l »Empire ottoman, où les populations grecque et arménienne sont brutalement opprimées. Le jeune Grec Stavros Topuzoglu (Stathis Yalelis) décide de quitter le pays après que les Turcs ont assassiné son ami le plus proche pour avoir résisté au régime. Son père envoie Stavros à Constantinople pour se lier avec son oncle Odysseus, qui vend des tapis. Les parents donnent à Stavros tous leurs objets de valeur, espérant emménager avec leur fils à une date ultérieure. Cependant, en chemin, les objets de valeur de Stavros sont volés par sa nouvelle connaissance turque, qui s »avère être un escroc. Plus tard, Stavros trouve et tue le Turc, mais il ne peut pas récupérer l »argent. Ulysse est déçu que Stavros soit arrivé sans argent. Il propose au beau Stavros d »épouser une riche épouse, mais ce dernier craint que sa famille ne soit un obstacle à son objectif de rejoindre l »Amérique. Après le refus de Stavros, Ulysse le jette dans la rue. Stavros accepte le travail le plus sale et dort dans un asile de nuit, où il commence peu à peu à économiser de l »argent, mais perd tout à nouveau après une rencontre avec une prostituée. Des anarchistes et des révolutionnaires se réunissent à l »auberge et, lors d »un raid des troupes gouvernementales, Stavros est gravement blessé et perd connaissance. Il est jeté dans un tas de cadavres pour être jeté à la mer, mais Stavros parvient à s »échapper. Il retourne auprès d »Ulysse et accepte d »épouser la fille d »un riche marchand de tapis. À sa fiancée, il dit franchement qu »il veut utiliser l »argent de la dot pour payer son voyage en Amérique. Après avoir reçu de l »argent pour un billet de la part de la femme d »un homme d »affaires arménien-américain, Aradon Kebyan, Stavros informe sa promise qu »il ne peut pas l »épouser et s »embarque bientôt pour les États-Unis. A bord du navire, Araton apprend la liaison de sa femme avec Stavros. Il porte plainte contre Stavros, annule son offre d »emploi en Amérique et menace de le renvoyer en Turquie. À ce moment-là, un jeune Arménien, ami de Stavros, meurt de la tuberculose à bord du navire. Juste avant de mourir, l »Arménien se jette par-dessus bord du navire, permettant à Stavros d »utiliser son nom pour se rendre à New York. En arrivant en Amérique, Stavros commence à économiser de l »argent pour y installer toute sa famille.

Comme l »écrit Bosley Krauser dans le New York Times, le film est le « magnifique hommage » de Kazan à son oncle, qui fut le premier de sa famille à émigrer aux États-Unis. Il rend hommage à son « courage, sa ténacité et sa vision, que Kazan a exprimés en termes cinématographiques exceptionnellement vivants et énergiques ». Mais le film n »est pas seulement un hommage, mais aussi « une ode retentissante à toute la grande vague d »immigration… Cette histoire est aussi vieille que celle d »Homère et aussi moderne que le dossier ». Kazan « y insuffle toute la nostalgie, la frustration et la joie éventuelle d »un vagabond infatigable qui cherche et trouve finalement son foyer spirituel. Kazan fait découvrir au public la poésie des immigrants arrivant en Amérique. Grâce à sa mise en scène magistrale et authentique et à sa focalisation percutante, il nous donne une compréhension de ce drame qui n »a jamais été vue à l »écran. » Mais en même temps, selon le critique, « si le film n »avait pas été aussi excessivement long et redondant, il aurait été encore meilleur.

Selon l »historien du cinéma contemporain Jay Carr, parmi les nombreux films sur l »immigration en Amérique, celui-ci est parmi les plus « mémorables, et fait encore une forte impression ». Comme l »écrit encore le critique, « c »est le film le plus personnel de Kazan, basé sur l »histoire de sa propre famille… Kazan a utilisé des tournages authentiques en Grèce, il a également fait appel à un acteur inconnu en Amérique, qui n »avait pas le poids de l »association que possèdent les acteurs d »Hollywood. » Selon Carr, Kazan a choisi Stathis Galletis pour le rôle principal non seulement parce qu »il était grec, mais aussi parce qu »il pouvait transmettre, avec ses yeux pâles, la vive intelligence nécessaire à la lutte pour la survie, alors qu »il passe de l »innocence à l »expérience. On lui ment, on l »arnaque et on le trompe, on le déçoit, on l »attaque et on le laisse pour mort. Au fur et à mesure, il acquiert la sagesse nécessaire pour se transformer d »exploité en exploité, sans oublier son objectif de se rendre en Amérique. Selon le spécialiste du cinéma, « le tournage du film en Grèce était une sage décision, tout comme l »utilisation du noir et blanc, auquel Kazan a adhéré pendant pratiquement toute sa carrière ». Susan King a qualifié le film de « dernier grand film de Kazan », son « film le plus personnel et le plus aimé ». Thomson a noté que c »était « le type de film qu »un homme ayant l »histoire de Kazan avait toutes les raisons de faire, et pourtant l »expression directe était considérablement moins vivante que, par exemple, l »identification avec le Cal rebelle, joué par James Dean dans Loin du paradis ».

Le film a remporté un Oscar pour la production de longs métrages, ainsi que trois nominations aux Oscars pour Kazan – en tant que producteur du meilleur film, en tant que scénariste et en tant que réalisateur. En tant que meilleur réalisateur, Kazan a également reçu un Golden Globe, une nomination pour le prix de la Directors Guild of America, le Grand Prix des Festivals de San Sebastian et le St. George Award, et en tant que scénariste, une nomination pour le prix de la Screenwriters Guild of America. Cependant, comme le note Vosburgh, malgré son succès critique, « cette saga nostalgique de trois heures sur un jeune homme grec a été un désastre financier ».

Selon Rothstein, le deuxième roman de Kazan, The Deal (1967), traite de « la crise de la quarantaine d »un homme d »affaires absent ». La plupart des critiques avaient une mauvaise opinion du roman, qui est pourtant devenu un best-seller ». L »écrivain Walter Bernstein, inscrit sur la liste noire, a décrit le roman comme « un livre qu »un type rejetterait comme indigne d »être transformé en film ». Néanmoins, en 1969, Kazan écrit un scénario basé sur le roman et réalise également le film. The Deal (1969) raconte l »histoire d »Eddie Anderson (Kirk Douglas), un Greco-Américain qui a réussi sa carrière en devenant le directeur d »une grande agence de publicité à Los Angeles. Un jour, il commet une tentative de suicide inattendue en percutant délibérément sa voiture contre un camion sur le chemin du travail. Lorsqu »il reprend conscience, il refuse de parler, se contentant de dire qu »il ne reviendra pas dans l »entreprise. Eddie développe une grave crise psychologique liée à la perte de la passion dans sa relation avec sa femme Florence (Deborah Kerr), avec laquelle il vit depuis de nombreuses années. Un autre thème des expériences d »Eddie est la liaison torride avec son employée de l »agence de publicité Gwen (Faye Dunaway), avec laquelle il a rompu il y a environ deux ans. Eddie plonge dans une longue dépression, qui s »accompagne de flashbacks et d »hallucinations concernant Gwen. Sortant de son silence volontaire, Eddie a de longues conversations avec sa femme, lui faisant part de son insatisfaction de la vie. Florence l »écoute avec sympathie, essayant de sauver leur mariage, mais se met périodiquement à accuser son mari d »adultère. Après avoir parlé à un psychiatre, Eddie retourne au travail, mais insulte bientôt un client important, puis pilote imprudemment son jet privé dans le ciel de Los Angeles, soulevant de nouvelles questions sur son état mental. L »avocat de la famille empêche l »arrestation d »Eddie et le persuade ensuite de signer une procuration au nom de Florence pour disposer de tous les biens de la famille. Eddie se rend à New York pour rendre visite à son père gravement malade, où il retrouve Gwen, qui y vit avec son prétendant, Charles, et un enfant d »un an et demi (dont elle refuse de donner le nom du père). Lorsque des proches veulent placer le père dans un asile, Eddie l »emmène dans le manoir familial de Long Island, où il ne tarde pas à renvoyer Gwen aussi. Ils reprennent une relation sexuelle, et Eddie convainc Gwen de l »épouser. Cependant, leur conversation est interrompue par des proches qui font irruption dans la maison et emmènent le père d »Eddie dans une ambulance. L »avocat persuade alors Eddie de signer une procuration pour disposer de la propriété. Eddie signe la procuration au nom de l »avocat, après quoi il suit Gwen chez elle, où Charles lui tire dessus, le blessant à l »épaule. Après qu »Eddie ait mis le feu au manoir familial dans un accès de rage, il est placé dans un hôpital psychiatrique, d »où il est prêt à sortir à tout moment s »il prouve qu »il a un emploi et un foyer. Gwen lui apporte l »enfant et lui dit qu »elle a trouvé un travail pour lui. Elle accompagne Eddie aux funérailles de son père, où Florence et Gwen se voient pour la première fois. Eddie voit son père partir pour la dernière fois, entouré de sa maîtresse, de sa femme, qui tient la main de l »avocat, et d »autres membres de la famille.

Comme le note l »historien du cinéma Michael Atkinson, « le roman de Kazan, dont le film est tiré, était dans une certaine mesure basé sur sa propre vie choyée à Beverly Hills, sur sa propre dépression due au début de sa crise de la quarantaine et sur son point de vue sur la culture pop de l »époque. » Cependant, selon Atkinson, on ne connaît pas l »étendue réelle de la nature autobiographique du film. À en juger par les mémoires publiées par Kazan, « il ne faisait que fantasmer sur la façon dont une véritable dépression nerveuse le libérerait ». Quant à l »épouse égoïste jouée par Deborah Kerr, son image n »est en rien basée sur la première femme de Kazan, décédée en 1963. Selon l »historien du cinéma, il s »agissait très probablement d »une image collective des femmes de Los Angeles que Kazan fréquentait. Les mémoires de Kazan suggèrent également qu »il était « un adultère consommé, bien au fait de l »ivresse des relations destructrices avec les femmes d »autres personnes ». Contrairement à Kazan, « au milieu du siècle dernier, aucun réalisateur américain n »a manifesté autant d »intérêt et d »éloquence pour les dépressions nerveuses et l »effondrement émotionnel, alors que chez Kazan, le sujet apparaît dans au moins six de ses films les plus marquants ». Comme l »écrit encore Atkinson, le film est construit comme si « le héros souffrant de Douglas était une sorte de surhomme autour duquel grouille une humanité pitoyable », il est « avant tout un monument au solipsisme frénétique de son créateur ». De plus, selon le critique, « le film de Kazan est à bien des égards symptomatique de son époque, représentant une tentative maladroite d »assimiler la culture hollywoodienne de la vieille école dans le nouvel environnement médiatique d »Easy Rider (1969), Woodstock, le Vietnam et Bob Dylan. Dans sa construction, c »est un « film de monstres, démolissant tout, brut et tonitruant, racontant le matérialisme aveuglant de Los Angeles alors même que son protagoniste est pratiquement rendu fou par son vide. C »est un film sur le rejet de la culture moderne qui y fait irruption à chaque instant. C »est un portrait glaçant de Los Angeles dans son impuissance ». Comme le note le critique, c »est aussi « peut-être le premier de nombreux films américains sur la crise de la ménopause chez les hommes, et pour exprimer cette détresse humaine commune, Kazan utilise tout, y compris l »introduction de flashbacks, le montage haché et associatif, et même un peu de surréalisme. Le tout est mélangé dans un spectacle sur grand écran réalisé à la mode de l »époque. Ce style n »a peut-être pas été choisi délibérément (le style du film ne ressemble à aucun autre film de Kazan), mais il s »agissait simplement d »une tentative d »adaptation à l »évolution de l »époque. » Selon Atkinson, « la tentative de pertinence de Kazan, comme celle de certains autres réalisateurs de sa génération, est à la fois déprimante et éloquente sur cette période désagréable de la culture américaine où toute personne de plus de 30 ans (y compris Kazan et son protagoniste) s »est soudainement retrouvée de plus en plus hors sujet et déconnectée du monde qui l »entoure ». Comme le conclut le critique, « Bien sûr, la maîtrise de Kazan a toujours été plus forte lorsqu »il s »agissait de présenter des histoires urbaines, les problèmes des immigrés et le sort du prolétariat, plutôt que de mettre en scène les autoroutes ensoleillées de Los Angeles et les manoirs ultra coûteux de Beverly Hills. Mais le narcissisme débridé dont est imprégné ce film peut représenter un moment de révélation cinématographique, son moment d »exposition en tant qu »artiste et en tant que survivant de l »industrie. »

À sa sortie, le film a reçu des avis contradictoires de la part des critiques. Vincent Camby du New York Times, par exemple, a écrit que c »était « le film le plus romantique de Kazan ». C »est aussi probablement le pire d »un point de vue cinématographique et le plus réussi commercialement. » Il « pue le chic cinématographique légèrement absurde ». Cependant, « ce n »est pas drôle du tout, c »est juste un mélange de styles empruntés. Et, pire encore, le film est probablement largement incompréhensible sur le plan narratif à moins d »avoir lu le best-seller de 543 pages de Kazan, que le réalisateur a plus ou moins essayé de résumer dans le film avant. » Cela dit, « par endroits, l »ensemble est même intéressant à regarder comme un mélodrame, il présente aussi une véritable fascination pour les fantasmes de Kazan sur lui-même ». Et pourtant, « Kazan, qui a réalisé de très bons films, a fait de sa propre vie un film de seconde zone. Il semble avoir transformé sa quête de soi en un feuilleton sans âme, indigne de son véritable talent. » Variety a qualifié le film de « film confus, trop artificiel et trop long, avec trop de personnages qui ne font pas grand-chose pour exciter le spectateur ». Roger Ebert a écrit que c »était « l »un de ces longs et ennuyeux films  »sérieux » avec des stars qui étaient populaires dans les années 1950 avant que nous ne commencions à apprécier le style plus que les bonnes intentions du réalisateur. Ce n »est pas une réussite, surtout selon les critères de Kazan, mais c »est soutenu par le jeu merveilleux de Douglas et Dunaway. »

En 1972, Kazan réalise The Guests (1972), réalisé « avec un budget de film minuscule à partir d »un scénario de son fils aîné Chris (décédé d »un cancer en 1991). Le film a été tourné en 16mm dans et autour de sa ferme à Newtown, Connecticut, et était destiné à une distribution très limitée dans les salles de cinéma. » Un critique a qualifié le film de « fils de  »In Porto » », sauf que cette fois, « le noble informateur était un vétéran vietnamien qui a témoigné contre deux anciens amis de l »armée qui ont violé et assassiné une jeune Vietnamienne ». Le film se déroule dans une petite ferme de Nouvelle-Angleterre où Bill Schmidt (James Woods), vétéran de la guerre du Vietnam, vit avec sa petite amie Martha Wayne et leur jeune fils Hal. Ils louent la maison à Harry (Patrick McVeigh), le père de Martha qui vit à côté et écrit des westerns à sensation pour gagner sa vie. Un jour, deux hommes, Tony Rodriguez et Mike Nickerson (Steve Railsback), se présentent sur le pas de leur porte et se présentent comme les compagnons de combat de Bill au Vietnam. On remarque que Bill n »est pas particulièrement heureux de voir ses camarades. Resté seul avec Bill, Tony l »informe que lui et Mike viennent d »être libérés de la prison militaire de Fort Leavenworth après deux ans d »emprisonnement pour un crime dans lequel Bill a témoigné contre eux. Voyant l »excitation de Bill, Tony dit qu »il lui pardonne. Apprenant que les invités de Bill sont des vétérans de guerre, Harry les invite dans son chalet, où il leur offre un verre et leur raconte son service dans le Pacifique pendant la Seconde Guerre mondiale. Pendant la conversation, Harry s »aperçoit soudain que son chien a été gravement blessé par le chien d »un voisin. Voyant le mécontentement de Harry, Mike sort un fusil de sa voiture et tue le chien du voisin sous les regards approbateurs de Harry et Tony. Pendant que les trois hommes traînent le corps du chien assassiné jusqu »à la maison du voisin, Billy et Martha se rendent chez lui, où il lui raconte le procès de Mike, Tony et deux autres membres de leur équipe. Bill raconte que Mike dirigeait une équipe qui cherchait des soldats vietnamiens dans un petit village. Incapable de trouver quelqu »un de suspect, Mike a capturé une adolescente, l »a violée et a ensuite ordonné aux autres membres de l »équipe de faire de même. Tout le monde a obtempéré, sauf Bill, qui a ensuite signalé le crime à ses supérieurs. Martha soutient Bill, qui continue de s »inquiéter pour son numéro. Elle veut aussi que Bill demande à Mike et Tony de partir le plus vite possible. Pendant ce temps, Harry, ainsi que Mike et Tony, se rendent chez Bill pour regarder un match de football. Voyant cela, Martha quitte la maison pour aller se promener. Pendant le match, Harry est vraiment ivre et commence à parler de la lutte contre le communisme et à faire des remarques racistes qui énervent Tony. Bill monte à l »étage pour voir son fils. Lorsque Mike demande à Harry pourquoi Martha et Bill ne sont toujours pas mariés, il traite Bill de mauviette. Après la fin du match, Harry suggère que nous dînions ensemble et que nous allions chasser le raton laveur la nuit. De retour de la sortie, Martha est clairement agacée que Bill n »ait jamais demandé à Mike et Tony de partir. Laissé seul, Harry interroge Mike sur l »implication de Bill dans le tribunal. Lorsque Mike raconte l »histoire, il remarque à sa grande surprise que Harry prend sa défense, lui demandant pourquoi il n »a pas tué Bill pour sa trahison. Après le dîner, Martha renvoie chez lui un Harry complètement ivre et sert elle-même le café à ses invités. Laissée dans le salon, seule avec Mike, Martha dit qu »elle est au courant de ce qui s »est passé au Vietnam, affirmant qu »elle soutient Bill. Mike prétend à son tour qu »elle insulte son père en vivant avec un homme hors mariage. Mike affirme que malgré ce que l »armée lui a fait subir, il est un meilleur soldat que Bill. Lorsque Mike lui dit qu »il a été choqué par la vue de ses compagnons d »armes mutilés et brutalement assassinés, Martha éprouve de la sympathie pour lui et accepte avec hésitation de danser avec lui. Intrigués par le silence qui en résulte, Tony et Bill retournent dans le salon. Voyant le visage suffisant de Mike, avec Martha blottie contre lui, Bill se jette sur Mike. Tony reste pour retenir Martha et Mike et Bill sortent dans la cour, où Mike frappe violemment Bill. Mike retourne ensuite à la maison, où Tony et lui attrapent Martha et la violent. Tony traîne le Bill à moitié mort dans la maison, puis ils partent avec Mike. Martha descend du premier étage et s »assoit à côté de Bill.

Vincent Canby, du New York Times, a qualifié ce film sur l »héritage brutal de la guerre du Viêt Nam d » »extrêmement émouvant », notant que Kazan « reste un réalisateur de premier ordre ». Comme l »a écrit plus tard le magazine TV Guide, « Kazan, qui a réalisé des films à succès sur le plan commercial, s »est éloigné du cinéma de studio traditionnel pour essayer de réaliser des films plus personnels ayant un sens. Ce film prouve que cela n »a peut-être pas été sa décision la plus sage. » Comme le note la critique, « le film a vraisemblablement été conçu comme un traité sur les problèmes des soldats qui reviennent du Vietnam avec les mêmes notions qui leur ont permis de commettre des meurtres de masse ». Il y a aussi le thème de la fausseté derrière les idéaux de ceux qui essaient de mener un style de vie hippie. Les deux thèmes sont basés sur des concepts superficiels, et « aucun de ces thèmes n »est exprimé de manière suffisamment honnête et juste… Le premier à blâmer pour cela est peut-être le fils de Kazan, Chris, qui a écrit le scénario ».

En 1976, Paramount Pictures sort The Last Tycoon (1976) de Kazan, basé sur le roman inachevé du même nom de Scott Fitzgerald. Il est produit par Sam Spiegel (qui avait travaillé avec Kazan sur Into the Harbour) et le scénario est écrit par Harold Pinter. Le film est interprété par des stars telles que Robert De Niro, Tony Curtis, Robert Mitchum, Ray Milland, Jack Nicholson et bien d »autres. Cependant, comme le note Thomson, « c »est comme si tous ces génies avaient oublié leur tête à la maison. C »est le film le plus ennuyeux de Kazan ».

Se déroulant dans le Hollywood des années 30, le film est centré sur un jeune producteur extrêmement influent d »un grand studio cinématographique, Monroe Star (Robert Di Niro), connu pour son travail acharné, son obsession pour son travail et sa capacité à réaliser des films qui non seulement font des bénéfices mais qui plaisent aussi aux critiques. Il garde un œil attentif sur la production de plusieurs films à la fois, parvenant à donner des conseils précis au monteur et à régler les relations du réalisateur avec la star ainsi que les problèmes personnels de l »acteur populaire. Star est toujours profondément affecté par la mort de sa femme, la star de cinéma Minna Davis, et a même transformé sa loge en un musée que les touristes peuvent visiter. Pat Brady (Robert Mitchum), l »un des cadres les plus jeunes du studio, manifeste son soutien à Star de toutes les manières possibles devant les représentants des propriétaires de studios new-yorkais. Un jour, un tremblement de terre secoue Hollywood, et Brady, accompagné de sa fille Cecilia (Teresa Russell), se précipite pour secourir Starr dans son bureau. Une fois rétabli, Star entreprend de reconstruire rapidement le studio, remarquant dans l »un des pavillons une femme séduisante qui lui rappelle Minna. Dans son rêve, Star s »imagine que Minna lui est revenue. Le lendemain, Star se met à la recherche de la femme. Pendant ce temps, Cecilia, qui a le béguin pour Star, l »invite au bal des écrivains. Lorsqu »elle aborde le sujet du mariage, Star répond qu »il est trop vieux et trop fatigué pour cela et qu »il ne pense pas à elle de manière romantique. Lors du déjeuner de la direction du studio, Brady et plusieurs membres du conseil d »administration discutent de la menace que représente Brimmer (Jack Nicholson), un communiste qui tente de créer un syndicat d »écrivains. Lors du déjeuner, Star répond avec compétence aux questions sur les projets en cours et à venir, convaincant une fois de plus les personnes présentes de sa capacité à diriger le studio. Star trouve alors une femme, qui s »avère être Kathleen Moore (Ingrid Boulting). Kathleen refuse de laisser entrer Star, mais après une brève conversation avec lui, elle accepte un rendez-vous un autre jour. Le lendemain, dans son bureau, Star montre à l »écrivain anglais Boxley (Donald Pleasence) les différences entre une œuvre purement littéraire et une œuvre cinématographique, ce qui l »incite à travailler sur un scénario. Lors d »un bal des écrivains, Star fait une rencontre inattendue avec Kathleen et elles dansent sous le regard de la communauté hollywoodienne. Kathleen dit qu »elle ne peut pas sortir avec lui, mais quand elle part, il la suit. Star et Kathleen passent le jour suivant ensemble dans la maison de plage inachevée de Star, où elles restent jusqu »à tard dans la soirée et font l »amour. Kathleen révèle qu »elle a vécu une relation torride avec un homme important, mais qu »un autre homme l »a sauvée. Lorsque Star dit qu »il ne veut pas la perdre, elle répond qu »elle souhaite avant tout une vie tranquille. De retour chez elle, Star trouve un mot de Kathleen lui annonçant qu »elle va bientôt se marier et qu »elle ne pourra plus le voir. Après une épreuve de force au travail avec un Boxley ivre, Star obtient un autre rendez-vous avec Kathleen sur la plage, où elle confirme qu »elle va épouser l »ingénieur qui, selon elle, lui a sauvé la vie. Plus tard, Star reçoit un télégramme de Kathleen l »informant qu »elle s »est mariée. Star arrive à la maison Brady pour rencontrer Brimmer, lui disant qu »il est prêt à partager l »argent avec les scénaristes, mais qu »il ne partagera jamais le pouvoir avec lui. Au cours du dîner qui suit, Star est très ivre et voit Brimmer flirter avec Cecilia. Les interactions ultérieures entre les deux hommes deviennent de plus en plus hostiles. Finalement, un Star ivre tente de frapper Brimmer, mais ce dernier le plaque facilement. Le lendemain matin, Brady invite Star à une réunion de gestion des urgences, où il est informé que le bureau de New York a exprimé son mécontentement quant à sa mauvaise conduite lors de la réunion avec Brimmer et lui suggère de prendre un congé de longue durée. De retour dans son bureau, Star se retrouve captivé par des souvenirs et des hallucinations. Il se tourne mentalement vers Kathleen avec les mots « Je ne veux pas te perdre », se retirant dans l »obscurité du plateau de tournage.

Le film a reçu des avis largement négatifs de la part des critiques. Par exemple, le critique de cinéma David Shipman a écrit que « le dernier roman inachevé de Scott Fitzgerald gît ici en ruines », tandis que le New Yorker l »a considéré « aussi impuissant qu »un film de vampires que les vampires ont quitté ». D »un autre côté, Vincent Camby, dans le New York Times, a noté que le film avait réussi à conserver les qualités du roman inachevé de Fitzgerald, ce qui en fait « un film très complet et satisfaisant grâce à l »utilisation d »un style de montage vif et saccadé et à sa forme inhabituelle de narration… Réalisé de manière discrète et sombre, triste mais non sentimentale, il traite d »un personnage similaire à celui du célèbre producteur hollywoodien Irving Thalberg ». Le film tente de montrer Hollywood sérieusement, sans le battage médiatique et le grotesque, et surtout de présenter Talberg-Star de manière sérieuse. » Selon Canby, « c »est un film très discret, et il est tellement riche en associations – avec Thalberg, avec des histoires sur le Hollywood des années 30, avec la vie et la carrière de Fitzgerald – qu »il est difficile de séparer ce que vous voyez de ce qui est apporté. Le film ne contient pas de point culminant. Nous suivons l »horizon comme s »il s »agissait d »un paysage vu par la caméra dans un long plan panoramique. Et la toile de fond est le Hollywood des années 30. »

L »historien du cinéma contemporain Dennis Schwartz a qualifié le film d » »adaptation prétentieuse et vide du roman fragmentaire inachevé de F. Scott Fitzgerald ». Le mieux que l »on puisse dire de ce film, c »est qu »il est inégal et qu »il donne l »occasion d »observer avec intérêt les stars de sa célèbre distribution ». Comme le suggère le critique, « le film se prend trop au sérieux, ainsi qu »Hollywood, et semble se vénérer pieusement, mais il est trop maladroit pour avoir de l »importance, pour être intéressant ou pour surmonter son ennui et sa vacuité. Le scénario peu engageant de Pinter comporte trop de pauses langoureuses et significatives, et les acteurs sont obligés de prononcer des paroles lourdes et presque inintelligibles. Personne n »a l »énergie ou l »enthousiasme dans ce film, seul De Niro donne à son personnage une grâce et une beauté qui font défaut au reste du film ». Comme le note Schwartz, « le film était l »idée favorite du producteur Sam Spiegel, qui voulait en faire un chef-d »œuvre, mais son interférence constante n »a fait qu »empirer le film. Ce film était le dernier du réalisateur Elia Kazan.

Cependant, selon Thomson, ce n »est pas la fin de la biographie créative de Kazan. Depuis plusieurs années, il travaillait à son autobiographie Life (1988). Il s »agit d »un « texte très long, franc, mais sournois, qui doit être lu avec la même prudence que celle avec laquelle un avocat témoigne sous serment ». Mais c »est un livre crucial et profondément convaincant, le portrait d »un homme très confus et peut-être la meilleure autobiographie d »un homme du showbiz depuis un siècle. » Comme le poursuit Thomson, « les ennemis de Kazan ont détesté le livre – et il a encore renforcé son magnifique isolement. C »était un démon, un génie, un homme qui a laissé sa marque partout. Et rien de ce qu »il a fait ne doit être écarté ou oublié ».

A lire aussi, biographies-fr – George H. W. Bush

La vie de famille

Kazan a été marié trois fois. De 1932 à sa mort en 1963, il a été marié à l »écrivain et scénariste Molly Day Thatcher. Ils ont eu quatre enfants – Chris (décédé d »un cancer en 1991), Judy, Kate et Nicholas, qui est devenu scénariste, producteur et réalisateur à Hollywood.

Il a été marié à l »actrice, scénariste et réalisatrice Barbara Lodin de 1967 à sa mort d »un cancer en 1980. Ce mariage a donné naissance à un fils, Leo, et Kazan a également adopté Marco Joachim, le fils de Lodin issu de son premier mariage.

Il a épousé l »écrivain Frances Raj en 1982 et a vécu avec elle jusqu »à sa mort. À la suite de ce mariage, Kazan a eu deux autres beaux-enfants issus du précédent mariage de Raj – Charlotte Raj et Joseph Raj.

Au moment de son décès, Kazan avait six petits-enfants et deux arrière-petits-enfants.

A lire aussi, biographies-fr – Vincent van Gogh

Décès

Elia Kazan est décédé le 28 septembre 2003 à son domicile de Manhattan à l »âge de 94 ans.

Mervyn Rothstein, dans le New York Times, a qualifié Kazan de « l »un des réalisateurs les plus vénérés et les plus influents de l »histoire de Broadway et d »Hollywood ». À Broadway, Kazan a été membre du légendaire The Group Theater de 1932 à 1945, fondateur et directeur de longue date de l »Actors Studio de 1947 à 1959 et, au début des années 1960, cofondateur avec Robert Whitehead du premier théâtre de répertoire du Lincoln Center. Parmi les productions théâtrales les plus importantes de Kazan, citons Un Tramway nommé Désir (1947). (1947) et Death of a Salesman (1949). Il était « le metteur en scène préféré d »une génération de nouveaux dramaturges américains, dont deux des plus importants, Tennessee Williams et Arthur Miller » et, comme le note Thomson, alors qu »il travaillait à l »Actors Studio, il a largement contribué à développer les principes du « naturalisme psychologique ». En 1953, le critique Eric Bentley écrit que « l »œuvre de Kazan signifie plus pour le théâtre américain que celle de n »importe quel auteur contemporain » et, selon Rothstein, « les réalisations de Kazan ont contribué à façonner les principes du théâtre et du cinéma américains pour plus d »une génération à venir ».

Selon Susan King du Los Angeles Times, « Kazan était l »un des cinéastes les plus accomplis du 20ème siècle, réalisant des classiques tels que Un Tramway nommé Désir. (1951), Into the Port (1954) et East of Heaven (1955) ». Comme l »a dit Foster Hirsch, historien du cinéma et professeur au Brooklyn College, les films de Kazan des années 1950 sont « les films avec les meilleurs acteurs que j »ai jamais vus ». Comme le suggère Hirsch, « je ne pense pas que ce grand jeu d »acteur ait un délai de prescription. « Dolly » et « Into the Port » sont les meilleurs films d »acteurs jamais réalisés. » En 1995, Kazan a déclaré à propos de ses films : « Je pense qu »une douzaine d »entre eux sont très bons, et je ne pense pas qu »il y ait d »autres films aussi bons sur ces thèmes ou ces sentiments. »

Comme l »écrit ensuite Hirsch, Kazan « a créé un style d »interprétation véritablement nouveau, appelé la méthode », qui s »inspire du système de Stanislavski. La méthode de Kazan « a permis aux acteurs de créer une plus grande profondeur de réalisme psychologique que ce n »était le cas auparavant ». Comme le souligne Rothstein, « selon de nombreux critiques, Kazan était le meilleur réalisateur pour les acteurs américains sur scène et à l »écran. Il a découvert Marlon Brando, James Dean et Warren Beatty et a contribué à redéfinir le métier d »acteur de cinéma. Kazan est le réalisateur qui a donné les premiers grands rôles au cinéma à Lee Remick, Joe Van Fleet et Jack Palance ». King note également que « des acteurs tels que Marlon Brando, James Dean, Carroll Baker, Carl Molden, Patricia Neal, Terry Moore et Andy Griffith se sont épanouis sous sa direction. Les acteurs qui ont travaillé avec lui l »admiraient et l »admirent toujours.

Comme l »a dit un jour l »actrice Mildred Dunnock, « certains réalisateurs considèrent les acteurs comme un mal nécessaire, d »autres comme des enfants à manipuler ». Kazan, en revanche, traitait les acteurs « comme des égaux, une fois qu »il vous prend, il vous insuffle de la confiance ». Carroll Baker a noté que Kazan a lancé la carrière de nombreux jeunes acteurs à l »Actors Studio. Selon elle, il « était vraiment un directeur intérimaire ». Il a découvert beaucoup de gens, et il savait comment vous utiliser pour tirer le meilleur de vous », il « était le meilleur directeur pour les acteurs ». Patricia Neal se souvient qu » »il était très bon. C »était un acteur et il savait comment on jouait. Il venait souvent vous parler en privé. Je l »aimais beaucoup. » Terri Moore, qui l »appelle son meilleur ami, a poursuivi en disant : « Il vous faisait sentir que vous étiez meilleur que ce que vous pensiez pouvoir être. Je n »avais aucun autre réalisateur qui pouvait se comparer à lui. J »ai été gâté pour la vie. » L »acteur Carl Molden, qui a joué dans quatre des plus grands films de Kazan, a déclaré : « Nous étions aussi proches qu »un acteur et un réalisateur peuvent l »être. » Selon l »acteur, Kazan faisait souvent de longues promenades avec les acteurs qu »il envisageait pour un rôle particulier. « Kazan avait besoin de comprendre l »acteur pour savoir comment faire fonctionner ses émotions sur scène et à l »écran. Donc, quand il vous a engagé, il en savait plus sur vous que vous n »en savez sur vous-même. » Dustin Hoffman a déclaré qu »il doutait que lui, ou De Niro, ou Al Pacino auraient pu devenir des acteurs « sans l »influence pionnière de Kazan ».

En même temps, selon Rothstein, « Kazan avait aussi ses détracteurs cinématographiques, qui l »accusaient parfois d »être simpliste et sentimental, d »édulcorer ses sujets et de s »appuyer sur des fins évasives ». Kazan lui-même était aussi tout à fait conscient de ses propres limites. Il a écrit : « Je ne possède pas une gamme énorme. Je suis faible en musique et en spectacle vivant. Les classiques – ce n »est pas à moi… Je suis un metteur en scène médiocre, sauf quand la pièce ou le film touche une partie de ma propre expérience de vie… J »ai du courage, même un peu de courage. Je sais comment parler aux acteurs… pour les encourager à mieux jouer. J »ai des sentiments forts, voire violents, et ce sont mes points forts ».

Plus tard, selon Rothstein, Kazan est également devenu un « romancier à succès ». Il a déclaré : « Lorsque vous écrivez votre propre travail, cela signifie plus pour moi que ce que je peux extraire du travail de n »importe qui d »autre (en tant que réalisateur), et une partie de ce que j »ai écrit s »est avéré assez bien ». Résumant la personnalité de Kazan et sa diversité créative, Thomson a écrit : « Kazan était peut-être une canaille. Il n »a pas toujours été un camarade fiable ou une personne agréable. Mais c »est une personnalité monumentale, le plus grand magicien lorsqu »il travaille avec les acteurs de son temps, un superbe metteur en scène de théâtre, un directeur de la photographie d »une véritable gloire, un romancier, et enfin un autobiographe audacieux, sincère, égoïste, autodestructeur et provocateur – un grand homme dangereux, du genre de ceux que ses ennemis ont eu la chance d »avoir. »

Selon Rothstein, « Kazan était un homme de petite taille (167 cm), nerveux, énergique et inhabituel, au visage basané, aux vêtements froissés et à la personnalité dominante qui, au fil des ans, a créé de nombreuses versions de sa véritable personnalité ». Un article consacré à Kazan sur la page de CBS le décrit comme « un homme petit, trapu et énergique qui préférait les vêtements décontractés et était direct dans ses communications ». Comme l »a dit un jour Vivien Leigh à son sujet, « Gadge est le genre d »homme qui envoie un costume pour qu »il soit nettoyé et froissé. Il ne croit pas aux agréments sociaux, et s »il s »ennuie avec une personne ou un groupe, il s »en va tout simplement sans excuses ni explications. »

Comme Kazan lui-même le disait souvent à son sujet, il était tissé de contradictions. Se comparant à un serpent noir, il écrit dans son autobiographie « Elia Kazan : A Life » (1988) : « Au cours de ma vie, j »ai perdu plusieurs peaux, vécu plusieurs vies et connu des changements violents et cruels. En général, je me rendais compte de ce qui s »était passé déjà après que cela se soit produit ». Comme l »a écrit Kazan, « j »ai souvent surpris les gens avec ce qui semblait être un renversement complet d »attitudes et de points de vue. Cela a parfois entraîné une certaine méfiance à mon égard. Encore et encore, mes désirs contradictoires m »ont conduit à rejeter l »un ou l »autre. » Arthur Schlesinger, dans son article sur l »autobiographie de Kazan paru dans le New York Times Book Review, décrit le réalisateur comme « brillant, passionné, généreux, agité, mécontent, colérique et vindicatif, comme une mine de créativité, de ressentiment et de controverse. » Comme l »ajoute Rothstein, « Kazan était tout cela, et bien plus encore.

Selon Thomson, « Kazan a toujours mangé la vie avec une grande cuillère. Il n »a jamais abandonné le show-business. Il était consumé par la pensée de ce que les autres pensaient de lui. Et certains pensaient qu »il avait travaillé dur pour devenir un méchant célèbre. Sa colère était vigoureuse, car c »était un ego offensé par des erreurs de la nature qui n »avaient pas fait de lui, dès sa naissance, un indéniable bel homme, prince, génie et pacha. Au lieu de cela, pendant des années, il a travaillé sous le nom de « Gadge », le gars de la troupe de théâtre qui pouvait réparer un panneau d »éclairage, construire un harnais ou faire jouir une actrice vedette pour améliorer rapidement sa performance. » Cela dit, Kazan était souvent « un ennemi ou un rival naturel, grincheux avec les vieux amis, un adversaire de l »orthodoxie des autres et un opposant délibéré du reste ». Dans le drame de sa vie, Kazan n »était pas seulement un personnage, il était une mise en scène et un auteur. Il était seul contre le monde, sa seule voix, sa colère justifiée. » Kazan a dit un jour : « Même quand j »étais enfant, je voulais vivre trois ou quatre vies. » À sa manière, il l »a fait, laissant son empreinte sur l »Amérique non seulement en tant qu »artiste, mais aussi par ses actions pendant la période du maccarthysme, lorsque des écrivains, des acteurs et d »autres personnes étaient contraints, sous la pression, de « donner des noms » aux enquêteurs qui recherchaient des Américains prétendument déloyaux.

Thomson rappelle également que, entre autres choses, « Kazan était un homme farouchement hétérosexuel, un homme qui exigeait une identité sexuelle personnelle dans son travail, et qui avait souvent des liaisons passionnées avec ses actrices. » Dans son autobiographie de 1988, Elia Kazan : A Life, il évoque les nombreuses aventures qu »il a eues au fil des ans, notamment une liaison avec Marilyn Monroe. « Mes romans étaient une source de connaissances pour moi – ils étaient mon éducation. Au fil des ans, dans ce domaine et uniquement dans ce domaine, j »ai utilisé des mensonges, et je n »en suis pas fier. Mais je dois dire ceci : mon intérêt pour les femmes m »a sauvé. Il a pompé mes jus et m »a évité de me dessécher, de me transformer en poussière et de me disperser dans le vent. » Selon Thomson, « sa carrière mouvementée et ses impulsions controversées ne peuvent en aucun cas être réduites à un seul article. L »énumération de tous ses mérites prendrait beaucoup de place et ne laisserait pas de place à une description adéquate de son visage véritablement laid, qui attirait les regards de la honte. Il était vif, belliqueux, séducteur, enthousiaste et cruel. Un moment, il peut être un noble humaniste, le suivant un coureur de jupons pirate. Jusqu »à ce que la vieillesse et la maladie l »emportent, il était plein d »une vitalité farouche et compétitive. Être avec lui signifiait savoir qu »en plus de tout ce qu »il faisait, il pouvait aussi être un acteur hypnotique ou un leader politique inspirant. »

À l »âge de 78 ans, Kazan écrit dans son autobiographie : « Ce qui m »énerve maintenant, c »est la mortalité, par exemple. Je n »ai appris que récemment à profiter de la vie. J »ai cessé de me préoccuper de ce que les gens pensent de moi – ou du moins j »aime à le croire. Je passais la plupart de mon temps à m »efforcer d »être un type bien, pour que les gens m »aiment. Maintenant, je me suis retiré du show-business et je suis devenu un homme indépendant. »

Au cours de sa carrière, Kazan a remporté trois Tony Awards du meilleur metteur en scène de théâtre, deux Oscars du meilleur réalisateur de film, un Oscar honorifique pour l »ensemble de sa carrière et quatre Golden Globes.

Kazan a remporté trois Tony Awards du meilleur réalisateur pour ses productions de All My Sons (1947) et Death of a Salesman (1949) d »Arthur Miller et de J.B. d »Archibald MacLeish. (1959). Il a également été nommé quatre autres fois pour un Tony Award – en tant que meilleur metteur en scène pour « Cat on a Hot Tin Roof » (1956) de Tennessee Williams, en tant que meilleur metteur en scène et coproducteur de « Darkness at the Top of the Stairs » (1956) de William Inge et en tant que meilleur metteur en scène pour « The Sweet-Haired Bird of Youth » (1960) de Tennessee Williams. Cinq des pièces de Kazan ont été récompensées par des prix Pulitzer : The Skin of Our Teeth de Thornton Wilder en 1943, A Streetcar Named Desire de Tennessee Williams en 1948, et A Streetcar Named Desire de Tennessee Williams en 1948. – Tennessee Williams en 1948, Death of a Salesman à Arthur Miller en 1949, Cat on a Hot Roof à Tennessee Williams en 1955 et J.B. – Archibald MacLeish en 1959.

Kazan a remporté les Oscars pour avoir réalisé The Gentleman »s Agreement (1947) et Into the Harbour (1954), qui a également remporté l »Oscar du meilleur film. Kazan a également été nommé dans la catégorie du meilleur réalisateur aux Oscars pour Un tramway nommé désir (1951). (1951), East of Heaven (1955), et pour America, America (1963), il a été nommé pour trois Oscars – meilleur scénario, meilleur réalisateur et en tant que producteur pour le meilleur film. Treize des films de Kazan ont été nominés aux Oscars dans au moins une catégorie, et neuf d »entre eux ont remporté au moins un prix. Sept des films de Kazan ont remporté un total de 20 Oscars, dont Sur le port (1954) qui a remporté huit Oscars.

Vingt et un acteurs ont été nominés aux Oscars pour avoir joué dans des films réalisés par Kazan, dont James Dunn, Celeste Holm, Gregory Peck, Dorothy McGuire, Anne Revere, Jeanne Crane et Ethel Barrymore, Ethel Waters, Carl Moulden, Vivien Leigh, Kim Hunter, Marlon Brando, Anthony Quinn, Eva Marie Saint, Lee Jay Cobb, Rod Steiger, Joe Van Fleet, James Dean, Carroll Baker, Mildred Dunnock et Natalie Wood. Parmi les acteurs cités, Dunn, Holm, Molden, Lee, Hunter, Quinn, Brando, Sainte et Van Fleet ont remporté des Oscars. Quatre actrices ont remporté l »Oscar de la meilleure actrice dans un second rôle pour leurs rôles dans les films de Kazan : Holm, Hunter, Sainte et Van Fleet. Kazan est l »un des quatre réalisateurs dont les acteurs de films ont remporté des Oscars dans les quatre catégories d »acteurs. William Wyler, Hal Ashby et Martin Scorcese l »ont également fait.

Lorsqu »en 1999, quatre ans avant sa mort, il a été décidé de décerner à Kazan un « Oscar » honorifique pour l »ensemble de ses contributions, « les blessures de sa comparution devant la commission du Congrès américain sur les activités anti-américaines ont été rouvertes ». Comme l »a noté Marvin Rothstein dans le New York Times, le fait de recevoir ce prix a fait grand bruit, car en 1952, Kazan s »est attiré l »ire de nombre de ses amis et collègues lorsqu »il a admis devant la Commission qu »il avait été membre du parti communiste de 1934 à 1936 et a donné à la Commission les noms de huit autres membres du parti. De nombreuses personnes du monde des arts, y compris celles qui n »ont jamais été communistes, l »ont vivement critiqué pour cet acte pendant des décennies. Et deux ans plus tôt, l »American Film Institute a refusé à Kazan son prix. Selon Rothstein, l »attribution d »un Oscar honorifique à Kazan a suscité de nombreuses protestations, mais Kazan a également bénéficié d »un soutien important. Par exemple, Arthur Schlesinger Jr. a déclaré : « Si cette affaire de l »Académie exige des excuses de la part de Kazan, que ses détracteurs s »excusent alors pour l »aide et la sympathie qu »ils ont apportées au stalinisme. » On a également rappelé à Kazan qu »il y avait aussi des acteurs qui ne lui pardonneraient jamais d »avoir nommé la Commission du Congrès. Ainsi, Victor Navasky, auteur de Naming Names, écrit :  » Précisément parce qu »il était le réalisateur le plus influent du pays, Kazan aurait dû user de son influence pour lutter contre la liste noire et combattre la commission, mais il a cédé.  » La nuit des Oscars en 1999, plus de 500 manifestants se sont rassemblés devant le Dorothy Chandler Pavilion à Los Angeles pour protester contre la remise d »un prix honorifique à Kazan. À l »intérieur de la salle, on était également loin de la traditionnelle ovation debout typique des autres cérémonies de remise de prix. Le soir de la remise des prix, une partie du public n »a pas applaudi, mais d »autres lui ont réservé un accueil chaleureux. Le réalisateur Martin Scorcese et l »acteur Robert De Niro ont remis le prix à Kazan, exprimant leur admiration pour son travail. Dans sa réponse, Kazan a déclaré : « Je vous suis très reconnaissant. Je suis très heureux de l »apprendre et je tiens à remercier l »Académie pour son courage et sa générosité. »

A lire aussi, histoire – Rébellion jacobite de 1715

Cinématographie

Sources

1. Казан, Элиа
2. Elia Kazan