Paul Cézanne

gigatos | décembre 31, 2021

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Résumé

Paul Cézanne († 22 octobre 1906 ibidem) est un peintre français. L »œuvre de Cézanne est classée dans différents styles : Alors que ses premiers travaux sont encore marqués par le romantisme – comme les peintures murales de la maison de campagne du Jas de Bouffan – et le réalisme, il parvint, grâce à une étude intensive des formes d »expression impressionnistes, à un nouveau langage pictural qui cherche à consolider l »impression picturale déliquescente des œuvres impressionnistes. Il abandonna l »effet illusionniste à distance, brisa les règles établies par les représentants de l »art académique et aspira à un renouvellement des méthodes de création traditionnelles sur la base de l »espace chromatique impressionniste et des principes de modulation des couleurs.

Sa peinture suscita l »incompréhension et la moquerie de la critique d »art contemporaine. Jusqu »à la fin des années 1890, ce sont principalement des collègues artistes tels que Pissarro, Monet et Renoir ainsi que des collectionneurs d »art et le galeriste Ambroise Vollard qui ont découvert l »œuvre de Cézanne et qui ont été parmi les premiers acheteurs de ses tableaux. Vollard inaugure en 1895 la première exposition individuelle dans sa galerie parisienne, ce qui conduit à une étude plus large de l »œuvre de l »artiste.

Parmi les nombreux artistes qui se sont inspirés de l »œuvre de Cézanne après sa mort, on peut citer en particulier Pablo Picasso, Henri Matisse, Georges Braque et André Derain. L »orientation opposée des œuvres picturales des artistes cités permet d »apprécier la complexité de l »œuvre de Cézanne. Du point de vue de l »histoire de l »art, les œuvres de Cézanne comptent parmi les précurseurs de l »art moderne classique.

Les sujets des tableaux de Cézanne étaient souvent des baigneurs, le paysage autour de la Montagne Sainte-Victoire, des natures mortes et des portraits de son modèle, son amante et future femme, Hortense Fiquet.

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Enfance et formation

Paul Cézanne est né au 28 rue de l »Opéra à Aix-en-Provence, fils de Louis-Auguste Cézanne, marchand de chapeaux et plus tard banquier, et d »Anne-Elisabeth-Honorine Aubert. Ses parents ne se sont mariés qu »après la naissance de Paul et de sa sœur Marie (* 1841), le 29 janvier 1844. Sa sœur cadette Rose est née en juin 1854. De 1844 à 1849, il fréquente l »école primaire, puis l »École de Saint-Joseph. Ses condisciples étaient le futur sculpteur Philippe Solari et Henri Gasquet, père de l »écrivain Joachim Gasquet, qui devait publier son livre Cézanne en 1921.

À partir de 1852, Cézanne fréquenta le Collège Bourbon (aujourd »hui Lycée Mignet), où il se lia d »amitié avec le futur romancier Émile Zola et le futur ingénieur Jean-Baptistin Baille. Au collège, on les appelait les « inséparables ». Ce fut sans doute la période la plus insouciante de sa vie, lorsque les amis nageaient et pêchaient sur les rives de l »Arc. Ils débattaient d »art, lisaient Homère et Virgile et s »exerçaient à composer leurs propres poèmes. Cézanne écrivait souvent ses vers en latin. Zola lui demanda de pratiquer la poésie avec plus de sérieux, mais Cézanne n »y voyait qu »un passe-temps. Le 12 novembre 1858, Cézanne réussit l »examen du baccalauréat.

A la demande de son père autoritaire, qui voyait traditionnellement en son fils l »héritier de sa banque Cézanne & Cabassol, fondée en 1848, qui lui avait permis de passer de négociant à banquier prospère, Paul Cézanne s »inscrivit en 1859 à la faculté de droit de l »université d »Aix-en-Provence et suivit des cours de jurisprudence. Il passa deux ans à suivre ces études peu appréciées, mais les négligea de plus en plus, préférant se consacrer à des exercices de dessin et à l »écriture de poèmes. À partir de 1859, Cézanne prit des cours du soir à l »École municipale libre de dessin de la ville, installée dans le musée des Beaux-Arts d »Aix, le musée Granet. Son professeur était le peintre académique Joseph Gibert (1806-1884). En août 1859, il y remporta le deuxième prix du cours d »études de figures.

La même année, son père acheta la propriété du Jas de Bouffan (maison du vent). Cette résidence baroque de l »ancien gouverneur de province, en partie en ruine, devint par la suite et pour longtemps la maison et le lieu de travail du peintre. Le bâtiment et les vieux arbres du parc de la propriété faisaient partie des motifs préférés de l »artiste. En 1860, Cézanne obtint l »autorisation de peindre les murs du salon ; il réalisa les peintures murales grand format des quatre saisons : Printemps, Été, Automne et Hiver (aujourd »hui au Petit Palais à Paris), que Cézanne signa ironiquement Ingres, dont il n »appréciait pas les œuvres. Le tableau d »hiver porte en outre la date de 1811, qui fait allusion au tableau d »Ingres Jupiter et Thétis, peint à cette époque et exposé au musée Granet. Les tableaux Été et Hiver ont probablement été peints en premier et montrent encore une certaine maladresse dans l »utilisation de la technique picturale. Le printemps et l »automne semblent plus travaillés. La succession des saisons a en commun un rayonnement romantique que l »on ne retrouve plus par la suite dans les œuvres de Cézanne.

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Études à Paris

Zola, qui s »était installé à Paris avec sa mère en février 1858, suggérait avec insistance à Cézanne, dans des échanges de lettres, de renoncer à son attitude hésitante et de le suivre là-bas. A la condition d »entamer des études régulières, Louis-Auguste Cézanne céda finalement au désir de son fils, ayant abandonné l »espoir de trouver en Paul le successeur pour l »activité bancaire.

Cézanne s »installe à Paris en avril 1861. Les grands espoirs qu »il avait placés en Paris ne se réalisèrent pas, car il avait postulé à l »École des Beaux-Arts, mais y fut refusé. Il fréquenta l »Académie suisse libre, où il put se consacrer au dessin de nus. Il y rencontra Camille Pissarro, de dix ans son aîné, et Achille Emperaire, de sa ville natale d »Aix. Il copiait souvent au Louvre des œuvres de maîtres anciens comme Michel-Ange, Rubens et Titien. Mais la ville lui restait étrangère et il songea bientôt à retourner à Aix-en-Provence.

La foi de Zola en l »avenir de Cézanne était ébranlée, ainsi écrivait-il dès le mois de juin à leur ami d »enfance commun Baille : « Paul est toujours l »excellent et étrange garçon que j »ai connu à l »école. Pour te prouver qu »il n »a rien perdu de son originalité, je n »ai qu »à te dire qu »à peine arrivé ici, il parlait de revenir ». Cézanne peignit un portrait de Zola que celui-ci lui avait demandé pour donner du courage à son ami ; mais Cézanne ne fut pas satisfait du résultat et détruisit le tableau. En septembre 1861, Cézanne, déçu par son refus à l »École, retourna à Aix-en-Provence et travailla à nouveau dans la banque de son père.

Mais dès la fin de l »automne 1862, il s »installe à nouveau à Paris. Son père assurait son minimum vital avec une traite mensuelle de plus de 150 francs. L »École des Beaux-Arts, très attachée à la tradition, le rejette à nouveau. Il fréquenta donc à nouveau l »Académie suisse, qui encourageait le réalisme. C »est à cette époque qu »il fit la connaissance de nombreux jeunes artistes, après Pissarro, Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir et Alfred Sisley.

Contrairement à la vie artistique officielle française, Cézanne était influencé par Gustave Courbet et Eugène Delacroix, qui aspiraient à un renouveau de l »art et exigeaient la représentation d »une réalité sans fard. Les partisans de Courbet se nommaient « réalistes » et suivaient son principe formulé dès 1849, Il faut encanailler l »art (« Il faut jeter l »art dans le caniveau »), ce qui signifie que l »art doit être descendu de sa hauteur idéale et devenir une affaire de tous les jours. La rupture définitive avec la peinture historique a été opérée par Édouard Manet, pour qui il ne s »agissait pas d »une observation analytique, mais de la restitution de sa perception subjective et de la libération de l »objet du tableau de toute charge symbolique.

L »exclusion des œuvres de Manet, Pissarro et Monet du Salon officiel, le Salon de Paris, en 1863, provoqua une telle indignation parmi les artistes que Napoléon III fit aménager un « Salon des Refusés » à côté du Salon officiel. Les œuvres de Cézanne y furent également exposées, car, comme les années suivantes, il ne fut pas admis au Salon officiel, qui continuait à exiger la manière classique de peindre selon Ingres. Ce point de vue correspondait aux goûts du public bourgeois qui refusait l »exposition au « Salon des Refusés ».

Durant l »été 1865, Cézanne retourna à Aix. Le premier roman de Zola, La Confession de Claude, est publié. Il est dédié aux amis d »enfance Cézanne et Baille. En automne 1866, Cézanne exécuta toute une série de tableaux en technique de spatule, principalement des natures mortes et des portraits. Il passe la majeure partie de l »année 1867 à Paris et la seconde moitié de l »année 1868 à Aix. Début 1869, il retourne à Paris et fait la connaissance, à l »Académie suisse, d »Hortense Fiquet, une aide-relieuse de onze ans sa cadette, qui travaille comme modèle pour peintres afin d »obtenir un petit revenu d »appoint.

L »Estaque – Auvers-sur-Oise – Pontoise 1870-1874

Le 31 mai 1870, Cézanne fut témoin au mariage de Zola à Paris. Pendant la guerre franco-allemande, Cézanne et Hortense Fiquet vivaient dans le village de pêcheurs de l »Estaque, près de Marseille, où Cézanne devait se rendre souvent par la suite pour peindre, car l »atmosphère méditerranéenne du lieu le fascinait. Il s »était soustrait à la conscription. Bien que Cézanne ait été dénoncé comme déserteur en janvier 1871, il réussit à se cacher. On ne sait rien de plus, car les documents de cette époque font défaut.

Après l »écrasement de la Commune de Paris, le couple retourna à Paris en mai 1871. Paul fils, le fils de Paul Cézanne et d »Hortense Fiquet, est né le 4 janvier 1872. Cézanne cacha à son père sa famille qui n »était pas de son rang, afin de ne pas perdre les aides financières que celui-ci lui accordait pour vivre en tant qu »artiste.

Lorsque l »ami de Cézanne, le peintre estropié Achille Emperaire, vint chercher refuge dans la famille en 1872 à Paris, en raison de difficultés financières, il quitta rapidement le quartier de la rue Jussieu : « il le fallait, sinon je n »aurais pas échappé au sort des autres. Je l »ai trouvé ici abandonné de tous. Il n »est plus question de Zola, de Solari et de tous les autres. C »est le type le plus étrange qu »on puisse imaginer ».

De fin 1872 à 1874, Cézanne vécut avec sa femme et son enfant à Auvers-sur-Oise, où il fit la connaissance du médecin et ami de l »art Paul Gachet, qui devint plus tard le médecin du peintre Vincent van Gogh. Gachet était en outre un peintre amateur ambitieux et mettait son atelier à la disposition de Cézanne.

En 1872, Cézanne répondit à une invitation de son ami Pissarro à venir travailler à Pontoise, dans la vallée de l »Oise. Pissarro, en tant qu »artiste sensible, devint un mentor pour Cézanne, un homme timide et irritable ; il parvint à le convaincre d »abandonner les couleurs sombres de sa palette et lui donna le conseil suivant : « Ne peindre jamais qu »avec les trois couleurs primaires (rouge, jaune, bleu) et leurs variations immédiates ». En outre, il devait renoncer aux contours linéaires, la forme des choses résultant de la gradation des valeurs tonales des couleurs. Cézanne sentait que la technique impressionniste le rapprochait de son but, et il suivit les conseils de son ami. Ils peignaient souvent ensemble devant le motif. Plus tard, Pissarro raconta : « Nous étions constamment ensemble, mais malgré cela, chacun de nous conservait ce qui seul compte : sa propre sensibilité ».

Un exemple clair est visible dans deux des tableaux présentés ici : Contrairement aux couleurs sombres et aux contours marqués de la fonte des neiges dans L »Estaque, l »œuvre plus tardive Vue d »Auvers montre la technique apprise de Pissarro, associée à l »observation précise du paysage par Cézanne.

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Premières expositions impressionnistes de groupe à partir de 1874

Les jeunes peintres parisiens ne voyant pas de promotion de leurs œuvres au Salon de Paris, ils reprirent le projet de Claude Monet, déjà formulé en 1867, d »organiser leur propre exposition. Du 15 avril au 15 mai 1874 eut lieu la première exposition de groupe de la Société anonyme des artistes, peintres, sculpteurs, graveurs, que l »on appellera plus tard les impressionnistes. Ce nom provient du titre du tableau exposé, Impression soleil levant de Monet. Le critique Louis Leroy a qualifié le groupe d » »impressionnistes » dans le journal satirique Le Charivari, créant ainsi le terme de ce nouveau mouvement artistique. Le lieu d »exposition était l »atelier du photographe Nadar, boulevard des Capucines.

Pissarro imposa la participation de Cézanne malgré les réticences de certains membres qui craignaient que les tableaux audacieux de Cézanne ne nuisent à l »exposition. Outre Cézanne, Renoir, Monet, Alfred Sisley, Berthe Morisot, Edgar Degas et Pissarro, entre autres, exposèrent. Manet refusa d »y participer, pour lui Cézanne était « un maçon qui peint à la truelle ». Cézanne, en particulier, fit grand bruit avec ses tableaux comme le Paysage près d »Auvers et Une Olympie moderne, suscitant l »indignation et les rires moqueurs des critiques. Dans Une Olympia moderne, créée comme une citation du tableau Olympia de Manet, réalisé en 1863 et souvent décrié, Cézanne cherchait une représentation encore plus drastique et montrait, outre la prostituée et la servante, également le client, sous les traits duquel on soupçonne Cézanne en personne.

L »exposition se révéla être un échec financier ; le décompte final fit apparaître un déficit de plus de 180 francs pour chacun des artistes participants. L »œuvre de Cézanne, La Maison du pendu, fait partie des tableaux qui ont pu être vendus malgré les critiques. Le collectionneur Comte Doria l »acheta pour 300 francs.

En 1875, Cézanne rencontra l »inspecteur des douanes et collectionneur d »art Victor Chocquet qui, par l »intermédiaire de Renoir, acheta trois de ses œuvres et devint son plus fidèle collectionneur. Cézanne ne participa pas à la deuxième exposition du groupe, mais présenta en revanche en 1877, lors de la troisième exposition, pas moins de 16 de ses œuvres, qui s »attirèrent à nouveau des critiques considérables. Ce fut la dernière fois qu »il exposa avec les impressionnistes. Un autre mécène était le marchand de couleurs Julien « Père » Tanguy, qui soutenait les jeunes peintres en leur fournissant des couleurs et des toiles en échange de tableaux.

En mars 1878, le père de Cézanne apprit, par une déclaration épistolaire imprudente de Victor Chocquet, la relation longtemps cachée avec Hortense et leur fils illégitime Paul. Il réduisit alors de moitié la traite mensuelle et Cézanne commença une période financièrement tendue, durant laquelle il dut demander de l »aide à Zola.

En 1881, Cézanne travaille à Pontoise avec Paul Gauguin et Pissarro ; Cézanne retourne à Aix à la fin de l »année. Il reprocha plus tard à Gauguin de lui avoir volé sa « petite sensibilité » et que celui-ci, d »autre part, ne peignait pourtant que des chinoiseries. En 1882, un ami de Cézanne, Antoine Guillemet, devint membre du jury du Salon. Comme chaque membre du jury avait le privilège de présenter un tableau d »un de ses élèves, il fit passer Cézanne pour son élève et obtint sa première participation au Salon. L »œuvre, un portrait de son père datant des années soixante, fut accrochée au premier rang, dans un endroit mal éclairé d »une salle isolée, et ne reçut aucune attention.

Cézanne travailla avec Renoir au printemps 1882 à Aix et – pour la première fois – à L »Estaque, un petit village de pêcheurs près de Marseille, où il se rendit également en 1883 et 1888. C »est lors de l »un de ces deux premiers séjours qu »il réalise La baie de Marseille, vue de l »Estaque. En automne 1885 et dans les mois qui suivent, Cézanne séjourne à Gardanne, une petite ville située sur une colline près d »Aix-en-Provence, où il réalise plusieurs toiles dont les formes facettées anticipent déjà le style pictural du cubisme.

Rupture avec Zola, mariage en 1886

La longue relation amicale avec Émile Zola était devenue plus distante. L »écrivain mondain à succès s »était installé en 1878 dans une luxueuse maison d »été à Médan, près d »Auvers, où Cézanne lui avait rendu visite à plusieurs reprises entre 1879 et 1882 ainsi qu »en 1885 ; mais le style de vie somptueux de son ami lui avait fait prendre conscience de sa propre insuffisance, lui qui menait une vie peu exigeante, et l »avait amené à douter de lui-même.

Zola, qui considérait entre-temps son ami d »enfance comme un raté, publia en mars 1886 son roman clé L »Œuvre, issu du cycle romanesque des Rougon-Macquart, dont le protagoniste, le peintre Claude Lantier, ne parvient pas à réaliser ses objectifs et se suicide. Pour accentuer encore le parallèle entre la fiction et la biographie, Zola a placé dans son œuvre le peintre Lantier aux côtés de l »écrivain à succès Sandoz. Monet et Edmond de Goncourt voyaient plutôt dans le personnage romanesque du peintre une description d »Édouard Manet, mais Cézanne se trouvait reflété en tant que personne dans de nombreux détails. Il le remercia formellement pour l »envoi de l »œuvre qui le concernait soi-disant. Le contact entre les deux amis d »enfance fut alors définitivement rompu.

Le 28 avril 1886, Paul Cézanne et Hortense Fiquet se sont mariés à Aix en présence de ses parents. L »union avec Hortense n »a pas été légalisée par amour, car leur relation était déjà rompue depuis longtemps. Cézanne avait une peur des femmes et une peur panique d »être touché, un traumatisme remontant à son enfance, lorsque, selon ses propres dires, un camarade de classe lui avait donné un coup de pied dans le dos dans les escaliers. Le mariage devait plutôt garantir les droits de son fils Paul, âgé entre-temps de quatorze ans et que Cézanne aimait beaucoup, en tant que fils légitime.

Malgré cette relation tendue, Hortense était la personne dont Cézanne faisait le plus souvent le portrait. Du début des années soixante-dix jusqu »au début des années quatre-vingt-dix, on connaît 26 tableaux d »Hortense. Elle subissait les séances épuisantes sans bouger et avec patience. Le tableau présenté a été réalisé vers 1890 dans l »appartement de l »île Saint-Louis à Paris, au 15 quai d »Anjou.

En octobre 1886, après la mort de son père, Cézanne, sa mère et ses sœurs héritèrent de sa fortune, qui comprenait également le domaine du Jas de Bouffan, de sorte que la situation financière de Cézanne devint beaucoup plus détendue. « Mon père était un homme de génie », disait-il rétrospectivement, « il m »a laissé un revenu de 25.000 francs ».

Exposition chez Les Vingt 1890

Cézanne vivait à Paris et de plus en plus à Aix sans sa famille. Renoir lui rendit visite là-bas en janvier 1888, et ils travaillèrent ensemble dans l »atelier du Jas de Bouffan. En 1890, Cézanne fut atteint de diabète ; la maladie le rendit encore plus difficile dans ses relations avec les autres.

Dans l »espoir que sa relation perturbée avec Hortense puisse se stabiliser, Cézanne passa quelques mois en Suisse avec elle et son fils Paul. La tentative échoua, c »est pourquoi il retourna en Provence, Hortense et Paul à Paris.

La même année, il exposa trois de ses œuvres auprès du groupe Les Vingt à Bruxelles. La Société des Vingt, abrégée Les XX ou Les Vingt, en français Die XX ou Die Zwanzig, était une association fondée vers 1883 par des artistes belges ou vivant en Belgique, dont Fernand Khnopff, Théo van Rysselberghe, James Ensor et le frère et la sœur Anna et Eugène Boch.

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Première exposition individuelle de Cézanne à Paris en 1895

En mai 1895, il visita avec Pissarro l »exposition de Monet à la galerie Durand-Ruel. Il fut enthousiasmé, mais mentionna plus tard, de manière significative, l »année 1868 comme étant la période la plus forte de Monet, lorsque celui-ci était encore plus sous l »influence de Courbet.Avec son camarade d »études de l »Académie Suisse, Achille Emperaire, Cézanne se rendit dans la région du Tholonet, où il habita au « Château Noir », situé sur la montagne Sainte-Victoire. Il a souvent pris la montagne comme sujet de ses tableaux. Il louait une cabane à la carrière voisine de Bibémus, qui devint un autre motif de ses peintures.

Ambroise Vollard, un galeriste en pleine ascension, a inauguré la première exposition individuelle de Cézanne en novembre 1895. Il présentait dans sa galerie une sélection de 50 œuvres parmi les quelque 150 que Cézanne lui avait envoyées par colis. Grâce à l »exposition d »un lot de Manet dans son petit magasin, Vollard avait fait la connaissance de Degas et de Renoir en 1894, qui lui avaient échangé des œuvres de Manet contre leurs propres œuvres. Vollard noua également des relations avec Pierre Bonnard et Édouard Vuillard, et lorsque le Père Tanguy, célèbre marchand de couleurs, mourut la même année, Vollard put acheter à très bon prix des œuvres de trois inconnus de l »époque dans sa succession : Cézanne, Gauguin et van Gogh. Le premier acheteur d »une toile de Cézanne fut Monet, suivi par des collègues comme Degas, Renoir, Pissarro et plus tard par des collectionneurs d »art. Les prix des œuvres de Cézanne ont été multipliés par cent, et Vollard a profité comme toujours de ses stocks.

En 1897, un musée acheta pour la première fois un tableau de Cézanne. Hugo von Tschudi a acheté le paysage de Cézanne Le moulin de la Couleuvre près de Pontoise à la galerie Durand-Ruel pour la Nationalgalerie de Berlin.

La mère de Cézanne mourut le 25 octobre 1897. En novembre 1899, sur l »insistance de sa sœur, il vendit le domaine du Jas de Bouffan, désormais pratiquement orphelin, et s »installa dans un petit appartement en ville au 23, rue Boulegon à Aix-en-Provence ; l »achat prévu du domaine du Château Noir n »avait pas pu être réalisé. Il engagea une gouvernante, Mme Bremond, qui devait s »occuper de lui jusqu »à sa mort.

Hommage an Cézanne

Entre-temps, le marché de l »art continuait à réagir positivement aux œuvres de Cézanne ; ainsi, en juin 1899, Pissarro écrivait de Paris à propos de la vente aux enchères de la collection de Chocquet provenant de sa succession : « Trente-deux Cézanne de premier ordre en font partie . Les Cézanne feront des prix très élevés et sont déjà estimés à quatre ou cinq mille francs ». Lors de cette vente, des prix conformes au marché ont été atteints pour la première fois pour des tableaux de Cézanne, mais ils étaient encore « bien inférieurs à ceux des tableaux de Manet, Monet ou Renoir ».

En 1901, Maurice Denis expose à Paris et à Bruxelles son grand tableau Hommage à Cézanne, réalisé en 1900. Le sujet du tableau est la galerie d »Ambroise Vollard, dans laquelle est présenté un tableau – le tableau de Cézanne Nature morte au bol de fruits – qui appartenait auparavant à Paul Gauguin. L »écrivain André Gide a acquis Hommage à Cézanne et l »a donné au Musée du Luxembourg en 1928. Actuellement, il fait partie des collections du Musée d »Orsay, Paris. Concernant les personnes représentées : Odilon Redon se trouve à gauche au premier plan, il écoute Paul Sérusier qui se trouve en face de lui. De gauche à droite sont également représentés Edouard Vuillard, le critique André Mellerio avec son haut-de-forme, Vollard derrière son chevalet, Maurice Denis, Paul Ranson, Ker-Xavier Roussel, Pierre Bonnard avec sa pipe, et tout à droite Marthe Denis, l »épouse du peintre.

Les dernières années

En 1901, Cézanne acquiert un terrain au nord de la ville d »Aix-en-Provence, où il fait construire en 1902, selon ses besoins, l »atelier du Chemin des Lauves. Pour les tableaux de grand format comme Les Grands Baigneurs, réalisés dans l »atelier des Lauves, il fit construire sur le mur extérieur une longue et étroite fente dans le mur, par laquelle la lumière naturelle pouvait passer. Cette année-là, Zola mourut, ce qui plongea Cézanne dans la tristesse malgré l »éloignement.

Son état de santé se dégrade avec l »âge ; à son diabète s »ajoutent des dépressions dues à l »âge, qui se traduisent par une méfiance croissante à l »égard de son entourage, allant jusqu »à la paranoïa. Cependant, ses concitoyens aixois et une partie de la presse ne lui ont pas facilité la tâche. Malgré la reconnaissance croissante de l »artiste, des articles de presse haineux parurent et il reçut de nombreuses lettres de menaces. « Je ne comprends pas le monde, et le monde ne me comprend pas, c »est pourquoi je me suis retiré du monde », c »est ainsi que s »exprimait le vieux Cézanne à son cocher.

Lorsque Cézanne déposa son testament chez un notaire en septembre 1902, il exclut sa femme Hortense de la succession et y déclare son fils Paul comme seul héritier.

En 1903, il exposa pour la première fois au Salon d »Automne nouvellement créé à Paris. Le peintre et théoricien de l »art Émile Bernard lui rendit visite pour la première fois en février 1904 pendant un mois et publia en juillet un article sur le peintre dans la revue L »Occident. Cézanne travaillait alors sur une nature morte Vanitas avec trois crânes sur un tapis oriental. Bernard rapporta que pendant son séjour, ce tableau changeait chaque jour de couleur et de forme, bien qu »il apparût comme achevé dès le premier jour. Il considéra plus tard cette œuvre comme l »héritage de Cézanne et résuma : « En vérité, sa manière de travailler était une réflexion, le pinceau à la main ». Les natures mortes Memento mori, créées à plusieurs reprises, montraient la dépression croissante de Cézanne due à l »âge, qui était évoquée dans ses lettres depuis 1896 par des remarques telles que « la vie commence à être pour moi d »une monotonie mortelle ». Une correspondance s »établit avec Bernard jusqu »à la mort de Cézanne ; il publia ses Souvenirs sur Paul Cézanne pour la première fois en 1907 dans le Mercure de France, et ils parurent sous forme de livre en 1912.

Du 15 octobre au 15 novembre 1904, une salle entière du Salon d »Automne était consacrée aux œuvres de Cézanne. En 1905, une exposition eut lieu à Londres, où ses œuvres furent également présentées ; la galerie Vollard exposa ses œuvres en juin, et le Salon d »Automne s »y associa à nouveau du 19 octobre au 25 novembre avec 10 tableaux.

L »historien de l »art et mécène Karl Ernst Osthaus, qui a fondé le musée Folkwang en 1902, a rendu visite à Cézanne le 13 avril 1906 dans l »espoir d »acquérir un tableau de l »artiste. Sa femme Gertrud a probablement pris la dernière photo de Cézanne. Osthaus a décrit sa visite dans son ouvrage publié la même année, Ein Besuch bei Cézanne.

Malgré ses succès tardifs, Cézanne n »a jamais pu que s »approcher de ses objectifs. Le 5 septembre 1906, il écrivit à son fils Paul : « Enfin, je veux te dire qu »en tant que peintre, je deviens plus clairvoyant devant la nature, mais que chez moi la réalisation de mes sensations est toujours très laborieuse. Je ne peux pas atteindre l »intensité qui se développe devant mes sens, je ne possède pas cette merveilleuse richesse de couleurs qui anime la nature ».

Le 15 octobre, Cézanne est pris dans un orage alors qu »il peint devant le motif ; il perd connaissance, est recueilli par les cochers d »une charrette de linge et ramené chez lui. En raison de l »hypothermie, il contracta une grave pneumonie. Le lendemain, Cézanne se rendit encore au jardin pour travailler à son dernier tableau, le Portrait du jardinier Vallier, et écrivit une lettre énervée à son marchand de couleurs, dans laquelle il se plaignait du retard de la livraison des couleurs. Son état de santé se détériorait cependant à vue d »œil. Sa femme Hortense et son fils Paul furent informés par télégramme par la gouvernante, mais ils arrivèrent trop tard. Le 22 octobre 1906, Cézanne mourut à Aix-en-Provence.

Chronologie

La première période « sombre » de Cézanne a été influencée par les œuvres du romantisme français et du réalisme naissant ; les modèles étaient Eugène Delacroix et Gustave Courbet. Ses tableaux se caractérisent par une application épaisse de la peinture, des tons sombres et contrastés avec des ombres prononcées, l »utilisation du noir pur et d »autres teintes mélangées au noir, du brun, du gris ainsi que du bleu de Prusse ; parfois, quelques taches blanches ou des coups de pinceau verts et rouges viennent éclaircir la monotonie monochrome. Les thèmes de ses tableaux de cette époque sont des portraits des membres de la famille ou à contenu démoniaque et érotique, dans lesquels ses propres expériences traumatisantes font écho. L »enlèvement et le meurtre en sont des exemples.

Dans sa deuxième période – la période impressionniste – il s »inspire des œuvres de Camille Pissarro et d »Édouard Manet, abandonne sa manière sombre de peindre et utilise désormais une palette de couleurs purement basée sur les tons fondamentaux, le jaune, le rouge et le bleu. Il se détache ainsi de sa technique d »application de couleurs lourdes et souvent surchargées et adopte la technique picturale décontractée de ses modèles, composée de coups de pinceau juxtaposés. Les portraits et les compositions figuratives sont en retrait durant ces années. Cézanne réalisa par la suite des paysages dans lesquels l »espace de profondeur illusionniste fut de plus en plus clairement supprimé. Les « objets » continuent d »être appréhendés comme des volumes et ramenés à leurs formes géométriques de base. Cette méthode de création est appliquée à l »ensemble de la surface du tableau. Le geste pictural traite désormais le « lointain » de la même manière que les « objets » eux-mêmes, de sorte que l »impression d »un effet lointain se fait sentir. De cette manière, Cézanne quitte d »une part l »espace pictural traditionnel, mais s »oppose d »autre part à l »impression de dispersion des œuvres impressionnistes. Il réalisa entre autres des tableaux avec des motifs du Jas de Bouffan et de l »Estaque.

Vient ensuite la « période de synthèse », au cours de laquelle Cézanne se détache complètement de la peinture impressionniste. Il solidifie les formes en appliquant des couleurs en diagonale et en aplat, supprime la représentation personnelle pour créer la profondeur du tableau et porte son attention sur l »équilibre de la composition. Durant cette période, il réalisa de plus en plus de paysages et de figures. Dans une lettre à son ami Joachim Gasquet, il écrit : « Les surfaces colorées, toujours les surfaces ! Le lieu coloré où l »âme des surfaces frémit, la chaleur prismatique, la rencontre des surfaces dans la lumière du soleil. Je dessine mes surfaces avec mes dégradés de couleurs sur la palette, comprenez-moi ! Les surfaces doivent apparaître clairement. Clairement, mais elles doivent être correctement réparties, se fondre les unes dans les autres. Tout doit s »accorder et pourtant former des contrastes. Ce sont les volumes seuls qui comptent ! »

Les natures mortes, que Cézanne a peintes dès la fin des années 1880, constituent un autre point fort de son œuvre. Il renonçait à la reproduction linéaire en perspective des motifs et les représentait plutôt dans les dimensions qu »il jugeait judicieuses pour la composition ; une poire, par exemple, peut être surdimensionnée afin d »atteindre l »équilibre intrapictural et une composition riche en tensions. Il construisait ses arrangements dans son atelier. Outre les fruits, ce sont des cruches, des pots et des assiettes, parfois un putto, souvent entourés d »une nappe blanche bouffante, qui confèrent au sujet une plénitude baroque. Ce ne sont pas les objets qui doivent attirer l »attention, mais la disposition des formes et des couleurs sur la surface. Cézanne a développé la composition à partir de touches de couleur individuelles réparties sur la toile, à partir desquelles la forme et le volume de l »objet se construisent peu à peu. L »obtention de l »équilibre de ces taches de couleur sur la toile nécessite une méthode de travail lente, si bien que Cézanne travaillait souvent longtemps sur une toile.

Après avoir commencé par ne représenter que des membres de sa famille ou des amis, l »amélioration de sa situation financière lui permit d »engager un modèle professionnel, un jeune Italien du nom de Michelangelo di Rosa, pour le portrait du Garçon au gilet rouge, réalisé en 1888-1890 et qui compte parmi ses tableaux les plus connus. Il a été représenté au total dans quatre tableaux et deux aquarelles.

Un autre tableau célèbre de cette époque est Le fumeur accoudé (1890). Fritz Wichert a acheté ce tableau à Paul Cassirer à Berlin en 1912, malgré la ferme opposition de la commission municipale d »achat de l »époque pour la « Franzosensaal » de la Kunsthalle de Mannheim qu »il avait créée. Entre 1890 et 1895, Cézanne a peint cinq versions du tableau Les Joueurs de cartes, dans lesquelles le même personnage est représenté de différentes manières.

Pour Les Joueurs de cartes, il a pris pour modèles des paysans et des journaliers qui travaillaient dans les champs près du Jas de Bouffan. Ce ne sont pas des tableaux de genre, même s »ils montrent des scènes de la vie quotidienne ; le motif est construit selon des lois strictes de couleurs et de formes.

Une orientation vers des figures librement inventées dans le paysage détermine de nombreuses œuvres de la fin de sa carrière, de la période dite « lyrique », comme le cycle des baigneuses ; Cézanne a réalisé environ 140 peintures et esquisses sur le thème des scènes de baignade. On retrouve ici sa vénération pour la peinture classique, qui cherche à réunir en harmonie l »homme et la nature dans des idylles arcadiennes. Au cours des sept dernières années, il a réalisé trois versions grand format de Les Grandes Baigneuses, dont l »œuvre exposée à Philadelphie, au format 208 × 249 cm, est la plus grande. Cézanne s »intéressait à la composition et à l »interaction des formes et des couleurs, de la nature et des personnages. Pour ses tableaux de cette époque, il utilisait comme modèles des esquisses et des photographies, car la présence de modèles nus ne lui convenait pas.

La région de la Montagne Sainte-Victoire fut l »un des principaux thèmes de la fin de sa carrière. Depuis un point de vue situé au-dessus de son atelier, appelé plus tard Terrain des Peintres, il a peint plusieurs vues de la montagne. Une observation précise de la nature était une condition préalable à la peinture de Cézanne : « Pour peindre correctement un paysage, je dois aussi d »abord reconnaître la stratification géologique ». Au total, il a peint plus de 30 huiles ainsi que 45 aquarelles de la montagne, et il était toujours soucieux de trouver « des constructions et des harmonies parallèles à la nature ».

Cézanne s »est surtout intéressé à l »aquarelle dans son œuvre tardive, car il s »était rendu compte que l »application spécifique de ses moyens pouvait être présentée de manière particulièrement évidente dans ce médium. Les aquarelles tardives ont également eu un impact sur sa peinture à l »huile, par exemple dans l »étude avec baigneurs (1902-1906), dans laquelle une représentation pleine de « vides » flanqués de couleurs apparaît comme achevée. Ainsi, le peintre et critique d »art Roger Fry souligne également dans sa publication fondamentale sur Cézanne, Cézanne : A Study of His Development, parue en 1927, qu »après 1885, la technique de l »aquarelle a fortement influencé sa peinture à l »huile. Un cercle plus large d »intéressés a découvert les aquarelles dans la monographie de Vollard sur Cézanne en 1914 et dans le portfolio de Julius Meier-Graefe édité en 1918, qui contient dix fac-similés d »après les aquarelles. Des études au crayon à peine rehaussées de couleurs, qui apparaissaient sporadiquement dans des albums d »esquisses, côtoient des œuvres soigneusement peintes. De nombreuses aquarelles sont équivalentes aux réalisations sur toile et forment un groupe d »œuvres autonome. Les thèmes sont dominés par les aquarelles de paysages, suivies par les peintures de personnages et les natures mortes, tandis que les portraits sont plus rares, contrairement aux peintures et aux dessins.

Méthode

Comme pour l »Antiquité et les maîtres anciens, la base de la peinture est pour Cézanne le dessin, mais la condition de tout travail est la soumission à l »objet, c »est-à-dire à l »œil ou à la vision pure : « Toute la volonté du peintre doit se taire. Il doit faire taire en lui toutes les voix du préjugé. Oublier ! Oublier ! Créer le silence ! Être un écho parfait. Le paysage se reflète, s »humanise, se pense en moi. Je m »élève avec elle jusqu »aux racines du monde. Nous germons. Une tendre excitation me saisit et des racines de cette excitation monte alors la sève, la couleur. Je suis né au monde réel. Je vois ! Pour peindre cela, le métier doit alors intervenir, mais un métier humble, qui obéit et qui est prêt à transmettre inconsciemment ».

Cézanne, en tant que méthodique de la couleur, a laissé, outre des peintures à l »huile et des aquarelles, une œuvre importante de plus de 1200 dessins qui, cachés de son vivant dans les armoires et les dossiers de l »atelier, n »ont commencé à intéresser les collectionneurs que dans les années 1930. Ils constituent le matériel de travail de ses œuvres et montrent des esquisses de détail, des notes d »observation et des dessins de suivi sur les étapes parfois difficilement déchiffrables de Cézanne sur le chemin de la réalisation du tableau. Leur tâche, liée au processus de création de chaque œuvre, consistait à donner la structure globale et les désignations des objets au sein de l »organisme pictural. Même à un âge avancé, il réalisa des dessins de portraits et de figures d »après des modèles d »œuvres picturales antiques et des peintures baroques du Louvre, qui lui permirent d »y voir plus clair dans la singularisation des apparitions plastiques. C »est pourquoi le noir et blanc des dessins constituait une condition essentielle pour les créations de Cézanne à partir de la couleur.

Paul Cézanne a été le premier artiste à commencer à décomposer des objets en formes géométriques simples. Dans sa lettre du 15 avril 1904, souvent citée, il écrivait au peintre et théoricien de l »art Émile Bernard, qui avait fait la connaissance de Cézanne dans ses dernières années : « Traiter la nature selon le cylindre, la sphère et le cône, et mettre l »ensemble en perspective, de sorte que chaque côté d »un objet, d »une surface, conduise à un point central. Ainsi, dans sa conception de la peinture, même une montagne est conçue comme une superposition de formes, d »espaces et de structures qui s »élèvent au-dessus du sol.

Émile Bernard écrivait à propos de la méthode de travail inhabituelle de Cézanne : « Il commençait par les parties d »ombre et par une tache sur laquelle il en plaçait une deuxième plus grande, puis une troisième, jusqu »à ce que toutes ces teintes, se recouvrant les unes les autres, modèlent le sujet avec leur coloris. Je compris alors qu »une loi d »harmonie guidait son travail et que ces modulations avaient une direction fixée à l »avance dans son esprit ». C »est dans cette direction prédéterminée que réside pour Cézanne le véritable secret de la peinture en rapport avec l »harmonie et l »illusion de la profondeur. Face au collectionneur Karl Ernst Osthaus, Cézanne souligna le 13 avril 1906, lors de la visite de ce dernier à Aix, que l »essentiel dans un tableau était la rencontre de la distance. La couleur doit exprimer chaque saut dans la profondeur. C »est à cela que l »on reconnaît le savoir-faire du peintre.

Auf das Motiv gehen, Gefühl und Umsetzung

Cézanne utilisait de préférence ces termes lorsqu »il décrivait son procédé pictural. Il y a tout d »abord le « motif », par lequel il n »entendait pas seulement la notion figurative de l »image, mais aussi la motivation de son inlassable travail d »observation et de peinture. Aller sur le motif, comme il appelait sa démarche de travail, signifiait donc entrer en relation avec un objet extérieur qui animait l »artiste intérieurement et qu »il s »agissait de traduire picturalement.

La sensation est un autre terme clé du vocabulaire de Cézanne. Il désigne tout d »abord la perception visuelle au sens de l » »impression », c »est-à-dire une stimulation sensorielle optique émanant de l »objet. En même temps, il englobe l »émotion en tant que réaction psychique à la chose perçue. De manière explicite, Cézanne ne plaçait pas l »objet à représenter, mais la sensation au centre de ses efforts picturaux : « Peindre d »après nature, ce n »est pas copier l »objet, c »est réaliser ses sensations ». Le médium qui servait d »intermédiaire entre les choses et les sensations était la couleur, Cézanne ne précisant pas dans quelle mesure elle provenait des choses ou si elle était une abstraction de sa vision.

Avec le troisième terme, réalisation, Cézanne désignait l »activité picturale proprement dite, dont il craignait l »échec jusqu »au bout. Il s »agissait de « réaliser » plusieurs choses à la fois : d »abord le motif dans sa diversité, ensuite les sensations que le motif provoquait en lui, et enfin le tableau lui-même, dont la réalisation pouvait mettre en lumière les autres « réalisations ». « Peindre » consistait donc à faire se fondre dans un même geste ces mouvements contradictoires de prise et de restitution, d » »impression » et d » »expression ». La « réalisation dans l »art » devint un concept clé dans la pensée et l »action de Cézanne.

Poussin d »après nature

« Imaginez Poussin entièrement récupéré dans la nature », avait déclaré Cézanne à Joachim Gasquet, « c »est le classicisme auquel j »aspire ». L »historien de l »art Ernst Gombrich interprète cette citation à l »occasion du centenaire de la mort de Cézanne en 2006 : « Il considérait que sa tâche était de peindre d »après nature, c »est-à-dire de se servir des découvertes des impressionnistes tout en retrouvant la régularité et la nécessité internes qui avaient caractérisé l »art de Poussin ».

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Datation

Les indications de temps parfois plus longues concernant la création dans les catalogues d »œuvres n »indiquent pas toujours une datation précise, même si Cézanne ne datait guère ses tableaux, d »autant plus qu »il travaillait sur certains d »entre eux pendant des mois, voire des années, avant d »être satisfait du résultat. L »artiste lui-même considérait nombre de ses tableaux comme inachevés, car peindre était pour lui un processus incessant.

Le catalogage des œuvres de Cézanne s »est avéré être une tâche difficile. Lionello Venturi a publié le premier catalogue en 1936. Les œuvres de Cézanne furent cataloguées avec son nom, par exemple la dernière toile du jardinier Vallier traitée par Cézanne porte la mention « Venturi 718″. John Rewald a poursuivi le travail de Venturi après sa mort. Rewald forma un groupe de travail au sein duquel il fut décidé de séparer le catalogue raisonné créé par Venturi ; Rewald se chargea des catalogues des peintures à l »huile et des aquarelles, l »historien Adrien Chappuis se consacra aux dessins de Cézanne. Le catalogue de ce dernier, The Drawings of Paul Cézanne – A Catalogue Raisonné, est paru en 1973 chez Thames and Hudson à Londres. Le livre Paul Cézanne – The Watercolours : A Catalog Raisonné de Rewald a été publié par Thames and Hudson, Londres, avec 645 illustrations en 1983.

L »absence de datation des tableaux (Rewald n »en a trouvé qu »un seul en tout) et des formulations imprécises du motif pictural comme Paysage ou Quelques pommes ont semé la confusion. Dans ses premiers travaux sur le Venturi, Rewald a dressé une liste de toutes les œuvres dont la datation pouvait être établie sans analyse stylistique, car il rejetait une telle analyse comme non scientifique. Il poursuivit sa liste en suivant les différents lieux de séjour de Cézanne qui pouvaient être attestés par des documents. Un autre schéma de son approche consistait à se fier aux souvenirs des personnes dont il avait fait le portrait, en particulier lorsqu »elles étaient contemporaines de Cézanne. Sur la base de ses propres interviews, il a procédé à des classifications temporelles. Parmi les œuvres qui ont pu être datées avec certitude, il y avait le Portrait du critique Gustave Geffroy de Cézanne, auquel le sujet a confirmé l »année 1895, et Le Lac d »Annecy, où l »artiste ne s »est rendu qu »une seule fois, en 1896.

Rewald est mort en 1994, il n »a pas pu achever son œuvre. S »il y avait le moindre doute, la tendance de Rewald était d »inclure plutôt que d »exclure. Cette méthode a été reprise par ses plus proches collaborateurs, Walter Feilchenfeldt jr, fils du marchand d »art Walter Feilchenfeldt, et Jayne Warman, qui ont achevé le catalogue et l »ont accompagné d »introductions. Le catalogue a été publié en 1996 sous le titre The Paintings of Paul Cézanne : A Catalogue Raisonne – Review. Il comprend les 954 œuvres que Rewald souhaitait inclure.

Effet de son vivant

En 1897, le premier achat d »un tableau de Cézanne pour un musée fut effectué par la Nationalgalerie de Berlin sous la direction de son directeur Hugo von Tschudi, qui souhaitait faire connaître les impressionnistes français dans les musées allemands. Il acquit le paysage de Cézanne Le Moulin à la Couleuvre près de Pontoise à la galerie Durand-Ruel. En 1904 et 1906 suivirent deux autres achats de natures mortes de Cézanne. L »intérêt de Tschudi pour le courant artistique français actuel était dû au peintre Max Liebermann, qui avait accompagné Tschudi lors de son premier voyage officiel à Paris en 1896 afin d »évaluer le nouveau courant artistique français. Les directeurs de musées français, en revanche, continuèrent à se montrer réticents, ce qui eut pour conséquence que leurs collections durent être complétées plus tard par des dons et des legs afin de pouvoir représenter leur compatriote de manière adéquate.

L »ami d »enfance de Cézanne, l »écrivain Émile Zola, s »est montré très tôt sceptique quant aux qualités humaines et artistiques de Cézanne et exprimait déjà en 1861 que « Paul peut avoir le génie d »un grand peintre, mais il n »aura jamais le génie d »en devenir réellement un. Le moindre obstacle le désespère ». En fait, ce sont les doutes de Cézanne sur lui-même et son refus de faire des compromis artistiques, ainsi que son refus des concessions sociales, qui ont poussé ses contemporains à le considérer comme un être à part.

Dans le cercle des impressionnistes, les travaux de Cézanne étaient cependant particulièrement appréciés ; Camille Pissarro, Auguste Renoir, Claude Monet et Edgar Degas parlaient ainsi avec enthousiasme de son œuvre, et Pissarro s »exprimait ainsi : « Je crois qu »il se passera encore des siècles avant qu »on en rende compte ».

Son ami et mentor Pissarro a peint un portrait de Cézanne en 1874, et en 1901, Maurice Denis, cofondateur du groupe d »artistes Nabis, a créé Hommage à Cézanne, qui représente le tableau de Cézanne Nature morte aux fruits sur le chevalet, entouré d »amis artistes dans la galerie Vollard. Hommage à Cézanne appartenait à l »origine à Paul Gauguin et a ensuite été acheté par l »écrivain français et ami de Denis, André Gide, qui l »a gardé en sa possession jusqu »en 1928. Il est aujourd »hui exposé au musée d »Orsay.

La première exposition commune des impressionnistes à Paris en avril-mai 1874 attira une critique extensive. Le public et les critiques d »art, pour qui « l »idéal » de l »École des Beaux Arts était la preuve de l »existence de l »art, éclatèrent de rire. Un critique a affirmé que Monet peignait en chargeant ses couleurs dans un fusil et en tirant sur la toile. Devant un tableau de Cézanne, un collègue exécuta une danse indienne en criant : « Hugh ! Je suis l »impression ambulante, le couteau à palette vengeur, le »Boulevard des Capucines » de Monet, »La maison du pendu » et »L »Olympia moderne » de Monsieur Cézanne. Hugh ! Hugh ! Hugh ! »

En 1883, l »écrivain français Joris-Karl Huysmans répondit par lettre à Pissarro qui lui reprochait de ne mentionner que brièvement Cézanne dans le livre de Huysmans L »Art moderne, en émettant l »hypothèse que le regard de Cézanne sur les motifs était faussé par l »astigmatisme : » mais il y a certainement un défaut oculaire en jeu, dont il est, m »assure-t-on, conscient ». Cinq ans plus tard, son jugement est plus positif dans la revue La Cravache, où il qualifie les œuvres de Cézanne d » »étranges mais réelles » et de « révélation ».

Le marchand d »art Ambroise Vollard est entré en contact pour la première fois en 1892 avec des œuvres de Cézanne par l »intermédiaire du marchand de couleurs Tanguy, qui les avait exposées dans son magasin de la rue Clauzel, à Montmartre, contre la livraison de matériel de peinture. Vollard se souvenait du manque d »écho : le magasin était rarement visité, « car à l »époque, ce n »était pas encore la mode d »acheter les « œuvres abominables » à prix élevé, ni même à bas prix ». Tanguy conduisit même des intéressés dans l »atelier du peintre, dont il avait la clé, où l »on pouvait acheter des petits tableaux et des grands tableaux au prix fixe de 40 francs. Le Journal des Artistes donnait le ton général de l »époque en demandant avec inquiétude si ses lectrices sensibles ne seraient pas prises de nausées à la vue de « ces oppressantes abominations qui dépassent la mesure du mal permis par la loi ».

Le critique d »art Gustave Geffroy faisait partie des rares critiques à juger l »œuvre de Cézanne de son vivant de manière juste et sans réserve. Dès le 25 mars 1894, il écrivait dans le Journal, à propos du rapport alors actuel entre la peinture de Cézanne et les aspirations des jeunes artistes, que Cézanne était devenu une sorte de précurseur dont se réclamaient les symbolistes et qu »il existait un lien direct entre la peinture de Cézanne et celle de Gauguin, de Bernard et même de Vincent van Gogh. Un an plus tard, après le succès de l »exposition à la galerie Vollard en 1895, Geffroy expliquait à nouveau dans le Journal : « C »est un grand maniaque de la vérité, fougueux et naïf, âpre et nuancé. Il entrera au Louvre ». Entre ces deux chroniques, le portrait de Geffroy peint par Cézanne avait été réalisé, mais Cézanne l »avait laissé inachevé car il n »en était pas satisfait.

Effet posthume

Deux rétrospectives ont rendu hommage à l »artiste de manière posthume en 1907. Du 17 au 29 juin, la galerie parisienne Bernheim-Jeune a présenté 79 aquarelles de Cézanne. Le Vème Salon d »Automne lui a ensuite rendu hommage du 5 octobre au 15 novembre, en exposant 49 peintures et sept aquarelles dans deux salles du Grand Palais. Parmi les visiteurs allemands, on comptait l »historien de l »art Julius Meier-Graefe, qui devait écrire la première biographie de Cézanne en 1910, Harry Graf Kessler et Rainer Maria Rilke. Les deux expositions ont motivé de nombreux artistes, tels que Georges Braque, André Derain, Vassily Kandinsky, Henri Matisse et Pablo Picasso, dans leurs prises de conscience décisives pour l »art du 20e siècle.

En 1910, certaines toiles de Cézanne ont été présentées à l »exposition Manet and the Post-Impressionists à Londres (une autre a suivi en 1912). L »exposition avait été initiée par le peintre et critique d »art Roger Fry aux Grafton Galleries, qui souhaitait faire connaître aux amateurs d »art anglais l »œuvre d »Édouard Manet, Georges Seurat, Vincent van Gogh, Paul Gauguin et Cézanne. Fry a créé avec ce nom le terme désignant le style du post-impressionnisme. Bien que l »exposition ait été jugée négativement par les critiques et le public, elle allait devenir significative pour l »histoire de l »art moderne. Fry a reconnu la valeur exceptionnelle de la voie empruntée par des artistes comme Van Gogh et Cézanne, qui exprimaient leurs sentiments personnels et leur vision du monde à travers leurs peintures, même si les visiteurs de l »époque ne pouvaient pas encore le comprendre. La première exposition de Cézanne aux États-Unis a eu lieu en 191011 à la galerie 291 de New York. En 1913, ses œuvres ont été exposées à l »Armory Show de New York ; il s »agissait d »une exposition révolutionnaire d »œuvres d »art et de sculptures modernes, bien que les pièces exposées aient également fait l »objet de critiques et de moqueries. De nos jours, ces artistes, qui ont été critiqués et ridiculisés même par leurs propres académies d »art de leur vivant, sont considérés comme les pères de l »art moderne.

La réception des œuvres et des intentions supposées de Cézanne recèle de nombreux malentendus « productifs » qui ont eu une influence considérable sur le cours et le développement ultérieurs de l »art moderne. Ainsi, la liste des artistes qui se sont référés à lui de manière plus ou moins justifiée et qui ont transformé certains éléments de la richesse de ses approches créatives en leurs propres inventions picturales, montre une histoire de l »art du 20e siècle presque sans faille. Apollinaire constatait déjà en 1910 que « la plupart des nouveaux peintres prétendent être les successeurs de ce peintre sérieux qui ne s »intéresse qu »à l »art ».

Immédiatement après la mort de Cézanne en 1906, une exposition complète de ses aquarelles au printemps 1907 à la galerie Bernheim-Jeune et une rétrospective en octobre 1907 au Salon d »Automne à Paris ont suscité une vive réflexion sur son œuvre. Parmi les jeunes artistes français, Matisse et Derain furent les premiers à se prendre de passion pour Cézanne, suivis de Picasso, Fernand Léger, Georges Braque, Marcel Duchamp et Piet Mondrian. Cet enthousiasme était durable, ainsi Matisse, âgé de 80 ans, déclarait encore en 1949 qu »il devait le plus à l »art de Cézanne. En outre, Braque a qualifié d » »initiation » l »influence de Cézanne sur son art et a déclaré en 1961 : « Cézanne a été le premier à se détourner de la perspective savante mécanisée ». Picasso avouait : « Il était pour moi le seul maître …, il était une figure paternelle pour nous : c »est lui qui nous protégeait ».

Le spécialiste de Cézanne Götz Adriani remarque cependant que la réception cubiste de Cézanne – en particulier par les cubistes de salon Albert Gleizes et Jean Metzinger qui, dans leur traité Du cubisme de 1912, placent Cézanne au début de leur manière de peindre – était dans l »ensemble assez arbitraire. Ils laissaient ainsi largement de côté la motivation tirée de l »observation de la nature. Il souligne à cet égard les interprétations formalistes erronées qui se réfèrent à l »écrit de 1907 publié par Bernard. On y lit entre autres que « l »on traite la nature selon le cylindre, la sphère et le cône ». D »autres interprétations erronées de ce type se trouvent dans le texte « Des nouveaux systèmes dans l »art » publié par Malevitch en 1919. Ainsi, dans sa citation, Cézanne n »avait pas pour but de réinterpréter l »expérience de la nature dans le sens d »une orientation vers des éléments de forme cubique, il s »agissait plutôt pour lui de correspondre aux formes des objets et à leurs couleurs sous leurs différents aspects dans le tableau.

Parmi les nombreux exemples de l »influence de Cézanne sur l »art moderne, citons le tableau Mardi gras, représentant le fils Paul et son ami Louis Guillaume, qui comprend un sujet de la commedia dell »arte. Picasso s »en est inspiré pour créer un thème d »arlequin dans sa période rose. Quant à Matisse, il a repris le thème du tableau le plus classique de la série des Baigneurs, Les Grands Baigneurs du Philadelphia Museum of Art, pour son tableau La Baigneuse de 1909.

Les artistes que nous venons de citer ne sont que le début d »une série de personnes inspirées. La peintre Paula Modersohn-Becker, décédée prématurément, avait déjà vu en 1900 chez Vollard des tableaux de Cézanne qui l »avaient profondément impressionnée. Peu avant sa mort, elle écrivit dans une lettre du 21 octobre 1907 de Worpswede à Clara Westhoff : « Je pense et pense fortement ces jours-ci à Cézanne et comment c »est l »une des trois ou quatre forces de la peinture qui a agi sur moi comme un orage ou un grand événement ». En 1909, Paul Klee nota dans son journal : « Cézanne est pour moi un maître par excellence », après avoir vu plus d »une douzaine de toiles de Cézanne à la Sécession de Munich. Le groupe d »artistes Der Blaue Reiter s »y réfère en 1912 dans son almanach, Franz Marc évoquant la parenté d »esprit entre El Greco et Cézanne, dont il considère chacun des œuvres comme les portes d »entrée d »une nouvelle époque de la peinture. Kandinsky, qui avait vu les tableaux de Cézanne lors de la rétrospective de 1907 au Salon d »Automne, se réfère à nouveau à Cézanne dans son ouvrage « Über das Geistige in der Kunst » publié en 1912, dans lequel il reconnaît une « forte résonance de l »abstrait » et trouve chez lui la part spirituelle de ses convictions. Max Beckmann, dans son ouvrage publié en 1912 Gedanken über zeitgemäße und unzeitgemäße Kunst (Réflexions sur l »art contemporain et intempestif), voyait en Cézanne un génie au même titre que Franz Marc. El Lissitzky souligna vers 1923 son importance pour l »avant-garde russe, et Lénine suggéra en 1918 d »ériger des monuments aux héros de la révolution mondiale ; Courbet et Cézanne figuraient sur la liste d »honneur.

Outre Matisse, c »est Alberto Giacometti qui s »est le plus intéressé au mode de représentation de Cézanne. Aristide Maillol travailla en 1909 à un monument à Cézanne, qui échoua cependant en raison du refus de la municipalité d »Aix-en-Provence. Cézanne était également une figure importante pour les artistes de la nouvelle génération. Jasper Johns l »a ainsi désigné comme son principal modèle, aux côtés de Duchamp et de Léonard de Vinci. A. R. Penck, quant à lui, a souligné les acquis conceptuels de Cézanne en affirmant : « C »est aussi avec Cézanne que commence ce que nous appelons aujourd »hui l »underground. L »affirmation d »un espace et d »un objectif propres contre la tendance dominante de l »époque ». Le Danois Per Kirkeby a exprimé en 1989, en étudiant les œuvres de Cézanne, que quelqu »un avait « donné sa vie d »artiste en gage pour quelque chose qui fait apparaître la plupart des choses dont nous nous occupons habituellement comme une recherche anxieuse d »originalité et de superficialité ».

L »artiste allemand Willi Baumeister, qui avait à l »origine créé des œuvres figuratives influencées par l »impressionnisme, a tourné son intérêt dès 1910 vers le cubisme et Paul Cézanne, à l »œuvre duquel il est resté attaché toute sa vie. Dans l »introduction d »un portfolio sur Cézanne paru en 1947, il expliquait : « Il y a deux angles de diffraction dans l »histoire de l »art récent. Le premier angle de diffraction se situe entre Cimabue et Giotto. Le deuxième angle de diffraction dans l »histoire de l »art se situe avec Cézanne. C »est le début de l »abandon de la »représentation fidèle de la nature » et du passage à la création indépendante de formes et de couleurs. Si l »on agrandit certaines parties du tableau de Cézanne, on remarque une structure rythmique que l »on peut qualifier de cubiste et que le cubisme a reprise ».

« Quand je me souviens combien on était déconcerté et incertain en voyant les premières choses », écrivait Rainer Maria Rilke à sa femme après avoir visité la grande rétrospective Cézanne au Salon d »Automne de Paris en 1907, sur laquelle Paula Modersohn-Becker avait attiré son attention : « longtemps rien et soudain on a les bons yeux ». Par cette déclaration, Rilke mettait en évidence son grand intérêt pour la peinture, dont il espérait qu »elle apporterait des solutions à ses problèmes d »écrivain : « Ce n »est pas du tout la peinture que j »étudie . C »est le tournant dans cette peinture que j »ai reconnu parce que je venais de l »atteindre moi-même dans mon travail ». Chez Cézanne, il voyait comment la « peinture d »ambiance » pouvait être dépassée. Cela correspondait à sa conception de la poésie, déjà mise en œuvre dans Les Nouveaux Poèmes. Après l »exposition, il a poursuivi Der Neuen Gedichte andere Teil, qui illustre l »application du principe du « dire objectif » dans le poème Die Flamingos. Le fait que Rilke n »était pas le seul auteur moderniste pour lequel la question des différentes formes et fonctions des images et de la picturalité dans la littérature revêtait une importance centrale apparaît clairement, entre autres, dans son impact sur la littérature des années 1900, par exemple dans les œuvres de Hugo von Hofmannsthal avec l » »intrusion de la couleur dans la langue ».

Peter Handke résume dans son livre paru en 1980, L »enseignement de la Sainte-Victoire : « Oui, c »est au peintre Paul Cézanne que je dois de m »être tenu dans les couleurs à cet endroit dégagé entre Aix-en-Provence et le village du Tholonet, et même la route asphaltée m »est apparue comme une substance colorée ainsi, j »ai sans doute vu dès le début comme un simple accessoire et je n »ai longtemps rien attendu d »eux de décisif ». Dans son livre, Handke réussit le rapprochement d »un auteur avec les arts plastiques grâce aux indications théoriques sur l »art intégrées dans le texte de la vision de Cézanne sur la réalité.

Le philosophe français Jean-François Lyotard explique dans son ouvrage La misère de la philosophie que Cézanne a pour ainsi dire le sixième sens : il ressent la réalité en train de naître avant qu »elle ne s »achève dans la perception normale. Le peintre touche donc au sublime lorsqu »il aperçoit le caractère écrasant du paysage montagneux, que l »on ne peut représenter ni avec le langage normal ni avec la technique picturale habituelle. Lyotard résume : « On peut aussi dire que l »étrangeté des peintures à l »huile et des aquarelles consacrées à la montagne et aux fruits provient à la fois d »un sens profond de la disparition des apparences et de la ruine du monde visible ».

Films sur Cézanne

Une visite au Louvre, 2004. Film et réalisation de Jean-Marie Straub et Danièle Huillet sur Cézanne, basés sur les conversations avec le peintre, publiées à titre posthume et transmises par son admirateur Joachim Gasquet. Le film décrit une promenade de Cézanne au Louvre le long des tableaux de ses collègues artistes.

A l »occasion du centenaire de la mort de Cézanne en 2006, deux documentaires de 1995 et 2000 ont été réédités, respectivement sur Paul Cézanne et sur son motif La Montagne Sainte-Victoire. Le Triomphe de Cézanne a été tourné à nouveau pour l »année du centenaire en 2006.

La violence du motif, 1995. Un film d »Alain Jaubert. Une montagne située près de sa ville natale, Aix-en-Provence, devient le motif principal de Cézanne. Il montre plus de 80 fois La Montagne Sainte-Victoire sous différentes perspectives, à différentes saisons. Le motif devient une obsession que Jaubert explore dans son film.

Cézanne – le peintre, 2000. Un film d »Elisabeth Kapnist. L »histoire d »une passion et d »une quête artistique de toute une vie : le peintre Cézanne, son enfance, son amitié avec Zola et sa rencontre avec l »impressionnisme sont décrits.

Le triomphe de Cézanne, 2006, un film de Jacques Deschamps. Deschamps saisit l »occasion du centenaire de la mort de Cézanne en octobre 2006 pour retracer la naissance d »une légende. Cézanne s »est heurté au rejet et à l »incompréhension avant d »accéder à l »Olympe de l »histoire de l »art et du marché international de l »art.

Mon temps avec Cézanne, 2016. Un film de Danièle Thompson sur l »amitié de Cézanne avec Émile Zola.

Sur les traces de Cézanne en Provence

Les visiteurs d »Aix-en-Province peuvent découvrir les motifs paysagers de Cézanne depuis le centre-ville en suivant cinq sentiers balisés. Ils mènent au Tholonet, au Jas de Bouffan, à la carrière de Bibémus, aux rives de l »Arc et à l »atelier des Lauves.

L »Atelier Les Lauves est ouvert au public depuis 1954. Une fondation américaine, initiée par James Lord et John Rewald, l »a rendu possible grâce à l »argent de 114 donateurs. Elle l »a racheté au précédent propriétaire, Marcel Provence, et l »a cédé à l »Université d »Aix. En 1969, l »atelier a été cédé à la ville d »Aix. Le visiteur y trouve le mobilier de Cézanne, son chevalet et sa palette, les objets qui apparaissent sur ses natures mortes ainsi que quelques dessins et aquarelles originaux.

De son vivant, une grande partie des Aixois s »était moquée de leur concitoyen Cézanne. Plus récemment, ils ont même donné le nom de leur artiste devenu mondialement célèbre à une université : elle a été fondée en 1973 à Aix-en-Provence, l »Université Paul Cézanne Aix-Marseille III, avec des départements de droit et de sciences politiques, de gestion d »entreprise et de sciences naturelles et techniques.

Suite au refus de ses œuvres dans le passé, le musée Granet d »Aix a dû se contenter d »un prêt de tableaux du Louvre pour pouvoir présenter Cézanne, fils de leur ville, à ses visiteurs. En 1984, le musée a reçu huit tableaux et quelques aquarelles, dont un motif de la série des Baigneuses et un portrait de Mme Cézanne. Grâce à une autre donation en 2000, neuf toiles de Cézanne y sont désormais exposées.

Les œuvres de Cézanne sur le marché de l »art actuel

L »augmentation de la valeur des tableaux de Cézanne sur le marché de l »art est illustrée par le résultat d »une vente aux enchères qui s »est tenue le 10 mai 1999 à New York : la Nature morte avec rideau, cruche et coupe de fruits a été vendue pour 60,5 millions de dollars américains. Il s »agissait à l »époque de la somme la plus élevée jamais payée pour un tableau de Cézanne. La maison de vente Sotheby »s n »avait estimé la valeur du tableau qu »entre 25 et 35 millions de dollars.

La vente aux enchères de son aquarelle Nature morte au melon vert, qui a changé de mains pour 25,5 millions de dollars chez Sotheby »s en mai 2007, illustre une évolution similaire. Cette nature morte de la dernière période de l »artiste, entre 1902 et 1906, représente un melon vert. A l »origine, le prix de vente avait été estimé entre 14 et 18 millions de dollars.

Au printemps 2011, son œuvre Les Joueurs de cartes – l »une des cinq versions – aurait été vendue pour 275 millions de dollars. La somme exacte et le nouveau propriétaire ne sont pas connus à ce jour. Il s »agirait du prix le plus élevé jamais atteint par un tableau à cette date.

Une aquarelle de la série des Joueurs de cartes, que l »on croyait perdue depuis près de 60 ans, a été vendue aux enchères le 1er mai 2012 à New York à un enchérisseur également anonyme, pour la somme de 19 millions de dollars.

Littérature secondaire

Catalogues d »œuvres :

Cézanne dans le roman policier :

Film

Sources