Walt Disney

gigatos | novembre 12, 2021

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Résumé

Walter Elias Disney (5 décembre 1901 – 15 décembre 1966) était un entrepreneur, animateur, écrivain, doubleur et producteur de films américain. Pionnier de l »industrie de l »animation américaine, il a introduit plusieurs développements dans la production de dessins animés. En tant que producteur de films, il détient le record du nombre d »Oscars remportés par un individu, avec 22 Oscars sur 59 nominations. Il a reçu deux Golden Globe Special Achievement Awards et un Emmy Award, entre autres distinctions. Plusieurs de ses films sont inscrits dans le National Film Registry de la Bibliothèque du Congrès.

Né à Chicago en 1901, Disney s »intéresse très tôt au dessin. Il prend des cours d »art dans sa jeunesse et trouve un emploi d »illustrateur commercial à l »âge de 18 ans. Il s »installe en Californie au début des années 1920 et crée le studio des frères Disney avec son frère Roy. Avec Ub Iwerks, il développe le personnage de Mickey Mouse en 1928, son premier succès très populaire ; il fournit également la voix de sa création dans les premières années. À mesure que le studio grandit, il devient plus audacieux, introduisant le son synchronisé, le Technicolor en trois bandes, les longs métrages d »animation et les progrès techniques des caméras. Les résultats, que l »on retrouve dans des films tels que Blanche-Neige et les sept nains (1937), Pinocchio, Fantasia (tous deux en 1940), Dumbo (1941) et Bambi (1942), ont contribué au développement du cinéma d »animation. De nouveaux films d »animation et en prise de vue réelle ont suivi après la Seconde Guerre mondiale, notamment Cendrillon (1950) et Mary Poppins (1964), qui ont été salués par la critique et ont reçu cinq Oscars.

Dans les années 1950, Disney se développe dans l »industrie des parcs d »attractions et, en juillet 1955, il ouvre Disneyland à Anaheim, en Californie. Pour financer le projet, il se diversifie dans les programmes de télévision, tels que Walt Disney »s Disneyland et The Mickey Mouse Club. Il participe également à l »organisation de la Foire de Moscou de 1959, des Jeux olympiques d »hiver de 1960 et de l »Exposition universelle de New York de 1964. En 1965, il a commencé à développer un autre parc à thème, Disney World, dont le cœur devait être un nouveau type de ville, la « Communauté prototype expérimentale de demain » (EPCOT). Disney a été un gros fumeur tout au long de sa vie et est mort d »un cancer du poumon en décembre 1966 avant que le parc ou le projet EPCOT ne soient achevés.

Disney était un homme timide, qui se dépréciait et manquait d »assurance en privé, mais qui adoptait une personnalité chaleureuse et extravertie en public. Il avait des normes élevées et attendait beaucoup de ceux avec qui il travaillait. Bien qu »il y ait eu des accusations selon lesquelles il était raciste ou antisémite, elles ont été contredites par de nombreuses personnes qui le connaissaient. Sa réputation a changé dans les années qui ont suivi sa mort, passant du statut de pourvoyeur de valeurs patriotiques familiales à celui de représentant de l »impérialisme américain. Il reste néanmoins une figure importante de l »histoire de l »animation et de l »histoire culturelle des États-Unis, où il est considéré comme une icône culturelle nationale. Son œuvre cinématographique continue d »être diffusée et adaptée ; son studio et sa société éponymes maintiennent des normes élevées dans leur production de divertissement populaire, et les parcs à thème Disney se sont développés en taille et en nombre pour attirer des visiteurs dans plusieurs pays.

Début de la vie : 1901-1920

Disney est né le 5 décembre 1901, au 1249 Tripp Avenue, dans le quartier Hermosa de Chicago. Il est le quatrième fils d »Elias Disney – né dans la province du Canada, de parents irlandais – et de Flora (née Call), une Américaine d »origine allemande et anglaise. Outre Walt, les fils d »Elias et Flora étaient Herbert, Raymond et Roy ; le couple a eu un cinquième enfant, Ruth, en décembre 1903. En 1906, alors que Disney a quatre ans, la famille déménage dans une ferme à Marceline, dans le Missouri, où son oncle Robert vient d »acheter des terres. A Marceline, Disney développe son intérêt pour le dessin lorsqu »il est payé pour dessiner le cheval d »un médecin retraité du quartier. Elias est abonné au journal Appeal to Reason, et Disney s »exerce au dessin en copiant les caricatures de Ryan Walker en première page. Il a également commencé à développer une capacité à travailler avec des aquarelles et des crayons de couleur. Il vit près de la ligne de chemin de fer Atchison, Topeka et Santa Fe et s »éprend des trains. Sa jeune sœur Ruth et lui ont commencé l »école en même temps à la Park School de Marceline à la fin de 1909.

En 1911, les Disney s »installent à Kansas City, dans le Missouri. Disney y fréquente la Benton Grammar School, où il rencontre un camarade de classe, Walter Pfeiffer, issu d »une famille de passionnés de théâtre, qui lui fait découvrir le monde du vaudeville et du cinéma. Très vite, Disney passe plus de temps chez les Pfeiffer qu »à la maison. Elias avait acheté un itinéraire de livraison de journaux pour le Kansas City Star et le Kansas City Times. Disney et son frère Roy se réveillent à 4h30 tous les matins pour livrer le Times avant l »école et répètent la tournée pour le Star du soir après l »école. L »emploi du temps est épuisant et Disney reçoit souvent de mauvaises notes après s »être endormi en classe, mais il continue sa tournée de journaux pendant plus de six ans. Il a suivi les cours du samedi à l »Institut d »art de Kansas City et a également suivi un cours par correspondance sur la caricature.

En 1917, Elias achète des actions d »un producteur de gelées de Chicago, la O-Zell Company, et revient s »installer en ville avec sa famille. Disney s »inscrit à la McKinley High School et devient le caricaturiste du journal de l »école, dessinant des images patriotiques sur la Première Guerre mondiale ; il suit également des cours du soir à la Chicago Academy of Fine Arts. Au milieu de l »année 1918, il tente de s »engager dans l »armée américaine pour combattre les Allemands, mais il est rejeté car trop jeune. Après avoir falsifié la date de naissance sur son certificat de naissance, il s »engage dans la Croix-Rouge en septembre 1918 en tant qu »ambulancier. Il a été envoyé en France mais est arrivé en novembre, après l »armistice. Il a dessiné des caricatures sur le côté de son ambulance pour la décoration et a vu certaines de ses œuvres publiées dans le journal de l »armée Stars and Stripes. Il retourne à Kansas City en octobre 1919, où il travaille comme apprenti artiste au Pesmen-Rubin Commercial Art Studio, où il dessine des illustrations commerciales pour la publicité, les programmes de théâtre et les catalogues, et se lie d »amitié avec son collègue Ub Iwerks.

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Début de carrière : 1920-1928

En janvier 1920, alors que les revenus de Pesmen-Rubin diminuent après Noël, Disney, âgé de 18 ans, et Iwerks sont licenciés. Ils créent leur propre entreprise, l »éphémère Iwerks-Disney Commercial Artists. N »arrivant pas à attirer beaucoup de clients, Disney et Iwerks se sont mis d »accord pour que Disney parte temporairement gagner de l »argent à la Kansas City Film Ad Company, dirigée par A. V. Cauger ; le mois suivant, Iwerks, qui n »était pas en mesure de gérer leur entreprise seul, s »est également joint à eux. La société produit des publicités en utilisant la technique d »animation par découpage. Disney s »intéresse à l »animation, bien qu »il préfère les dessins animés tels que Mutt and Jeff et Koko the Clown. Avec l »aide d »un livre emprunté sur l »animation et d »une caméra, il commence à faire des expériences à la maison. Il arrive à la conclusion que l »animation sur celluloïd est plus prometteuse que la méthode du découpage. Ne parvenant pas à persuader Cauger d »essayer l »animation celtique au sein de la société, Disney ouvre une nouvelle entreprise avec un collègue de la Film Ad Co, Fred Harman. Leur principal client est le Newman Theater local, et les courts dessins animés qu »ils produisent sont vendus sous le nom de « Newman »s Laugh-O-Grams ». Disney étudie les Fables d »Esope de Paul Terry comme modèle, et les six premiers « Laugh-O-Grams » sont des contes de fées modernisés.

En mai 1921, le succès des « Laugh-O-Grams » entraîne la création du Laugh-O-Gram Studio, pour lequel il engage d »autres animateurs, dont Hugh, le frère de Fred Harman, Rudolf Ising et Iwerks. Les dessins animés Laugh-O-Grams ne procurant pas suffisamment de revenus pour assurer la solvabilité de l »entreprise, Disney lance la production d »Alice »s Wonderland, basé sur Alice »s Adventures in Wonderland, qui combine action réelle et animation ; il confie le rôle-titre à Virginia Davis. Le résultat, un film d »une bobine de 12 minutes et demie, est achevé trop tard pour sauver le Laugh-O-Gram Studio, qui fait faillite en 1923.

Disney s »installe à Hollywood en juillet 1923, à l »âge de 21 ans. Bien que New York soit le centre de l »industrie du dessin animé, il est attiré par Los Angeles parce que son frère Roy y est en convalescence après une tuberculose et qu »il espère devenir un réalisateur de films d »action. Les efforts de Disney pour vendre Alice »s Wonderland sont vains jusqu »à ce qu »il entende parler de la distributrice de films new-yorkaise Margaret J. Winkler. Elle est en train de perdre les droits des dessins animés Out of the Inkwell et Felix the Cat, et a besoin d »une nouvelle série. En octobre, ils signent un contrat pour six comédies Alice, avec une option pour deux autres séries de six épisodes chacune. Disney et son frère Roy créent le Disney Brothers Studio-qui deviendra plus tard la Walt Disney Company-pour produire les films ; ils persuadent Davis et sa famille de s »installer à Hollywood pour poursuivre la production, Davis étant sous contrat pour 100 dollars par mois. En juillet 1924, Disney engage également Iwerks, le persuadant de quitter Kansas City pour s »installer à Hollywood.

Au début de l »année 1925, Disney engage une artiste encreur, Lillian Bounds. Ils se marient en juillet de la même année, dans la maison de son frère, dans sa ville natale de Lewiston, dans l »Idaho. Le mariage est généralement heureux, selon Lillian, bien que, selon Neal Gabler, biographe de Disney, elle n »accepte pas « les décisions de Walt avec docilité ou son statut sans discussion, et elle admet qu »il dit toujours aux gens « à quel point il est en colère » ». Lillian ne s »intéressait guère aux films ou à la scène sociale d »Hollywood et elle se contentait, selon les mots de l »historien Steven Watts, « de gérer le ménage et d »apporter son soutien à son mari ». De leur mariage naissent deux filles, Diane (née en décembre 1933) et Sharon (adoptée en décembre 1936, née six semaines auparavant). Au sein de la famille, ni Disney ni sa femme ne cachent le fait que Sharon a été adoptée, bien qu »ils soient agacés si des personnes extérieures à la famille soulèvent la question. Les Disney veillent à ce que leurs filles restent le plus possible à l »écart de l »attention du public, notamment à la suite de l »enlèvement de Lindbergh ; Disney prend des mesures pour que ses filles ne soient pas photographiées par la presse.

En 1926, le rôle de Winkler dans la distribution de la série Alice avait été confié à son mari, le producteur de films Charles Mintz, bien que les relations entre lui et Disney fussent parfois tendues. À cette époque, Disney commençait à s »en lasser et souhaitait abandonner le format mixte au profit de l »animation. Après que Mintz ait demandé du nouveau matériel à distribuer par l »intermédiaire d »Universal Pictures, Disney et Iwerks ont créé Oswald the Lucky Rabbit, un personnage que Disney voulait « plein d »entrain, alerte, grivois et aventureux, tout en le gardant propre et net ».

En février 1928, Disney espérait négocier une rémunération plus importante pour la production de la série Oswald, mais Mintz voulait réduire les paiements. Mintz avait également persuadé plusieurs des artistes impliqués de travailler directement pour lui, notamment Harman, Ising, Carman Maxwell et Friz Freleng. Disney découvre également qu »Universal détient les droits de propriété intellectuelle d »Oswald. Mintz menace de créer son propre studio et de produire lui-même la série si Disney refuse d »accepter les réductions. Disney décline l »ultimatum de Mintz et perd la plupart de son personnel d »animation, à l »exception d »Iwerks, qui choisit de rester avec lui.

De la création de Mickey Mouse à la première cérémonie des Oscars : 1928-1933

Pour remplacer Oswald, Disney et Iwerks ont créé Mickey Mouse, probablement inspiré par une souris de compagnie que Disney avait adoptée lorsqu »il travaillait dans son studio Laugh-O-Gram, bien que les origines du personnage ne soient pas claires. Le choix initial de Disney est Mortimer Mouse, mais Lillian trouve ce nom trop pompeux et propose Mickey à la place. Iwerks a révisé les croquis provisoires de Disney pour rendre le personnage plus facile à animer. Disney, qui avait commencé à prendre ses distances avec le processus d »animation, a fourni la voix de Mickey jusqu »en 1947. Selon les mots d »un employé de Disney, « Ub a conçu l »apparence physique de Mickey, mais Walt lui a donné son âme ».

Mickey Mouse est apparu pour la première fois en mai 1928 dans le cadre d »une projection test du court métrage Plane Crazy, mais ce dernier, ainsi que le deuxième long métrage, The Gallopin » Gaucho, n »ont pas trouvé de distributeur. Après le sensationnel The Jazz Singer de 1927, Disney utilise le son synchronisé sur le troisième court métrage, Steamboat Willie, pour créer le premier dessin animé sonore postproduit. Une fois l »animation terminée, Disney signe un contrat avec l »ancien dirigeant d »Universal Pictures, Pat Powers, pour utiliser le système d »enregistrement « Powers Cinephone » ; Cinephone devient le nouveau distributeur des premiers dessins animés sonores de Disney, qui deviennent rapidement populaires.

Pour améliorer la qualité de la musique, Disney engage le compositeur et arrangeur professionnel Carl Stalling, sur la suggestion duquel est développée la série Silly Symphony, qui raconte des histoires en utilisant la musique ; le premier de la série, The Skeleton Dance (1929), est entièrement dessiné et animé par Iwerks. Plusieurs artistes locaux sont également embauchés à cette époque, et certains d »entre eux resteront dans la société en tant qu »animateurs principaux ; le groupe sera plus tard connu sous le nom de Nine Old Men. Les séries Mickey Mouse et Silly Symphonies connaissent un grand succès, mais Disney et son frère estiment qu »ils ne reçoivent pas leur part légitime des bénéfices de Powers. En 1930, Disney tente de réduire les coûts du processus en incitant Iwerks à abandonner la pratique de l »animation de chaque cel séparé en faveur d »une technique plus efficace consistant à dessiner les poses clés et à laisser des assistants moins bien payés dessiner les poses intermédiaires. Disney a demandé à Powers une augmentation des paiements pour les dessins animés. Powers refuse et fait travailler Iwerks pour lui ; Stalling démissionne peu après, pensant que sans Iwerks, le studio Disney fermerait. Disney fait une dépression nerveuse en octobre 1931 – qu »il attribue aux machinations de Powers et à son propre surmenage – et prend avec Lillian des vacances prolongées à Cuba et une croisière au Panama pour se remettre.

Avec la perte de Powers comme distributeur, les studios Disney signent un contrat avec Columbia Pictures pour distribuer les dessins animés Mickey Mouse, qui deviennent de plus en plus populaires, y compris au niveau international. Disney, toujours désireux d »adopter les nouvelles technologies, filme Flowers and Trees (il réussit également à négocier un accord lui donnant le droit exclusif d »utiliser le procédé à trois bandes jusqu »au 31 août 1935. Tous les dessins animés de la série Silly Symphony qui suivront seront en couleur. Flowers and Trees est populaire auprès du public et remporte l »Oscar du meilleur sujet court (dessin animé) lors de la cérémonie de 1932. Disney avait été nommé pour un autre film dans cette catégorie, Mickey »s Orphans, et a reçu un prix honorifique « pour la création de Mickey Mouse ».

En 1933, Disney a produit Les Trois Petits Cochons, un film décrit par l »historien des médias Adrian Danks comme « le court métrage d »animation le plus réussi de tous les temps ». Le film a valu à Disney un autre Oscar dans la catégorie des courts métrages (dessins animés). Le succès du film a entraîné une nouvelle augmentation du personnel du studio, qui comptait près de 200 personnes à la fin de l »année. Disney se rend compte de l »importance de raconter des histoires émotionnellement captivantes qui intéressent le public, et il investit dans un « département histoire » distinct des animateurs, avec des artistes de story-board qui détaillent les intrigues des films de Disney.

L »âge d »or de l »animation : 1934-1941

En 1934, Disney n »était plus satisfait de la production de courts métrages de dessins animés et pensait qu »un long métrage de dessins animés serait plus rentable. Le studio entame la production, qui durera quatre ans, de Blanche-Neige et les sept nains, d »après un conte de fées. Lorsque la nouvelle du projet se répand, de nombreux acteurs de l »industrie cinématographique prédisent la faillite de la société ; les initiés du secteur le surnomment « la folie de Disney ». Le film, qui était le premier long métrage d »animation réalisé en couleur et en son, a coûté 1,5 million de dollars à produire, soit trois fois le budget prévu. Pour s »assurer que l »animation était aussi réaliste que possible, Disney a envoyé ses animateurs suivre des cours au Chouinard Art Institute ; il a fait venir des animaux dans le studio et a engagé des acteurs pour que les animateurs puissent étudier des mouvements réalistes. Pour représenter le changement de perspective de l »arrière-plan au fur et à mesure que la caméra se déplace dans une scène, les animateurs de Disney ont mis au point une caméra multiplan qui permettait de placer des dessins sur des morceaux de verre à différentes distances de la caméra, créant ainsi une illusion de profondeur. Le verre pouvait être déplacé pour donner l »impression qu »une caméra traversait la scène. La première œuvre créée à l »aide de la caméra – une symphonie silencieuse intitulée The Old Mill (1937) – a remporté l »Oscar du court métrage d »animation en raison de son impressionnante puissance visuelle. Bien que Blanche-Neige ait été en grande partie terminé au moment où la caméra multiplane a été achevée, Disney a demandé que certaines scènes soient redessinées pour utiliser les nouveaux effets.

La première de Blanche-Neige a eu lieu en décembre 1937 et a été très bien accueillie par la critique et le public. Le film est devenu le film le plus populaire de 1938 et, en mai 1939, ses recettes totales de 6,5 millions de dollars en faisaient le film sonore le plus populaire à cette date. Disney remporte un autre Oscar d »honneur, qui consiste en une statuette grandeur nature et sept statuettes miniatures. Le succès de Blanche-Neige annonce l »une des périodes les plus productives pour le studio ; le Walt Disney Family Museum appelle les années suivantes « l »âge d »or de l »animation ». Le travail sur Blanche-Neige étant terminé, le studio commence à produire Pinocchio au début de 1938 et Fantasia en novembre de la même année. Les deux films sont sortis en 1940 et n »ont pas eu de bons résultats au box-office, en partie parce que les recettes en provenance d »Europe avaient chuté après le début de la Seconde Guerre mondiale en 1939. Le studio a enregistré des pertes sur les deux films et était très endetté à la fin du mois de février 1941.

En réponse à la crise financière, Disney et son frère Roy lancent la première offre publique d »actions de la société en 1940, et procèdent à de fortes réductions de salaire. Cette dernière mesure, ainsi que la manière parfois autoritaire et insensible de Disney de traiter le personnel, ont conduit à une grève des animateurs en 1941, qui a duré cinq semaines. Alors qu »un médiateur fédéral du National Labor Relations Board négocie avec les deux parties, Disney accepte une offre du Bureau du coordinateur des affaires interaméricaines pour effectuer un voyage de bienveillance en Amérique du Sud, s »assurant ainsi d »être absent lors d »une résolution qu »il sait défavorable au studio. En raison de la grève et de la situation financière de l »entreprise, plusieurs animateurs quittent le studio, et les relations de Disney avec les autres membres du personnel s »en trouvent durablement tendues. La grève a temporairement interrompu la production suivante du studio, Dumbo (le film a reçu une réaction positive du public et des critiques.

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La Seconde Guerre mondiale et au-delà : 1941-1950

Peu après la sortie de Dumbo en octobre 1941, les États-Unis entrent dans la Seconde Guerre mondiale. Disney forme l »unité Walt Disney Training Films au sein de la société afin de produire des films d »instruction pour l »armée tels que Four Methods of Flush Riveting et Aircraft Production Methods. Disney rencontre également Henry Morgenthau Jr, le secrétaire au Trésor, et accepte de produire de courts dessins animés de Donald Duck pour promouvoir les obligations de guerre. Disney a également réalisé plusieurs productions de propagande, notamment des courts métrages comme Der Fuehrer »s Face – qui a remporté un Academy Award – et le long métrage Victory Through Air Power (1943).

Les films militaires ne génèrent que des recettes suffisantes pour couvrir les coûts, et le long métrage Bambi, dont la production avait débuté en 1937, n »a pas donné les résultats escomptés lors de sa sortie en avril 1942, et a perdu 200 000 dollars au box-office. En plus des faibles revenus de Pinocchio et Fantasia, la société avait des dettes de 4 millions de dollars auprès de la Bank of America en 1944. Lors d »une réunion avec les dirigeants de la Bank of America pour discuter de l »avenir de la société, le président et fondateur de la banque, Amadeo Giannini, a déclaré à ses cadres : « J »ai surveillé les films des Disneys de très près parce que je savais que nous leur prêtions de l »argent bien au-delà du risque financier. … Ils sont bons cette année, ils sont bons l »année prochaine, et ils sont bons l »année suivante. … Il faut se détendre et leur laisser le temps de commercialiser leur produit. » La production de courts métrages de Disney a diminué à la fin des années 1940, coïncidant avec la concurrence croissante sur le marché de l »animation de Warner Bros. et de Metro-Goldwyn-Mayer. Roy Disney, pour des raisons financières, suggère de combiner davantage de productions d »animation et d »actions réelles. En 1948, Disney lance une série de films populaires sur la nature en prise de vue réelle, intitulée True-Life Adventures, dont Seal Island est le premier ; le film remporte l »Academy Award dans la catégorie Meilleur court-métrage (deux bobines).

En vieillissant, Disney devient de plus en plus conservateur sur le plan politique. Partisan du parti démocrate jusqu »à l »élection présidentielle de 1940, où il passe au parti républicain, il devient un généreux donateur de la candidature de Thomas E. Dewey à la présidence en 1944. En 1946, il est l »un des membres fondateurs de la Motion Picture Alliance for the Preservation of American Ideals, une organisation qui déclare « croire et aimer le mode de vie américain … nous nous trouvons en forte révolte contre une marée montante de communisme, de fascisme et de croyances similaires, qui cherchent par des moyens subversifs à saper et à changer ce mode de vie ». En 1947, au cours de la Seconde Peur Rouge, Disney a témoigné devant le House Un-American Activities Committee (HUAC), où il a qualifié Herbert Sorrell, David Hilberman et William Pomerance, anciens animateurs et organisateurs de syndicats, d »agitateurs communistes ; Disney a déclaré que la grève de 1941 qu »ils avaient menée faisait partie d »un effort communiste organisé pour gagner de l »influence à Hollywood. Le New York Times a affirmé en 1993 que Disney avait transmis des informations secrètes au FBI de 1940 à sa mort en 1966. En échange de ces informations, J. Edgar Hoover a permis à Disney de tourner dans les locaux du FBI à Washington. Disney a été nommé « agent spécial chargé du contact » en 1954.

En 1949, Disney et sa famille déménagent dans une nouvelle maison dans le quartier de Holmby Hills à Los Angeles. Avec l »aide de ses amis Ward et Betty Kimball, qui avaient déjà leur propre chemin de fer dans leur jardin, Disney a élaboré des plans et s »est immédiatement mis au travail pour créer un chemin de fer miniature à vapeur vive pour son jardin. Le nom du chemin de fer, Carolwood Pacific Railroad, provient de l »emplacement de sa maison sur Carolwood Drive. La locomotive à vapeur miniature a été construite par Roger E. Broggie, ingénieur des Studios Disney, et Disney l »a baptisée Lilly Belle en l »honneur de sa femme ; après trois ans, Disney a ordonné son stockage en raison d »une série d »accidents impliquant ses invités.

Parcs à thème, télévision et autres intérêts : 1950-1966

Au début de 1950, Disney produit Cendrillon, le premier film d »animation de son studio depuis huit ans. Il est populaire auprès des critiques et du public des théâtres. Coûtant 2,2 millions de dollars à produire, il rapporte près de 8 millions de dollars la première année. Disney est moins impliqué qu »il ne l »avait été dans les films précédents en raison de sa participation à son premier film entièrement en prises de vues réelles, L »île au trésor (1950), qui a été tourné en Grande-Bretagne, tout comme The Story of Robin Hood and His Merrie Men (1952). D »autres longs métrages entièrement en prises de vues réelles ont suivi, dont beaucoup avaient des thèmes patriotiques. Il continue également à produire des longs métrages d »animation, dont Alice au pays des merveilles (1951) et Peter Pan (1953). Du début au milieu des années 1950, Disney commence à accorder moins d »attention au département d »animation, confiant la plupart de ses opérations à ses principaux animateurs, les Nine Old Men, bien qu »il soit toujours présent lors des réunions sur les histoires. Au lieu de cela, il commence à se concentrer sur d »autres projets.

Depuis plusieurs années, Disney envisageait de construire un parc à thème. Lorsqu »il a visité le Griffith Park de Los Angeles avec ses filles, il a voulu se trouver dans un parc propre et intact, où les enfants et leurs parents pourraient s »amuser. Il a visité les jardins de Tivoli à Copenhague, au Danemark, et a été fortement influencé par la propreté et la disposition du parc. En mars 1952, il reçoit une autorisation de zonage pour construire un parc à thème à Burbank, près des studios Disney. Ce site s »avère trop petit et un terrain plus grand est acheté à Anaheim, à 56 km au sud des studios. Afin d »éloigner le projet du studio – ce qui pourrait attirer les critiques des actionnaires – Disney crée WED Enterprises (aujourd »hui Walt Disney Imagineering) et utilise son propre argent pour financer un groupe de concepteurs et d »animateurs pour travailler sur les plans ; les personnes impliquées sont connues sous le nom de « Imagineers ». Après avoir obtenu un financement bancaire, il invite d »autres actionnaires, American Broadcasting-Paramount Theatres – partie de l »American Broadcasting Company (ABC) – et Western Printing and Lithographing Company. Au milieu de l »année 1954, Disney a envoyé ses Imagineers dans tous les parcs d »attractions des États-Unis pour analyser ce qui fonctionnait et quels étaient les pièges ou les problèmes dans les différents endroits et il a incorporé leurs conclusions dans sa conception. Les travaux de construction ont commencé en juillet 1954 et Disneyland a ouvert ses portes en juillet 1955 ; la cérémonie d »ouverture a été diffusée sur ABC, qui a touché 70 millions de téléspectateurs. Le parc est conçu comme une série de territoires à thème, reliés par la rue principale centrale Main Street, U.S.A. – une réplique de la rue principale de sa ville natale de Marceline. Les zones à thème reliées entre elles étaient Adventureland, Frontierland, Fantasyland et Tomorrowland. Le parc contenait également le Disneyland Railroad, un train à voie étroite qui reliait les différentes zones ; une haute berme entourait le parc pour le séparer du monde extérieur. Un éditorial du New York Times a estimé que Disney avait « combiné avec goût certaines des choses agréables d »hier avec la fantaisie et les rêves de demain ». Malgré quelques problèmes mineurs au début, le parc fut un succès et, après un mois d »exploitation, Disneyland recevait plus de 20 000 visiteurs par jour ; à la fin de sa première année, il avait attiré 3,6 millions de visiteurs.

En plus de la construction de Disneyland, Disney a travaillé sur d »autres projets en dehors du studio. Il a été consultant pour l »Exposition nationale américaine de 1959 à Moscou ; la contribution des studios Disney était America the Beautiful, un film de 19 minutes dans le théâtre Circarama à 360 degrés qui était l »une des attractions les plus populaires. L »année suivante, il est président du comité d »organisation des Jeux olympiques d »hiver de 1960 à Squaw Valley, en Californie, où il conçoit les cérémonies d »ouverture, de clôture et de remise des médailles.

Malgré les exigences des projets hors studio, Disney continue à travailler sur des projets de cinéma et de télévision. En 1955, il participe à « L »homme dans l »espace », un épisode de la série Disneyland, qui a été réalisé en collaboration avec le concepteur de fusées de la NASA, Wernher von Braun. Disney a également supervisé certains aspects des longs métrages Lady and the Tramp (le premier film d »animation en CinemaScope) en 1955, Sleeping Beauty (le premier film d »animation en Technirama 70 mm) en 1959, One Hundred and One Dalmatians (le premier long métrage d »animation à utiliser des cels Xerox) en 1961, et The Sword in the Stone en 1963.

En 1964, Disney produit Mary Poppins, basé sur la série de livres de P. L. Travers ; il avait essayé d »acquérir les droits de l »histoire depuis les années 1940. Ce film est devenu le plus grand succès de Disney dans les années 1960, même si Travers n »aimait pas du tout le film et regrettait d »avoir vendu les droits. La même année, il s »est impliqué dans les plans d »expansion du California Institute of the Arts (familièrement appelé CalArts) et a demandé à un architecte de dessiner les plans d »un nouveau bâtiment.

Disney a fourni quatre expositions pour l »Exposition universelle de New York de 1964, pour lesquelles il a obtenu un financement de la part de sociétés commanditaires sélectionnées. Pour PepsiCo, qui prévoyait un hommage à l »UNICEF, Disney a conçu It »s a Small World, un manège en bateau avec des poupées audio-animatroniques représentant des enfants du monde entier ; Great Moments with Mr. Lincoln contenait un Abraham Lincoln animatronique donnant des extraits de ses discours ; Carousel of Progress promouvait l »importance de l »électricité ; et Ford »s Magic Skyway décrivait le progrès de l »humanité. Des éléments de ces quatre expositions, principalement des concepts et des technologies, ont été réinstallés à Disneyland, bien que It »s a Small World soit l »attraction qui ressemble le plus à l »original.

Du début au milieu des années 1960, Disney a élaboré des plans pour une station de ski à Mineral King, une vallée glaciaire de la Sierra Nevada californienne. Il engage des experts tels que le célèbre entraîneur de ski olympique et concepteur de domaines skiables Willy Schaeffler. Les revenus de Disneyland représentant une part croissante des revenus du studio, Disney continue à chercher des sites pour d »autres attractions. À la fin de l »année 1965, il annonce son intention de développer un autre parc à thème qui s »appellera « Disney World » (aujourd »hui Walt Disney World), à quelques kilomètres au sud-ouest d »Orlando, en Floride. Disney World devait comprendre le « Magic Kingdom » – une version plus grande et plus élaborée de Disneyland – ainsi que des terrains de golf et des hôtels. Le cœur de Disney World devait être la « Communauté prototype expérimentale de demain » (EPCOT), qu »il décrivait comme suit :

une communauté prototype expérimentale de demain qui s »inspirera des nouvelles idées et des nouvelles technologies qui émergent actuellement des centres créatifs de l »industrie américaine. Ce sera une communauté de demain qui ne sera jamais achevée, mais qui sera toujours en train d »introduire, de tester et de démontrer de nouveaux matériaux et systèmes. Et EPCOT sera toujours une vitrine pour le monde entier de l »ingéniosité et de l »imagination de la libre entreprise américaine.

Au cours de l »année 1966, Disney recherche des entreprises désireuses de parrainer EPCOT. Il s »implique de plus en plus dans les films du studio et participe activement à l »élaboration de l »histoire du Livre de la jungle, du film musical en prises de vue réelles Le millionnaire le plus heureux (tous deux en 1967) et du court métrage d »animation Winnie l »ourson et le jour de tempête (1968).

Maladie, décès et séquelles

Disney était un gros fumeur depuis la Première Guerre mondiale. Il n »utilisait pas de cigarettes avec filtre et avait fumé la pipe dans sa jeunesse. Début novembre 1966, on lui diagnostique un cancer du poumon et il est traité par cobaltothérapie. Le 30 novembre, il se sent mal et est transporté en ambulance de son domicile à l »hôpital St. Joseph où, le 15 décembre 1966, dix jours après son 65e anniversaire, il meurt d »un collapsus circulatoire causé par le cancer. Sa dépouille est incinérée deux jours plus tard et ses cendres sont enterrées au Forest Lawn Memorial Park de Glendale, en Californie.

La sortie du Livre de la jungle et du Millionnaire le plus heureux en 1967 porte à 81 le nombre total de longs métrages auxquels Disney a participé. La sortie de Winnie the Pooh and the Blustery Day en 1968 a valu à Disney un Oscar dans la catégorie des courts métrages (dessins animés), décerné à titre posthume. Après la mort de Disney, ses studios ont continué à produire des films d »action de manière prolifique mais ont largement abandonné l »animation jusqu »à la fin des années 1980, après quoi il y a eu ce que le New York Times décrit comme la « Renaissance Disney » qui a commencé avec La Petite Sirène (1989). Les sociétés de Disney continuent de produire des films, des émissions de télévision et des spectacles à succès.

Les plans de Disney pour la ville futuriste d »EPCOT ne se sont pas concrétisés. Après la mort de Disney, son frère Roy a reporté sa retraite pour prendre le contrôle total des sociétés Disney. Il a changé l »orientation du projet, passant d »une ville à une attraction. Lors de l »inauguration en 1971, Roy dédie Walt Disney World à son frère. Walt Disney World s »est agrandi avec l »ouverture du centre Epcot en 1982 ; la vision de Walt Disney d »une ville fonctionnelle a été remplacée par un parc plus proche d »une exposition universelle permanente. En 2009, le Walt Disney Family Museum, conçu par la fille de Disney, Diane, et son fils Walter E. D. Miller, a ouvert ses portes dans le Presidio de San Francisco. Des milliers d »objets de la vie et de la carrière de Disney sont exposés, y compris de nombreux prix qu »il a reçus. En 2014, les parcs à thème Disney à travers le monde ont accueilli environ 134 millions de visiteurs.

Disney a été dépeint à de nombreuses reprises dans des œuvres de fiction. H. G. Wells fait référence à Disney dans son roman de 1938, The Holy Terror, dans lequel le dictateur mondial Rud craint que Donald Duck ne soit censé se moquer du dictateur. Le personnage de Disney a été interprété par Len Cariou dans le film télévisé de 1995 intitulé A Dream Is a Wish Your Heart Makes : The Annette Funicello Story, et par Tom Hanks dans le film Saving Mr. Banks de 2013. En 2001, l »auteur allemand Peter Stephan Jungk a publié Der König von Amerika (Le Roi d »Amérique), une œuvre de fiction sur les dernières années de Disney, qui le réimagine comme un raciste assoiffé de pouvoir. Le compositeur Philip Glass a ensuite adapté le livre pour en faire l »opéra The Perfect American (2013).

Disney a reçu 59 nominations aux Academy Awards, dont 22 récompenses : ces deux totaux constituent des records. Il a été nommé pour trois Golden Globe Awards, mais n »a pas gagné, mais il a reçu deux Special Achievement Awards – pour Bambi (1942) et The Living Desert (1953) – et le Cecil B. DeMille Award. Il a également été nommé à quatre reprises aux Emmy Awards et a remporté un prix, celui du meilleur producteur pour la série télévisée Disneyland. Plusieurs de ses films sont inscrits au registre national des films des États-Unis par la Bibliothèque du Congrès comme étant « culturellement, historiquement ou esthétiquement importants » : Steamboat Willie, Les Trois Petits Cochons, Blanche-Neige et les Sept Nains, Fantasia, Pinocchio, Bambi, Dumbo et Mary Poppins. En 1998, l »American Film Institute a publié une liste des 100 plus grands films américains, selon les experts de l »industrie ; cette liste comprenait Blanche-Neige et les sept nains (numéro 49) et Fantasia (numéro 58).

En février 1960, Disney a été intronisé sur le Hollywood Walk of Fame avec deux étoiles, l »une pour le cinéma et l »autre pour son travail à la télévision ; Mickey Mouse a reçu sa propre étoile pour le cinéma en 1978. Mickey Mouse a reçu sa propre étoile pour le cinéma en 1978. Disney a également été intronisé au Television Hall of Fame en 1986, au California Hall of Fame en décembre 2006, et a été le premier à recevoir une étoile sur le Walk of Stars d »Anaheim en 2014.

Le Walt Disney Family Museum indique que lui et les membres de son personnel ont reçu plus de 950 distinctions et citations dans le monde entier. Il a été fait Chevalier de la Légion d »honneur française en 1935, et en 1952, il a reçu la plus haute décoration artistique du pays, l »Officier d »Académie. Parmi les autres récompenses nationales, citons l »Ordre de la Couronne de Thaïlande, l »Ordre du Mérite d »Allemagne (1956), l »Ordre de la Croix du Sud du Brésil (1941) et l »Ordre de l »Aigle aztèque du Mexique (1943). Aux États-Unis, il a reçu la médaille présidentielle de la liberté le 14 septembre 1964, et le 24 mai 1968, il a reçu à titre posthume la médaille d »or du Congrès. Il a reçu le prix du Showman of the World de la National Association of Theatre Owners et, en 1955, la National Audubon Society a décerné à Disney sa plus haute distinction, la médaille Audubon, pour avoir encouragé « l »appréciation et la compréhension de la nature » grâce à ses films sur la nature True-Life Adventures. Une planète mineure, découverte en 1980 par l »astronome Lyudmila Karachkina, a été nommée 4017 Disneya. Il a également reçu des diplômes honorifiques de Harvard, Yale, l »Université de Californie du Sud et l »Université de Californie, Los Angeles.

Le personnage public de Disney était très différent de sa personnalité réelle. Le dramaturge Robert E. Sherwood l »a décrit comme « presque douloureusement timide … timide » et se dépréciant lui-même. Selon son biographe Richard Schickel, Disney cachait sa personnalité timide et peu sûre d »elle derrière son identité publique. Kimball affirme que Disney « jouait le rôle d »un magnat timide qui était gêné en public » et qu »il savait qu »il le faisait. Disney a reconnu cette façade et a déclaré à un ami : « Je ne suis pas Walt Disney. Je fais beaucoup de choses que Walt Disney ne ferait pas. Walt Disney ne fume pas. Je fume. Walt Disney ne boit pas. Je bois. » Le critique Otis Ferguson, dans The New Republic, a qualifié le Disney privé : « commun et quotidien, pas inaccessible, pas dans une langue étrangère, pas supprimé ou sponsorisé ou quoi que ce soit. Juste Disney. » Beaucoup de ceux avec qui Disney a travaillé ont commenté qu »il donnait peu d »encouragement à son personnel en raison de ses attentes exceptionnellement élevées. Norman se souvient que lorsque Disney disait « Ça va marcher », c »était l »indication d »un grand éloge. Au lieu d »une approbation directe, Disney donnait des primes financières au personnel très performant, ou recommandait certaines personnes à d »autres, en espérant que ses louanges seraient transmises.

Les points de vue sur Disney et son œuvre ont évolué au fil des décennies, et les opinions se sont polarisées. Mark Langer, dans l »American Dictionary of National Biography, écrit que « les premières évaluations de Disney l »ont salué comme un patriote, un artiste populaire et un vulgarisateur de la culture. Plus récemment, Disney a été considéré comme un paradigme de l »impérialisme et de l »intolérance américains, ainsi qu »un débauchoir de la culture. » Steven Watts écrit que certains dénoncent Disney « comme un manipulateur cynique de formules culturelles et commerciales », tandis que PBS enregistre que les critiques ont censuré son travail en raison de sa « façade lisse de sentimentalité et d »optimisme obstiné, sa réécriture feel-good de l »histoire américaine ». Bien que les films de Disney aient été très appréciés, très populaires et qu »ils aient connu un succès commercial au fil du temps, des critiques ont été formulées par les critiques. Caroline Lejeune commente dans The Observer que Blanche-Neige (1937) « a plus de défauts que tout autre dessin animé Disney antérieur. Il est vulnérable, encore et encore, aux critiques acerbes des experts. Parfois, il est, franchement, mal dessiné ». Robin Allen, qui écrit pour le Times, note que Fantasia (1940) a été « condamné pour sa vulgarité et ses embardées dans le bathos », tandis que Lejeune, qui critique Alice au pays des merveilles (1951), estime que le film « peut rendre les amoureux de Lewis Carroll frénétiques ». Peter Pan (1953) a été critiqué dans le Times comme étant « un classique pour enfants vulgarisé » avec « la fée Clochette … une mignonne américaine peroxydée ». Le critique a estimé que Disney « a massacré le bon Barrie et n »a que des Disney de seconde zone à mettre à sa place ».

Disney a été accusé d »antisémitisme pour avoir fait visiter son studio à la propagandiste nazie Leni Riefenstahl un mois après la Nuit de cristal, bien qu »aucun de ses employés – y compris l »animateur Art Babbitt, qui n »aimait pas du tout Disney – ne l »ait jamais accusé de proférer des insultes ou des railleries antisémites. Le Walt Disney Family Museum reconnaît que des stéréotypes ethniques courants dans les films des années 30 ont été inclus dans certains des premiers dessins animés. Disney faisait régulièrement des dons à des organisations caritatives juives, il a été nommé « Homme de l »année 1955″ par le chapitre B »nai B »rith de Beverly Hills, et son studio employait un certain nombre de Juifs, dont certains occupaient des postes influents. Gabler, le premier écrivain à avoir obtenu un accès illimité aux archives de Disney, conclut que les preuves disponibles ne soutiennent pas les accusations d »antisémitisme et que Disney n »était « pas dans le sens conventionnel que nous donnons à quelqu »un d »antisémite ». Gabler conclut que « si Walt lui-même, à mon avis, n »était pas antisémite, il s »est néanmoins volontairement allié à des personnes antisémites, et cette réputation est restée. Il n »a jamais vraiment été en mesure de l »expurger tout au long de sa vie ». Disney a pris ses distances avec la Motion Picture Alliance dans les années 1950.

Disney a également été accusé d »autres formes de racisme, car certaines de ses productions sorties entre les années 1930 et 1950 contiennent des éléments insensibles au racisme. Le long métrage Song of the South a été critiqué par des critiques de cinéma contemporains, par la National Association for the Advancement of Colored People et par d »autres pour sa perpétuation des stéréotypes noirs, mais Disney a par la suite fait campagne avec succès pour obtenir un Oscar d »honneur pour sa vedette, James Baskett, le premier acteur noir ainsi honoré. Gabler affirme que « Walt Disney n »était pas un raciste. Il n »a jamais, que ce soit en public ou en privé, fait de remarques désobligeantes sur les Noirs ou affirmé la supériorité des Blancs. Comme la plupart des Américains blancs de sa génération, il était cependant insensible aux questions raciales. » Floyd Norman, le premier animateur noir du studio qui a travaillé en étroite collaboration avec Disney dans les années 1950 et 1960, a déclaré : « Pas une seule fois je n »ai observé un soupçon du comportement raciste dont Walt Disney a souvent été accusé après sa mort. Sa façon de traiter les gens – et j »entends par là tous les gens – ne peut être qualifiée que d »exemplaire. »

Watts affirme que de nombreux films de Disney datant de l »après-guerre ont « légiféré une sorte de plan Marshall culturel. Ils ont nourri un impérialisme culturel génial qui a envahi comme par magie le reste du globe avec les valeurs, les attentes et les biens d »une classe moyenne américaine prospère. » L »historien du cinéma Jay P. Telotte reconnaît que beaucoup voient le studio Disney comme un « agent de manipulation et de répression », même s »il observe qu »il a « travaillé tout au long de son histoire pour associer son nom aux notions de plaisir, de famille et de fantaisie ». John Tomlinson, dans son étude Cultural Imperialism, examine le travail d »Ariel Dorfman et d »Armand Mattelart, dont le livre de 1971 Para leer al Pato Donald (Comment lire Donald Duck) identifie qu »il existe des « valeurs impérialistes … « cachées » derrière la façade innocente et saine du monde de Walt Disney » ; selon eux, il s »agit d »un outil puissant car « il se présente comme un divertissement inoffensif destiné aux enfants ». Tomlinson considère que leur argument est imparfait, car « ils supposent simplement que lire des bandes dessinées américaines, voir des publicités, regarder des images du style de vie aisé… a un effet pédagogique direct ».

Plusieurs commentateurs ont décrit Disney comme une icône culturelle. À la mort de Disney, le professeur de journalisme Ralph S. Izard commente que les valeurs des films de Disney sont celles « considérées comme précieuses dans la société chrétienne américaine », qui incluent « l »individualisme, la décence, … l »amour de notre prochain, le fair-play et la tolérance ». La nécrologie de Disney parue dans le Times qualifie les films de « sains, chaleureux et divertissants… d »un art incomparable et d »une beauté touchante ». Le journaliste Bosley Crowther affirme que la « réussite de Disney en tant que créateur de divertissement pour un public presque illimité et en tant que marchandiseur très ingénieux de ses marchandises peut être comparée à juste titre aux industriels les plus prospères de l »histoire ». Le correspondant Alistair Cooke qualifie Disney de « héros folklorique … le joueur de flûte d »Hollywood », tandis que Gabler considère que Disney a « remodelé la culture et la conscience américaine ». Dans l »American Dictionary of National Biography, Langer écrit :

Disney reste la figure centrale de l »histoire de l »animation. Grâce à des innovations technologiques et à des alliances avec des gouvernements et des entreprises, il a transformé un studio mineur dans une forme marginale de communication en un géant multinational de l »industrie des loisirs. En dépit de ses détracteurs, sa vision d »une utopie moderne et corporative comme extension des valeurs américaines traditionnelles a peut-être gagné en actualité dans les années qui ont suivi sa mort.

Sources

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