Agnès Martin (peintre)
gigatos | janvier 25, 2022
Résumé
Agnes Bernice Martin, RCA (22 mars 1912 – 16 décembre 2004), était une peintre abstraite américaine. Son œuvre a été définie comme un « essai de discrétion sur le repli sur soi et le silence ». Bien qu »elle soit souvent considérée ou désignée comme une minimaliste, Martin se considérait comme une expressionniste abstraite. Elle a reçu la National Medal of Arts du National Endowment for the Arts en 1998. Elle a été élue à l »Académie royale des arts du Canada en 2004.
Agnes Bernice Martin est née en 1912 dans une famille de fermiers presbytériens écossais à Macklin, Saskatchewan, l »une de quatre enfants. À partir de 1919, elle grandit à Vancouver. 237 Elle déménage aux États-Unis en 1931 pour aider sa sœur enceinte, Mirabell, à Bellingham, dans l »État de Washington. 237 Elle préfère l »enseignement supérieur américain et devient citoyenne américaine en 1950. Martin a étudié au Western Washington University College of Education, à Bellingham, Washington, avant d »obtenir une licence (1942) du Teachers College, Columbia University. C »est en vivant à New York que Martin s »est intéressée à l »art moderne et a été exposée à des artistes tels que Arshile Gorky (1904-1948), Adolph Gottlieb (1903-1974) et Joan Miró (1893-1983). Elle suit une multitude de cours d »atelier au Teachers College et commence à envisager sérieusement une carrière d »artiste.
En 1947, elle participe à l »école d »été de l »Université du Nouveau-Mexique à Taos, au Nouveau-Mexique. 237 Après avoir entendu les conférences de l »érudit bouddhiste zen D. T. Suzuki à Columbia, elle s »intéresse à la pensée asiatique, non pas en tant que discipline religieuse, mais en tant que code d »éthique, un mode d »emploi pratique pour traverser la vie. Quelques années après l »obtention de son diplôme, Martin s »inscrit à l »université du Nouveau-Mexique, à Albuquerque, où elle donne également des cours d »art avant de retourner à l »université Columbia pour obtenir une maîtrise (1952) en art moderne. Elle s »installe à New York en 1957 et vit dans un loft à Coenties Slip, dans le sud de Manhattan : 238 Le Coenties Slip abritait également plusieurs autres artistes et leurs ateliers. Il y avait un fort sentiment de communauté, même si chacun avait ses propres pratiques et tempéraments artistiques. Le Coenties Slip était également un refuge pour la communauté queer dans les années 1960. On suppose que Martin a eu une relation amoureuse avec l »artiste Lenore Tawney (1907-2007) à cette époque. Pionnière de son temps, Agnes Martin n »a jamais exprimé publiquement sa sexualité, mais a été décrite comme une « homosexuelle refoulée. » La biographie de 2018 Agnes Martin : Pioneer, Painter, Icon décrit plusieurs relations amoureuses entre Martin et d »autres femmes, notamment la marchande Betty Parsons. Elle a souvent utilisé une lentille féministe lorsqu »elle critiquait le travail de ses collègues artistes. Jaleh Mansoor, historienne de l »art, a déclaré que Martin était « trop engagée dans une relation féministe à la pratique, peut-être, pour l »objectiver et l »étiqueter comme telle ». Il convient de noter que Martin elle-même ne s »identifiait pas comme féministe et qu »elle a même déclaré une fois à un journaliste du New Yorker lors d »une interview qu »elle pensait que « le mouvement des femmes avait échoué ».
Martin était publiquement connue pour souffrir de schizophrénie, bien que cela n »ait pas été documenté jusqu »en 1962. Elle a même opté une fois pour un traitement par électrochocs à l »hôpital Bellevue de New York. Martin a bénéficié du soutien de ses amis du Coenties Slip, qui se sont réunis après l »une de ses crises pour demander l »aide d »un psychiatre respecté, qui, en tant que collectionneur d »art, était un ami de la communauté. Cependant, sa lutte était en grande partie privée et individuelle, et l »on ignore l »effet complet de sa maladie mentale sur sa vie.
Martin quitte brusquement New York en 1967, disparaissant du monde de l »art pour vivre seul. Après dix-huit mois de camping sur la route à travers le Canada et l »ouest des États-Unis, Martin s »installe à Mesa Portales, près de Cuba, au Nouveau-Mexique (1968-1977). Elle loue une propriété de 50 acres et mène une vie simple dans une maison en adobe qu »elle s »est construite, ajoutant quatre autres bâtiments au fil des ans. Pendant ces années, elle ne peint pas, jusqu »en 1971, date à laquelle elle est approchée par le conservateur Douglas Crimp qui souhaite organiser sa première exposition solo non commerciale. Par la suite, Martin a commencé à écrire et à donner des conférences sur son travail dans diverses universités. Lentement, l »intérêt de Martin pour la peinture s »est ravivé. Elle aborde son travail avec la Pace Gallery et le fondateur de la galerie, Arne Glimcher (né en 1938), devient son marchand attitré. Enfin capable de posséder sa propre propriété, elle s »installe à Galisteo, au Nouveau-Mexique, où elle vit jusqu »en 1993. 240 Elle y construit également une maison en adobe, choisissant toujours un style de vie austère. Bien qu »elle préfère toujours la solitude et qu »elle vive seule, Martin est plus active dans le monde de l »art, voyageant beaucoup et exposant au Canada, aux États-Unis et à l »étranger. En 1993, elle s »installe dans une maison de retraite à Taos, au Nouveau-Mexique, où elle vit jusqu »à sa mort en 2004. 242
Beaucoup de ses tableaux portent des noms positifs comme Happy Holiday (1999) et I Love the Whole World (2000). Lors d »une interview en 1989, discutant de sa vie et de sa peinture, Agnes Martin a déclaré : « La beauté et la perfection sont identiques. Elles ne se produisent jamais sans bonheur ».
Elle s »est installée à New York à l »invitation de l »artiste.
En 1976, elle réalise son premier film, Gabriel, un film de paysage de 78 minutes qui met en scène un petit garçon qui se promène. Un deuxième film, Captivity, n »a jamais été achevé après que l »artiste ait jeté le montage brut dans la décharge de la ville.
Selon une interview filmée d »elle, publiée en 2003, elle n »a quitté New York que lorsqu »on lui a annoncé que son loft était loué.
Outre quelques autoportraits et quelques paysages à l »aquarelle, les premières œuvres de Martin comprennent des peintures biomorphiques aux couleurs tamisées réalisées lorsque l »artiste bénéficiait d »une bourse pour travailler à Taos entre 1955 et 1957. Cependant, elle a fait de son mieux pour rechercher et détruire les peintures des années où elle faisait ses premiers pas dans l »abstraction.
Martin a fait l »éloge de Mark Rothko pour avoir « atteint le zéro afin que rien ne puisse s »opposer à la vérité ». Suivant son exemple, Martin a également réduit les éléments les plus réducteurs afin d »encourager une perception de la perfection et de mettre l »accent sur la réalité transcendante. Sa signature est définie par l »accent mis sur la ligne, les grilles et les champs de couleurs extrêmement subtiles. Au cours de ses années de percée, au début des années 1960, elle a notamment créé des toiles carrées de 6 × 6 pieds couvertes de grilles de graphite denses, minuscules et doucement délimitées. Lors de l »exposition Systemic Painting organisée en 1966 au Solomon R. Guggenheim Museum, les grilles de Martin ont été célébrées comme des exemples d »art minimaliste et ont été accrochées parmi des œuvres d »artistes tels que Sol LeWitt, Robert Ryman et Donald Judd. Bien que minimalistes dans leur forme, ces peintures étaient cependant très différentes dans leur esprit de celles de ses autres homologues minimalistes, conservant de petits défauts et des traces indéniables de la main de l »artiste ; elle s »est éloignée de l »intellectualisme, privilégiant le personnel et le spirituel. Ses peintures, ses déclarations et ses écrits influents reflétaient souvent un intérêt pour la philosophie orientale, notamment taoïste. En raison de la dimension spirituelle ajoutée à son œuvre, qui est devenue de plus en plus dominante après 1967, elle a préféré être classée dans la catégorie des expressionnistes abstraits.
Martin a travaillé uniquement en noir, blanc et brun avant de s »installer au Nouveau-Mexique. La dernière toile qu »elle a peinte avant d »abandonner sa carrière et de quitter New York en 1967, Trompette, marque une rupture dans la mesure où le rectangle unique s »est transformé en une grille globale de rectangles. Dans cette peinture, les rectangles sont dessinés au crayon sur des lavis inégaux de peinture grise translucide. En 1973, elle revient à la création artistique et produit un portfolio de 30 sérigraphies, On a Clear Day. Pendant son séjour à Taos, elle a introduit des pastels légers dans ses grilles, des couleurs qui brillent dans la lumière changeante. Plus tard, Martin a réduit l »échelle de ses tableaux carrés de 72 × 72 pouces à 60 × 60 pouces et a modifié son travail pour utiliser des bandes de couleurs éthérées. Un autre changement a été la modification, voire le raffinement, de la structure de la grille que Martin utilise depuis la fin des années 1950. Dans Untitled No. 4 (1994), par exemple, on pouvait voir les légères stries du trait de crayon et les lavis de couleurs primaires de la peinture acrylique diluée mélangée au gesso. Les lignes, qui englobaient cette peinture, n »étaient pas mesurées par une règle, mais plutôt marquées intuitivement par l »artiste. Dans les années 1990, la symétrie cède souvent la place à des bandes horizontales de largeur variable.
Depuis sa première exposition personnelle en 1958, l »œuvre de Martin a fait l »objet de plus de 85 expositions personnelles et de deux rétrospectives, dont l »enquête Agnes Martin, organisée par le Whitney Museum of American Art, New York, qui a ensuite voyagé en Jamaïque (1992-94) et Agnes Martin : Paintings and Drawings 1974-1990 organisée par le Stedelijk Museum d »Amsterdam, qui s »est ensuite rendue en France et en Allemagne (1991-92). En 1998, le Museum of Fine Arts de Santa Fe, au Nouveau-Mexique, a présenté Agnes Martin Works on Paper. En 2002, la Menil Collection, à Houston, a présenté Agnes Martin : The Nineties and Beyond. La même année, le Harwood Museum of Art de l »Université du Nouveau-Mexique, à Pandora, a organisé Agnes Martin : Paintings from 2001, ainsi qu »un symposium en l »honneur de Martin à l »occasion de son 90e anniversaire.
En plus de participer à un éventail international d »expositions collectives telles que la Biennale de Venise (1997, 1980, 1976), la Biennale du Whitney (1995, 1977), et Documenta, Kassel, Allemagne (1972), Martin a reçu de nombreuses distinctions dont le Lifetime Achievement Award au nom du Women »s Caucus for Art de la College Art Association (le Governor »s Award for Excellence and Achievement in the Arts remis par le gouverneur Gary Johnson, Santa Fe, Nouveau-Mexique (la médaille nationale des arts décernée par le président Bill Clinton et le National Endowment for the Arts (le Lion d »or pour la contribution à l »art contemporain à la Biennale de Venise (le prix Alexej von Jawlensky décerné par la ville de Wiesbaden, Allemagne (et élection à l »American Academy and Institute of Arts and Letters, New York (1989).
Des expositions continuent d »être organisées depuis sa mort en 2004, notamment Agnes Martin : Closing the Circle, Early and Late 10 février 2006 – 04 mars 2006 à la Pace Gallery. D »autres expositions ont eu lieu à New York, Zurich, Londres, Dublin, Edimbourg, Cambridge (Angleterre), Aspen, Albuquerque, British Columbia au Canada. En 2012, le Harwood Museum of Art à Taos, Nouveau-Mexique, Université du Nouveau-Mexique a lancé une exposition à l »échelle du musée intitulée, Agnes Martin Before the Grid en l »honneur de son centenaire. Cette exposition était la première à se concentrer sur l »œuvre et la vie de Martin avant 1960. L »exposition s »est concentrée sur de nombreuses œuvres, jamais vues auparavant, que Martin a créées à Columbia, à Coentis Slip et pendant ses premières années au Nouveau-Mexique. C »était également la première à considérer la lutte de Martin avec la santé mentale, la sexualité et la relation importante de Martin avec Ad Ad Reinhardt. En 2015, la Tate Modern a présenté une rétrospective de sa vie et de sa carrière, des années 1950 à sa dernière œuvre en 2004, qui sera présentée dans d »autres musées après l »exposition de Londres. Au musée d »art de l »université du Michigan, Martin a participé à l »exposition Reductive Minimalism : Women Artists in Dialogue, 1960-2014 qui a examiné les deux générations d »art minimaliste côte à côte, d »octobre 2014 à janvier 2015. L »exposition comprenait notamment Anne Truitt, Mary Corse et les artistes contemporaines Shirazeh Houshiary et Tomma Abts.
Elle a également été présentée dans White on the White : Color, Scene, and Space au musée d »art contemporain de la ville d »Hiroshima. D »octobre 2015 à avril 2016, Martin a été exposée dans Opening the Box : Unpacking Minimalism à The George Economou Collection à Athènes, en Grèce, aux côtés de Dan Flavin et Donald Judd. De 2015 à 2017, elle a eu de nombreuses expositions personnelles, dont certaines au Aspen Art Museum à Aspen Colorado, à la Tate Modern à Londres, au K20, Kunstsammlung Nordhein-Westfalen à Düsseldorf, au Los Angeles County Museum of Art (LACMA) à Los Angeles, au Solomon R. Guggenheim Museum dans l »Upper East Side, au Palais des Gouverneurs, au New Mexico Museum of History à Santa Fe. Elle est présentée dans l »exposition en cours Intuitive Progression au Fisher Landau Center for Art à Long Island City, New York, de février 2017 à août 2017.
En 2016, une exposition rétrospective de ses œuvres des années 1950 à 2004 a été présentée au Solomon R. Guggenheim Museum de New York. En 2016, elle a également été présentée dans l »exposition Dansaekhwa et Minimalisme chez Blum & Poe, à Los Angeles, et plus tôt dans l »année dans l »exposition intitulée Aspects of Minimalism : Selections from East End Collections au musée Guild Hall à East Hampton, New York.
Elle a également été présentée dans Making Space : Women Artists and Postwar Abstraction au Museum of Modern Art de Midtown, à New York, qui a mis en lumière les femmes artistes qui ont travaillé après la Seconde Guerre mondiale et avant le début du mouvement féministe. L »exposition s »est tenue d »avril 2017 à août 2017 et présentait Lee Krasner, Helen Frankenthaler et Joan Mitchell, Lygia Clark, Gego, Magdalena Abakanowicz, Louise Bourgeois et Eva Hesse.
Les œuvres de Martin font partie de grandes collections publiques aux États-Unis, notamment le New Mexico Museum of Art, Santa Fe, NM ; l »Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY ; la Chinati Foundation, Marfa, TX ; le Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, Washington, D.C. ; le Los Angeles Museum of Contemporary Art ; la Menil Collection, Houston, TX ; le Metropolitan Museum of Art, New York ; le Museum of Modern Art, New York ; la National Gallery of Art, Washington, D. C. ; le Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City ; le San Francisco Museum of Modern Art ; le Solomon R. Guggheim Museum, New York ; le Wadsworth Atheneum Museum of Art, Hartford ; le Walker Museum of Art, New York. C. ; Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City ; San Francisco Museum of Modern Art ; Solomon R. Guggenheim Museum, New York ; Wadsworth Atheneum Museum of Art, Hartford ; Walker Art Center, Minneapolis ; Whitney Museum of American Art, New York ; et Des Moines Art Center, Des Moines, IA, entre autres. Ses œuvres sont exposées à long terme et font partie des collections permanentes de la Dia Art Foundation, Beacon, New York.
La Tate, à Londres, et le Magasin 3 Stockholm Konsthall, à Stockholm, en Suède, font partie des collections internationales de l »œuvre de Martin.
Martin est devenu une source d »inspiration pour les jeunes artistes, d »Eva Hesse à Ellen Gallagher.
Son image figure sur l »affiche emblématique de 1972 intitulée Some Living American Women Artists de Mary Beth Edelson.
En 1994, le Harwood Museum of Art de Taos, qui fait partie de l »Université du Nouveau-Mexique, a annoncé qu »il allait rénover son bâtiment de style pueblo et consacrer une aile à l »œuvre de Martin. La galerie a été conçue selon les souhaits de l »artiste afin d »accueillir le don de Martin de sept grandes peintures sans titre réalisées entre 1993 et 1994. Un cabinet d »architectes d »Albuquerque, Kells & Craig, a conçu la galerie octogonale avec un oculus installé au-dessus de la tête et quatre bancs jaunes de Donald Judd placés directement sous l »oculus. Le don des peintures ainsi que la conception et la construction de la galerie ont été négociés et supervisés par Robert M. Ellis, directeur du Harwood à l »époque et ami proche de Martin. Aujourd »hui, la galerie Agnes Martin attire des visiteurs du monde entier et a été comparée par des spécialistes à la chapelle du Rosaire de Vence (chapelle Matisse), à la chapelle Notre Dame du Haut de Ronchamp de Corbusier et à la chapelle Rothko de Houston.
En 2007, Loving Love (2000) de Martin a été vendu pour 2,95 millions de dollars chez Christie »s, à New York. En 2015, Untitled
La pièce Redbird (1995) du compositeur John Zorn a été inspirée par Martin et lui a été dédiée.
Wendy Beckett, dans son livre American Masterpieces, a dit de Martin : « Agnes Martin parle souvent de la joie ; elle la considère comme la condition souhaitée de toute vie. Qui pourrait ne pas être d »accord avec elle ? Quiconque a sérieusement passé du temps devant une Agnes Martin, laissant sa paix se communiquer, recevant son bonheur inexplicable et ineffable, n »a jamais été déçu. L »œuvre impressionne, non seulement par sa délicatesse, mais aussi par sa vigueur, et cette puissance et cet intérêt visuel sont quelque chose qui doit être vécu. »
Le poème « Gridding, after some sentences by Agnes Martin » du poète Hugh Behm-Steinberg traite des motifs dans le monde naturel, établit un parallèle entre l »écriture et la peinture et se termine par un vers sur l »admiration du poète pour l »œuvre de Martin.
Son œuvre a inspiré un doodle à Google à l »occasion du 102e anniversaire de sa naissance, le 22 mars 2014. Le doodle reprend les couleurs de l »œuvre tardive d »Agnes Martin, marquée par des bords doux, des couleurs sourdes et des bandes horizontales distinctes, transformées en six barres verticales, une pour chaque lettre du logo Google.
Sources
