Amedeo Modigliani

gigatos | janvier 2, 2022

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Résumé

Amedeo Clemente Modigliani († 24 janvier 1920 à Paris) est un dessinateur, peintre et sculpteur italien. Sa notoriété actuelle est surtout due à ses peintures de nus, qui ont été jugées scandaleuses à son époque et n »ont été acceptées que plus tard. Modigliani a passé sa jeunesse en Italie, où il a étudié l »art de l »Antiquité et de la Renaissance, avant de s »installer à Paris en 1906. Là, il est entré en contact avec des artistes importants tels que Pablo Picasso et Constantin Brâncuși. Sa vie a été marquée par des maladies pulmonaires. C »est lors d »un rêve fiévreux qu »il aurait pris conscience de sa vocation pour l »art ; il est mort de la tuberculose à l »âge de 35 ans. Les informations sur la vie de Modigliani ne reposent que sur quelques documents attestés, de sorte que c »est surtout après sa mort qu »une légende s »est construite autour de lui.

L »ensemble de l »œuvre de Modigliani comprend surtout des peintures et des dessins. De 1909 à 1914, il s »est toutefois principalement consacré à la sculpture. Le motif principal est l »homme, tant dans les tableaux que dans les sculptures. En outre, on trouve peu de tableaux avec des motifs de paysages. On ne connaît pas de scènes d »intérieur ni de natures mortes de Modigliani. Modigliani se réfère souvent à la Renaissance dans ses œuvres, mais il reprend également d »autres éléments comme l »art africain, très populaire à son époque. En revanche, il ne se rattache à aucun des styles contemporains, comme le cubisme ou le fauvisme. Durant sa vie, Amedeo Modigliani n »a connu que peu de succès avec son art. Ce n »est qu »après sa mort qu »il a atteint une plus grande popularité et que ses œuvres d »art ont atteint des prix élevés.

Premières années de vie et enfance

Amedeo Modigliani est le quatrième et plus jeune enfant de Flaminio et Eugenia Modigliani. L »un de ses frères était Giuseppe Emanuele Modigliani, qui devint plus tard homme politique du Partito Socialista Italiano et député au Parlement italien. La famille Modigliani appartenait à la bourgeoisie juive éclairée de la ville. En tant que juifs séfarades, les membres de la famille vivaient selon une interprétation libérale de leur foi. À la naissance d »Amedeo Modigliani, l »entreprise familiale de commerce de bois et de charbon avait déjà fait faillite en raison de la mauvaise conjoncture. C »est pourquoi la mère de Modigliani contribuait à l »entretien de la famille en tant que professeur privé et traductrice – entre autres de poèmes de Gabriele D »Annunzio. Parallèlement, elle rédigeait des critiques littéraires sous un pseudonyme. Amedeo Modigliani participait probablement aux traditionnels thés de cinq heures dans la maison de son grand-père Isaac Garsin, au cours desquels on discutait par exemple des œuvres d »Oscar Wilde. Comme sa mère était originaire de Marseille, Amedeo Modigliani apprit très tôt la langue française, ce qui facilita plus tard son intégration à Paris.

À l »âge de onze ans, Amedeo Modigliani souffrait d »une grave pleurésie. En 1898, à l »âge de 14 ans, il contracta le typhus, qui était encore considéré à l »époque comme une maladie mortelle. Selon le récit de sa mère, pendant sa maladie, il a fait un rêve fiévreux dans lequel il fantasmait sur les chefs-d »œuvre artistiques en Italie et qui lui aurait ainsi montré sa vocation artistique. Une fois guéri, Amedeo Modigliani obtient de ses parents l »autorisation d »arrêter l »école et de commencer des études d »art.

Formation

En 1898, Amedeo Modigliani s »inscrit à l »école privée de dessin et de peinture du peintre Guglielmo Micheli à Livourne. A l »âge de 14 ans, il était le plus jeune étudiant de sa classe. Parallèlement à sa formation artistique à l »école, qui s »orientait encore fortement vers l »impressionnisme, il apprit à peindre des nus dans l »atelier de Gino Romiti. En juillet 1900, il est atteint de tuberculose. Comme le changement d »air devait favoriser sa guérison, il passa l »hiver 19001901 avec sa mère en voyage à Naples, Capri et Rome. De là, Amedeo Modigliani écrivit cinq lettres à l »artiste Oscar Ghiglia, de neuf ans son aîné, avec lequel il était ami. Ces lettres font partie des rares documents écrits de Modigliani qui ont été conservés. Il y décrivait notamment son impression de Rome : « Rome n »est pas autour de moi pendant que je te raconte, mais en moi, semblable à un joyau terrible enchâssé dans ses sept collines comme dans sept idées impérieuses ».

Au printemps 1901, Amedeo Modigliani suit son ami Ghiglia à Florence. Après avoir passé l »hiver 1901-1902 à Rome, il retourne à Florence et s »inscrit le 7 mai 1902 à la Scuola libera di Nudo (en français : école libre de dessin de nu). Il y étudia avec Giovanni Fattori et s »intéressa en outre principalement à l »art de la Renaissance. En 1903, suivant à nouveau Ghiglia, il se rendit à Venise où il vécut dans le quartier de Dorsoduro, juste en face de la Chiesa di San Sebastiano, jusqu »à son installation à Paris. Le 19 mars de cette année-là, il s »inscrit à l »Istituto di Belle Arti di Venezia. Il y suivit, entre autres, les cours de la classe libre de dessin de nu. Il se concentrait sur l »étude de l »histoire de l »art italien et s »adonnait moins à la peinture. En 1903 et 1905, il entre en contact avec les œuvres des impressionnistes français, les sculptures de Rodin et les œuvres du symbolisme lors des biennales. Pendant ses études à Venise, Modigliani commence à consommer du haschisch et participe à des séances de spiritisme.

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Déménagement à Paris

Au début de l »année 1906, Amedeo Modigliani s »installe à Paris, car la scène artistique locale est considérée comme particulièrement progressiste et développe et établit de nouveaux styles artistiques. L »année précédente, des artistes encore relativement peu connus, comme André Derain et Henri Matisse, que la critique avait surnommés Les Fauves (en français : les sauvages), avaient exposé au Salon d »automne. Avec des marchands d »art progressistes qui soutenaient de jeunes artistes innovants comme Pablo Picasso, le monde de l »art parisien devint le centre de la peinture d »avant-garde. Après son arrivée, Modigliani a d »abord vécu dans un hôtel confortable sur la rive droite de la Seine, ce qui lui semblait approprié en raison de ses origines dans une famille bourgeoise. Peu de temps après, il déménagea dans le quartier de Montmartre, où il vécut entre autres au Bateau-Lavoir et utilisa un simple atelier, et prit des cours de dessin de nu à l »Académie Colarossi. Sa mère lui envoyait certes autant d »argent qu »elle le pouvait, mais cela ne suffisait pas à Modigliani pour survivre. C »est pourquoi il changeait souvent de logement et laissait parfois ses œuvres d »art derrière lui lorsqu »il fuyait un appartement parce qu »il ne pouvait plus payer le loyer. L »une des premières amitiés que Modigliani a nouées à Paris l »a lié au peintre allemand Ludwig Meidner. Celui-ci décrivit plus tard la position et l »apparence de Modigliani dans la société parisienne : « Notre Modigliani était un représentant caractéristique et en même temps très doué de la bohème de Montmartre ; probablement même le dernier vrai bohémien ». Malgré ses problèmes de santé, Modigliani participait à la vie dissolue des artistes de Montmartre.

Au printemps 1907, Modigliani fut emmené par le peintre Henri Doucet dans une maison que Paul Alexandre avait louée pour de jeunes artistes. Le jeune médecin Alexandre était fasciné par les tableaux de Modigliani et commença donc à le soutenir. Il lui achetait des tableaux et des dessins et lui procurait des commandes de portraits. En 1907, Modigliani exposa au Salon d »automne avant-gardiste, marqué par l »influence des fauvistes. L »année suivante, il présenta six toiles au Salon des Indépendants, dont La Juive. Ses tableaux n »ont cependant guère attiré l »attention. Ainsi, l »influent publiciste Guillaume Apollinaire ne mentionna Amedeo Modigliani qu »en marge de sa critique du Salon. Paul Alexandre réussit à faire accéder Modigliani à des cercles fortunés, si bien qu »il obtint sa première commande rémunérée au printemps 1909 avec le portrait L »Amazone de la baronne Marguerite de Hasse de Villers.

Temps passé en tant que sculpteur

En 1909, Modigliani fait la connaissance du sculpteur roumain Constantin Brâncuși par l »intermédiaire de Paul Alexandre et, sur les conseils de ce dernier, s »installe en avril 1909 dans son atelier de la Cité Falguière à Montparnasse. Suite à cette connaissance, Modigliani s »est lancé la même année dans la sculpture sur pierre, qui a occupé pendant un certain temps le premier plan de sa création. A Livourne et à Carrare, il avait été attiré par la sculpture, impressionné par le style concis de Brâncuşi. Il est également possible que Modigliani ait déjà eu le désir de devenir sculpteur, mais qu »il n »ait pas eu les possibilités techniques offertes par le nouvel atelier. L »héritage antique de l »Italie, qu »il connaissait par expérience, pourrait également avoir été une source d »inspiration pour la réalisation de sculptures. Une autre possibilité serait que Modigliani ait voulu s »essayer à un autre genre artistique en raison du succès stagnant de sa peinture.

En 1910, Modigliani a fait la connaissance de la poétesse Anna Achmatova, originaire de Russie, avec laquelle il a eu une relation au cours de la période suivante. En 1911, il expose ses sculptures de pierre à l »aspect archaïque dans l »atelier de l »artiste portugais Amadeo de Souza-Cardoso. Commence alors une phase d »étude intensive du motif des cariatides dans ses œuvres, aussi bien en sculpture qu »en peinture. L »année suivante, les sculptures de Modigliani furent exposées au Salon d »automne. Modigliani fit la connaissance des sculpteurs Jacob Epstein et Jacques Lipchitz, qui vivaient également à Paris, ce dernier décrivant l »art de Modigliani comme « l »expression de sa sensibilité personnelle ». Au printemps 1913, Amedeo Modigliani séjourna à Livourne, où il prit ses quartiers à proximité d »une carrière. C »est là qu »il s »est mis à sculpter le marbre, alors qu »il n »avait travaillé auparavant qu »avec du grès calcaire. Il envoya les sculptures terminées à Paris, mais elles ne sont pas parvenues jusqu »à nous.

Les raisons exactes de l »arrêt de son activité de sculpteur après 1913 ne sont pas connues. Il est possible qu »il ait été victime d »un problème de santé, aggravé par l »environnement poussiéreux. Il se peut également qu »il n »ait pas vu d »avenir à son travail de sculpteur. Il n »a pas évolué sur le plan artistique et les rares expositions n »ont guère attiré l »attention et apporté d »améliorations financières. Il se peut donc que ces considérations l »aient poussé à se tourner à nouveau vers la peinture, plus lucrative.

Retour à la peinture et vie pendant la Première Guerre mondiale

Au printemps 1914, Amedeo Modigliani fit la connaissance du marchand d »art Paul Guillaume, qui représentait quelques jeunes artistes encore inconnus. Guillaume se chargea également de représenter Modigliani, après que celui-ci eut perdu de vue Paul Alexandre au début de la Première Guerre mondiale, et le fit participer à plusieurs expositions de groupe dans sa galerie. Au début de la guerre, Modigliani s »est porté volontaire pour le service militaire, mais n »a pas été mobilisé en raison de son mauvais état de santé. C »est pourquoi il fit partie du cercle restreint d »artistes qui se trouvaient à Paris.

En juin 1914, Modigliani a fait la connaissance de la femme de lettres anglaise Beatrice Hastings, avec laquelle il a entretenu une relation amoureuse pendant plus de deux ans. Elle séjournait à Paris en tant que chroniqueuse du journal anglais The New Age et écrivait sur la vie sociale de la ville. Elle décrivit entre autres la consommation de haschisch et d »alcool de Modigliani, sous laquelle il n »accomplissait « jamais rien de bon ». Pendant sa relation tumultueuse avec Beatrice Hastings, la vie excessive de Modigliani s »est encore intensifiée. Sa consommation d »alcool et d »opium, qu »il partageait avec ses amis Maurice Utrillo et Chaim Soutine, a été reprise par la presse.

En 1915, Modigliani s »installa avec Béatrice Hastings rue Norvaine, sur la Butte Montmartre, et fit le portrait de Pablo Picasso. Un an plus tard, d »autres portraits de personnalités célèbres suivirent, dont son ami Jacques Lipchitz ainsi que Chaim Soutine, pour lequel Modigliani était également un ami proche et un soutien. Avec ces portraits de l »avant-garde parisienne, Modigliani était lui-même lié à celle-ci. Elle lui assura une place singulière parmi les artistes parisiens, puisqu »il fixa par ses portraits une image de cette scène, et rendit possible la légende ultérieure de Modigliani comme figure principale de la communauté artistique parisienne. Par ailleurs, Amedeo Modigliani fit la connaissance du marchand d »art et poète polonais Leopold Zborowski par l »intermédiaire de son ami l »artiste Moïse Kisling. Ce dernier, en tant que marchand, ne disposait certes pas des contacts de Guillaume et de son flair pour la peinture d »avant-garde, mais il soutint néanmoins Modigliani dans les dernières années de sa vie. Lui et sa femme Anna ont ainsi accueilli l »artiste dans leur appartement après sa séparation d »avec Beatrice Hastings. Zborowski payait à Modigliani une indemnité journalière et le matériel de peinture et le laissait travailler dans son appartement. Plus tard, il a également payé les modèles pour les nus de Modigliani.

Amedeo Modigliani a réalisé une série d »environ 30 nus en 1916 et 1917. Par l »intermédiaire de Leopold Zborowski, ces tableaux ont été présentés dans une exposition individuelle à la galerie de la marchande d »art Berthe Weill. Le 3 décembre 1917, l »exposition fut inaugurée par un vernissage avec des invités. La galerie se trouvait en face d »un poste de police et un commissaire a remarqué l »attroupement qui se formait à la suite d »un nu présenté dans la vitrine. Il convoqua Berthe Weill et lui demanda de mettre fin à l »exposition et de décrocher les tableaux, car ils étaient trop révélateurs. Afin d »éviter la confiscation des tableaux, Weill s »est exécutée.

Séjour dans le sud de la France

En avril 1917, Modigliani fit la connaissance de Jeanne Hébuterne, âgée de 19 ans, qui étudiait à l »Académie Colarossi. Peu de temps après, ils s »installèrent dans un appartement commun. En 1918, ils quittèrent Paris avec le couple Zborowski et l »ami de Modigliani, Soutine, lorsque la menace d »une invasion par les troupes allemandes se fit sentir. L »intérêt de Zborowski en tant que marchand d »art pourrait également avoir motivé cette décision, car un changement d »air pourrait faire du bien aux deux artistes malades Modigliani et Soutine et augmenter leur productivité. Ils se rendirent sur la côte méditerranéenne française, où Modigliani peignit de nombreux portraits, auxquels il s »était à nouveau consacré après les dossiers. Il envoyait les tableaux terminés à Paris pour les vendre.

On sait peu de choses sur l »année de Modigliani dans le sud de la France, car il n »existe pratiquement pas de documents écrits et les contemporains parisiens avaient peu de choses à dire sur lui en son absence. Au début, Modigliani, Jeanne Hébuterne et ses amis habitaient à Cagnes-sur-Mer, puis ils ont déménagé à Nice. C »est là que Jeanne Hébuterne a donné naissance à une fille le 29 novembre 1918. Amedeo Modigliani reconnut la paternité de l »enfant, qui reçut le prénom de sa mère. Pendant son séjour à Nice et dans les environs, Modigliani rendit visite à Pierre-Auguste Renoir, qui habitait une propriété surplombant la côte. Un peintre vivant dans le voisinage a rapporté plus tard qu »une dispute avait éclaté entre le vieux maître de l »impressionnisme et le jeune peintre au sujet de conseils de Renoir.

Dernière année de vie et décès

Après la médiation de Zborowski, plusieurs œuvres de Modigliani ont été présentées en 1919 lors d »expositions en Angleterre, notamment dans le cadre de l »exposition Modern French Painting in Heale. De plus, en septembre de cette année-là, la Hill Gallery de Londres présenta dix œuvres de Modigliani. Fin mai 1919, Modigliani retourne à Paris où il participe au Salon d »automne. A cette époque, le peintre finlandais Léopold Survage le soutient et met son atelier à sa disposition. Lorsque Jeanne Hébuterne tomba à nouveau enceinte, Amedeo Modigliani se fiança avec elle. Il existe une promesse de mariage datée du 7 juillet 1919, dans laquelle il la reconnaît officiellement comme sa future épouse et leur fille comme son enfant. Il ne put cependant pas concrétiser cette intention de mariage, car il tomba gravement malade de la tuberculose vers la fin de l »année.

Le 24 janvier 1920, Modigliani est décédé à la Charité à Paris. Le surlendemain, sa fiancée se suicidait. Modigliani fut enterré au cimetière du Père Lachaise dans une atmosphère de grande émotion. Hébuterne fut ensuite enterrée à ses côtés, après que sa famille eut cessé de s »y opposer. Sa fille Jeanne a été adoptée par la sœur de Modigliani à Florence.

L »ensemble de l »œuvre d »Amedeo Modigliani se compose de peintures, de dessins et de sculptures. L »œuvre comprend environ 420 peintures, dont seulement 14 sont datées. A l »exception de quelques paysages, l »art de Modigliani se concentre sur la représentation de l »homme. Celle-ci s »exprime dans les portraits, les nus et les sculptures de têtes ou de figures humaines et montre une image intacte de l »homme. Modigliani ne peut être classé dans aucun courant artistique moderne. Ses œuvres combinent des éléments expressionnistes, cubistes et symbolistes, mais font également référence à l »Antiquité, à la Renaissance et au maniérisme, qu »il connaissait depuis ses études en Italie. Il a ainsi créé son propre style.

Le style d »Amedeo Modigliani se caractérise par des formes linéaires et allongées. Nombre de ses tableaux présentent des éléments typiques de Modigliani, comme les visages allongés et les yeux aveugles. La représentation est fortement réduite, dans les portraits et les nus, elle est tellement focalisée sur la personne que l »espace est relégué à l »arrière-plan et que l »on ne trouve guère d »attributs à côté du personnage central. Ce n »est que dans les œuvres tardives de Modigliani que quelques objets dans le tableau donnent des indications sur l »environnement social de la personne représentée. De plus, avant 1914, peu de dessins de cirque et de vaudeville ont été réalisés, qui placent les personnages dans un contexte narratif plus large.

Modigliani n »ayant daté qu »une fraction de ses œuvres, la succession exacte des tableaux ne peut être reconstituée que par des analyses stylistiques et des récits contemporains. On peut toutefois constater une évolution du style et de la composition au sein de l »œuvre, qui conduit à des tableaux de plus en plus proches de la perfection.

Portraits

La plupart des tableaux d »Amedeo Modigliani sont des portraits. Le tableau La Juive, réalisé vers 1908, fait partie de ses premières œuvres. Cette peinture à l »huile de 55 × 46 centimètres est construite de manière statuaire. Elle montre une femme au regard sévère, dont le visage est clairement travaillé et se détache nettement de l »environnement plutôt flou. L »intérêt principal du tableau réside dans la représentation de la psychologie de la personne, qui s »exprime par la communication de l »humeur, du comportement dans l »image et du regard de la femme sur le spectateur. C »est pourquoi la représentation est très mesurée et, malgré la légèreté du pinceau, n »est pas axée sur l »utilisation indépendante des couleurs et des surfaces. Il existe cependant des parties du tableau qui sont fortement marquées par le traitement purement pictural de la surface. Un exemple en est le champ de couleur dans le coin inférieur droit du tableau, qui ne peut pas être attribué à un objet concret. Il y a là un lien avec l »idée de Maurice Denis selon laquelle un tableau, avant de montrer son objet, n »est qu »une surface recouverte de peinture selon un certain ordre. Cette définition était d »une grande importance pour l »époque à laquelle Modigliani travaillait également. Mais La Juive montre aussi la recherche de Modigliani de sa place dans l »art au milieu des différents courants avant-gardistes. L »œuvre contient des influences d »Henri de Toulouse-Lautrec, d »Edvard Munch et de Paul Cézanne et contraste avec la peinture fauve dominante avec sa diversité de couleurs dominante. Lorsque le tableau a été exposé au Salon des Indépendants en 1908, ses couleurs sombres contrastaient avec la plupart des autres œuvres exposées. Dans sa représentation picturale, La Juive est également réservée, compte tenu du fait que l »année précédente avait vu l »émergence du cubisme, avec lequel l »espace et la perspective étaient éclatés. L »application des couleurs de Modigliani dans ce tableau s »inspire alors fortement de l »expressionnisme.

Pendant la Première Guerre mondiale, après sa phase de sculpteur, Modigliani a fait le portrait de nombreux amis et artistes qui étaient restés à Paris. L »un de ces portraits est celui de Diego Rivera, réalisé en 1914. Ce tableau de 100 × 79 centimètres, peint à l »huile sur carton, représente le peintre mexicain Diego Rivera, arrivé à Paris trois ans plus tôt et qui a rapidement fait partie du cercle d »amis de Picasso. En 1929, Rivera épousa Frida Kahlo et fut, dans les années 1930, le principal représentant de la peinture murale mexicaine. Il a été peint à plusieurs reprises par Modigliani. Ce tableau reflète les opinions révolutionnaires et le tempérament de Rivera grâce à la peinture libre par taches de couleur. L »application de la couleur sur le support se fait par touches. Modigliani ne s »est pas inspiré du colorisme de Cézanne, qu »il admirait, mais a plutôt produit un écho de la peinture impressionniste. La technique du trait de ce tableau rappelle également le travail de Modigliani lors de la création de ses sculptures. Elle donne l »impression d »un relief gravé dans la toile. Le tableau montre la moitié supérieure du corps de Rivera. Le visage rond est encadré par les cheveux et la poitrine. Ces deux éléments, tout comme le haut du corps, ne sont pas concrètement délimités par rapport à l »arrière-plan du tableau. C »est pourquoi on a l »impression que le corps remplit toute l »image. Les yeux de Diego Rivera sont presque entièrement fermés, sa bouche esquisse un sourire. C »est pourquoi il semble pensif et satisfait. La manière de peindre fait de ce tableau l »un des plus expressifs d »Amedeo Modigliani, à l »opposé des portraits suivants, dont le style est plus simple et plus lisse et dans lesquels il accordait plus d »importance à la représentation de l »apparence extérieure qu »à celle du caractère de la personne représentée.

Le portrait Portrait de Jacques Lipchitz et de sa femme Berthe Lipchitz, datant de 1916 ou 1917, fait partie des tableaux dans lesquels Amedeo Modigliani a abandonné la représentation de la psychologie d »un personnage pour créer des portraits représentatifs inspirés de modèles baroques. Modigliani a peint cette huile de 80,2 × 53,5 centimètres d »après la photo de mariage des Lipchitz, au cours de plusieurs séances de portraits. Ce n »était pas inhabituel, car à cette époque, il utilisait plusieurs fois des photographies comme modèles de tableaux. Ce tableau occupe une place particulière dans l »œuvre de Modigliani, car il fait partie de ses rares doubles portraits. L »importance de ces images est démontrée par l »absence totale de portraits de groupe dans l »œuvre de Modigliani. Le portrait du jeune couple a été précédé de plusieurs esquisses, qui étaient toutefois encore orientées vers un portrait individuel. Modigliani s »y approchait de plus en plus de la composition finale du tableau. Le tableau montre l »époux Jacques Lipchitz debout derrière sa femme Berthe assise. Il a passé son bras gauche autour de l »épaule de sa femme. Ils sont tous deux vêtus de sombre et se détachent ainsi de l »arrière-plan plus clair de l »image. Leurs visages sont ronds et leurs yeux vides. Les deux personnes représentées, avec lesquelles Modigliani entretenait des contacts amicaux, semblent certes sympathiques dans le portrait, mais sont représentées avec une distance dénuée d »émotions. C »est une caractéristique centrale des portraits des années suivantes, jusqu »à la mort de Modigliani. Sur le chemin de la version définitive du portrait, une évolution stylistique s »est également produite. Ainsi, la verticale et l »horizontale passent à l »arrière-plan, de sorte que les lignes courbes et les formes fluides dominent dans le tableau. Le portrait du couple Lipchitz présente, avec l »inscription irrégulière LIPCHITZ écrite en majuscules, une caractéristique stylistique de Modigliani que partagent nombre de ses portraits d »amis. Cette inscription, qui se distingue nettement de la signature par son maniement maladroit du pinceau, s »inspirait formellement de la tradition des tableaux de la Renaissance. Des artistes comme Giorgone et Titien donnaient dans les inscriptions non seulement des informations sur le nom de la personne représentée, mais aussi par exemple sur son appartenance à des sociétés secrètes. Avec cette citation formelle, Modigliani peut avoir fait allusion à une parenté intérieure similaire avec les amis dont il fait le portrait. En outre, il l »utilisait pour alléger la composition du tableau. Les références au baroque et à la Renaissance montrent également que Modigliani a utilisé dans ses tableaux les connaissances qu »il avait acquises dans le domaine des époques artistiques antérieures lors de ses études au début de sa vie.

De nombreux portraits d »Amedeo Modigliani représentent ses deux maîtresses, Béatrice Hastings et Jeanne Hébuterne. Les peintures de Hastings présentent souvent un rendu pointu des yeux, de la bouche et du nez. Elles montrent une forte focalisation sur le caractère de sa maîtresse, considérée comme excentrique. Les tableaux ont un effet ludique et non officiel qui est le résultat de la relation étroite et, selon Hastings lui-même, dramatique. La relation avec Jeanne Hébuterne n »était pas aussi tumultueuse en raison de la grande différence d »âge. Elle admirait Modigliani et n »était pas une partenaire de discussion comme Hastings. Les portraits d »Hébuterne ne présentent pas de grandes variations de perspective et de style. Dans certains tableaux, elle est représentée comme une femme-enfant, ce qui montre un lien avec la naïveté de la jeunesse, bien qu »elle ait représenté une constante dans la vie de Modigliani. Jeanne Hébuterne a fait réfléchir Modigliani à sa vie, qui était dominée par l »alcool et d »autres drogues. La grossesse de Jeanne a entraîné un changement radical dans la vie de Modigliani et a contrasté avec son mode de vie antérieur. C »est dans cette situation qu »est né le tableau Portrait de Jeanne Hébuterne, qui la représente en état de grossesse avancée. Le portrait représente Jeanne Hébuterne en position assise, les mains posées sur ses genoux et la tête penchée sur le côté. Modigliani ne cache pas la grossesse, mais la souligne. Par exemple, le doigt recourbé de la main droite pointe vers le ventre. Un autre élément soulignant est constitué par les bandes dans la région des hanches qui attirent l »attention sur la zone du ventre. Malgré le cou allongé, un double menton est légèrement suggéré, ce qui indique la gravité de la dernière phase de la grossesse. Les couleurs sont très équilibrées. La surface sombre des vêtements et des cheveux est équilibrée par les rayures sur les hanches et les bras, ainsi que par l »arrière-plan vert et orange de l »image. L »image crée une ambiance très calme, elle ne contient aucun mouvement et la personne semble se reposer sur elle-même, ce qui est particulièrement visible par le port de la tête. Une intensité particulière est créée par le regard direct de Jeanne Hébuternes sur le spectateur, qui dégage également de la sérénité.

Dossier

Amedeo Modigliani a peint des nus tout au long de sa vie, qui constituent le deuxième plus grand groupe d »œuvres après les portraits. Les premières datent de 1908, comme par exemple le tableau Nu souffrant – Nudo Dolente. Cette huile sur toile de 81 × 54 centimètres représente une femme à demi-figurée. La femme maigre est représentée entièrement nue. La tête est rejetée en arrière et la bouche est ouverte. C »est un signe d »extase, de souffrance, de douleur et de sensualité. La véritable expression de la personne est cachée derrière le visage en forme de masque. Les épaules sont tirées vers l »avant. Des bras anormalement longs pendent librement, les mains reposent sur les cuisses. La femme est si mince qu »elle ressemble à un squelette. Le nu de Modigliani allait ainsi à l »encontre des contenus classiques de ce genre d »images, qui avaient une connotation sensuelle et fortement sexuelle. Sur l »arrière-plan sombre du tableau, le corps clair, presque blanc, ressort nettement et est souligné par le contraste clair-obscur. L »application de la peinture est rugueuse et donne au tableau un aspect partiellement inachevé. Dans ce tableau, la conception similaire du corps de Modigliani par rapport à d »autres artistes de l »époque est évidente. On retrouve ainsi des similitudes avec des tableaux comme Madonna d »Edvard Munch de 1894 ou des œuvres de George Minne.

En 1916 et 1917, Modigliani a peint sa célèbre série de nus, qui comprend 30 tableaux. Elles représentent des modèles assis, debout ou couchés, idéalisés dans leur nudité. Les corps des femmes constituent l »élément central de l »image, l »espace et les autres objets passent au second plan et ne sont représentés dans le tableau que dans une moindre mesure. Leur représentation n »a aucune référence mythologique ou historique, mais sert uniquement à représenter la nudité. Néanmoins, elles s »inscrivent dans la tradition de la représentation de Vénus nue, qui était le motif de nu dominant de la Renaissance jusqu »au 19e siècle. Cependant, Modigliani s »est inspiré des maîtres italiens de la Renaissance comme Titien, Sandro Botticelli et Giorgione, qui ont toutefois travaillé avant l »ère académique de la peinture. Leurs représentations n »obéissaient pas à des poses de nus précises, mais présentaient des expressions individuelles de chaque artiste. Avec les académies des beaux-arts, une conception marquante du nu s »était établie. Il existait un canon déterminé et limité de poses des modèles nus, des règles strictes et formelles. Dans ses nus, Amedeo Modigliani rompt avec cette tradition académique en laissant de côté les proportions, l »anatomie et le mouvement dans les images. Par ailleurs, les poses des modèles ne sont pas adaptées à l »enseignement académique. Les nus de Modigliani ont également été influencés par les études qu »il a suivies à l »Académie Colarossi. Les étudiants y disposaient de modèles dont ils pouvaient déterminer librement la posture. Parallèlement, ils peignaient des nus dits « au quart d »heure », qui nécessitaient une saisie rapide du motif sous forme d »esquisse. C »est ainsi que de nombreux dessins de nus de Modigliani ont été conservés des années parisiennes.

Le tableau Nu couché de 60,6 × 92,7 centimètres fait partie des œuvres les plus célèbres de Modigliani et provient également de la série de tableaux des années 1916 et 1917. Il montre un modèle allongé, situé au centre du tableau. La femme est montrée en légère vue rapprochée, de sorte que ses extrémités ne sont pas entièrement représentées. Ainsi, les avant-bras avec les mains et les jambes en dessous des hanches sont absents. Le visage est tourné vers le spectateur, les yeux sont ouverts et regardent directement le spectateur. Les hanches sont légèrement tournées vers l »arrière, ce qui ne permet pas de voir le pubis. Le corps se trouve sur un drap rouge, ce qui crée un léger contraste clair-obscur. Sous la tête se trouve un oreiller blanc qui, avec la base de la couverture de lit blanche, forme les surfaces les plus claires de l »image. En arrière-plan, on distingue le mur. Dans l »ensemble, il n »y a guère d »éléments de l »image en dehors du corps qui détournent l »attention de celui-ci. La composition de l »image s »inspire de la photographie de nu de l »époque, mais l »érotisme n »est pas trop accentué, il est plutôt nuancé de manière mélancolique. Il émane de la femme représentée une dignité et une froideur qui font écho aux sculptures de Modigliani.

Après la série des années 1916 et 1917, Amedeo Modigliani ne peignit plus qu »occasionnellement des nus comme Nu debout – Elvira de 1918. Cette huile sur toile de 92 × 60 centimètres fut peinte pendant le séjour de Modigliani dans le sud de la France. Typique de ses tableaux de cette époque, elle a été peinte avec des couleurs nettement plus claires. Les tons sombres dominants, en particulier le rouge, sont remplacés dans ce tableau par du turquoise. Le modèle debout, qui n »est montré qu »à partir des cuisses, occupe la position centrale dans le tableau. Hormis un drap blanc qui cache le pubis, il n »y a pas d »autres éléments de composition dans l »image. Les lignes de contour du corps sont fortement soulignées et les couleurs sont appliquées sur de grandes surfaces, ce qui renforce la présence de la personne.

Paysages

Parmi les œuvres d »Amedeo Modigliani, on ne trouve que peu de paysages. Ceux-ci ont été réalisés au cours de ses premières années en Italie, lors de ses voyages dans son pays natal et pendant son séjour dans le sud de la France. Alors que le tableau Paysage en Toscane, peint en 1898, s »inspirait encore de l »impressionnisme et ne présentait pas de contours clairs, mais semblait flou, le tableau Paysage de 60 × 45 centimètres, peint en 1919, s »y oppose par exemple. Ce tableau, réalisé dans le sud de la France, est structuré par des contours clairs. Dans les collines à l »arrière-plan, les bâtiments forment des structures géométriques claires qui contrastent avec les formes des nuages qui les entourent, mais qui présentent également des contours clairs. Au premier plan, on peut voir une surface rouge qui traverse l »image en diagonale et qui représente soit un chemin, soit une balustrade de pont. Le rouge de cet élément de l »image reprend la couleur des toits des maisons. Il est clairement délimité par rapport à l »environnement, ce qui provoque un sentiment d »étroitesse et de limitation. Les collines au centre de l »image mènent en terrasse vers l »arrière-plan et créent une impression de profondeur spatiale. En contraste, les arbres au premier plan structurent davantage l »image avec leurs longues structures linéaires.

Dans les paysages que Modigliani a peints dans le sud de la France, l »accent mis par Modigliani sur le portrait s »exprime également par le biais du format. Au lieu du format horizontal habituel pour les paysages, il utilisait également le format vertical. Les tableaux d »Amedeo Modigliani présentent des similitudes avec les paysages de Paul Cézanne, qui comptait parmi les modèles artistiques de Modigliani, ainsi qu »avec les tableaux d »autres artistes de l »époque. Il existe par exemple des parallèles de composition avec les tableaux de Gustav Klimt. Il existe également d »autres similitudes, comme l »aspect stylisé des arbres et la disposition spatiale des éléments du tableau.

Sculptures et tableaux en rapport avec la sculpture

Entre 1909 et 1914, Amedeo Modigliani s »est consacré presque exclusivement à la sculpture. D »autres peintres, comme Picasso, Matisse et André Derain, se sont également tournés vers ce genre d »art à cette époque. Cela fait suite à l »engouement pour l »art africain avant la Première Guerre mondiale, dont les sculptures sont devenues très populaires sous le nom de sculpture nègre. Parallèlement, Amedeo Modigliani fit la connaissance du sculpteur Brancusi, dont les sculptures étaient exposées au Salon d »automne à côté de ses tableaux. Ce n »est qu »après le contact avec Brancusi que Modigliani s »est tourné vers la sculpture et a emménagé dans un atelier aménagé pour la sculpture à Montparnasse.

La plupart des sculptures d »Amedeo Modigliani représentent des têtes qu »il qualifiait de piliers de la tendresse. Selon l »historien de l »art Gerhard Kolberg, ces sculptures « oscillent entre une haute exigence idéelle et sculpturale et une exécution sculpturale primitive voire archaïque ». Il est particulièrement frappant de constater que Modigliani, malgré son inexpérience en tant que sculpteur, était capable de conférer à ses sculptures de têtes un aspect stylistique uniforme. Elles ont toutes les mêmes dimensions de base et sont travaillées dans des blocs de pierre rectangulaires hauts. Les têtes sont travaillées à la manière d »idoles et d »icônes et dégagent une dignité majestueuse en raison de leur simplicité. Lors des expositions communes de ces sculptures en 1911, il est apparu clairement qu »elles ne montraient leur signification que dans leur ensemble, mais pas dans une œuvre isolée. Afin d »augmenter encore l »effet de la présentation, Modigliani développa son propre concept d »éclairage des objets. Avec ce type d »exposition, il mettait en scène ses sculptures de manière à créer une impression de mystère et de religiosité. Un exemplaire de cette série est la tête de femme de 70,5 × 23,5 × 7,6 centimètres, qui se trouve en possession du Philadelphia Museum of Art. Elle présente les caractéristiques typiques des représentations de têtes de Modigliani. Le visage est étiré en longueur, de sorte que le nez et les oreilles sont anormalement longs. Le menton est pointu et la distance entre les yeux est faible. L »expression du visage ne transmet pas d »émotion, mais dégage uniquement de la sérénité.

Outre les sculptures de têtes, Amedeo Modigliani n »en a réalisé que deux autres, connues aujourd »hui : une figure debout et une cariatide. Cette dernière présente une nette référence à l »Antiquité gréco-romaine. Les cariatides sont des figures en robe à forme humaine qui soutiennent des corniches ou des étages entiers et qui faisaient partie intégrante de l »architecture depuis l »Antiquité. La sculpture Caryatide de 1914 ne présente plus de lien avec cette fonction que par sa posture. Le personnage est agenouillé sur une jambe, l »autre étant repliée contre le corps. La puissante figure féminine tient ses deux bras levés au-dessus de sa tête. Modigliani ne suggère le poids qu »elle devait porter que par une plaque. Le poids de la sculpture se concentre uniquement sur l »axe central du personnage, ce qui lui confère une certaine stabilité. La pierre calcaire utilisée n »a été que grossièrement travaillée par Modigliani, ce qui a créé une surface rugueuse, contrairement aux surfaces lisses des sculptures de tête. Aucun visage n »est sculpté, ce qui confère à la figure un anonymat particulier.

Pendant sa période de création sculpturale, Modigliani n »a peint que quelques tableaux. La plupart d »entre eux avaient également un lien avec la sculpture, s »inspiraient de statues ou reprenaient le motif de la caryatide. Un exemple de ce groupe de tableaux est la peinture à l »huile de 72,5 × 50 centimètres intitulée Caryatide, réalisée vers 1911-1912. Du point de vue de la posture, la figure présente une grande similitude avec la sculpture réalisée en 1914. Le corps est composé d »éléments individuels de manière géométrique. L »ensemble du corps est étiré en longueur et présente des bras allongés et puissants. L »image ne montre donc pas une représentation sensuelle d »une femme, mais celle de la force et du calme. Le visage de la femme ressemble à ceux des statues de l »Égypte ancienne et de Mycènes, ce qui constitue également une réception des œuvres qu »il a étudiées. La flexion de la figure n »est pas réalisable en sculpture, car la répartition du poids à la base ferait tomber la figure. Ainsi, le tableau représente pour Modigliani une possibilité de ne pas être lié aux restrictions de la création d »une sculpture dans le traitement du sujet.

Dessins

De nombreux dessins d »Amedeo Modigliani ont été conservés. Leur nombre élevé peut s »expliquer par la période d »études de l »artiste. A l »Académie Colarossi, il a appris à saisir rapidement une figure sous forme d »esquisse dans un acte de 15 minutes, car le modèle prenait à chaque fois une autre position après 15 minutes. Plus tard aussi, ses dessins furent réalisés en très peu de temps et sans beaucoup de corrections. Il réalisait ses dessins à grands traits, les imprécisions évidentes, qui existent dans certains cas exceptionnels, constituant un effet voulu par l »artiste. Tout au long de sa carrière artistique, il ne couchait ses dessins sur le papier qu »après qu »ils aient déjà pris forme dans son esprit. Il n »y a pas eu de développement technique dans son travail. Il utilisait le plus souvent des feuilles qu »il détachait de ses carnets de croquis au niveau des perforations et sur lesquelles il faisait des croquis à l »encre de Chine et à la craie grasse noire. Plus rarement, il utilisait l »aquarelle, le graphite, la sanguine, le crayon de charbon et la craie bleue à violette.

La plupart des dessins de Modigliani sont des études, dans lesquelles il teste des motifs et des compositions, et des reproductions instantanées d »une situation ou d »un personnage. Les dessins inspirés par le théâtre et le cirque, réalisés en 1908, se distinguent du reste de l »œuvre de Modigliani, car ils représentent un tout autre sujet. Ils ne se concentrent pas uniquement sur le personnage, mais le représentent dans un contexte narratif plus large. Deux des esquisses montrent une salle de la Gaîté-Rochechouart à Montmartre, dans laquelle Modigliani a assisté à une représentation. L »une montre un groupe d »acteurs sur la scène, l »autre une scène vide. Les mêmes spectateurs apparaissent dans les deux dessins, ce qui prouve que les deux dessins ont été exécutés sur place lors de la même représentation. Avec les dessins de danseuses, d »artistes et d »une marionnette, ceux réalisés au théâtre constituent les seules œuvres de Modigliani dans lesquelles son plaisir et son penchant pour le théâtre et le cirque sont évidents.

Vu le grand nombre de dessins réalisés durant ses années de sculpteur, on suppose qu »il ne s »agit pas, pour la plupart, de modèles pour des pièces individuelles concrètes, mais que Modigliani y consignait des idées pour des sculptures non réalisées. Aucun dessin n »est la copie d »un autre, mais en raison de leur similitude stylistique, ils présentent selon Claude Roy une « merveilleuse monotonie de l »obsession ». Il existe en outre de nombreux dessins de portraits et de nus.

Pendant la majeure partie de sa vie, Amedeo Modigliani n »a eu que peu de succès avec son art. Ses œuvres étaient peu demandées, car elles n »appartenaient pas aux grands nouveaux courants artistiques, mais montraient un style personnel. A partir de 1914, après la fin de sa phase de sculpteur, Modigliani développa un nouveau style plus décoratif qui, avec ses longs cous et ses yeux en amande, connut peu à peu un succès croissant. C »est à cette époque qu »apparaît le mouvement de la Nouvelle Objectivité, dans lequel la représentation d »une image humaine intacte est demandée. Parallèlement, Modigliani fit de plus en plus de compromis suite à sa relation avec Jeanne Hébuterne et à la naissance de sa fille. Ses tableaux sont ainsi devenus plus agréables et donc plus vendables. Les prix de ses tableaux augmentèrent rapidement par la suite. L »un des plus grands collectionneurs d »œuvres de Modigliani fut Roger Dutilleul, un industriel et collectionneur d »art français qui, de 1918 à 1925, acheta environ un dixième de l »ensemble de l »œuvre de Modigliani.

Modigliani lui-même ne s »est que rarement exprimé sur son art. Selon les rapports de ses contemporains, il cultivait l »image d »un marginal juif et d »un étranger. Pourtant, selon l »image qu »il avait de lui-même en tant qu »artiste, il était un « superuomo » (en français : « surhomme ») et un élu de la société. Ce qui frappe, c »est la stricte séparation de sa vie privée et de son art. Il n »a peint qu »un seul autoportrait et n »a pas repris dans ses œuvres d »art son style de vie instable, mais a développé un style clair et simple. Ses tableaux associent la tradition à la modernité. Modigliani n »était pas pour autant un précurseur ou un chef de file d »une évolution artistique. Il est plutôt resté un outsider stylistique et un solitaire. En jetant un pont entre l »art moderne et les époques artistiques passées, Modigliani a apporté une contribution individuelle exceptionnelle à l »art du 20e siècle.

Dans l »histoire de la réception, les nus de Modigliani constituent la partie la plus discutée et la plus vantée de son œuvre, bien qu »ils ne représentent qu »un dixième environ de celle-ci. La position de ces tableaux a été justifiée par la censure, qui a persisté après la mort de Modigliani, et par l »effet qu »ils produisent sur le spectateur. Même après la Seconde Guerre mondiale, les nus ont suscité des discussions sur leur contenu pornographique. Ainsi, le musée Solomon R. Guggenheim de New York a dû se justifier lorsqu »il a voulu faire imprimer des reproductions du tableau Nu au collier qu »il possédait. Les nus de Modigliani ont fait l »objet de plusieurs jugements contradictoires. D »un côté, ils ont été qualifiés positivement de « fascinants et sensuels », tandis que d »autres critiques les ont trouvés « froids et repoussants ». Amedeo Modigliani a développé son propre style dans les nus. Alors que d »autres peintres de l »époque comme Picasso, Matisse, Tsuguharu Foujita ou Kees van Dongen représentaient le corps féminin nu dans un sujet plus large, Modigliani se concentrait uniquement sur la représentation du corps féminin, ne reproduisant dans le tableau aucune action ni aucune information plus poussée sur le modèle.

En 1955, des œuvres de ce dernier ont été présentées à la documenta 1 de Kassel et, en 1964, également à la documenta III dans la fameuse section des dessins à la main. Une sculpture de tête similaire appartenant aux héritiers du fondateur français des grands magasins Gaston Lévy s »est vendue 43,2 millions d »euros, frais inclus, chez Christie »s à Paris en juin 2010. Le prix le plus élevé pour une toile de l »artiste a été atteint le 9 novembre 2015 lors d »une vente aux enchères organisée par Christie »s à New York, lorsque la toile Nu couché a changé de mains pour 170,4 millions de dollars (environ 158,5 millions d »euros). Cinq ans plus tôt, le Nu assis sur un divan (La Belle Romaine) de Modigliani avait été adjugé pour 68 962 500 dollars US. Le prix le plus élevé jamais payé pour une sculpture de Modigliani a été payé par un acheteur anonyme le 4 novembre 2014 lors d »une vente aux enchères dans la filiale new-yorkaise de Sotheby »s, lorsque la sculpture Tête a changé de mains pour 70,7 millions de dollars américains.

Lorsque le prix des œuvres d »art de Modigliani augmenta après sa mort, des tableaux authentiques de Modigliani furent au début munis de sa signature. Cela permettait aux hommes d »affaires d »augmenter considérablement la valeur des tableaux. Parallèlement, des tableaux entièrement nouveaux ont été produits en se faisant passer pour des œuvres de Modigliani et ont également pu atteindre de bons prix. Les contrefaçons étaient favorisées par la difficulté de déterminer l »authenticité. Souvent, seule une observation comparative permettait de se prononcer à ce sujet. En étudiant le plus grand nombre possible d »originaux, on analyse la technique picturale d »un artiste, sa signature, le choix des couleurs, la composition et d »autres caractéristiques, de manière à pouvoir comparer d »autres tableaux à cet égard. Des examens aux rayons X ont également permis d »obtenir des informations sur la manière de peindre et les matériaux utilisés. La rétrospective parisienne de 1981 a joué un rôle important dans la détermination de l »authenticité des œuvres de Modigliani. Pendant les préparatifs, des critères ont été définis pour évaluer la démarche de Modigliani et la signature.

Par ailleurs, l »authenticité d »œuvres de Modigliani a été prouvée par le principe de provenance, comme par exemple pour le portrait Portrait de Jacques Lipchitz et sa femme. Il a été acquis par les collectionneurs privés Frederic Clay et Helen Birch Bartlett auprès d »une source fiable et sa réalisation a été confirmée par Lipchitz en personne. Il a ensuite été directement remis à l »Art Institute of Chicago.

En 1984, la découverte de trois prétendues sculptures en pierre de Modigliani dans un canal de Livourne a suscité l »émoi. Il aurait jeté ces œuvres dans l »eau lors de son dernier séjour dans sa ville natale, dans un accès de colère. L »authenticité des sculptures a fait l »objet d »une controverse parmi les historiens de l »art. Après quelque temps, un groupe d »étudiants ainsi qu »un artiste amateur ont toutefois annoncé avoir créé eux-mêmes ces sculptures à l »occasion du 100e anniversaire d »Amedeo Modigliani et les avoir jetées dans le canal.

Littérature

La vie de Modigliani dans la pauvreté, sa consommation de drogues et ses peintures de nus ont été des thèmes populaires de la réception littéraire. Le fantasme selon lequel Modigliani ne se contentait pas de peindre ses modèles, mais entretenait également des relations sexuelles avec eux, constitue un motif particulièrement souvent traité. Un roman d »André Salmon, qui a pour sujet Amedeo Modigliani, en est un exemple. Dans une scène, un modèle se déshabille et, à chaque nouvelle pose, Modigliani lui rappelle un modèle de l »histoire de l »art. Cela l »impressionne tout autant que la vue de la jeune fille nue, si bien qu »il ne commence pas tout de suite à peindre, mais a d »abord des rapports sexuels avec elle. Dans la représentation de cet événement, Salmon assimile de manière raffinée le regard de l »homme à celui de l »artiste Modigliani.

Dans le roman Le Scandale Modigliani de Ken Follett, Dee, étudiante en art, découvre un tableau inconnu de Modigliani alors qu »elle fait des recherches pour sa thèse. Alors qu »elle suit la piste avec son ami, deux chasseurs de trésors sans scrupules ont vent de l »affaire et se lancent à leurs trousses pour être peut-être – chacun de leur côté – les premiers à mettre la main sur le tableau. Dee et son ami gagnent la course de justesse. Dans une deuxième intrigue, deux jeunes peintres sans grand succès se battent avec un coup d »éclat spectaculaire pour que le commerce d »art florissant s »engage socialement en faveur des jeunes artistes. Ils vendent aux galeries les plus importantes des œuvres inventées et peintes par eux-mêmes de Van Gogh, Munch, Picasso, etc. Mais à la fin, l »ami de Dee les oblige à copier deux fois le Modigliani qu »ils viennent de découvrir. Avec ces contrefaçons, les chasseurs de trésors sont trompés et donc »justement » punis aux yeux du lecteur.

Film

Outre la réception littéraire, la vie d »Amedeo Modigliani a également été traitée dans trois longs métrages. En 1958, le film Montparnasse 19 (titre original : Les amants de Montparnasse) a été réalisé par Jacques Becker. Il traite des dernières années de la vie de Modigliani, incarné par Gérard Philipe, dans le quartier parisien de Montparnasse. Le film met particulièrement l »accent sur sa pauvreté et sa toxicomanie. Le film Modi, dans lequel Richard Berry incarne l »artiste, date de 1990. Le film traite de la vie de Modigliani à partir de son déménagement de Livourne à Paris et le suit à travers la période de la Première Guerre mondiale et de l »après-guerre.

En 2004, Mick Davis a réalisé le long métrage Modigliani. Andy García y joue Modigliani, dont la relation avec Jeanne Hébuterne et la prétendue rivalité avec Picasso sont les thèmes abordés. Celle-ci s »exprime en 1919 par la compétition lors d »un concours qui promet au vainqueur le succès et une forte récompense. Modigliani veut livrer un chef-d »œuvre pour assurer la subsistance financière de sa jeune famille. Le film a été décrié dans le New York Times : « Le meilleur et peut-être le seul usage que l »on puisse faire de la catastrophique biographie sur écran « Modigliani » est de servir de textbook outline of how not to film the life of a legendary artist ». (Stephen Holden : , en français : « La meilleure et peut-être la seule utilité de cette désastreuse biographie cinématographique de Modigliani est de servir de cas d »école sur la manière de ne pas filmer la vie d »un artiste légendaire »).

Dans le film Balduin, le fantôme de la nuit, avec Louis de Funès et Jean Gabin, sorti en 1968, Modigliani est également mentionné dans le film.

Cette sélection comprend une des sculptures ainsi que 25 des quelque 400 peintures de Modigliani. Elle s »inspire des planches en couleurs pleine page de l »ouvrage Amedeo Modigliani de Jane Rogoyska et Frances Alexander, mentionné dans la rubrique Littérature.

Œuvres

Biographies

Sources