Andreï Tarkovski

Delice Bette | juillet 2, 2023

Résumé

Andrei Arsenyevich Tarkovsky (4 avril 1932 – 29 décembre 1986) est un réalisateur, scénariste et théoricien du cinéma soviétique russe. Largement considéré comme l’un des plus grands et des plus influents cinéastes de tous les temps, ses films explorent des thèmes spirituels et métaphysiques et sont connus pour leur rythme lent et leurs longues prises de vue, leur imagerie visuelle onirique et leur préoccupation pour la nature et la mémoire.

Tarkovski a étudié le cinéma au VGIK de Moscou avec le cinéaste Mikhail Romm, et a ensuite réalisé ses cinq premiers longs métrages en Union soviétique : L’enfance d’Ivan (1962), Andreï Roublev (1966), Solaris (1972), Miroir (1975) et Stalker (1979). Un certain nombre de ses films de cette période sont classés parmi les meilleurs films jamais réalisés. Après des années de conflit créatif avec les autorités cinématographiques nationales, Tarkovski quitte le pays en 1979 et réalise ses deux derniers films à l’étranger : Nostalghia (1983) et Le Sacrifice (1986) sont produits respectivement en Italie et en Suède. En 1986, il publie également un livre sur le cinéma et l’art intitulé Sculpting in Time. Il meurt d’un cancer plus tard dans l’année. On ne sait toujours pas si le cancer a été causé par les lieux de tournage de Stalker.

Tout au long de sa carrière, Tarkovski a reçu plusieurs prix au festival de Cannes (notamment le prix FIPRESCI, le prix du jury œcuménique et le grand prix spécial du jury) et a remporté le Lion d’or à la Mostra de Venise pour son premier film, L’Enfance d’Ivan. En 1990, il a reçu à titre posthume le prestigieux prix Lénine de l’Union soviétique. Trois de ses films – Andrei Rublev, Mirror et Stalker – figurent dans le classement 2012 des 100 plus grands films de tous les temps établi par Sight & Sound.

Enfance et début de la vie

Andreï Tarkovski est né dans le village de Zavrazhye, dans le district de Yuryevetsky de l’Oblast industriel d’Ivanovo (aujourd’hui district de Kadyysky de l’Oblast de Kostroma, Russie), du poète et traducteur Arseny Aleksandrovich Tarkovsky, originaire de Yelysavethrad (aujourd’hui Kropyvnytskyi, Ukraine), et de Maria Ivanova Vishnyakova, diplômée de l’Institut de littérature Maxim Gorky, qui a ensuite travaillé comme correctrice ; Elle est née à Moscou dans la propriété de la famille Dubasov.

Le grand-père paternel d’Andrei, Aleksandr Karlovich Tarkovsky (en polonais : Aleksander Karol Tarkowski), était un noble polonais qui travaillait comme employé de banque. Son épouse, Maria Danilovna Rachkovskaya, était une enseignante de langue roumaine originaire de Iași. La grand-mère maternelle d’Andreï, Vera Nikolaevna Vishnyakova (née Dubasova), appartenait à une vieille famille de la noblesse russe, les Dubasov, dont l’histoire remonte au XVIIe siècle ; parmi ses proches figurait l’amiral Fyodor Dubasov, un fait qu’elle a dû dissimuler à l’époque soviétique. Elle était mariée à Ivan Ivanovitch Vishnyakov, originaire du gouvernorat de Kalouga, qui avait étudié le droit à l’université d’État de Moscou et avait été juge à Kozelsk.

Selon la légende familiale, les ancêtres paternels de Tarkovski étaient des princes du Shamkhalate de Tarki, au Daghestan, bien que sa sœur Marina Tarkovskaya, qui a effectué une recherche détaillée sur leur généalogie, l’ait qualifiée de « mythe, voire de farce », soulignant qu’aucun document ne confirme cette version.

Tarkovski passe son enfance à Yuryevets. Ses amis d’enfance le décrivent comme quelqu’un d’actif et de populaire, ayant beaucoup d’amis et se trouvant généralement au cœur de l’action. Son père quitte la famille en 1937, puis il s’engage comme volontaire dans l’armée en 1941. Il rentre chez lui en 1943, décoré de l’Étoile rouge après avoir reçu une balle dans l’une de ses jambes (qu’il devra par la suite amputer en raison de la gangrène). Tarkovski reste avec sa mère et déménage avec elle et sa sœur Marina à Moscou, où elle travaille comme correctrice dans une imprimerie.

En 1939, Tarkovski s’inscrit à l’école n° 554 de Moscou. Pendant la guerre, les trois enfants sont évacués à Yuryevets, où ils vivent avec sa grand-mère maternelle. En 1943, la famille retourne à Moscou. Tarkovski poursuit ses études dans son ancienne école, où le poète Andrei Voznesensky est l’un de ses camarades de classe. Il étudie le piano dans une école de musique et suit des cours dans une école d’art. La famille vit dans la rue Shchipok, dans le district de Zamoskvorechye à Moscou. De novembre 1947 au printemps 1948, il est hospitalisé pour une tuberculose. De nombreux thèmes de son enfance – l’évacuation, sa mère et ses deux enfants, le père renfermé, le séjour à l’hôpital – figurent en bonne place dans son film Mirror.

À l’école, Tarkovski est un trublion et un mauvais élève. Il réussit néanmoins à obtenir son diplôme et, de 1951 à 1952, il étudie l’arabe à l’Institut oriental de Moscou, une branche de l’Académie des sciences de l’Union soviétique. Bien qu’il parle déjà un peu l’arabe et qu’il réussisse ses premiers semestres, il ne termine pas ses études et les abandonne pour travailler comme prospecteur à l’Institut des métaux non ferreux et de l’or de l’Académie des sciences. Il a participé à une expédition de recherche d’un an sur la rivière Kureyka, près de Turukhansk, dans la province de Krasnoyarsk. C’est au cours de ce séjour dans la taïga que Tarkovski décide d’étudier le cinéma.

Étudiant en école de cinéma

À son retour de l’expédition de recherche en 1954, Tarkovski s’inscrit à l’Institut national de cinématographie (VGIK) et est admis au programme de réalisation de films. Il est dans la même classe qu’Irma Raush (Irina) qu’il épouse en avril 1957.

Le début de l’ère Khrouchtchev a offert de bonnes opportunités aux jeunes réalisateurs. Avant 1953, la production cinématographique annuelle était faible et la plupart des films étaient réalisés par des réalisateurs chevronnés. Après 1953, davantage de films ont été produits, dont beaucoup par de jeunes réalisateurs. Le dégel de Khrouchtchev assouplit quelque peu les restrictions sociales soviétiques et autorise un afflux limité de littérature, de films et de musique européens et nord-américains. Cela permet à Tarkovski de voir les films des néoréalistes italiens, de la Nouvelle Vague française et de réalisateurs tels que Kurosawa, Buñuel, Bergman, Bresson, Wajda (dont le film Cendres et diamants a influencé Tarkovski) et Mizoguchi.

Le professeur et mentor de Tarkovski est Mikhail Romm, qui a enseigné à de nombreux étudiants en cinéma qui deviendront plus tard des réalisateurs influents. En 1956, Tarkovski réalise son premier court métrage d’étudiant, Les Tueurs, d’après une nouvelle d’Ernest Hemingway. Le long métrage télévisé There Will Be No Leave Today (Il n’y aura pas de congé aujourd’hui) suit en 1959. Ces deux films sont le fruit d’une collaboration entre les étudiants de la VGIK. Son camarade de classe Aleksandr Gordon, qui a épousé la sœur de Tarkovski, a notamment réalisé, écrit, monté et joué dans les deux films avec Tarkovski.

Le réalisateur Grigory Chukhray, qui enseigne à la VGIK, exerce une influence importante sur Tarkovski. Impressionné par le talent de son élève, Chukhray propose à Tarkovsky un poste d’assistant réalisateur pour son film Clear Skies. Tarkovski se montre d’abord intéressé, mais décide ensuite de se concentrer sur ses études et ses propres projets.

Au cours de sa troisième année à la VGIK, Tarkovski rencontre Andrei Konchalovsky. Ils se trouvent de nombreux points communs : ils aiment les mêmes réalisateurs et partagent des idées sur le cinéma et les films. En 1959, ils écrivent le scénario Antarctica – Distant Country, qui est ensuite publié dans le Moskovsky Komsomolets. Tarkovski soumet le scénario à Lenfilm, mais il est rejeté. Ils ont plus de succès avec le scénario Le rouleau compresseur et le violon, qu’ils vendent à Mosfilm. Ce film devient le projet de fin d’études de Tarkovski, ce qui lui permet d’obtenir son diplôme en 1960 et de remporter le premier prix au New York Student Film Festival en 1961.

Carrière cinématographique en Union soviétique

Le premier long métrage de Tarkovski est L’enfance d’Ivan en 1962. Il avait hérité du film du réalisateur Eduard Abalov, qui avait dû abandonner le projet. Le film a valu à Tarkovski une reconnaissance internationale et a remporté le Lion d’or à la Mostra de Venise en 1962. La même année, le 30 septembre, naît son premier fils, Arseny (appelé Senka dans les carnets de Tarkovski) Tarkovski.

En 1965, il réalise le film Andrei Rublev sur la vie d’Andrei Rublev, peintre d’icônes russes du XVe siècle. Andrei Rublev n’a pas été distribué immédiatement après sa réalisation, à l’exception d’une seule projection à Moscou en 1966, en raison de problèmes avec les autorités soviétiques. Tarkovski a dû couper le film à plusieurs reprises, ce qui a donné lieu à plusieurs versions de longueurs différentes. Le film a été largement diffusé en Union soviétique dans une version coupée en 1971. Le film a néanmoins bénéficié d’un budget de plus d’un million de roubles, une somme importante pour l’époque. Une version du film a été présentée au Festival de Cannes en 1969 et a remporté le prix FIPRESCI.

Il divorce de sa femme Irina en juin 1970. La même année, il épouse Larisa Kizilova (née Egorkina), qui avait été assistante de production pour le film Andreï Roublev (ils vivaient ensemble depuis 1965). Leur fils, Andrei Andreyevich Tarkovsky (surnommé Andriosha, ce qui signifie « petit André » ou « André Junior ») naît la même année, le 7 août.

En 1972, il termine Solaris, une adaptation du roman Solaris de Stanisław Lem. Il y avait déjà travaillé en 1968 avec le scénariste Friedrich Gorenstein. Le film est présenté au Festival de Cannes, remporte le Grand Prix Spécial du Jury et est nommé pour la Palme d’Or.

De 1973 à 1974, il tourne le film Miroir, un film très autobiographique et à la structure peu conventionnelle, qui s’inspire de son enfance et intègre certains des poèmes de son père. Dans ce film, Tarkovski dépeint la détresse de l’enfance touchée par la guerre. Tarkovski travaillait sur le scénario de ce film depuis 1967, sous les titres consécutifs Confession, White day et A white, white day. Dès le départ, le film n’a pas été bien accueilli par les autorités soviétiques en raison de son contenu et de sa nature jugée élitiste. Les autorités soviétiques ont placé le film dans la « troisième catégorie », une distribution sévèrement limitée, et n’ont autorisé sa projection que dans des cinémas de troisième classe et des clubs de travailleurs. Peu de copies ont été tirées et les réalisateurs n’ont reçu aucun retour. Les films de troisième catégorie exposaient également les cinéastes au risque d’être accusés de gaspiller des fonds publics, ce qui pouvait avoir de graves conséquences sur leur productivité future. On suppose que ces difficultés ont incité Tarkovski à jouer avec l’idée d’aller à l’étranger et de produire un film en dehors de l’industrie cinématographique soviétique.

En 1975, Tarkovski travaille également sur le scénario de Hoffmanniana, consacré à l’écrivain et poète allemand E. T. A. Hoffmann. En décembre 1976, il met en scène Hamlet, sa seule pièce de théâtre, au théâtre Lenkom de Moscou. Le rôle principal est tenu par Anatoly Solonitsyn, qui a également joué dans plusieurs films de Tarkovski. Fin 1978, il écrit également le scénario de Sardor avec l’écrivain Aleksandr Misharin.

Le dernier film que Tarkovski a réalisé en Union soviétique est Stalker, inspiré du roman Roadside Picnic des frères Arkady et Boris Strugatsky. Tarkovski avait rencontré les frères pour la première fois en 1971 et était resté en contact avec eux jusqu’à sa mort en 1986. Au départ, il voulait tourner un film basé sur leur roman Dead Mountaineer’s Hotel et il a développé un scénario brut. Influencé par une discussion avec Arkady Strugatsky, il changea de plan et commença à travailler sur le scénario basé sur Roadside Picnic. Le travail sur ce film commence en 1976. La production s’enlise dans les problèmes : un mauvais développement des négatifs a ruiné toutes les prises de vue extérieures. Les relations de Tarkovski avec le directeur de la photographie Georgy Rerberg se détériorent au point qu’il engage Alexander Knyazhinsky comme nouveau directeur de la photographie. En outre, Tarkovski est victime d’une crise cardiaque en avril 1978, ce qui retarde encore le tournage. Le film est achevé en 1979 et remporte le Prix du jury œcuménique au Festival de Cannes. Lors d’une séance de questions-réponses à la Filmhouse d’Édimbourg le 11 février 1981, Tarkovski a rejeté de manière tranchante les suggestions selon lesquelles le film était soit impénétrablement mystérieux, soit une allégorie politique.

En 1979, Tarkovski entame la production du film Le premier jour (russe : Первый День Pervyj Dyen), d’après un scénario de son ami et collaborateur de longue date Andrei Konchalovsky. Le film se déroule dans la Russie du XVIIIe siècle, sous le règne de Pierre le Grand, avec Natalya Bondarchuk et Anatoli Papanov. Pour faire approuver le projet par Goskino, Tarkovski soumet un scénario différent du script original, omettant plusieurs scènes qui critiquent l’athéisme officiel de l’Union soviétique. Après avoir tourné environ la moitié du film, le projet a été arrêté par Goskino après qu’il est apparu que le film différait du scénario soumis à la censure. Tarkovski aurait été furieux de cette interruption et aurait détruit la plus grande partie du film.

Carrière cinématographique en dehors de l’Union soviétique

Au cours de l’été 1979, Tarkovski se rend en Italie, où il tourne le documentaire Voyage in Time avec son ami de longue date Tonino Guerra. Tarkovski retourne en Italie en 1980 pour un long voyage, au cours duquel il termine avec Guerra le scénario du film Nostalghia. Pendant cette période, il prend des photos polaroïd de sa vie personnelle.

Tarkovski retourne en Italie en 1982 pour commencer le tournage de Nostalghia, mais Mosfilm se retire alors du projet, et il cherche et obtient le soutien financier de la RAI italienne. Tarkovski achève le film en 1983 et le présente au Festival de Cannes où il remporte le prix FIPRESCI et le prix du jury œcuménique. Tarkovski a également partagé avec Robert Bresson un prix spécial appelé Grand Prix du cinéma de création. Les autorités soviétiques ont fait pression pour empêcher le film de remporter la Palme d’or, ce qui a renforcé la détermination de Tarkovski à ne plus jamais travailler en Union soviétique. Après Cannes, il se rend à Londres pour mettre en scène et chorégraphier l’opéra Boris Godounov au Royal Opera House, sous la direction musicale de Claudio Abbado.

Lors d’une conférence de presse à Milan le 10 juillet 1984, il annonce qu’il ne retournera jamais en Union soviétique et qu’il restera en Europe occidentale. Il a déclaré : « Je ne suis pas un dissident soviétique, je n’ai aucun conflit avec le gouvernement soviétique », mais s’il rentrait chez lui, a-t-il ajouté, « je serais au chômage ». À cette époque, son fils Andriosha se trouvait encore en Union soviétique et n’était pas autorisé à quitter le pays. Le 28 août 1985, Tarkovsky est enregistré comme transfuge soviétique dans un camp de réfugiés à Latina, en Italie, sous le numéro 13225.

Tarkovski a passé la majeure partie de l’année 1984 à préparer le film Le Sacrifice. Le film a finalement été tourné en 1985 en Suède, avec une grande partie de l’équipe composée d’anciens des films d’Ingmar Bergman, dont le directeur de la photographie Sven Nykvist. La vision de Tarkovski pour son film a été grandement influencée par le style de Bergman.

Alors que Le Sacrifice traite d’une apocalypse et d’une mort imminente, de la foi et d’une possible rédemption, dans le documentaire making-of réalisé par Andrei Tarkovsky, dans une scène particulièrement poignante, l’auteur de l’article « The Sacrifice » (Le Sacrifice) se présente comme l’un des personnages les plus importants de l’histoire.

Le Sacrifice a été présenté au Festival de Cannes et a reçu le Grand Prix Spécial du Jury, le Prix FIPRESCI et le Prix du Jury Œcuménique. Tarkovski n’ayant pu être présent en raison de sa maladie, les prix ont été remis à son fils.

La mort

Dans son dernier journal (15 décembre 1986), Tarkovski écrit : « Mais maintenant, je n’ai plus de force, c’est ça le problème ». Les journaux sont parfois également connus sous le nom de Martyrologie et ont été publiés à titre posthume en 1989 et en anglais en 1991.

Tarkovski est décédé à Paris le 29 décembre 1986. Ses funérailles ont eu lieu à la cathédrale Alexandre Nevski. Il est enterré le 3 janvier 1987 au cimetière russe de Sainte-Geneviève-des-Bois en France. La pierre tombale, érigée en 1994, a été conçue par Larisa, l’épouse de Tarkovski : À l’homme qui a vu l’Ange. Larisa est décédée en 1998 et est enterrée aux côtés de son mari.

Une théorie de la conspiration est apparue en Russie au début des années 1990, selon laquelle Tarkovski ne serait pas mort de causes naturelles, mais aurait été assassiné par le KGB. Les preuves de cette hypothèse comprennent des témoignages d’anciens agents du KGB qui affirment que Viktor Chebrikov a donné l’ordre d’éradiquer Tarkovski pour mettre un terme à ce que le gouvernement soviétique et le KGB considéraient comme de la propagande antisoviétique de la part de Tarkovski. D’autres preuves comprennent plusieurs mémorandums qui ont fait surface après le coup d’État de 1991 et l’affirmation d’un des médecins de Tarkovski selon laquelle son cancer n’aurait pas pu se développer de manière naturelle.

Comme pour Tarkovski, sa femme Larisa et l’acteur Anatoly Solonitsyn sont tous morts du même type de cancer du poumon. Vladimir Sharun, concepteur sonore de Stalker, est convaincu qu’ils ont tous été empoisonnés par l’usine chimique où ils tournaient le film.

Tarkovski est devenu réalisateur au milieu et à la fin des années 1950, période appelée « dégel de Khrouchtchev », au cours de laquelle la société soviétique s’est ouverte aux films, à la littérature et à la musique étrangers, entre autres choses. Cela a permis à Tarkovski de voir des films de réalisateurs européens, américains et japonais, une expérience qui a influencé son propre travail cinématographique. Son professeur et mentor à l’école de cinéma, Mikhail Romm, laisse une grande liberté à ses étudiants et met l’accent sur l’indépendance du réalisateur.

Selon son condisciple Shavkat Abdusalmov, Tarkovski était fasciné par les films japonais. Il était émerveillé par le caractère exceptionnel de chaque personnage à l’écran et par la façon dont des événements quotidiens, tels qu’un samouraï coupant du pain avec son sabre, sont élevés au rang d’événements spéciaux et mis sous les feux de la rampe. Tarkovski a également exprimé son intérêt pour l’art du haïku et sa capacité à créer « des images de telle manière qu’elles ne signifient rien au-delà d’elles-mêmes ».

Tarkovski était également un chrétien orthodoxe profondément religieux, qui pensait que le grand art devait avoir un but spirituel supérieur. C’était un perfectionniste qui n’était pas enclin à l’humour ou à l’humilité : son style caractéristique était pondéré et littéraire, avec de nombreux personnages qui réfléchissaient sur des thèmes religieux et des questions relatives à la foi.

Tarkovski estime que l’art du cinéma n’a été véritablement maîtrisé que par un très petit nombre de cinéastes, déclarant dans un entretien avec Naum Abramov en 1970 qu' »ils se comptent sur les doigts d’une main ». En 1972, Tarkovski a confié à l’historien du cinéma Leonid Kozlov ses dix films préférés. La liste comprend : Journal d’un curé de campagne et Mouchette de Robert Bresson ; Lumière d’hiver, Fraises sauvages et Persona d’Ingmar Bergman ; Nazarín de Luis Buñuel ; Les Lumières de la ville de Charlie Chaplin ; Ugetsu de Kenji Mizoguchi ; Les Sept Samouraïs d’Akira Kurosawa et Femme dans les dunes d’Hiroshi Teshigahara. Parmi ses réalisateurs préférés figurent Buñuel, Mizoguchi, Bergman, Bresson, Kurosawa, Michelangelo Antonioni, Jean Vigo et Carl Theodor Dreyer.

À l’exception de City Lights, la liste ne contient aucun film du début de l’ère du muet. La raison en est que Tarkovski considérait que le cinéma en tant qu’art n’était qu’un phénomène relativement récent, les premiers films n’étant qu’un prélude. La liste ne contient pas non plus de films ou de réalisateurs de la Russie natale de Tarkovski, bien qu’il ait apprécié des réalisateurs soviétiques tels que Boris Barnet, Sergei Parajanov et Alexander Dovzhenko. Il a déclaré à propos de La Terre de Dovjenko : « J’ai beaucoup vécu parmi des paysans très simples et j’ai rencontré des gens extraordinaires. Ils répandaient le calme, avaient un tel tact, transmettaient un sentiment de dignité et faisaient preuve d’une sagesse que j’ai rarement rencontrée à une telle échelle. Dovzhenko avait manifestement compris où réside le sens de la vie. Ce dépassement de la frontière entre la nature et l’humanité est un lieu idéal pour l’existence de l’homme. Dovzhenko l’avait compris.

Andreï Tarkovski n’était pas un fan de science-fiction, qu’il rejetait en grande partie pour ses pièges de « bande dessinée » et son commercialisme vulgaire. Cependant, dans une exception célèbre, Tarkovski a fait l’éloge du film à succès The Terminator, déclarant que sa « vision de l’avenir et de la relation entre l’homme et son destin repousse les frontières du cinéma en tant qu’art ». Il a critiqué la « brutalité et le manque de talent des acteurs », mais a néanmoins été impressionné par le film.

Lors d’une interview en 1962, Tarkovski affirmait : « Tout art, bien sûr, est intellectuel, mais pour moi, tous les arts, et le cinéma encore plus, doivent avant tout être émotionnels et agir sur le cœur. » Ses films se caractérisent par des thèmes métaphysiques, des prises de vue extrêmement longues et des images souvent considérées par les critiques comme étant d’une beauté exceptionnelle. Les motifs récurrents sont les rêves, la mémoire, l’enfance, l’eau qui coule accompagnée de feu, la pluie à l’intérieur, les reflets, la lévitation et les personnages qui réapparaissent au premier plan lors de longs mouvements panoramiques de la caméra. Il a dit un jour : « Juxtaposer une personne à un environnement sans limites, la mettre en relation avec un nombre incalculable de personnes qui passent près d’elle et au loin, mettre une personne en relation avec le monde entier, c’est le sens du cinéma ».

Tarkovski a incorporé des scènes de lévitation dans plusieurs de ses films, notamment Solaris. Pour lui, ces scènes possèdent un grand pouvoir et sont utilisées pour leur valeur photogénique et leur inexplicabilité magique. L’eau, les nuages et les reflets sont utilisés par Tarkovski pour leur beauté surréaliste et leur valeur photogénique, ainsi que pour leur symbolisme, comme les vagues ou les formes des ruisseaux ou de l’eau qui coule. Les cloches et les bougies sont également des symboles fréquents. Ce sont des symboles du film, de la vue et du son, et les films de Tarkovski ont souvent pour thème l’introspection.

Tarkovski a développé une théorie du cinéma qu’il a appelée « sculpture dans le temps ». Il entendait par là que la caractéristique unique du cinéma en tant que média était de prendre notre expérience du temps et de la modifier. Les séquences cinématographiques non montées transcrivent le temps en temps réel. En utilisant de longues prises de vue et peu de coupes dans ses films, il cherchait à donner aux spectateurs le sentiment du temps qui passe, du temps perdu et de la relation d’un moment à l’autre.

Jusqu’à son film Miroir inclus, Tarkovski a concentré ses œuvres cinématographiques sur l’exploration de cette théorie. Après Miroir, il a annoncé qu’il concentrerait son travail sur l’exploration des unités dramatiques proposées par Aristote : une action concentrée, se déroulant en un seul lieu, en l’espace d’une seule journée.

Plusieurs films de Tarkovski comportent des séquences en couleur ou en noir et blanc. C’est le cas pour la première fois dans le film Andreï Roublev, par ailleurs monochrome, qui comporte un épilogue en couleur représentant les authentiques peintures d’icônes religieuses de Roublev. Par la suite, tous ses films contiennent des séquences monochromes, et dans le cas de Stalker, des séquences sépia, tout en étant en couleur. En 1966, dans une interview réalisée peu après avoir terminé Andreï Roublev, Tarkovski a qualifié les films en couleur de « gadget commercial » et a mis en doute l’idée que les films contemporains utilisent la couleur de manière significative. Il affirme que dans la vie de tous les jours, on ne remarque pas consciemment les couleurs la plupart du temps, et que la couleur devrait donc être utilisée dans les films principalement pour souligner certains moments, mais pas tout le temps, car cela distrairait le spectateur. Pour lui, les films en couleur sont comme des peintures ou des photographies en mouvement, qui sont trop belles pour être une représentation réaliste de la vie.

Bergman sur Tarkovsky

Ingmar Bergman, réalisateur de renom, a commenté Tarkovsky :

La découverte du premier film de Tarkovski a été comme un miracle. Soudain, je me suis retrouvé devant la porte d’une pièce dont les clés ne m’avaient jusqu’alors jamais été données. Une pièce dans laquelle j’avais toujours voulu entrer et où il évoluait librement et en toute aisance. Je me suis sentie rencontrée et stimulée : quelqu’un exprimait ce que j’avais toujours voulu dire sans savoir comment. Tarkovski est pour moi le plus grand, celui qui a inventé un nouveau langage, fidèle à la nature du cinéma, qui saisit la vie comme un reflet, la vie comme un rêve

En revanche, Bergman reconnaît la véracité de l’affirmation d’un critique qui écrivait qu' »avec Autumn Sonata, Bergman fait du Bergman », ajoutant : « Tarkovski a commencé à faire des films de Tarkovski et Fellini a commencé à faire des films de Buñuel : « Tarkovski a commencé à faire des films de Tarkovski et Fellini a commencé à faire des films de Fellini Buñuel a presque toujours fait des films de Buñuel ». Ce pastiche de sa propre œuvre a été qualifié de manière péjorative d' »auto-karaoké ».

Vadim Yusov

Tarkovski a travaillé en étroite collaboration avec le directeur de la photographie Vadim Yusov de 1958 à 1972, et une grande partie du style visuel des films de Tarkovski peut être attribuée à cette collaboration. Tarkovski passait deux jours à se préparer pour que Yusov puisse filmer une seule longue prise, et grâce à cette préparation, une seule prise était généralement nécessaire.

Sven Nykvist

Pour son dernier film, Le Sacrifice, Tarkovski a travaillé avec le directeur de la photographie Sven Nykvist, qui avait travaillé sur de nombreux films avec le réalisateur Ingmar Bergman. (Nykvist n’était pas le seul : plusieurs personnes impliquées dans la production avaient déjà collaboré avec Bergman, notamment l’acteur principal Erland Josephson, qui avait également joué pour Tarkovski dans Nostalghia). Nykvist s’est plaint que Tarkovski regardait souvent à travers la caméra et dirigeait même les acteurs à travers elle, mais il a finalement déclaré que choisir de travailler avec Tarkovski était l’un des meilleurs choix qu’il ait jamais fait.

Tarkovski est principalement connu comme réalisateur de films. Au cours de sa carrière, il a réalisé sept longs métrages, ainsi que trois courts métrages pendant son séjour à la VGIK. Ses longs métrages sont les suivants :

Il a également écrit plusieurs scénarios. En outre, il a mis en scène la pièce Hamlet pour la scène à Moscou, a mis en scène l’opéra Boris Godounov à Londres et a dirigé une production radiophonique de la nouvelle Turnabout de William Faulkner. Il a également écrit Sculpting in Time, un livre sur la théorie du cinéma.

Le premier long métrage de Tarkovski est L’enfance d’Ivan en 1962. Il réalise ensuite Andrei Rublev en 1966, Solaris en 1972, Mirror en 1975 et Stalker en 1979. Le documentaire Voyage in Time a été produit en Italie en 1982, de même que Nostalghia en 1983. Son dernier film, Le Sacrifice, a été produit en Suède en 1986. Tarkovski s’est personnellement impliqué dans l’écriture des scénarios de tous ses films, parfois avec un coscénariste. Tarkovski a dit un jour qu’un réalisateur qui réalise le scénario de quelqu’un d’autre sans y être impliqué devient un simple illustrateur, ce qui donne des films morts et monotones.

Un livre de 60 photos, Instant Light, Tarkovsky Polaroids, prises par Tarkovsky en Russie et en Italie entre 1979 et 1984, a été publié en 2006. La collection a été sélectionnée par le photographe italien Giovanni Chiaramonte et le fils de Tarkovski, Andrey A. Tarkovsky.

Concentré

Concentrate (Концентрат, Kontsentrat) est un scénario de 1958 de Tarkovski qui n’a jamais été tourné. Le scénario est basé sur l’année que Tarkovski a passée dans la taïga en tant que membre d’une expédition de recherche, avant de s’inscrire à l’école de cinéma. L’histoire est celle du chef d’une expédition géologique, qui attend le bateau qui ramène les concentrés recueillis par l’expédition. L’expédition est entourée de mystère et son but est un secret d’État.

Bien que certains auteurs affirment que le scénario a été filmé, selon Marina Tarkovskaya, la sœur de Tarkovski (et épouse d’Aleksandr Gordon, un camarade de classe de Tarkovski pendant ses années d’études cinématographiques), le scénario n’a jamais été filmé. Tarkovski a écrit le scénario pendant son examen d’entrée à l’Institut national de cinématographie (VGIK), en une seule séance. Il a obtenu la meilleure note possible, « excellent » (отлично) pour ce travail. En 1994, des fragments de Concentrate ont été filmés et utilisés dans le documentaire Andrei Tarkovsky’s Taiga Summer de Marina Tarkovskaya et Aleksandr Gordon.

Hoffmanniana

Hoffmanniana (Гофманиана) est un scénario de 1974 de Tarkovski qui n’a jamais été tourné. Le scénario est basé sur la vie et l’œuvre de l’auteur allemand E. T. A. Hoffmann. En 1974, une connaissance de Tallinnfilm demande à Tarkovski d’écrire un scénario sur un thème allemand. Tarkovski pense à Thomas Mann et à E. T. A. Hoffmann, mais aussi à Peer Gynt d’Ibsen. Finalement, Tarkovski signe un contrat pour un scénario basé sur la vie et l’œuvre d’Hoffmann. Il prévoit d’écrire le scénario pendant l’été 1974 dans sa datcha. L’écriture n’est pas sans difficulté, moins d’un mois avant la date limite, il n’a pas écrit une seule page. Il termine finalement le projet à la fin de 1974 et soumet le scénario final à Tallinnfilm en octobre.

Bien que le scénario soit bien accueilli par les responsables de Tallinnfilm, tous s’accordent à dire que personne d’autre que Tarkovski ne pourrait le réaliser. Le scénario est envoyé à Goskino en février 1976, et bien que l’autorisation de réaliser le film ait été accordée, le scénario n’a jamais été réalisé. En 1984, pendant son exil en Occident, Tarkovski revoit le scénario et y apporte quelques modifications. Il a également envisagé de réaliser un film basé sur le scénario, mais a finalement abandonné cette idée.

De nombreux prix ont été décernés à Tarkovski tout au long de sa vie.

Sous l’influence de la Glasnost et de la Perestroïka, Tarkovski a finalement été reconnu en Union soviétique à l’automne 1986, peu avant sa mort, par une rétrospective de ses films à Moscou. Après sa mort, un numéro entier du magazine cinématographique Iskusstvo Kino a été consacré à Tarkovski. Dans leurs nécrologies, le comité cinématographique du Conseil des ministres de l’Union soviétique et l’Union des cinéastes soviétiques ont exprimé leur peine que Tarkovski ait dû passer les dernières années de sa vie en exil.

À titre posthume, il a reçu le prix Lénine en 1990, l’une des plus hautes distinctions de l’Union soviétique. En 1989, le prix commémoratif Andrei Tarkovsky a été créé et son premier lauréat a été l’animateur russe Yuri Norstein. Le festival international du film de Moscou a décerné le prix Andrei Tarkovsky à trois reprises, en 1993, 1995 et 1997.

En 1996, le musée Andrei Tarkovsky a ouvert ses portes à Yuryevets, la ville de son enfance. Une planète mineure, 3345 Tarkovskij, découverte par l’astronome soviétique Lyudmila Karachkina en 1982, porte son nom.

Tarkovski a fait l’objet de plusieurs documentaires. Le plus remarquable est le documentaire Moscow Elegy, réalisé en 1988 par le cinéaste russe Alexander Sokurov. L’œuvre de Sokourov a été fortement influencée par Tarkovski. Le film consiste principalement en une narration sur des images d’archives tirées des films de Tarkovski. Directed by Andrei Tarkovsky est un documentaire réalisé en 1988 par Michal Leszczylowski, un monteur du film The Sacrifice. Le réalisateur Chris Marker a produit le documentaire télévisé One Day in the Life of Andrei Arsenevich en hommage à Andrei Tarkovsky en 2000.

À l’entrée de l’Institut cinématographique Gerasimov, à Moscou, se trouve un monument comprenant des statues de Tarkovski, Gennady Shpalikov et Vasily Shukshin.

Andreï Tarkovski et son œuvre ont été salués par de nombreux cinéastes, critiques et penseurs.

Le cinéaste suédois Ingmar Bergman aurait déclaré : « Pour moi, Tarkovski est le plus grand, celui qui a inventé un nouveau langage : « Tarkovski est pour moi le plus grand, celui qui a inventé un nouveau langage, fidèle à la nature du film, qui capture la vie comme une réflexion, la vie comme un rêve ».

Le cinéaste japonais Akira Kurosawa a déclaré à propos des films de Tarkovski : « Sa sensibilité inhabituelle est à la fois bouleversante et stupéfiante : « Sa sensibilité inhabituelle est à la fois écrasante et stupéfiante. Elle atteint presque une intensité pathologique. Il n’y a probablement pas d’égal parmi les réalisateurs actuels. » Kurosawa a également déclaré : « J’aime tous les films de Tarkovski : « J’aime tous les films de Tarkovski. J’aime sa personnalité et toutes ses œuvres. Chaque extrait de ses films est une image merveilleuse en soi. Mais l’image finie n’est rien d’autre que l’accomplissement imparfait de son idée. Ses idées ne sont réalisées qu’en partie. Et il a dû s’en contenter ».

Le cinéaste iranien Abbas Kiarostami a déclaré : « Les œuvres de Tarkovski me séparent complètement de la vie physique : « Les œuvres de Tarkovski me séparent complètement de la vie physique et sont les films les plus spirituels que j’ai vus ».

Le cinéaste polonais Krzysztof Kieślowski a déclaré : « Andrei Tarkovsky est l’un des plus grands réalisateurs de ces dernières années » : « Andreï Tarkovski est l’un des plus grands réalisateurs de ces dernières années » et considère le film de Tarkovski, L’enfance d’Ivan, comme une influence sur son propre travail.

Le cinéaste turc Nuri Bilge Ceylan a déclaré : « Il n’est pas important de s’ennuyer au cinéma : « S’ennuyer au cinéma n’est pas important, c’est peut-être parce que l’on n’est pas prêt pour ce film. Ce n’est pas la faute du film ». Ceylan a déclaré que lorsqu’il a découvert les films d’Andrei Tarkovsky, alors qu’il était un étudiant incertain de ce qu’il voulait faire de sa vie, il a été complètement déconcerté par le maître russe encensé. Il a quitté une projection de Solaris à mi-parcours et a arrêté une cassette VHS de Mirror à un point similaire. Aujourd’hui, il considère ce dernier comme le plus grand film jamais réalisé. « Je l’ai vu peut-être 20 fois », dit-il.

Le cinéaste arménien Sergei Paradjanov a déclaré que le visionnage du film de Tarkovsky, L’enfance d’Ivan, avait été sa principale source d’inspiration pour devenir cinéaste : « Je ne savais rien faire et je n’aurais rien fait s’il n’y avait pas eu L’enfance d’Ivan ».

Le cinéaste autrichien Michael Haneke a voté pour Mirror dans son top 10 des films du sondage des réalisateurs de Sight & Sound 2002 et a déclaré plus tard qu’il avait vu le film au moins 25 fois.

Le cinéaste allemand Wim Wenders a dédié son film Les Ailes du désir à Tarkovski (ainsi qu’à François Truffaut et Yasujirō Ozu).

Le cinéaste français Chris Marker a réalisé un documentaire en hommage à Tarkovski intitulé Un jour dans la vie d’Andreï Arsenevitch et a utilisé le concept de « zone » de Tarkovski (tiré du film Stalker) pour son essai cinématographique de 1983, Sans Soleil.

Le cinéaste grec Theo Angelopoulos considère le film Stalker de Tarkokvsky comme l’un des films qui l’ont influencé.

Le cinéaste polonais Andrzej Żuławski a fait remarquer que : « Si quelqu’un a influencé quelqu’un, c’est moi qui ai été influencé par Tarkovski, et non l’inverse » et a qualifié le film Andrei Rublev de Tarkovski de « chef-d’œuvre ».

Le cinéaste australo-grec Alex Proyas a été « extrêmement influencé » par l’œuvre de Tarkovski et a cité Stalker comme l’un de ses films préférés.

Le philosophe français Jean-Paul Sartre a fait l’éloge du film de Tarkovski, L’enfance d’Ivan, en déclarant qu’il s’agissait de l’un des plus beaux films qu’il ait jamais vus.

Le réalisateur japonais de films d’animation Mamoru Oshii, connu pour ses œuvres telles que Ghost in the Shell, a été influencé par Tarkovski.

Le romancier américain d’origine indienne Salman Rushdie a fait l’éloge de Tarkovski et de son œuvre Solaris, qu’il a qualifiée de « chef-d’œuvre de la science-fiction ».

L’historien du cinéma Steven Dillon affirme qu’une grande partie du film suivant a été profondément influencée par les films de Tarkovsky.

Le cinéaste mexicain Alejandro González Iñarritu est un grand admirateur de Tarkovski. Il a déclaré un jour dans une interview : « Andrei Rublev est peut-être mon film préféré » : « Andrei Rublev est peut-être mon film préféré », et dans une autre interview, il a ajouté : « Je me souviens que la première fois que j’ai vu un film de Tarkovski, j’ai été choqué. Je ne savais pas quoi faire. J’ai été choqué. J’ai été fasciné, parce que j’ai soudain réalisé que le film pouvait avoir tellement plus de couches que ce que j’avais imaginé auparavant ». Il y a de nombreuses références directes et des hommages cachés aux films de Tarkovski dans le drame The Revenant d’Iñarritu, récompensé par un Oscar en 2015.

Le réalisateur danois Lars von Trier est un fervent admirateur de Tarkovski. Il lui a dédié son film Antichrist (2009) et, en discutant avec le critique David Jenkins, lui a demandé : « Avez-vous vu Mirror ? « Avez-vous vu Mirror ? J’ai été hypnotisé ! Je l’ai vu 20 fois. C’est ce qui se rapproche le plus d’une religion : pour moi, c’est un dieu ».

Festival du film

Deux festivals de cinéma ont été nommés en son honneur :

Notes

Bibliographie

Sources

1. Andrei Tarkovsky
2. Andreï Tarkovski
3. ^ Peter Rollberg (2009). Historical Dictionary of Russian and Soviet Cinema. US: Rowman & Littlefield. pp. 685–690. ISBN 978-0-8108-6072-8.
4. 1 2 Andrej Tarkovskij // Nationalencyklopedin (швед.) — 1999.
5. Andrej Tarkovskij // filmportal.de — 2005.
6. Плахов А. С. Тарковский // Большая российская энциклопедия. Том 31. Москва, 2016, стр. 674.
7. ^ A. Tarkovskij, Scolpire il tempo, Ubulibri, Milano, 1988, p. 59-60.
8. ^ F. Schillaci, Il tempo interiore. L’arte della visione di Andrej Tarkovskij, Lindau, Torino, 2017; cfr. in particolare i cap. dal 2 al 5.
9. ^ A. Tarkovskij, Martirologio. Diari, Istituto Internazionale Tarkovskij, Firenze, 2014, p. 313. Nota del 21 luglio 1980.
10. ^ S. Argentieri, Il senso della nostalgia: da Nostalghia a Sacrificio, in P. Zamperini (a cura di), Il fuoco, l’acqua, l’ombra, La casa Usher, Firenze, 1989.
11. Chion 2008 indique comme date de naissance celle du 10 avril 1932.