Andy Warhol

gigatos | décembre 30, 2021

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Résumé

Andy Warhol (6 août 1928 – 22 février 1987) est un artiste, réalisateur et producteur américain qui a été une figure de proue du mouvement d »art visuel connu sous le nom de pop art. Ses œuvres explorent la relation entre l »expression artistique, la publicité et la culture de la célébrité qui a fleuri dans les années 1960, et couvrent une variété de médias, notamment la peinture, la sérigraphie, la photographie, le cinéma et la sculpture. Parmi ses œuvres les plus connues figurent les sérigraphies Campbell »s Soup Cans (1962) et Marilyn Diptych (1962), les films expérimentaux Empire (1964) et Chelsea Girls (1966), ainsi que les événements multimédias connus sous le nom d »Exploding Plastic Inevitable (1966-67).

Né et élevé à Pittsburgh, Warhol a d »abord mené une brillante carrière d »illustrateur commercial. Après avoir exposé ses œuvres dans plusieurs galeries à la fin des années 1950, il commence à être reconnu comme un artiste influent et controversé. Son studio new-yorkais, The Factory, devient un lieu de rencontre réputé qui réunit d »éminents intellectuels, des drag queens, des dramaturges, des bohémiens de la rue, des célébrités d »Hollywood et de riches mécènes. Il a promu une collection de personnalités connues sous le nom de Warhol superstars, et on lui attribue l »inspiration de l »expression largement utilisée « 15 minutes de gloire ». À la fin des années 1960, il dirige et produit le groupe de rock expérimental The Velvet Underground et fonde le magazine Interview. Il est l »auteur de nombreux livres, dont The Philosophy of Andy Warhol et Popism : The Warhol Sixties. Il a vécu ouvertement comme un homme gay avant le mouvement de libération gay. En juin 1968, il a failli être tué par la féministe radicale Valerie Solanas, qui lui a tiré dessus dans son studio. Après une opération de la vésicule biliaire, Warhol est mort d »une arythmie cardiaque en février 1987 à l »âge de 58 ans à New York.

Warhol a fait l »objet de nombreuses expositions rétrospectives, de livres, de longs métrages et de documentaires. Le musée Andy Warhol, situé dans sa ville natale de Pittsburgh, qui abrite une vaste collection permanente d »œuvres d »art et d »archives, est le plus grand musée des États-Unis consacré à un seul artiste. Dans un article paru en 2009 dans The Economist, Warhol est décrit comme le « baromètre du marché de l »art ». Nombre de ses créations sont très recherchées et ont une grande valeur. Le prix le plus élevé jamais payé pour une peinture de Warhol est de 105 millions de dollars pour une sérigraphie de 1963 intitulée Silver Car Crash (Double Disaster). Parmi ses œuvres figurent certaines des peintures les plus chères jamais vendues.

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Vie et débuts (1928-1949)

Warhol est né le 6 août 1928 à Pittsburgh, en Pennsylvanie. Il est le quatrième enfant d »Ondrej Warhola (devenu Andrew Warhola Sr., 1889-1942) et de Julia (née Zavacká, 1892-1972), dont le premier enfant est né dans leur pays, l »Autriche-Hongrie, et est décédé avant leur arrivée aux États-Unis.

Ses parents étaient des émigrants Lemko de la classe ouvrière originaires de Mikó, en Autriche-Hongrie (aujourd »hui appelée Miková, située dans le nord-est de la Slovaquie actuelle). Le père de Warhol a émigré aux États-Unis en 1914, et sa mère l »a rejoint en 1921, après la mort des grands-parents de Warhol. Le père de Warhol travaillait dans une mine de charbon. La famille a vécu au 55 Beelen Street et plus tard au 3252 Dawson Street dans le quartier Oakland de Pittsburgh. La famille était catholique ruthène et fréquentait l »église catholique byzantine St John Chrysostom. Andy Warhol avait deux frères aînés : Pavol (Ján est né à Pittsburgh. Le fils de Pavol, James Warhola, est devenu un illustrateur de livres pour enfants à succès.

En troisième année, Warhol a été atteint de la chorée de Sydenham (également connue sous le nom de danse de Saint-Guy), une maladie du système nerveux qui provoque des mouvements involontaires des extrémités. On pense que cette maladie est une complication de la scarlatine qui provoque des taches de pigmentation sur la peau. Lorsqu »il était confiné au lit, il dessinait, écoutait la radio et collectionnait des photos de stars de cinéma autour de son lit. Warhol a décrit plus tard cette période comme très importante pour le développement de sa personnalité, de ses compétences et de ses préférences. Lorsque Warhol a 13 ans, son père meurt dans un accident.

Adolescent, Warhol est diplômé de la Schenley High School en 1945, et à l »adolescence, Warhol a également remporté un Scholastic Art and Writing Award. Après avoir obtenu son diplôme, il avait l »intention d »étudier l »éducation artistique à l »université de Pittsburgh dans l »espoir de devenir professeur d »art, mais ses plans ont changé et il s »est inscrit au Carnegie Institute of Technology, aujourd »hui l »université Carnegie Mellon de Pittsburgh, où il a étudié l »art commercial. Pendant ses études, Warhol a rejoint le club de danse moderne et la société des Beaux-Arts du campus. Il a également été directeur artistique du magazine d »art étudiant, Cano, dont il a illustré la couverture en 1948 et une illustration intérieure pleine page en 1949. On pense qu »il s »agit là de ses deux premières œuvres d »art publiées. Warhol obtient une licence de beaux-arts en design pictural en 1949. Plus tard dans l »année, il s »installe à New York et commence une carrière dans l »illustration de magazines et la publicité.

1950s

Le début de la carrière de Warhol a été consacré à l »art commercial et publicitaire, où sa première commande avait été de dessiner des chaussures pour le magazine Glamour à la fin des années 1940. Dans les années 1950, Warhol a travaillé comme designer pour le fabricant de chaussures Israel Miller. C »est en travaillant dans l »industrie de la chaussure que Warhol a mis au point sa technique de la « ligne tachetée », qui consiste à appliquer de l »encre sur du papier puis à tacher l »encre encore humide, ce qui s »apparente à un processus de gravure à l »échelle la plus rudimentaire. Son utilisation du papier calque et de l »encre lui permettait de répéter l »image de base, mais aussi de créer des variations infinies sur ce thème. Le photographe américain John Coplans se souvient que

personne ne dessinait les chaussures comme Andy le faisait. Il donnait en quelque sorte à chaque chaussure un tempérament propre, une sorte de sophistication sournoise à la Toulouse-Lautrec, mais la forme et le style ressortaient avec précision et la boucle était toujours à la bonne place. Les enfants de l »appartement [qu »Andy partageait à New York – note de Coplans] ont remarqué que les empeignes des dessins de chaussures d »Andy étaient de plus en plus longues, mais Miller s »en fichait. Miller les adorait.

En 1952, Warhol présente sa première exposition personnelle à la Hugo Gallery de New York et, bien que cette exposition n »ait pas été bien accueillie, en 1956, il participe à sa première exposition collective au Museum of Modern Art de New York. Les dessins à l »encre « fantaisistes » de Warhol représentant des publicités pour des chaussures figurent dans certaines de ses premières expositions à la Bodley Gallery de New York en 1957.

Warhol a l »habitude d »utiliser l »expédient de tracer les photographies projetées avec un épidiascope. Utilisant des tirages d »Edward Wallowitch, son « premier petit ami », les photographies subissaient une transformation subtile au cours du traçage souvent superficiel des contours et des hachures des ombres par Warhol. Warhol a utilisé la photographie de Wallowitch Young Man Smoking a Cigarette (c.1956) pour la conception, en 1958, d »une couverture de livre qu »il a soumise à Simon et Schuster pour le roman de gare The Immortal de Walter Ross, et en a utilisé d »autres pour sa série de peintures.

Avec l »expansion rapide de l »industrie du disque, RCA Records engage Warhol, ainsi qu »un autre artiste indépendant, Sid Maurer, pour concevoir des couvertures d »albums et du matériel promotionnel.

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1960s

Warhol a adopté très tôt le procédé de la sérigraphie comme technique de peinture. En 1962, Max Arthur Cohn lui a enseigné les techniques de sérigraphie dans son entreprise d »arts graphiques de Manhattan. Dans son livre Popism : The Warhol Sixties, Warhol écrit : « Quand on fait quelque chose exactement de travers, on trouve toujours quelque chose. »

En mai 1962, Warhol fait l »objet d »un article dans le magazine Time avec son tableau Big Campbell »s Soup Can with Can Opener (Vegetable) (1962), qui inaugure son motif le plus soutenu, la boîte de soupe Campbell. Cette peinture devient la première de Warhol à être présentée dans un musée lorsqu »elle est exposée au Wadsworth Atheneum de Hartford en juillet 1962. Le 9 juillet 1962, l »exposition de Warhol s »ouvre à la Ferus Gallery de Los Angeles avec Campbell »s Soup Cans, marquant les débuts du pop art sur la côte ouest.

En novembre 1962, Warhol a une exposition à la Stable Gallery d »Eleanor Ward à New York. L »exposition comprenait les œuvres Gold Marilyn, huit de la série classique » Marilyn » également nommée » Flavor Marilyns « , Marilyn Diptych, 100 Soup Cans, 100 Coke Bottles, et 100 Dollar Bills. Les Flavor Marilyns ont été sélectionnées parmi un groupe de quatorze toiles de la sous-série, chacune mesurant 20″ x 16″. Certaines des toiles ont été nommées d »après diverses saveurs de bonbons Life Savers, notamment Cherry Marilyn, Lemon Marilyn, Mint, Lavender, Grape ou Licorice Marilyn. Les autres sont identifiées par leur couleur de fond. Gold Marilyn, a été achetée par l »architecte Philip Johnson et donnée au Museum of Modern Art. Lors de cette exposition, Warhol a rencontré le poète John Giorno, qui allait jouer dans le premier film de Warhol, Sleep, en 1964.

C »est au cours des années 1960 que Warhol commence à réaliser des peintures d »objets américains emblématiques tels que des billets de banque, des champignons atomiques, des chaises électriques, des boîtes de soupe Campbell, des bouteilles de Coca-Cola, des célébrités telles que Marilyn Monroe, Elvis Presley, Marlon Brando, Troy Donahue, Muhammad Ali et Elizabeth Taylor, ainsi que des titres de journaux ou des photographies de chiens policiers attaquant des manifestants afro-américains lors de la campagne de Birmingham dans le cadre du mouvement pour les droits civiques. Au cours de ces années, il fonde son studio, « The Factory », et rassemble autour de lui un large éventail d »artistes, d »écrivains, de musiciens et de célébrités underground. Son travail devient populaire et controversé. Warhol avait ceci à dire sur Coca-Cola :

Ce qui est formidable dans ce pays, c »est que l »Amérique a lancé la tradition selon laquelle les consommateurs les plus riches achètent essentiellement les mêmes choses que les plus pauvres. Vous pouvez regarder la télévision et voir du Coca-Cola, et vous savez que le président boit du Coca-Cola, que Liz Taylor boit du Coca-Cola, et pensez-y, vous pouvez aussi boire du Coca-Cola. Un Coca-Cola est un Coca-Cola et aucune somme d »argent ne peut vous procurer un meilleur Coca-Cola que celui que boit le clochard du coin. Tous les Coca-Cola sont les mêmes et tous les Coca-Cola sont bons. Liz Taylor le sait, le Président le sait, le clochard le sait, et vous le savez.

En décembre 1962, le Museum of Modern Art de New York a accueilli un symposium sur le pop art, au cours duquel des artistes tels que Warhol ont été attaqués pour avoir « capitulé » devant le consumérisme. Les critiques sont consternés par l »acceptation ouverte de Warhol à la culture du marché, ce qui donne le ton de sa réception.

Warhol a présenté sa deuxième exposition à la Stable Gallery au printemps 1964, qui comprenait des sculptures de boîtes commerciales empilées et dispersées dans l »espace pour ressembler à un entrepôt. Pour l »exposition, Warhol a commandé des boîtes en bois sur mesure et y a sérigraphié des graphiques. Les sculptures – Brillo Box, Del Monte Peach Box, Heinz Tomato Ketchup Box, Kellog »s Cornflakes Box, Campbell »s Tomato Juice Box et Mott »s Apple Juice Box – se sont vendues entre 200 et 400 dollars selon la taille de la boîte.

L »exposition The American Supermarket à la galerie Paul Bianchini de l »Upper East Side, à l »automne 1964, constitue un événement décisif. L »exposition se présente comme l »environnement typique d »un petit supermarché, sauf que tout ce qui s »y trouve – les produits, les conserves, la viande, les affiches au mur, etc. – a été créé par d »éminents artistes pop de l »époque, dont les sculpteurs Claes Oldenburg, Mary Inman et Bob Watts. Warhol a conçu un sac à provisions en papier à 12 dollars – blanc uni avec une boîte de soupe Campbell »s rouge. Sa peinture d »une boîte de soupe Campbell »s a coûté 1 500 dollars, tandis que chaque boîte autographiée se vendait 3 fois 18 dollars, soit 6,50 dollars chacune. Cette exposition est l »un des premiers événements de masse qui confronte directement le grand public au pop art et à l »éternelle question de ce qu »est l »art.

En tant qu »illustrateur publicitaire dans les années 1950, Warhol faisait appel à des assistants pour augmenter sa productivité. La collaboration restera un élément déterminant (c »est particulièrement vrai dans les années 1960). L »un des collaborateurs les plus importants de cette période est Gerard Malanga. Malanga aidait l »artiste à produire des sérigraphies, des films, des sculptures et d »autres œuvres à « The Factory », le studio de Warhol recouvert de feuilles d »aluminium et de peinture argentée, situé dans la 47e rue (qui sera plus tard déplacé à Broadway). Parmi les autres membres de la Factory de Warhol, citons Freddie Herko, Ondine, Ronald Tavel, Mary Woronov, Billy Name et Brigid Berlin (qui lui aurait donné l »idée d »enregistrer ses conversations téléphoniques).

Au cours des années 1960, Warhol a également formé une suite d »excentriques de la bohème et de la contre-culture, qu »il a baptisés « Superstars », notamment Nico, Joe Dallesandro, Edie Sedgwick, Viva, Ultra Violet, Holly Woodlawn, Jackie Curtis et Candy Darling. Ces personnes ont toutes participé aux films de la Factory, et certaines, comme Berlin, sont restées amies avec Warhol jusqu »à sa mort. Des figures importantes du monde de l »artcinéma underground new-yorkais, comme l »écrivain John Giorno et le cinéaste Jack Smith, apparaissent également dans les films de Warhol (dont beaucoup ont été présentés en première au New Andy Warhol Garrick Theatre et au 55th Street Playhouse) des années 1960, révélant les liens de Warhol avec un large éventail de scènes artistiques à cette époque. On connaît moins le soutien et la collaboration de Warhol avec plusieurs adolescents de cette époque, qui deviendront célèbres plus tard, notamment l »écrivain David Dalton et l »artiste Bibbe Hansen (mère du musicien pop Beck).

Le 3 juin 1968, l »écrivaine féministe radicale Valerie Solanas a tiré sur Warhol et Mario Amaya, critique d »art et conservateur, dans le studio de Warhol, The Factory. Avant la fusillade, Solanas était une figure marginale de la scène de la Factory. En 1967, elle est l »auteur du SCUM Manifesto, un tract féministe séparatiste qui prône l »élimination des hommes, et apparaît dans le film I, a Man (1968) de Warhol. Plus tôt le jour de l »attaque, Solanas avait été refoulée de la Factory après avoir demandé qu »on lui rende un scénario qu »elle avait donné à Warhol. Le script avait apparemment été égaré.

Amaya n »a reçu que des blessures mineures et est sorti de l »hôpital plus tard le même jour. Warhol a été gravement blessé par l »attaque et a survécu de justesse. Il a souffert de séquelles physiques pour le reste de sa vie, et a notamment dû porter un corset chirurgical. La fusillade a eu un effet profond sur la vie et l »art de Warhol.

Solanas a été arrêtée le jour suivant l »agression, après s »être rendue à la police. En guise d »explication, elle a déclaré que Warhol « avait trop de contrôle sur ma vie ». On lui diagnostique par la suite une schizophrénie paranoïde et elle est finalement condamnée à trois ans de détention sous le contrôle du département des services correctionnels. Après la fusillade, la Factory a fortement renforcé sa sécurité, et pour beaucoup, les « années 60 de la Factory » ont pris fin (« Les superstars de l »ancienne Factory ne sont pas beaucoup venues à la nouvelle Factory »).

Warhol a déclaré ceci à propos de l »attaque :

Avant de me faire tirer dessus, j »ai toujours pensé que j »étais plus à moitié là que tout à fait là – j »ai toujours pensé que je regardais la télévision au lieu de vivre la vie. Les gens disent parfois que la façon dont les choses se passent dans les films est irréelle, mais en fait c »est la façon dont les choses se passent dans la vie qui est irréelle. Dans les films, les émotions semblent si fortes et si réelles, alors que lorsque les choses vous arrivent vraiment, c »est comme si vous regardiez la télévision : vous ne ressentez rien. Au moment où on m »a tiré dessus et depuis, je savais que je regardais la télévision. Les chaînes changent, mais c »est toujours la télévision.

En 1969, Warhol et le journaliste britannique John Wilcock fondent le magazine Interview.

1970s

Warhol a eu une exposition rétrospective au Whitney Museum of American Art en 1971. Son célèbre portrait du leader communiste chinois Mao Zedong a été réalisé en 1973. En 1975, il publie The Philosophy of Andy Warhol (1975). Une idée exprimée dans le livre : « Gagner de l »argent est de l »art, et travailler est de l »art, et les bonnes affaires sont le meilleur art ».

Comparées au succès et au scandale de l »œuvre de Warhol dans les années 1960, les années 1970 sont une décennie beaucoup plus calme, car il devient plus entreprenant. Il fréquente divers établissements de nuit à New York, notamment le Max »s Kansas City et, plus tard dans les années 1970, le Studio 54. Il était généralement considéré comme calme, timide et un observateur méticuleux. Le critique d »art Robert Hughes l »appelait « la taupe blanche d »Union Square ».

En 1977, Warhol a été chargé par le collectionneur d »art Richard Weisman de créer Athletes, dix portraits des principaux athlètes de l »époque.

Selon Bob Colacello, Warhol consacrait une grande partie de son temps à trouver de nouveaux et riches mécènes pour des commandes de portraits, dont le shah d »Iran Mohammad Reza Pahlavi, son épouse l »impératrice Farah Pahlavi, sa sœur la princesse Ashraf Pahlavi, Mick Jagger, Liza Minnelli, John Lennon, Diana Ross et Brigitte Bardot. En 1979, les critiques n »ont pas apprécié ses expositions de portraits de personnalités et de célébrités des années 1970, les qualifiant de superficiels, faciles et commerciaux, sans profondeur ni indication de la signification des sujets.

En 1979, Warhol et son ami de longue date Stuart Pivar ont fondé la New York Academy of Art.

1980s

Warhol connaît un nouveau succès critique et financier dans les années 1980, en partie grâce à son affiliation et ses amitiés avec un certain nombre de jeunes artistes prolifiques, qui dominent le « marché haussier » de l »art new-yorkais des années 1980 : Jean-Michel Basquiat, Julian Schnabel, David Salle et d »autres artistes dits néo-expressionnistes, ainsi que des membres du mouvement transavantgarde en Europe, dont Francesco Clemente et Enzo Cucchi. Warhol a également acquis une crédibilité dans la rue et l »artiste graffeur Fab Five Freddy lui a rendu hommage en peignant un train entier avec des boîtes de soupe Campbell.

Warhol est également critiqué pour être devenu un simple « artiste commercial ». Les critiques ont critiqué son exposition de 1980 intitulée Ten Portraits of Jews of the Twentieth Century au Jewish Museum de Manhattan, que Warhol – qui ne s »intéressait pas au judaïsme et aux Juifs – avait décrite dans son journal intime comme « Ils vont se vendre ». Avec le recul, cependant, certains critiques en sont venus à considérer la superficialité et la commercialité de Warhol comme « le miroir le plus brillant de notre époque », affirmant que « Warhol avait capté quelque chose d »irrésistible dans l »esprit du temps de la culture américaine des années 1970. »

Warhol appréciait également le glamour intense d »Hollywood. Il a dit une fois : « J »aime Los Angeles. J »aime Hollywood. Ils sont si beaux. Tout est en plastique, mais j »aime le plastique. Je veux être en plastique. » Warhol défile occasionnellement sur les podiums de mode et fait de la publicité pour des produits, représenté par l »agence Zoli et plus tard Ford Models.

Avant les Jeux olympiques d »hiver de Sarajevo en 1984, il s »est associé à 15 autres artistes, dont David Hockney et Cy Twombly, et a contribué à la collection Art et Sport avec une impression de Speed Skater. Le Speed Skater a été utilisé pour l »affiche officielle des Jeux olympiques d »hiver de Sarajevo.

En 1984, Vanity Fair a demandé à Warhol de réaliser un portrait de Prince pour accompagner un article célébrant le succès de Purple Rain et du film qui l »accompagnait. Faisant référence aux nombreux portraits de célébrités réalisés par Warhol tout au long de sa carrière, Orange Prince (1984) a été créé en utilisant une composition similaire à celle de la série Marilyn « Flavors » de 1962, parmi les premiers portraits de célébrités réalisés par Warhol. Prince est représenté dans une palette de couleurs pop couramment utilisée par Warhol, un orange vif avec des reflets verts et bleus. Les traits du visage et les cheveux sont sérigraphiés en noir sur le fond orange.

En septembre 1985, l »exposition conjointe de Warhol et Basquiat, Paintings, est inaugurée par des critiques négatives à la Tony Shafrazi Gallery. Ce mois-là, malgré l »appréhension de Warhol, sa série de sérigraphies Reigning Queens est présentée à la galerie Leo Castelli. Dans le Journal d »Andy Warhol, Warhol écrit : « Elles étaient censées être destinées uniquement à l »Europe – ici, personne ne se soucie de la royauté et ce sera une autre mauvaise critique. »

En janvier 1987, Warhol se rend à Milan pour l »ouverture de sa dernière exposition, Last Supper, au Palazzo delle Stelline. Le mois suivant, Warhol et le musicien de jazz Miles Davis défilent pour le défilé de mode de Koshin Satoh au Tunnel à New York le 17 février 1987.

Décès

Warhol est mort à Manhattan à 6 h 32 du matin le 22 février 1987, à l »âge de 58 ans. Selon les médias, il s »était bien remis d »une opération de la vésicule biliaire à l »hôpital de New York avant de mourir dans son sommeil à la suite d »une soudaine irrégularité du rythme cardiaque post-opératoire. Avant son diagnostic et son opération, Warhol avait retardé le contrôle de ses problèmes récurrents de vésicule biliaire, car il avait peur d »entrer dans les hôpitaux et de voir des médecins. Sa famille a poursuivi l »hôpital pour soins inadéquats, affirmant que l »arythmie avait été causée par des soins inadéquats et une intoxication à l »eau. L »affaire de faute professionnelle a été rapidement réglée à l »amiable ; la famille de Warhol a reçu une somme d »argent non divulguée.

Peu avant la mort de Warhol, les médecins s »attendaient à ce que Warhol survive à l »opération, mais une réévaluation du cas environ trente ans après sa mort a montré de nombreux signes indiquant que l »opération de Warhol était en fait plus risquée qu »on ne le pensait à l »origine. À l »époque, il a été largement rapporté que Warhol était mort d »une intervention chirurgicale « de routine », mais si l »on tient compte de facteurs tels que son âge, ses antécédents familiaux de problèmes de vésicule biliaire, sa précédente blessure par balle et son état de santé dans les semaines précédant l »intervention, le risque potentiel de décès après l »opération semble avoir été important.

Les frères de Warhol ont ramené son corps à Pittsburgh, où une veillée funèbre en cercueil ouvert a eu lieu à la maison funéraire Thomas P. Kunsak. Le cercueil en bronze massif avait des rails plaqués or et un rembourrage blanc. Warhol était vêtu d »un costume en cachemire noir, d »une cravate à motif cachemire, d »une perruque platine et de lunettes de soleil. Il a été déposé en tenant un petit livre de prières et une rose rouge. La liturgie funéraire a eu lieu à l »église catholique byzantine du Saint-Esprit, dans le quartier nord de Pittsburgh. L »éloge funèbre a été prononcé par Monseigneur Peter Tay. Yoko Ono et John Richardson ont pris la parole. Le cercueil a été recouvert de roses blanches et de fougères asperges. Après la liturgie, le cercueil a été conduit au cimetière catholique byzantin de Saint-Jean-Baptiste à Bethel Park, dans la banlieue sud de Pittsburgh.

Sur la tombe, le prêtre a prononcé une brève prière et a aspergé le cercueil d »eau bénite. Avant la descente du cercueil, Paige Powell, amie de Warhol et directrice de la publicité d »Interview, a déposé dans la tombe un exemplaire du magazine, un T-shirt d »Interview et un flacon du parfum « Beautiful » d »Estée Lauder. Warhol a été enterré à côté de sa mère et de son père. Un service commémoratif a été organisé à Manhattan pour Warhol à la cathédrale St. Patrick le 1er avril 1987.

Peintures

Au début des années 1960, le pop art est une forme expérimentale que plusieurs artistes adoptent indépendamment ; certains de ces pionniers, comme Roy Lichtenstein, deviendront plus tard synonymes du mouvement. Warhol, qui deviendra célèbre sous le nom de « pape du pop », se tourne vers ce nouveau style, où les sujets populaires peuvent faire partie de la palette de l »artiste. Ses premières peintures montrent des images tirées de dessins animés et de publicités, peintes à la main avec des coulures de peinture. Marilyn Monroe était une peinture pop art que Warhol avait réalisée et qui était très populaire. Ces coulures imitent le style des expressionnistes abstraits à succès (tels que Willem de Kooning). Les premières peintures pop art de Warhol ont été exposées en avril 1961, servant de toile de fond à la vitrine du grand magasin new-yorkais Bonwit Teller. Il s »agissait de la même scène que ses contemporains du Pop Art, Jasper Johns, James Rosenquist et Robert Rauschenberg, qui avaient également été exposés.

C »est la galeriste Muriel Latow qui a eu l »idée des boîtes de soupe et des peintures à un dollar de Warhol. Le 23 novembre 1961, Warhol a fait à Latow un chèque de 50 dollars qui, selon la biographie de Warhol publiée en 2009, Pop, The Genius of Warhol, était un paiement pour avoir eu l »idée des boîtes de soupe comme sujet. Pour sa première grande exposition, Warhol peint ses célèbres boîtes de soupe Campbell, qu »il affirme avoir mangées au déjeuner pendant la majeure partie de sa vie.

C »est à partir de ces débuts qu »il a développé son style et ses sujets ultérieurs. Au lieu de travailler sur un sujet caractéristique, comme il l »a fait au début, il a travaillé de plus en plus sur un style caractéristique, éliminant peu à peu le fait main du processus artistique. Warhol utilise fréquemment la sérigraphie ; ses derniers dessins sont tracés à partir de projections de diapositives. Au sommet de sa gloire en tant que peintre, Warhol avait plusieurs assistants qui produisaient ses multiples sérigraphiés, suivant ses instructions pour réaliser différentes versions et variations.

Warhol a produit des œuvres aussi bien comiques que sérieuses ; son sujet pouvait être une boîte de soupe ou une chaise électrique. Warhol utilisait les mêmes techniques – sérigraphies, reproductions en série et peintures aux couleurs vives – qu »il s »agisse de célébrités, d »objets du quotidien ou d »images de suicides, d »accidents de voiture et de catastrophes, comme dans la série Death and Disaster (1962-1963).

En 1979, Warhol a été chargé par BMW de peindre une version de course du groupe 4 de la BMW M1, alors « supercar d »élite », pour le quatrième volet du BMW Art Car Project. Il a été rapporté à l »époque que, contrairement aux trois artistes qui l »avaient précédé, Warhol avait choisi de peindre lui-même directement sur l »automobile au lieu de laisser des techniciens transférer son modèle réduit sur la voiture. Il a été indiqué que Warhol n »a passé que 23 minutes au total pour peindre l »ensemble de la voiture.

Certaines des œuvres de Warhol, ainsi que sa propre personnalité, ont été décrites comme étant Keatonesques. On a dit de Warhol qu »il faisait l »idiot devant les médias. Il a parfois refusé d »expliquer son travail. Il a suggéré que tout ce que l »on doit savoir sur son travail est « déjà là, à la surface ».

Ses taches d »encre Rorschach sont conçues comme des commentaires pop sur l »art et ce que l »art pourrait être. Son papier peint vache (littéralement, papier peint avec un motif de vache) et ses peintures par oxydation (toiles préparées avec de la peinture au cuivre qui était ensuite oxydée avec de l »urine) sont également remarquables dans ce contexte. Tout aussi remarquable est la façon dont ces œuvres – et leurs moyens de production – reflètent l »atmosphère de la « Factory » d »Andy à New York. Le biographe Bob Colacello fournit quelques détails sur les « peintures à l »urine » d »Andy :

Victor … était le pisseur fantôme d »Andy sur les Oxydations. Il venait à l »usine pour uriner sur les toiles qui avaient déjà été apprêtées avec de la peinture à base de cuivre par Andy ou Ronnie Cutrone, un deuxième pisseur fantôme très apprécié par Andy, qui disait que la vitamine B que prenait Ronnie donnait une couleur plus jolie lorsque l »acide de l »urine rendait le cuivre vert. Andy a-t-il jamais utilisé sa propre urine ? Mon journal intime montre que lorsqu »il a commencé la série, en décembre 1977, il l »a fait, et il y en avait beaucoup d »autres : des garçons qui venaient déjeuner et buvaient trop de vin, et trouvaient amusant ou même flatteur qu »on leur demande d »aider Andy à « peindre ». Andy avait toujours un petit élan supplémentaire dans sa démarche lorsqu »il les conduisait à son studio.

Le portrait de Basquiat réalisé par Warhol en 1982, Jean-Michel Basquiat, est une sérigraphie sur une « peinture à la pisse » en cuivre oxydé. Après de nombreuses années de sérigraphie, d »oxydation, de photographie, etc., Warhol revient à la peinture avec un pinceau à la main. En 1983, Warhol commence à collaborer avec Basquiat et Clemente. Warhol et Basquiat créent une série de plus de 50 grandes œuvres en collaboration entre 1984 et 1985. Malgré les critiques émises lors de leur présentation, Warhol qualifie certaines d »entre elles de « chefs-d »œuvre », et elles ont eu une influence sur son travail ultérieur.

En 1984, Warhol est chargé par le collectionneur et galeriste Alexander Iolas de réaliser des œuvres inspirées de La Cène de Léonard de Vinci pour une exposition dans l »ancien réfectoire du Palazzo delle Stelline à Milan, en face de Santa Maria delle Grazie où l »on peut voir la peinture murale de Léonard de Vinci. Warhol dépasse les exigences de la commande et réalise près de 100 variations sur le thème, principalement des sérigraphies et des peintures, dont une sculpture réalisée en collaboration avec Basquiat, les Ten Punching Bags (Last Supper). L »exposition de Milan, inaugurée en janvier 1987 avec un ensemble de 22 sérigraphies, est la dernière exposition de l »artiste et du galeriste. La série de la Cène a été considérée par certains comme « sans doute sa plus grande », mais par d »autres comme « insipide, religieuse » et « sans esprit ». Il s »agit de la plus grande série d »œuvres à thème religieux réalisée par un artiste américain.

L »artiste Maurizio Cattelan décrit qu »il est difficile de séparer les rencontres quotidiennes de l »art d »Andy Warhol : « C »est probablement ce qu »il y a de plus grand chez Warhol : la façon dont il a pénétré et résumé notre monde, au point que faire la distinction entre lui et notre vie quotidienne est fondamentalement impossible, et en tout cas inutile. » Warhol a été une source d »inspiration pour les compilations de magazines et de photographies de Cattelan, comme Permanent Food, Charley et Toilet Paper.

Juste avant sa mort, Warhol travaillait sur Cars, une série de peintures pour Mercedes-Benz.

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Marché de l »art

La valeur des œuvres d »Andy Warhol suit une trajectoire ascendante sans fin depuis sa mort en 1987. En 2014, ses œuvres ont accumulé 569 millions de dollars aux enchères, ce qui représentait plus d »un sixième du marché mondial de l »art. Toutefois, des baisses ont été enregistrées. Selon la marchande d »art Dominique Lévy, « le commerce de Warhol bouge un peu comme une bascule que l »on tire vers le haut : il monte et descend, mais chaque nouveau haut et bas est supérieur au précédent. » Elle attribue ce phénomène à l »afflux constant de nouveaux collectionneurs intrigués par Warhol. « À différents moments, vous avez eu différents groupes de collectionneurs qui sont entrés sur le marché de Warhol, et cela a entraîné des pics de demande, puis la satisfaction et un ralentissement », avant que le processus ne se répète une autre démographie ou la génération suivante.

En 1998, Orange Marilyn (1964), une représentation de Marilyn Monroe, a été vendue pour 17,3 millions de dollars, ce qui constituait à l »époque un nouveau record en tant que prix le plus élevé payé pour une œuvre d »art de Warhol. En 2007, l »une des peintures de 1963 de Warhol représentant Elizabeth Taylor, Liz (Colored Liz), qui appartenait à l »acteur Hugh Grant, s »est vendue 23,7 millions de dollars chez Christie »s.

En 2007, Stefan Edlis et Gael Neeson ont vendu l »œuvre Turquoise Marilyn (1964) de Warhol au financier Steven A. Cohen pour 80 millions de dollars. En mai 2007, Green Car Crash (1963) s »est vendu pour 71,1 millions de dollars et Lemon Marilyn (1962) pour 28 millions de dollars lors de la vente aux enchères d »art d »après-guerre et contemporain de Christie »s. En 2007, une grande boîte de soupe Campbell (1964) a été vendue à un collectionneur sud-américain lors d »une vente aux enchères de Sotheby »s pour 7,4 millions. En novembre 2009, 200 One Dollar Bills (1962) chez Sotheby »s pour 43,8 millions de dollars.

En 2008, Eight Elvises (1963) a été vendu par Annibale Berlingieri pour 100 millions de dollars à un acheteur privé. L »œuvre représente Elvis Presley dans une pose de pistolero. Elle a été exposée pour la première fois en 1963 à la Ferus Gallery de Los Angeles. Warhol a réalisé 22 versions de Double Elvis, dont neuf sont conservées dans des musées. En mai 2012, Double Elvis (type Ferus) a été vendu aux enchères chez Sotheby »s pour 37 millions de dollars. En novembre 2014, Triple Elvis (Ferus Type) a été vendu pour 81,9 millions de dollars chez Christie »s.

En mai 2010, un autoportrait violet de Warhol datant de 1986, qui appartenait au créateur de mode Tom Ford, s »est vendu 32,6 millions de dollars chez Sotheby »s. En novembre 2010, Men in Her Life (1962), basé sur Elizabeth Taylor, s »est vendu 63,4 millions de dollars chez Phillips de Pury et Coca-Cola (4) (1962) s »est vendu 35,3 millions de dollars chez Sotheby »s. En mai 2011, le premier autoportrait de Warhol datant de 1963-64 s »est vendu 38,4 millions de dollars et un autoportrait rouge de 1986 s »est vendu 27,5 millions chez Christie »s. En mai 2011, Liz

En novembre 2013, le diptyque de 1963 de Warhol, rarement vu, Silver Car Crash (Double Disaster), a été vendu chez Sotheby »s pour 105,4 millions de dollars, un nouveau record pour l »artiste. En novembre 2013, Coca-Cola (3) (1962) s »est vendu pour 57,3 millions de dollars chez Christie »s. En mai 2014, White Marilyn (1962) s »est vendu pour 41 millions de dollars chez Christie »s. En novembre 2014, Four Marlons (1964), qui représente Marlon Brando, s »est vendu pour 69,6 millions de dollars chez Christie »s. En mai 2015, Silver Liz (diptyque), peint en 1963-65, s »est vendu pour 28 millions de dollars et Colored Mona Lisa (1963) s »est vendu pour 56,2 millions de dollars chez Christie »s. En mai 2017, le tableau Big Campbell »s Soup Can With Can Opener (Vegetable), peint par Warhol en 1962, s »est vendu 27,5 dollars chez Christie »s.

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Collectionneurs

Parmi les premiers collectionneurs de Warhol et ses soutiens influents, on compte Emily et Burton Tremaine. Parmi les plus de 15 œuvres d »art achetées, Marilyn Diptych (aujourd »hui à la Tate Modern de Londres) et A boy for Meg (aujourd »hui à la National Gallery of Art de Washington, DC), ont été achetées directement dans le studio de Warhol en 1962. Un Noël, Warhol a laissé une petite tête de Marilyn Monroe devant la porte de l »appartement des Tremaine à New York, en remerciement de leur soutien et de leurs encouragements.

Filmographie

Warhol a assisté en 1962 à la première de la composition statique de La Monte Young intitulée Trio for Strings et a ensuite créé sa célèbre série de films statiques. Le cinéaste Jonas Mekas, qui a accompagné Warhol à la première du Trio, affirme que les films statiques de Warhol ont été directement inspirés par la performance. Entre 1963 et 1968, il a réalisé plus de 60 films, ainsi que quelque 500 courts portraits en noir et blanc « screen test » de visiteurs de la Factory. L »un de ses films les plus célèbres, Sleep, suit le poète John Giorno en train de dormir pendant six heures. Le film de 35 minutes Blow Job est un plan continu du visage de DeVeren Bookwalter censé recevoir une fellation du cinéaste Willard Maas, bien que la caméra ne s »incline jamais pour le voir. Un autre film, Empire (1964), consiste en huit heures d »images de l »Empire State Building à New York City au crépuscule. Le film Eat consiste en un homme qui mange un champignon pendant 45 minutes.

Batman Dracula est un film de 1964 qui a été produit et réalisé par Warhol, sans l »autorisation de DC Comics. Il a été projeté uniquement lors de ses expositions d »art. Fan de la série Batman, le film de Warhol était un « hommage » à la série, et est considéré comme la première apparition d »un Batman ouvertement campé. Jusqu »à récemment, on pensait que le film était perdu, jusqu »à ce que des scènes de l »image soient montrées en détail dans le documentaire de 2006 Jack Smith and the Destruction of Atlantis.

Le film Vinyl, réalisé par Warhol en 1965, est une adaptation du populaire roman dystopique d »Anthony Burgess, A Clockwork Orange. D »autres enregistrent des rencontres improvisées entre des habitués de la Factory comme Brigid Berlin, Viva, Edie Sedgwick, Candy Darling, Holly Woodlawn, Ondine, Nico et Jackie Curtis. L »artiste underground légendaire Jack Smith apparaît dans le film Camp.

Son film le plus populaire et le plus apprécié par la critique est Chelsea Girls (1966). Ce film était très novateur car il consistait en la projection simultanée de deux films 16 mm, avec deux histoires différentes montrées en tandem. Depuis la cabine de projection, le son était augmenté pour un film afin d »élucider cette « histoire » tandis qu »il était baissé pour l »autre. La multiplication des images évoque les œuvres sérigraphiques de Warhol, qui ont fait date au début des années 1960.

Warhol était un fan du travail cinématographique de Radley Metzger et a déclaré que le film de Metzger, The Lickerish Quartet, était « un chef-d »œuvre outrageusement pervers ». Blue Movie – un film dans lequel la superstar Warhol Viva fait l »amour au lit avec Louis Waldon, une autre superstar Warhol – fut le dernier film de Warhol en tant que réalisateur. Ce film, qui a fait date dans l »âge d »or du porno, était, à l »époque, controversé pour son approche franche d »une rencontre sexuelle. Blue Movie a été projeté en public à New York en 2005, pour la première fois depuis plus de 30 ans.

À la suite de la fusillade de 1968, Warhol, reclus, renonce à s »impliquer personnellement dans la réalisation de films. Son acolyte et assistant-réalisateur, Paul Morrissey, prend en charge la réalisation des films du collectif Factory, orientant le cinéma de Warhol vers des films d »exploitation de série B, plus grand public et plus narratifs, avec Flesh, Trash et Heat. Tous ces films, y compris les plus récents Andy Warhol »s Dracula et Andy Warhol »s Frankenstein, étaient beaucoup plus grand public que tout ce que Warhol avait tenté en tant que réalisateur. Ces derniers films « Warhol » mettaient en vedette Joe Dallesandro, qui était davantage une vedette de Morrissey qu »une véritable superstar de Warhol.

Au début des années 1970, la plupart des films réalisés par Warhol ont été retirés de la circulation par Warhol et les personnes de son entourage qui géraient son entreprise. Après la mort de Warhol, les films ont été lentement restaurés par le Whitney Museum et sont occasionnellement projetés dans des musées et des festivals de cinéma. Peu de films réalisés par Warhol sont disponibles en vidéo ou en DVD.

Musique

Au milieu des années 1960, Warhol adopte le groupe Velvet Underground et en fait un élément crucial de son spectacle d »art performance multimédia Exploding Plastic Inevitable. Warhol, avec Paul Morrissey, fait office de manager du groupe et leur présente Nico (qui se produira avec le groupe à la demande de Warhol). Lorsqu »il était manager du Velvet Underground, Andy les faisait s »habiller tout en noir pour se produire devant des films qu »il présentait également. En 1966, il a « produit » leur premier album, The Velvet Underground & Nico, et a fourni la pochette de l »album. Sa participation réelle à la production de l »album se résume à payer le temps de studio. Après le premier album du groupe, Warhol et le leader du groupe, Lou Reed, ont commencé à être en désaccord sur la direction que le groupe devait prendre, et leur amitié artistique a pris fin. En 1989, après la mort de Warhol, Reed et John Cale se sont réunis pour la première fois depuis 1972 pour écrire, interpréter, enregistrer et sortir l »album concept Songs for Drella, un hommage à Warhol. En octobre 2019, une bande audio de musique publiquement inconnue de Reed, basée sur le livre de Warhols de 1975, « The Philosophy of Andy Warhol : From A to B and Back Again », aurait été découverte dans une archive du musée Andy Warhol de Pittsburgh.

Warhol a conçu de nombreuses couvertures d »albums pour divers artistes, à commencer par la couverture photographique du premier album de John Wallowitch, This Is John Wallowitch !!! (1964). Il a conçu les couvertures des albums Sticky Fingers (1971) et Love You Live (1977) des Rolling Stones, et des albums de John Cale The Academy in Peril (1972) et Honi Soit en 1981. L »une des dernières œuvres de Warhol est un portrait d »Aretha Franklin pour la couverture de son album d »or Aretha de 1986.

Warhol a fortement influencé le groupe de rock new wavepunk Devo, ainsi que David Bowie. Bowie a enregistré une chanson intitulée « Andy Warhol » pour son album Hunky Dory en 1971. Lou Reed a écrit la chanson « Andy »s Chest », sur Valerie Solanas, la femme qui a tiré sur Warhol, en 1968. Il l »a enregistrée avec le Velvet Underground, et cette version a été publiée sur l »album VU en 1985. Bowie jouera plus tard le rôle de Warhol dans le film Basquiat, sorti en 1996. Bowie a rappelé que sa rencontre avec Warhol dans la vie réelle l »a aidé dans le rôle, et a raconté ses premières rencontres avec lui :

Je l »ai rencontré deux ou trois fois, mais nous avons rarement partagé plus que des platitudes. La première fois que nous nous sommes vus, un silence gênant s »est installé jusqu »à ce qu »il remarque mes chaussures jaune vif et se mette à parler avec enthousiasme. Il se voulait très superficiel. Et apparemment sans émotion, indifférent, comme un poisson mort. Lou Reed l »a décrit le plus profondément quand il m »a dit un jour qu »ils devraient mettre sur le marché une poupée d »Andy : une poupée que l »on remonte et qui ne fait rien. Mais j »ai réussi à bien l »observer, et cela a été un coup de pouce pour le film Nous avons emprunté ses vêtements au musée de Pittsburgh, et ils étaient intacts, non lavés. Même les poches n »étaient pas vidées : elles contenaient du crêpe, du fond de teint blanc, mortellement pâle, dont Andy se barbouillait toujours le visage, un chèque déchiré en morceaux, l »adresse de quelqu »un, beaucoup de pilules homéopathiques et une perruque. Andy portait toujours ces perruques argentées, mais il n »a jamais admis que c »était des perruques. Un de ses coiffeurs m »a dit récemment qu »il faisait couper ses perruques régulièrement, comme si c »était de vrais cheveux. Quand la perruque était taillée, il en mettait une autre le mois suivant, comme si ses cheveux avaient poussé.

Le groupe Triumph a également écrit une chanson sur Andy Warhol, « Stranger In A Strange Land », tirée de leur album Thunder Seven de 1984.

Livres et imprimés

Au début des années 1950, Warhol a produit plusieurs portfolios non reliés de ses œuvres.

Le premier de plusieurs livres reliés publiés à compte d »auteur par Warhol fut 25 Cats Name Sam and One Blue Pussy, imprimé en 1954 par Seymour Berlin sur du papier filigrané de marque Arches en utilisant sa technique de ligne buvard pour les lithographies. L »édition originale était limitée à 190 exemplaires numérotés et colorés à la main, utilisant les lavis d »encre du Dr Martin. La plupart de ces exemplaires ont été offerts par Warhol à des clients et à des amis. L »exemplaire n° 4, portant l »inscription « Jerry » sur la couverture et offert à Geraldine Stutz, a été utilisé pour une impression en fac-similé en 1987, et l »original a été vendu aux enchères en mai 2006 pour 35 000 dollars par Doyle New York.

D »autres livres auto-publiés par Warhol incluent :

Le livre de Warhol, A la recherche du temps perdu (1955), a marqué sa « transition d »artiste commercial à artiste de galerie ». (Le titre est un jeu de mots de Warhol sur le titre de l »ouvrage de l »auteur français Marcel Proust, À la recherche du temps perdu).

Après avoir acquis la célébrité, Warhol a « écrit » plusieurs livres qui ont été publiés dans le commerce :

Warhol a créé le magazine de mode Interview, qui est toujours publié aujourd »hui. On pense que l »écriture du titre en boucle sur la couverture est soit sa propre écriture, soit celle de sa mère, Julia Warhola, qui réalisait souvent des textes pour ses premiers travaux commerciaux.

Autres médias

Bien qu »Andy Warhol soit surtout connu pour ses peintures et ses films, il est l »auteur d »œuvres dans de nombreux médias différents.

Sexualité

Warhol était homosexuel. En 1980, il a déclaré à un intervieweur qu »il était toujours vierge. Le biographe Bob Colacello, qui était présent lors de l »interview, a estimé que c »était probablement vrai et que le peu de sexe qu »il avait était probablement « un mélange de voyeurisme et de masturbation – pour utiliser l »affirmation de virginité de Warhol semble être contredite par son traitement à l »hôpital en 1960 pour une condylomata, une maladie sexuellement transmissible. Elle a également été contredite par ses amants, dont BillyBoy, la muse de Warhol, qui a déclaré qu »ils faisaient l »amour jusqu »à l »orgasme : « Quand il n »était pas Andy Warhol et quand vous étiez juste seul avec lui, c »était une personne incroyablement généreuse et très gentille. Ce qui m »a séduite, c »est l »Andy Warhol que je voyais seul. En fait, quand j »étais avec lui en public, il me tapait sur les nerfs…. je lui disais : »Tu es juste odieux, je ne peux pas te supporter ». » Billy Name a également nié que Warhol n »était qu »un voyeur, déclarant : « Il était l »essence même de la sexualité. Elle imprégnait tout. Andy l »exsudait, en même temps que sa grande créativité artistique….. Il a apporté une joie à tout le monde de l »art à New York. » « Mais sa personnalité était si vulnérable que c »était devenu un moyen de défense d »afficher une façade vierge. » Parmi les amants de Warhol, on compte John Giorno, Charles Lisanby et Jon Gould. Son petit ami de 12 ans était Jed Johnson, qu »il a rencontré en 1968, et qui est devenu plus tard célèbre en tant qu »architecte d »intérieur.

Le fait que l »homosexualité de Warhol ait influencé son œuvre et façonné sa relation avec le monde de l »art est un sujet majeur de recherche sur l »artiste et une question que Warhol lui-même a abordée dans des interviews, dans des conversations avec ses contemporains et dans ses publications (par exemple, Popism : The Warhol 1960s). Tout au long de sa carrière, Warhol a produit des photographies et des dessins érotiques de nus masculins. Nombre de ses œuvres les plus célèbres (portraits de Liza Minnelli, Judy Garland et Elizabeth Taylor, et films tels que Blow Job, My Hustler et Lonesome Cowboys) s »inspirent de la culture underground gay ou explorent ouvertement la complexité de la sexualité et du désir. Comme l »ont abordé divers spécialistes, nombre de ses films ont été projetés en première dans des cinémas pornographiques gays, notamment le New Andy Warhol Garrick Theatre et le 55th Street Playhouse, à la fin des années 1960.

Les premières œuvres que Warhol a soumises à une galerie d »art, des dessins homoérotiques de nus masculins, ont été rejetées parce que trop ouvertement gay. Dans Popism, l »artiste se souvient d »ailleurs d »une conversation avec le cinéaste Emile de Antonio à propos des difficultés rencontrées par Warhol pour se faire accepter socialement par les artistes homosexuels Jasper Johns et Robert Rauschenberg, qui étaient alors plus célèbres (mais cachés). De Antonio a expliqué que Warhol était « trop chic et que cela les dérangeait ». En réponse à cela, Warhol écrit : « Il n »y avait rien que je puisse dire à cela. C »était trop vrai. Alors j »ai décidé de ne pas m »en soucier, parce que c »était toutes les choses que je ne voulais pas changer de toute façon, que je ne pensais pas que je « devais » vouloir changer… D »autres personnes pouvaient changer d »attitude, mais pas moi ». Dans l »exploration de la biographie de Warhol, nombreux sont ceux qui considèrent cette période – fin des années 1950 et début des années 1960 – comme un moment clé dans le développement de sa personnalité. Certains ont suggéré que son refus fréquent de commenter son travail, de parler de lui-même (se limitant dans les interviews à des réponses telles que « Hum, non » et « Hum, oui », et laissant souvent les autres parler à sa place) – et même l »évolution de son style pop – peuvent être attribués aux années où Warhol a été écarté par les cercles restreints du monde de l »art new-yorkais.

Croyances religieuses

Warhol était un catholique ruthénien pratiquant. Il faisait régulièrement du bénévolat dans les refuges pour sans-abri de New York, en particulier pendant les périodes les plus chargées de l »année, et se décrivait comme une personne religieuse. De nombreuses œuvres ultérieures de Warhol représentent des sujets religieux, notamment deux séries, Details of Renaissance Paintings (1984) et The Last Supper (1986). En outre, un ensemble d »œuvres à thème religieux a été retrouvé à titre posthume dans sa succession.

Au cours de sa vie, Warhol assistait régulièrement à la liturgie, et le prêtre de l »église de Warhol, Saint Vincent Ferrer, a déclaré que l »artiste s »y rendait presque quotidiennement, bien qu »on ne l »ait pas vu communier ou se confesser et qu »il s »asseyait ou s »agenouillait sur les bancs du fond. Le prêtre pensait qu »il avait peur d »être reconnu ; Warhol disait être gêné d »être vu dans une église de rite romain en train de se croiser « à la manière orthodoxe » (de droite à gauche au lieu de l »inverse).

Son art est sensiblement influencé par la tradition chrétienne orientale qui était si évidente dans ses lieux de culte.

Le frère de Warhol a décrit l »artiste comme « très religieux, mais il ne voulait pas que les gens le sachent, car c »était privé ». Malgré la nature privée de sa foi, dans l »éloge funèbre de Warhol, John Richardson l »a décrite comme dévote : « A ma connaissance, il a été responsable d »au moins une conversion. Il était très fier de financer les études de son neveu en vue de la prêtrise ».

Collections

Warhol était un collectionneur passionné. Ses amis appelaient ses nombreuses collections, qui remplissaient non seulement sa maison de ville de quatre étages, mais aussi un entrepôt voisin, « les affaires d »Andy ». La véritable étendue de ses collections n »a été découverte qu »après sa mort, lorsque le musée Andy Warhol de Pittsburgh a reçu 641 boîtes de ses « affaires ».

Les collections de Warhol comprenaient une enseigne de souvenirs de Coca-Cola et des peintures du XIXe siècle, ainsi que des menus d »avion, des factures impayées, de la pâte à pizza, des romans de gare pornographiques, des journaux, des timbres, des prospectus de supermarché et des boîtes à biscuits, entre autres excentricités. Elle comprenait également des œuvres d »art importantes, telles que Miss Bentham de George Bellows. L »une de ses principales collections était celle de ses perruques. Warhol en possédait plus de 40 et se sentait très protecteur de ses postiches, qui étaient cousus par un perruquier new-yorkais à partir de cheveux importés d »Italie. En 1985, une fille a arraché la perruque de Warhol de sa tête. On a découvert plus tard dans le journal de Warhol qu »il avait écrit ce jour-là : « Je ne sais pas ce qui m »a retenu de la pousser par-dessus le balcon. »

En 1960, il avait acheté un dessin de Jasper Johns représentant une ampoule électrique.

Un autre objet trouvé dans les boîtes de Warhol au musée de Pittsburgh était un pied humain momifié provenant de l »Égypte ancienne. Le conservateur d »anthropologie du Carnegie Museum of Natural History a estimé que Warhol l »avait très probablement trouvé dans un marché aux puces.

Andy Warhol a également collectionné de nombreux livres, avec plus de 1200 titres dans sa collection personnelle. Parmi ceux-ci, 139 titres ont été publiquement identifiés dans un catalogue de vente aux enchères de 1988 de Sotheby »s, The Andy Warhol Collection, et peuvent être consultés en ligne. Sa collection de livres reflète ses goûts et ses intérêts éclectiques, et comprend des livres écrits par et sur certaines de ses connaissances et amis. Parmi les titres de sa collection, citons The Two Mrs. Grenvilles : A Novel de Dominick Dunne, Artists in Uniform de Max Eastman, Andrews » Diseases of the Skin : Clinical Dermatology par George Clinton Andrews, D.V. par Diana Vreeland, Blood of a Poet par Jean Cocteau, Watercolours par Francesco Clemente, Little World, Hello ! par Jimmy Savo, Hidden Faces par Salvador Dalí, et The Dinah Shore Cookbook par Dinah Shore.

En 2002, le service postal américain a émis un timbre de 18 cents commémorant Warhol. Conçu par Richard Sheaff de Scottsdale, Arizona, le timbre a été dévoilé lors d »une cérémonie au musée Andy Warhol et présente la peinture de Warhol « Autoportrait, 1964 ». En mars 2011, une statue en chrome représentant Andy Warhol et son appareil photo Polaroid a été dévoilée à Union Square, à New York.

Un cratère sur Mercure a été nommé d »après Warhol en 2012.

Fondation Warhol

Le testament de Warhol prévoyait que l »ensemble de ses biens – à l »exception de quelques modestes legs à des membres de sa famille – serait affecté à la création d »une fondation dédiée à « l »avancement des arts visuels ». Warhol possédait tellement de biens qu »il a fallu neuf jours à Sotheby »s pour vendre aux enchères sa succession après sa mort ; la vente a rapporté plus de 20 millions de dollars américains.

En 1987, conformément au testament d »Andy Warhol, la Andy Warhol Foundation for the Visual Arts a vu le jour. La fondation fait office de succession d »Andy Warhol, mais a également pour mission « d »encourager l »expression artistique innovante et le processus créatif » et « se concentre principalement sur le soutien d »œuvres de nature stimulante et souvent expérimentale ».

L »Artists Rights Society est le représentant américain des droits d »auteur de la Andy Warhol Foundation for the Visual Arts pour toutes les œuvres de Warhol, à l »exception des photographies de films de Warhol. Le représentant américain des droits d »auteur pour les photographies de films de Warhol est le Warhol Museum de Pittsburgh. En outre, la Andy Warhol Foundation for the Visual Arts a conclu des accords pour ses archives d »images. Toutes les images numériques de Warhol sont gérées exclusivement par Corbis, tandis que toutes les images par transparence de Warhol sont gérées par Art Resource.

La Fondation Andy Warhol a publié en 2007 le rapport annuel de son 20e anniversaire sous la forme d »un ensemble de trois volumes : Vol. I, 1987-2007 ; Vol. II, Subventions et expositions ; et Vol. III, Programme d »héritage.

La Fondation est en train de compiler son catalogue raisonné de peintures et de sculptures en volumes couvrant des blocs d »années de la carrière de l »artiste. Les volumes IV et V ont été publiés en 2019. Les volumes suivants sont encore en cours de compilation.

La Fondation reste l »une des plus grandes organisations de subventionnement des arts visuels aux États-Unis.

De nombreuses œuvres et possessions de Warhol sont exposées au musée Andy Warhol de Pittsburgh. La fondation a fait don de plus de 3 000 œuvres d »art au musée.

Warhol a fondé le magazine Interview, une scène pour les célébrités qu »il « cautionnait » et une entreprise dont le personnel était composé de ses amis. Il a collaboré avec d »autres personnes pour tous ses livres (dont certains ont été écrits avec Pat Hackett). On pourrait même dire qu »il a produit des personnes (comme dans la « Superstar » warholienne et le portrait warholien). Warhol a soutenu des produits, est apparu dans des publicités et a fait de fréquentes apparitions de célébrités dans des émissions de télévision et des films (il est apparu dans tout, de La croisière s »amuse au film de Richard Pryor, Dynamite Chicken).

À cet égard, Warhol était un adepte de l » »Art Business » et de l » »Art commercial » – il a d »ailleurs écrit sur son intérêt pour la réflexion sur l »art en tant qu »entreprise dans The Philosophy of Andy Warhol from A to B and Back Again.

Films –

Warhol a joué son propre rôle dans le film Cocaine Cowboys (1979) et dans le film Tootsie (1982).

Après sa mort, Warhol a été interprété par Crispin Glover dans le film d »Oliver Stone The Doors (1991), par David Bowie dans le film de Julian Schnabel Basquiat (1996) et par Jared Harris dans le film de Mary Harron I Shot Andy Warhol (1996). Warhol apparaît comme un personnage dans l »opéra de Michael Daugherty, Jackie O (1997). L »acteur Mark Bringleson fait un bref caméo dans le rôle de Warhol dans Austin Powers : International Man of Mystery (1997). De nombreux films du cinéaste d »avant-garde Jonas Mekas ont saisi les moments de la vie de Warhol. Sean Gregory Sullivan a joué le rôle de Warhol dans le film 54 (1998). Guy Pearce a joué le rôle de Warhol dans le film Factory Girl (2007) sur la vie d »Edie Sedgwick. L »acteur Greg Travis incarne Warhol dans une brève scène du film Watchmen (2009).

Dans le film Highway to Hell, un groupe d »Andy Warhol fait partie de la Good Intentions Paving Company, où les âmes bien intentionnées sont broyées en pavés. Dans le film Men in Black 3 (2012), Andy Warhol s »avère être en réalité l »agent W du MIB (joué par Bill Hader). Warhol organise une fête à la Factory en 1969, où il est surveillé par les agents MIB K et J (J du futur). L »agent W est désespéré à l »idée de mettre fin à son travail d »infiltration (« Je suis tellement à court d »idées que je peins des boîtes de soupe et des bananes, pour l »amour de Dieu ! », « Tu dois simuler ma mort, d »accord ? Je ne peux plus écouter de musique de sitar » et « Je ne peux plus distinguer les femmes des hommes »).

Andy Warhol (interprété par Tom Meeten) est l »un des personnages principaux de l »émission télévisée britannique de 2012 Noel Fielding »s Luxury Comedy. Le personnage est dépeint comme ayant des manières de robot. Dans le long métrage de 2017 The Billionaire Boys Club, Cary Elwes interprète Warhol dans un film basé sur l »histoire vraie de Ron Levin (interprété par Kevin Spacey) un ami de Warhol qui a été assassiné en 1986. En septembre 2016, il a été annoncé que Jared Leto incarnerait le personnage titre dans Warhol, un prochain film dramatique biographique américain produit par Michael De Luca et écrit par Terence Winter, basé sur le livre Warhol : The Biography de Victor Bockris.

Télévision

Warhol est apparu comme un personnage récurrent dans la série télévisée Vinyl, joué par John Cameron Mitchell. Evan Peters a interprété le rôle de Warhol dans l »épisode « American Horror Story : Cult, épisode « Valerie Solanas Died for Your Sins : Scumbag ». L »épisode décrit la tentative d »assassinat de Warhol par Valerie Solanas (Lena Dunham).

Au début de 1969, Andy Warhol a été chargé par Braniff International d »apparaître dans deux publicités télévisées pour promouvoir la campagne « When You Got It – Flaunt It » de la compagnie aérienne de luxe. La campagne a été créée par l »agence de publicité Lois Holland Calloway, qui était dirigée par George Lois, créateur d »une célèbre série de couvertures du magazine Esquire. La première série de publicités mettait en scène des couples improbables qui avaient en commun le fait de voler tous les deux sur Braniff Airways. Warhol est associé à la légende de la boxe Sonny Liston. Cette publicité étrange a fonctionné, tout comme les autres qui mettaient en scène des compagnons de voyage improbables tels que le peintre Salvador Dalí et la légende du baseball Whitey Ford.

Deux autres publicités pour Braniff ont été créées, mettant en scène des personnalités qui montent dans un avion Braniff et sont accueillies par une hôtesse Braniff tout en vantant les mérites de l »avion Braniff. Warhol était également présent dans la première de ces publicités, également produites par Lois et diffusées au cours de l »été 1969. Lois a déclaré à tort qu »il avait été mandaté par Braniff en 1967 pour le représenter au cours de cette année-là, mais la doyenne de la publicité de Madison Avenue, Mary Wells Lawrence, qui était mariée au président de Braniff, Harding Lawrence, représentait alors le transporteur basé à Dallas. Lois a succédé à l »agence Wells Rich Greene le 1er décembre 1968. Les droits des films de Warhol pour Braniff et les contrats qu »il a signés sont détenus par un trust privé et sont administrés par la Braniff Airways Foundation à Dallas, au Texas.

Livres

Une biographie d »Andy Warhol écrite par le critique d »art Blake Gopnik a été publiée en 2020 sous le titre Warhol.

Sources