Diego Rivera

gigatos | novembre 21, 2021

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Résumé

Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de la Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez († 24 novembre 1957 à Mexico) est un peintre mexicain. Il est considéré, avec David Alfaro Siqueiros et José Clemente Orozco, comme le peintre le plus important de l »art moderne au Mexique. Ensemble, ils ont été surnommés Los Tres Grandes (les trois grands).

Diego Rivera a travaillé en Europe de 1907 à 1921, puis aux États-Unis au début et à la fin des années 1930. Dans ses tableaux, Rivera adapte rapidement de nombreux styles différents et s »intéresse pendant longtemps au cubisme. Pendant son séjour en Europe, il a été en contact avec les principaux représentants de l »art moderne comme Picasso, Braque et Gris. Après son retour au Mexique, Diego Rivera a surtout travaillé sur ses grands projets de fresques murales, notamment au Palacio Nacional, au Palacio de Bellas Artes, au Secretaría de Educación Pública et dans différentes institutions aux États-Unis. Ces murales, qu »il considérait comme une contribution à l »éducation populaire, ont largement contribué à la notoriété et au succès de Rivera. Les autres facettes de son œuvre ont été reléguées au second plan.

Le nombre exact de ses tableaux n »est pas connu, on trouve encore des peintures à l »huile de Rivera qui n »étaient pas connues jusqu »à présent. Beaucoup d »entre elles étaient des portraits et des autoportraits, un grand nombre d »entre elles représentaient également des motifs mexicains. Ces derniers, ainsi que les variations de ses motifs muraux, étaient particulièrement appréciés des touristes américains. Rivera a également réalisé des dessins et des illustrations, ainsi que des costumes et des décors pour une production théâtrale. Ces aspects de l »ensemble de son œuvre n »ont pas encore été traités en détail dans la littérature consacrée à Rivera.

Rivera a adhéré au Parti communiste mexicain en 1922 et a fait partie de son comité exécutif pendant un certain temps. En 1927, il se rendit en Union soviétique à l »occasion du jubilé de la Révolution d »Octobre, avec l »intention de contribuer au développement artistique de ce pays ; cependant, en raison de ses critiques à l »égard de la politique stalinienne, on lui suggéra de rentrer au Mexique. En raison de sa position critique à l »égard de Joseph Staline et des missions gouvernementales acceptées par Rivera, le Parti communiste mexicain l »exclut en 1929, mais accepte en 1954 l »une de ses demandes de réintégration.

Dans les années 1930, Rivera s »est tourné vers les idées du trotskisme. Il s »engagea pour que Léon Trotski obtienne l »exil au Mexique et l »hébergea brièvement dans sa maison. Après des conflits politiques et personnels avec Trotski, l »artiste mexicain rompit ses liens en 1939. Les convictions politiques de Diego Rivera se reflètent également dans ses œuvres, dans lesquelles il propage les idées communistes et immortalise à plusieurs reprises des figures de proue du socialisme et du communisme. Dans le cadre de ses activités politiques, Rivera publia également des articles et participa à la publication de revues de gauche. En 1929, Rivera a épousé l »artiste Frida Kahlo, qui partageait ses convictions politiques.

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Enfance et formation

Diego Rivera et son frère jumeau José Carlos María sont nés le 8 ou le 13 décembre 1886 à Guanajuato. Ils étaient les premiers fils du couple d »enseignants María del Pilar Barrientos et Diego Rivera. Le contexte familial de Diego Rivera reste incertain, car il est en grande partie colporté par lui-même. Le grand-père paternel, Don Anastasio de Rivera, serait venu au monde là-bas en tant que fils de l »arrière-grand-père d »origine italienne qui était au service diplomatique espagnol en Russie, la mère russe inconnue étant morte à la naissance. Don Anastasio a ensuite émigré au Mexique, a acquis une mine d »argent et a épousé Ynez Acosta. Il aurait lutté pour Benito Juárez contre l »intervention française. Sa grand-mère maternelle, Nemesis Rodriguez Valpuesta, serait d »origine semi-indienne. Avec ses déclarations non étayées, Rivera a contribué à la création d »une légende autour de sa personne et s »est situé lui-même dans l »histoire du Mexique, qui est un aspect central de l »ensemble de son œuvre.

Le frère jumeau de Diego Rivera est mort en 1888 ; sa mère a donné naissance à une fille, María, en 1891. Les articles gauchistes de son père, auteur et co-éditeur de la revue libérale El Demócrata, scandalisent ses collègues et la partie conservatrice des lecteurs, au point que même sa famille est attaquée. Après avoir spéculé dans les mines, il déménagea en 1892 à Mexico, où Diego senior obtint un poste dans la fonction publique. Le père s »est toutefois occupé très tôt de l »éducation de son fils : Diego junior avait déjà appris à lire à l »âge de quatre ans. A partir de 1894, il fréquente le Colegio Católico Carpantier. Son talent pour le dessin est encouragé dès la troisième année par des cours du soir supplémentaires à l »Academia de San Carlos. En 1898, il s »y inscrit comme étudiant régulier après avoir obtenu une bourse d »études.

Diego Rivera est ainsi entré en contact avec des conceptions artistiques très différentes. Il cite (dans l »ordre) Félix Parra, José María Velasco et Santiago Rebull comme ses principaux professeurs à l »Académie. Rebull, qui a reconnu le talent du jeune homme et l »a sans doute favorisé au grand dam de ses camarades, était un élève de Jean-Auguste-Dominique Ingres et un adepte des nazaréens, tandis que Parra était un naturaliste qui s »intéressait au Mexique préhispanique. Les études suivaient le modèle européen avec une formation technique, une recherche rationnelle et des idéaux positivistes.

Rivera a travaillé aussi bien en atelier que dans le paysage, en s »inspirant fortement de Velasco, dont il a profité de l »enseignement sur la perspective. Il suivit son maître surtout dans la représentation des couleurs particulières d »un paysage mexicain typique. C »est également à l »Académie que Rivera fit la connaissance du peintre paysagiste Gerardo Murillo, qui était venu en Europe peu de temps auparavant. Murillo a influencé l »étudiant en art par son appréciation de l »art indien et de la culture mexicaine, qui s »est reflétée dans l »œuvre ultérieure de Rivera. De plus, Murillo enseigna à Rivera l »art contemporain en Europe, ce qui suscita chez ce dernier le désir de se rendre lui-même en Europe.

Rivera exprime dans son autobiographie son admiration pour José Guadalupe Posada, qu »il a appris à connaître et à apprécier à cette époque. En 1905, il quitte l »Académie. En 1906, il expose pour la première fois 26 de ses œuvres, pour la plupart des paysages et des portraits, à l »exposition artistique annuelle de l »Academia de San Carlos organisée par Murillo et parvient à vendre ses premières œuvres.

Premier séjour en Europe

En janvier 1907, Diego Rivera a pu se rendre à Veracruz grâce à une bourse de Teodoro A. Dehesa, gouverneur de l »État de Veracruz, et de ses réserves issues de ses ventes, pour se rendre en Espagne. Sur recommandation de Murillo, il entra dans l »atelier d »Eduardo Chicharro y Agüeras, l »un des principaux réalistes espagnols. Le peintre a également conseillé à Rivera de voyager à travers l »Espagne en 1907 et 1908 afin de découvrir différentes influences et courants. Au cours des années qui suivirent, Rivera s »essaya à différents styles dans ses œuvres. Au Museo del Prado, il a copié et étudié des tableaux du Greco, de Francisco de Goya, de Diego Velázquez et de peintres flamands. L »écrivain et critique dadaïste Ramón Gómez de la Serna introduisit Rivera dans les cercles de l »avant-garde espagnole à Madrid. En 1908, Rivera exposa également dans la deuxième exposition des élèves de Chicharro.

Encouragé par ses amis avant-gardistes, Rivera a poursuivi son voyage en France en 1909, visitant des musées et des expositions et donnant des conférences. Il travaille également dans les écoles de Montparnasse et sur les bords de la Seine. Durant l »été 1909, il se rendit à Bruxelles. C »est là qu »il fit la connaissance d »Angelina Beloff, une peintre russe de six ans son aînée. Elle devint sa première compagne et l »accompagna à Londres. Il y étudia les œuvres de William Hogarth, William Blake et William Turner. A la fin de l »année, Rivera retourna à Paris en compagnie de Beloff et présenta pour la première fois des œuvres dans une exposition de la Société des Artistes Indépendants en 1910. Sa bourse d »études arrivant à échéance, Rivera retourna au milieu de l »année au Mexique via Madrid, où il arriva en août 1910.

En novembre, il a présenté certaines de ses œuvres à l »Academia de San Carlos dans le cadre d »une exposition d »art organisée à l »occasion du centenaire de l »indépendance du Mexique. La révolution mexicaine a éclaté pendant son séjour. Aucune preuve ne vient étayer l »affirmation de Rivera lui-même selon laquelle il aurait combattu aux côtés d »Emiliano Zapata au début de la révolution, il s »agit donc très probablement d »une légende créée ultérieurement. Malgré les troubles politiques, l »exposition fut un succès artistique et financier pour Rivera, sept de ses tableaux furent achetés par le gouvernement mexicain. Les recettes lui permirent d »entreprendre son voyage de retour vers l »Europe en juin 1911.

Deuxième séjour en Europe

En juin 1911, Diego Rivera retourna à Paris où il s »installa dans un appartement avec Angelina Beloff. Au printemps 1912, ils se rendirent tous deux en Castille. Lors d »un séjour à Tolède, Rivera rencontra plusieurs artistes latino-américains vivant en Europe. Il eut des contacts particulièrement étroits avec son compatriote Angel Zárraga. En Espagne, Rivera expérimenta le pointillisme. Après leur retour à Paris à l »automne 1912, Angelina Beloff et lui s »installèrent rue du Départ. Les artistes Piet Mondrian, Lodewijk Schelfhout et le peintre Conrad Kickert – à l »époque correspondant de l »hebdomadaire néerlandais De Groene Amsterdammer -, dont l »œuvre avait été influencée par Paul Cézanne, habitaient dans le voisinage. C »est à cette époque que les premières influences cubistes se font sentir dans la peinture de Rivera. Il parvint à une compréhension assez personnelle du cubisme, plus colorée chez lui que chez d »autres cubistes. Après s »être lié d »amitié avec Juan Gris en 1914, ses œuvres présentent également des influences de l »œuvre de l »Espagnol.

En 1913, il expose ses premières toiles cubistes au Salon d »Automne. Il participe en outre cette année-là à des expositions de groupe à Munich et à Vienne, et en 1914 à Prague, Amsterdam et Bruxelles. A cette époque, Diego Rivera participe très activement aux discussions théoriques des cubistes. L »un de ses principaux interlocuteurs était Pablo Picasso. En avril 1914, la galerie Berthe Weill organisa la première exposition individuelle de Rivera, qui présentait 25 de ses œuvres cubistes. Il put vendre certaines de ces œuvres, ce qui améliora sa situation financière tendue. Rivera et Beloff ont ainsi pu se rendre à Majorque en juillet, en compagnie d »autres artistes, où Rivera a appris le début de la Première Guerre mondiale. En raison de la guerre, leur séjour sur l »île dura plus longtemps que prévu. Ils poursuivirent leur voyage via Barcelone jusqu »à Madrid, où Rivera rencontra différents intellectuels espagnols et latino-américains. Il y participa en 1915 à l »exposition Los pintores íntegris organisée par Gómez de la Serna, où des œuvres cubistes furent exposées pour la première fois en Espagne et suscitèrent de vives discussions.

Durant l »été 1915, Rivera est retourné à Paris où sa mère lui a rendu visite. C »est d »elle et des intellectuels mexicains en Espagne qu »il reçut des informations sur la situation politique et sociale de son pays natal. Rivera suivit avec bienveillance l »évolution de la révolution dans son pays natal et en fit également le thème de son œuvre. En 1915, Rivera entama une liaison avec l »artiste russe Marevna Vorobev-Stebelska, qui dura jusqu »à son retour au Mexique. Il obtient de plus en plus de succès avec sa peinture. En 1916, Diego Rivera participe à deux expositions collectives d »art postimpressionniste et cubiste à la Modern Gallery de Marius de Zayas à New York. En octobre de la même année, il y a présenté l »exposition individuelle Exhibition of Paintings by Diego M. Rivera and Mexican Pre-Conquest Art. En outre, son premier fils, prénommé Diego, est né cette année-là de sa relation avec Angelina Beloff.

En 1917, le directeur de la galerie L »Effort moderne, Léonce Rosenberg, prit Diego Rivera sous contrat pour deux ans. Il fut introduit par Angelina Beloff dans un groupe de discussion d »artistes et d »émigrés russes organisé par Henri Matisse et participa aux discussions métaphysiques qui s »y tenaient. Celles-ci se répercutent sur l »œuvre de Rivera par un style plus dépouillé et des compositions simplifiées. Au printemps, Rivera entra en conflit avec le critique d »art Pierre Reverdy, qui était devenu l »un des principaux théoriciens du cubisme et qui avait très mal parlé des œuvres de Diego Rivera. Les deux hommes en vinrent à se disputer et à en venir aux mains. Suite à cela, Diego Rivera s »est détourné du cubisme et est revenu à la peinture figurative. Il rompit en outre avec Rosenberg et Picasso, ce qui eut pour conséquence que Braque, Gris, Léger ainsi que Jacques Lipchitz et Gino Severini, qui lui étaient liés d »amitié, se détournèrent également de lui. En hiver 1917, son premier fils décède des suites d »une grippe.

En 1918, Rivera s »installe avec Angelina Beloff dans un appartement près du Champ de Mars. L »influence de Cézanne se fait sentir dans ses peintures, celle d »Ingres également dans certaines natures mortes et portraits. Rivera reprit des éléments fauves, ainsi que le style et les couleurs de Renoir. Ce retour à la peinture figurative a reçu le soutien de l »écrivain d »art Élie Faure, à l »exposition duquel le peintre mexicain avait déjà participé en 1917, Les Constructeurs. Faure a eu une grande influence sur le développement ultérieur de Rivera, car il a intéressé ce dernier à l »art de la Renaissance italienne et a discuté avec lui de la valeur sociale de l »art. Par la suite, Diego Rivera envisagea la peinture murale comme forme de représentation.

En 1919, Diego Rivera rencontre pour la première fois David Alfaro Siqueiros. Ensemble, ils ont discuté des changements nécessaires dans l »art mexicain. Ils partagent une vision commune de la mission de l »art mexicain et de la place qu »il doit occuper dans la société. Le 13 novembre, la maîtresse de Rivera, Vorobev-Stebelska, a donné naissance à sa fille Marika. Rivera peint deux portraits de l »ambassadeur du Mexique à Paris et de sa femme. L »ambassadeur intervint en faveur de Diego Rivera auprès de José Vasconcelos, le nouveau directeur de l »université de Mexico, et demanda de financer un séjour d »études en Italie pour le peintre. Cette bourse permit à Diego Rivera de se rendre en Italie en février 1920. Pendant les 17 mois qui suivirent, il y étudia des œuvres d »art étrusques, byzantines et de la Renaissance. Il a réalisé des croquis du paysage et de l »architecture italiens ainsi que des chefs-d »œuvre de l »art italien. La plupart d »entre eux ont disparu.

Rivera étudia les fresques de Giotto et les peintures murales et de plafond de Michel-Ange dans la chapelle Sixtine. Rivera s »est ainsi familiarisé avec la technique de la fresque et les possibilités d »expression d »une peinture monumentale. Attiré par l »évolution sociale et politique de son pays, Rivera retourne seul au Mexique en mars 1921, via Paris.

Rivera en tant qu »artiste politique au Mexique

En 1920, alors que Diego Rivera se trouvait en Italie, José Vasconcelos a été nommé ministre de l »éducation par le président Alvaro Obregón. Vasconcelos mit en place un vaste programme d »éducation populaire, qui prévoyait également des fresques éducatives et instructives sur et dans les bâtiments publics. Grâce à elles, il voulait réaliser, à la suite de la révolution, les idéaux d »un vaste mouvement de réforme culturelle qui prévoyait l »égalité ethnique et sociale de la population indigène et l »établissement d »une culture nationale mexicaine propre.

Peu après l »arrivée de Rivera à Paris en mars 1921, il est retourné au Mexique, car l »évolution politique et sociale de ce pays lui paraissait attrayante. Il prit ses distances avec son temps passé en Europe en développant son propre style au lieu de continuer à suivre les évolutions stylistiques du modernisme, et laissa derrière lui sa compagne, sa maîtresse et sa fille. Seule sa fille Marika reçut une pension alimentaire par l »intermédiaire d »amis, bien que Rivera n »ait jamais reconnu officiellement sa paternité. Peu de temps après son retour, en juin 1921, le ministre de l »Éducation a inclus Rivera dans le programme culturel du gouvernement. En 1921, Vasconcelos invita Diego Rivera et d »autres artistes et intellectuels de retour d »Europe à faire un voyage au Yucatán. Ils devaient se familiariser avec l »héritage culturel et national du Mexique afin de l »intégrer dans leurs futurs travaux. Lors de ce voyage, Rivera a vu les sites archéologiques d »Uxmal et de Chichén Itzá. Inspiré par les impressions qu »il y a recueillies, Rivera a développé son idée d »un art au service du peuple, qui transmettrait l »histoire par le biais de peintures murales.

Diego Rivera a commencé à peindre sa première fresque en janvier 1922 à l »Escuela Nacional Preparatoria. Ce projet fut le prélude et l »épreuve de vérité du programme de fresques du gouvernement. Pendant que plusieurs peintres travaillaient dans le patio, Rivera réalisait la peinture La Création dans l »auditorium. Les travaux, pour lesquels il suivit largement les méthodes traditionnelles de la technique de la fresque, durèrent un an. Sa première peinture murale reprenait encore un motif chrétien et européen traditionnel, même s »il le contrastait avec des couleurs et des types de personnages typiquement mexicains. Dans les panneaux peints après son retour, c »est en revanche la vie quotidienne mexicaine qui était au premier plan. Rivera épousa en juin 1922 Guadelupe Marín, qui posa pour l »une des figures de la fresque, après avoir déjà eu des relations avec quelques modèles. Le couple s »installa dans une maison de la rue Mixcalco.

En automne 1922, Diego Rivera participa à la fondation du Sindicato Revolucionario de Trabajadores Técnicos, Pintores y Escultores, le syndicat révolutionnaire des ouvriers techniques, des peintres et des sculpteurs, et y découvrit les idées communistes. Au sein du syndicat, Rivera était lié à David Alfaro Siqueiros, Carlos Mérida, Xavier Guerrero, Amado de la Cueva, Fernando Leal, Ramón Alva Guadarrama, Fermín Revueltas, Germán Cueto et José Clemente Orozco. Fin 1922, Diego Rivera adhère au Parti communiste mexicain. Avec Siqueiros et Xavier Guerrero, il forma son comité exécutif.

En mars 1922, Rivera reçut la commande de décorer le Secretaría de Educación Pública avec des fresques. A partir de septembre 1922, il travailla sur ce projet qu »il dirigea en même temps. Il s »agissait de la plus grande commande de la première décennie du Muralismo. Les travaux au ministère de l »Éducation s »étendirent sur plusieurs années. Comme il ne gagnait que deux dollars par jour avec ces travaux, Diego Rivera vendait des peintures, des dessins et des aquarelles à des collectionneurs, principalement nord-américains. En 1924, la fille de Rivera, Guadelupe, voit le jour. Cette année-là, le projet de peinture murale au sein du ministère de l »Éducation suscita d »importants conflits. Des groupes conservateurs s »opposèrent à la peinture murale, le ministre de l »Éducation Vasconcelos démissionna et les travaux sur le projet furent interrompus. Après le licenciement de la majorité des peintres, Rivera réussit à convaincre le nouveau ministre de l »Éducation, José María Puig Casaurac, de l »importance des murales et conserva alors son emploi pour achever les peintures. À la fin de l »année 1924, en plus de ses travaux au ministère de l »Éducation, il a été chargé de peindre des fresques murales à l »Escuela Nacional de Agricultura de Chapingo. Il y a réalisé des peintures murales décoratives pour le hall d »entrée, l »escalier et le hall d »accueil du premier étage et, en 1926, pour les murs de l »auditorium. Sa femme enceinte et Tina Modotti ont toutes deux posé pour Rivera dans le cadre de ce projet. Il eut une liaison avec Modotti, ce qui entraîna sa séparation provisoire d »avec Guadalupe Marín. Après la naissance de sa fille Ruth, Diego Rivera quitta sa femme en 1927.

Voyage en Union soviétique et succès au Mexique

En automne 1927, après avoir terminé ses travaux à Chapingo, Diego Rivera se rendit en Union soviétique en tant que membre de la délégation officielle du Parti communiste mexicain à l »occasion du dixième anniversaire de la Révolution d »octobre. Déjà dans ses années parisiennes, Rivera avait l »intention de visiter l »URSS, mais il espérait maintenant profiter de l »évolution de l »art dans ce pays et voulait apporter sa contribution à l »art soviétique en réalisant sa propre peinture murale. Son voyage l »a mené à Berlin, où il a rencontré des intellectuels et des artistes, puis à Moscou, où il a séjourné pendant neuf mois. Il y donna des conférences et enseigna la peinture monumentale à l »école des beaux-arts. Rivera était en contact avec le groupe d »artistes Octobre, qui prônait un art public suivant les traditions populaires. Lors des festivités du 1er mai 1928, il a réalisé des esquisses pour une fresque murale prévue au Club de l »Armée rouge, mais celle-ci n »a pas été réalisée en raison d »intrigues et de désaccords. En raison de divergences d »opinions politiques et artistiques, le gouvernement stalinien a suggéré à Diego Rivera de retourner au Mexique.

En 1928, il est revenu d »Union soviétique et s »est définitivement séparé de Guadelupe Marín. Il termina cette année-là les peintures murales au ministère de l »Éducation et à Chapingo. Alors qu »il terminait ses travaux au ministère de l »éducation, il reçut la visite de Frida Kahlo, qui lui montra ses premiers essais de peinture et lui demanda son avis. Suite à la réaction positive de Rivera, elle décida de se consacrer entièrement à la peinture. Le 21 août 1929, Diego Rivera épousa la peintre, de presque 21 ans sa cadette. Peu de temps auparavant, Rivera avait été élu directeur de l »école d »art de l »Academia de San Carlos par les élèves. Ses concepts furent cependant fortement critiqués par les médias et les forces conservatrices. Il a élaboré un nouvel emploi du temps et a accordé aux élèves de grandes possibilités de participation dans le choix des enseignants, du personnel et des méthodes. Les réformes de Rivera furent surtout critiquées par les enseignants et les élèves de l »école d »architecture située dans le même bâtiment, auxquels se joignirent des artistes conservateurs et également des membres du parti communiste, dont Diego Rivera fut exclu en septembre 1929. L »administration de l »Académie finit par céder aux protestations et licencia Diego Rivera au milieu de l »année 1930. L »exclusion du Parti communiste était la conséquence de la position critique de Rivera envers Joseph Staline et sa politique, ainsi que de l »acceptation de commandes du gouvernement du président Plutarco Elías Calles.

En 1929, Rivera a été chargé de peindre la cage d »escalier du Palacio Nacional à Mexico, ainsi qu »une fresque murale pour le Secretaría de Salud. Pendant les travaux au siège du gouvernement, qui devaient occuper Rivera pendant plusieurs années, l »ambassadeur des Etats-Unis au Mexique, Dwight W. Morrow, chargea Diego Rivera de réaliser une peinture murale au Palacio de Cortés de Cuernavaca. Pour cette commande, il reçoit 12.000 dollars, son plus haut salaire jusqu »à présent. Après avoir terminé cette commande à l »automne 1930, Rivera accepta la proposition de réaliser des peintures murales aux États-Unis. Cette décision fut vivement critiquée par la presse communiste mexicaine.

Séjour aux États-Unis

En automne 1930, Diego Rivera s »est rendu à San Francisco en compagnie de Frida Kahlo. Aux Etats-Unis, l »art des muralistes mexicains était déjà connu depuis les années 1920 grâce à des articles de presse et des récits de voyage. Des voyageurs avaient déjà apporté des tableaux de Rivera aux Etats-Unis, et il devait à présent y réaliser également des peintures murales. Le sculpteur californien Ralph Stackpole connaissait Rivera depuis son séjour à Paris et a collectionné ses tableaux, dont l »un a été offert à William Gerstle, le président de la San Francisco Art Commission. Gerstle voulait que Rivera peigne un mur de la California School of Fine Arts, et ce dernier accepta la commande. En 1929, lorsque Stackpole reçut, avec d »autres artistes, la mission de décorer le nouveau bâtiment du San Francisco Pacific Stock Exchange, il parvint en outre à réserver un mur pour Diego Rivera. Au début, Rivera s »est vu refuser l »entrée aux États-Unis en raison de ses convictions communistes. Ce n »est qu »après l »intervention d »Albert M. Bender, un agent d »assurance et collectionneur d »art influent, qu »il obtint un visa. Cette décision a été critiquée aussi bien par les médias anticommunistes que par les artistes de San Francisco, qui se sont sentis désavantagés lors de l »attribution des commandes. Le fait que 120 œuvres de Rivera aient été exposées au California Palace of the Legion of Honor à la fin de l »année 1930 a également suscité des critiques. Après l »achèvement des projets de fresques murales et suite à l »apparition personnelle du couple, l »ambiance changea pour le mieux.

À San Francisco, Diego Rivera a peint de décembre 1930 à février 1931 la fresque Allégorie de la Californie dans le Luncheon Club du San Francisco Pacific Stock Exchange. La fresque a été officiellement inaugurée en mars 1931, en même temps que le bâtiment de la Bourse. D »avril à juin 1931, Diego Rivera a ensuite réalisé la peinture murale La réalisation d »une fresque à la California School of Fine Arts. Immédiatement après l »achèvement du projet, il retourna au Mexique pour terminer, à la demande du président, la fresque murale laissée inachevée au Palacio Nacional. Peu après, Diego Rivera a été invité à exposer au Museum of Modern Art de New York. Après une rétrospective d »Henri Matisse, il s »agissait de la deuxième grande exposition individuelle dans ce musée ouvert en 1929 et elle est restée jusqu »en 1986 la plus importante exposition d »œuvres de Rivera aux États-Unis. En raison de cette invitation, Rivera interrompit à nouveau les travaux au Palacio Nacional après l »achèvement du mur principal. Il partit en bateau pour New York avec sa femme et la marchande d »art Frances Flynn Paine, qui lui avait suggéré cette rétrospective. Il y arriva en novembre 1931 et travailla sur huit fresques transportables jusqu »à l »ouverture de l »exposition le 23 décembre. Au total, la rétrospective présenta 150 œuvres de Rivera et fut visitée par 57.000 personnes. La critique a également accompagné l »exposition de manière positive.

Par l »intermédiaire de la championne de tennis Helen Wills Moody, Diego Rivera fit la connaissance de William R. Valentiner et Edgar P. Richardson, les deux directeurs de l »Institut des arts de Detroit. Ils l »invitèrent à exposer à Détroit en février et mars 1931 et soumirent à la commission artistique compétente de la ville la proposition d »engager Diego Rivera pour une peinture murale dans le Garden Court du musée. Avec le soutien d »Edsel B. Ford, le président de la commission artistique de la ville, Diego Rivera a pu commencer à préparer son travail pour Détroit après son exposition new-yorkaise au début de l »année 1932. Ford a mis à disposition 10.000 dollars pour la réalisation des fresques, il était donc prévu de payer 100 dollars par mètre carré peint. Cependant, lorsque Rivera a visité les lieux, il a décidé de peindre toute la cour au lieu des deux peintures prévues pour le même prix. Dans ses fresques, Rivera représentait l »industrie de Detroit. Sa peinture industrielle fut critiquée pour son contenu pornographique, blasphématoire et communiste, et la sécurité des œuvres sembla un temps menacée. Edsel B. Ford a cependant soutenu l »artiste et son œuvre, ce qui a permis de calmer la situation.

Alors qu »il travaille encore à Détroit, Rivera reçoit l »ordre de peindre une fresque murale dans le hall du Rockefeller Center encore en construction. Au cours de l »année 1933, il travaille sur cette toile dont le thème, L »homme à la croisée des chemins, regardant avec espoir vers un avenir meilleur, a été imposé par une commission. Dans ce tableau, Rivera représentait sa vision négative du capitalisme et montrait Lénine, qui n »apparaissait pas encore dans le dessin préparatoire approuvé, comme un représentant de la nouvelle société. Cela a suscité de vives critiques de la part de la presse conservatrice, tandis que des groupes progressistes se sont solidarisés avec l »artiste. Les Rockefeller, en tant que commanditaires, ne se rangèrent pas derrière l »artiste comme Ford, mais demandèrent à Rivera de repeindre Lénine. Lorsque l »artiste refusa, la peinture fut recouverte début mai et Rivera fut payé et licencié. En conséquence, Diego Rivera retourna au Mexique. En février 1934, la peinture murale du Rockefeller Center fut définitivement détruite.

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Retour au Mexique

Diego Rivera est rentré au Mexique en 1933, déçu de ne pas pouvoir réaliser librement ses œuvres politiques aux États-Unis. Il était devenu l »un des artistes les plus connus aux États-Unis, adulé par les autres artistes et les intellectuels de gauche, contesté par les industriels et les conservateurs. Après la destruction de la fresque du Rockefeller Center en février 1934, Diego Rivera obtint la même année la possibilité de réaliser son œuvre au Palacio de Bellas Artes de Mexico. Par la suite, l »État a de nouveau attribué de plus en plus de commandes publiques aux grands représentants du muralismo.

À son retour, Rivera s »est installé avec Frida Kahlo dans l »atelier-résidence de San Angel, qu »il avait commandé à Juan O »Gorman en 1931. Kahlo vivait dans le petit cube bleu du bâtiment construit dans le style Bauhaus, Rivera dans le grand cube rose. En novembre 1934, Diego Rivera reprit les travaux du Palacio Nacional, qu »il acheva en 1935. Il acheva l »ensemble Épopée du peuple mexicain, composé des tableaux Le Mexique préhispanique – L »ancien monde indien de 1929 et Histoire du Mexique de la conquête à 1930 de 1929 à 1931, avec le tableau Mexique aujourd »hui et demain. En novembre 1935, Rivera mit fin à ce projet. Comme il n »y avait pas d »autres grands projets de peinture murale à l »ordre du jour, il se consacra à nouveau davantage à la peinture sur panneau au cours de la période suivante, ses motifs étant souvent des enfants et des mères indiens. L »exécution technique de ces peintures dans la seconde moitié des années 1930 n »était souvent pas très bonne, Rivera les réalisant en série et les vendant aux touristes pour financer avec les recettes sa collection d »art précolombien.

Une liaison avec la jeune sœur de Frida Kahlo, Christina, a conduit Rivera à une crise conjugale passagère en 1935. Mais les intérêts politiques communs ont de nouveau réuni le couple. Rivera continua de subir l »hostilité du Parti communiste mexicain, qui lui reprochait de soutenir les positions conservatrices du gouvernement. Rivera entra notamment en conflit avec Siqueiros à plusieurs reprises, les deux hommes s »affrontant même en armes lors d »une réunion politique. Diego Rivera se tourna également vers les trotskistes suite aux contacts qu »il avait noués en 1933 à New York avec la Communist League of America et devint membre de la Ligue internationale trotskiste-communiste en 1936. Avec Frida Kahlo, Diego Rivera a fait pression sur le président Lázaro Cárdenas del Río pour que Léon Trotski obtienne l »asile politique au Mexique. A condition que le Russe n »ait pas d »activités politiques, le président accepta la demande d »asile. En janvier 1937, Diego Rivera et Frida Kahlo reçurent Léon Trotski et sa femme Natalia Sedova dans la maison bleue de Kahlo à Coyoacán. En 1938, Rivera a également hébergé le maître à penser surréaliste André Breton et sa femme Jacqueline. Les deux artistes signèrent un manifeste pour un art révolutionnaire rédigé par Trotski. Les époux amis voyagèrent ensemble dans les provinces mexicaines et, sous l »influence de Breton, Diego Rivera réalisa quelques rares tableaux surréalistes.

Après des conflits personnels et politiques, Rivera rompt avec Trotski en 1939. En automne de la même année, Frida Kahlo divorça de Rivera. En 1940, il exposa à la Galería de Arte Mexicano d »Inés Amor dans le cadre de l »exposition internationale du surréalisme organisée par André Breton, Wolfgang Paalen et César Moro. En outre, Rivera retourna cette année-là à San Francisco, où il avait reçu une commande de peinture murale après une longue période. Après le pacte entre l »Union soviétique et le Reich allemand, l »artiste atténua son attitude négative envers les États-Unis et accepta l »invitation. Il défendit par la suite la solidarité des pays américains contre le fascisme. Sous le titre Unité panaméricaine, il a peint dix panneaux muraux pour la Golden Gate International Exposition à San Francisco. C »est là que lui et Frida Kahlo se remarièrent le 8 décembre 1940, car tous deux avaient souffert de leur séparation.

Après son retour au Mexique, Diego Rivera s »installa chez Kahlo en février 1941, dans la maison bleue. Par la suite, il n »utilisa la maison de San Angel Inn que comme lieu de retraite et comme atelier. En 1941 et 1942, Diego Rivera peignit principalement sur son chevalet. Il fut également chargé d »exécuter les fresques de l »étage supérieur de la cour intérieure du Palacio Nacional. Par ailleurs, il a commencé en 1942 la construction de l »Anahuacalli, dans lequel il voulait présenter sa collection d »objets précoloniaux. Le bâtiment avait d »abord été conçu comme une maison d »habitation, mais il n »abrita finalement que la collection de 60 000 objets à laquelle Rivera se consacra jusqu »à la fin de sa vie.

A partir du début des années 1940, Rivera bénéficie d »une reconnaissance nationale croissante. Le Colegio Nacional a été fondé en 1943 et Rivera a fait partie des 15 premiers membres nommés par le président Manuel Ávila Camacho. La même année, l »académie d »art La Esmeralda, fondée l »année précédente, l »a nommé professeur dans le but de réformer l »enseignement artistique. Il envoyait ses élèves à la campagne et dans la rue pour y peindre d »après la réalité mexicaine. Rivera réalisa également des dessins, des aquarelles et des peintures dans ce contexte. Après s »être remis d »une pneumonie, Rivera a peint en 1947 une grande fresque dans le nouvel hôtel del Prado, situé près du parc Almeda. Le rêve d »un dimanche après-midi dans le parc de l »Almeda montre une représentation de l »histoire mexicaine à travers un alignement de personnages historiques. En 1943, il a été élu membre honoraire de l »American Academy of Arts and Letters.

Dernières années de vie et mort

Avec David Alfaro Siqueiros et José Clemente Orozco, Diego Rivera a formé la commission de peinture murale de l »Instituto de Bellas Artes à partir de 1947. En 1949, l »Institut organisa une grande exposition au Palacio de Bellas Artes à l »occasion du cinquantième anniversaire de l »œuvre de Rivera.

En 1950, lorsque Frida Kahlo a dû passer neuf mois à l »hôpital en raison de plusieurs opérations de la colonne vertébrale, Rivera a également pris une chambre à l »hôpital pour être auprès de sa femme. Cette année-là, Diego Rivera a illustré avec David Alfaro Siqueiros l »édition limitée du Canto General de Pablo Neruda et a également conçu la couverture du livre. Il a également conçu le décor de El cuadrante de la soledad de José Revueltas et a poursuivi son travail au Palacio Nacional. Diego Rivera a eu l »honneur, avec Orozco, Siqueiros et Tamayo, de représenter le Mexique à la Biennale de Venise en 1950. Il a également reçu le Premio Nacional de Artes Plásticas. En 1951, Rivera a réalisé une fresque sous-marine dans le puits d »eau du Cárcamo del río Lerma, dans le parc de Chapultepec à Mexico, et a conçu une fontaine à l »entrée du bâtiment. Pour les peintures dans le bassin où l »eau est pompée, il a expérimenté le polystyrène dans une solution de caoutchouc afin de permettre la réalisation de la peinture sous la surface de l »eau. En 1951 et 1952, Rivera a également travaillé sur le stade de l »Universidad Nacional Autónoma de México, où il devait représenter l »histoire du sport au Mexique dans une mosaïque. Il ne termina cependant que la partie centrale de l »image frontale de cette œuvre d »art, faute de financement suffisant.

En 1952, Rivera a peint un panneau mural transportable pour l »exposition Vingt siècles d »art mexicain prévue en Europe. Ses portraits de Staline et de Mao dans cette œuvre ont entraîné l »exclusion de son travail. Dans l »ensemble, Rivera s »opposait à la politique de plus en plus orientée vers le capitalisme occidental, qui avait commencé sous la présidence d »Alemans. A partir de 1946, Rivera sollicita à plusieurs reprises et en vain sa réadmission au Parti communiste, tandis que Frida Kahlo y fut réintégrée en 1949. En 1954, ils participèrent tous deux à une manifestation de soutien au gouvernement de Jacobo Arbenz au Guatemala. Ce fut la dernière apparition publique de Frida Kahlo, qui mourut le 13 juillet 1954. Rivera accepta que le drapeau communiste soit placé sur son cercueil lors de sa veillée funèbre au Palacio de Bellas Artes et, en échange, le Parti communiste mexicain l »accepta à nouveau comme membre. Rivera a alors peint le tableau Glorieuse victoire, dans lequel il montrait la chute d »Arbenz. Le tableau a été envoyé dans différents pays communistes et a ensuite été longtemps considéré comme perdu. En 2000, il a été localisé dans le sous-sol du musée Pouchkine et a depuis été à nouveau exposé.

L »âge et l »état de santé de Rivera ont rendu difficile le travail sur des peintures murales monumentales, si bien que dans les dernières années de sa vie, le tableau noir est devenu son médium de prédilection. Le 29 juillet 1955, il épousa l »éditrice Emma Hurtado, qui avait déjà été sa galeriste depuis 1946. Il légua la maison bleue de Frida Kahlo et l »Anahuacalli, avec la collection d »art précolombien qu »elle contenait, au peuple mexicain. En 1955, Rivera, qui souffrait d »un cancer, se rendit en Union soviétique pour y suivre un traitement médical. Son voyage de retour l »a conduit en Tchécoslovaquie et en Pologne, puis en RDA, où il est devenu membre correspondant de l »Académie des arts de Berlin-Est. De retour au Mexique, il s »installe dans la maison de son amie Dolores Olmedo à Acapulco, où il se repose et réalise une série de pièces marines.

Le 24 novembre 1957, Diego Rivera est mort d »une crise cardiaque dans son atelier de San Angel Inn. Des centaines de Mexicains lui ont rendu un dernier hommage. Au lieu de réunir ses cendres à celles de Frida Kahlo dans sa maison bleue, il fut enterré dans la Rotonda de los Hombres Ilustres du Panteón Civil de Dolores.

L »ensemble de l »œuvre de Diego Rivera comprend des panneaux, des peintures murales, des mosaïques et des dessins. Les murales, en particulier, sont une clé pour comprendre son œuvre et ont marqué sa réception en tant qu »artiste mexicain contemporain le plus important et le plus influent. Les œuvres de Rivera ont souvent été associées au réalisme socialiste, car elles exprimaient souvent son point de vue politique. En réalité, les points de contact stylistiques étaient rares. Le style et l »esthétique de Rivera, qui s »exprimaient surtout dans ses grandes peintures murales, étaient basés sur les fresques de la Renaissance italienne, la conception cubiste de l »espace, les proportions classiques, la représentation du mouvement dans le futurisme et l »art précolombien. Ses thèmes ne se limitaient pas à l »observation des réalités sociales, il se consacrait également à des récits historiques et allégoriques complexes. Ce faisant, il a développé des modes d »expression très personnels.

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Tableaux noirs

Le nombre exact de tableaux de Diego Rivera n »est pas connu. De nouvelles œuvres, jusqu »alors inconnues, apparaissent régulièrement. Elles s »effacent souvent derrière les peintures murales, mais elles ont une grande importance pour le suivi de l »évolution artistique de Rivera et comme référence pour ses œuvres ultérieures. Les œuvres de la période de formation au Mexique de 1897 à 1907 et de la période en Europe de 1907 à 1921 permettent de suivre l »évolution d »un artiste qui, en peu de temps, a adapté et développé dans ses œuvres les courants et écoles artistiques les plus divers. Rivera a poursuivi ce processus d »apprentissage tout au long de sa vie.

Dans ses premières toiles, Diego Rivera s »efforçait de répondre aux goûts de la bourgeoisie mexicaine du début du XXe siècle et de devenir ainsi le peintre le plus célèbre du Mexique. C »est pourquoi il a surtout peint des sujets sociaux, en s »inspirant du style de son maître madrilène Eduardo Chicharro et d »Ignacio Zulaogas. Il utilisait en outre une symbolique expansive avec des motifs décadents tirés des paysages de Flandre qu »il avait parcourus.

Lors de son premier séjour en Europe, Rivera avait pris contact avec le post-impressionnisme à Paris, qui était devenu une référence pour la peinture moderne, raison pour laquelle il revint dans cette ville en 1911 après un bref séjour au Mexique. Lors de son deuxième séjour à Paris, il a réalisé environ 200 œuvres cubistes et a fait partie pendant un certain temps du groupe des cubistes, jusqu »à ce qu »il rompe avec ce style suite à une dispute. Diego Rivera est arrivé au cubisme en étudiant la peinture maniériste et les paysages du Greco. De plus, Ángel Zárraga lui a montré les distorsions de composition et d »optique du modernisme. Par la suite, Rivera réalisa quelques œuvres précubistes avant de peindre réellement de manière cubiste de 1913 à 1918, non seulement en adaptant l »apparence géométrique, mais aussi en étant conscient du contenu révolutionnaire du cubisme pour l »organisation du temps et de l »espace. Rivera ne s »est pas contenté de suivre les théories de Georges Braque et de Pablo Picasso, mais a développé son propre point de vue. L »une des œuvres typiques du cubisme de Rivera est Matelots prenant leur petit déjeuner, datant de 1914. Dans ce tableau, Diego Rivera utilisait une sorte de grille de composition avec laquelle il essayait de créer une simultanéité. Le tableau montre un homme dont la chemise à rayures bleues et blanches et le bonnet à pompons avec le mot Patrie l »identifient comme un marin français. Il est assis derrière une table et est intégré dans la grille de composition. Dans l »utilisation de cette méthode de composition, Diego Rivera a suivi Juan Gris, qui créait dans chaque case un objet différent dans une perspective systématiquement maintenue, comme Rivera l »a fait ici avec le verre et les poissons.

Une autre œuvre marquante de la phase cubiste de Rivera est Paysage zapatiste – Le guérillero, dans laquelle l »artiste a exprimé sa sympathie pour les développements révolutionnaires dans son pays et son admiration pour Emiliano Zapata. Ce portrait iconographique du leader révolutionnaire, avec ses symboles faisant référence à la révolution mexicaine tels que le chapeau des zapatistes, la sarape, le fusil et la cartouchière, fut considéré comme trop permissif par certains représentants orthodoxes du cubisme. La querelle qui en résulta conduisit Rivera à s »éloigner du cubisme. Il se tourna vers une peinture de paysage inspirée de Paul Cézanne et réalisa en 1918 les tableaux Le mathématicien et Nature morte aux fleurs, qui renouaient avec la peinture académique.

La grande majorité des tableaux de Rivera sont des portraits. Dans ceux-ci, il est allé au-delà de la simple représentation de la personne et a élargi ce genre classique en y ajoutant des références psychologiques et symboliques à la personne représentée. L »une des œuvres qui illustre ce genre dans l »œuvre de Rivera est le portrait de Lupe Marín, réalisé en 1938, qui représente Guadalupe Marín, que Rivera avait déjà immortalisée dans des peintures et des fresques. Le tableau montre le modèle assis sur une chaise, au centre de la composition. Son dos se reflète dans un miroir. Les couleurs dominantes sont les tons bruns et le blanc de sa robe. Dans sa représentation, Rivera se réfère à différents modèles artistiques. Ainsi, les proportions et la pose exagérées sont empruntées au Greco, le reflet renvoie à Velázquez, Manet et Ingres. En revanche, la structure complexe de la composition, avec ses plans et ses axes qui se chevauchent et sont reliés entre eux, présente des parallèles avec Paul Cézanne. Mais dans ce portrait, Diego Rivera faisait aussi directement référence à sa fresque de l »Escuela Nacional Preparatoria, où il représentait le modèle en Tlazolteotl, la déesse de la purification. Dans son portrait de Marín, Rivera fait référence à la représentation la plus connue de cette déesse, qui se trouve à Washington D.C. dans la collection Dumbarton Oaks et qui la montre en train d »enfanter un être humain. L »expression du visage de Marín est clairement empruntée à cette statue.

Rivera utilise également le motif du miroir dans le portrait de Ruth Rivera de 1949, qui montre sa fille de dos, le visage tourné vers le spectateur. Elle tient un miroir qui montre son visage de profil tout en l »encadrant d »un jaune ensoleillé, porte des sandales à lanières et une tunique blanche, rappelant ainsi une figure de l »Antiquité classique. Cette représentation de membres de la famille et de personnes de référence, comme dans le cas de sa fille Ruth ou de Lupe Marín, constitue néanmoins une exception dans l »œuvre de Diego Rivera. La plupart des portraits étaient des œuvres de commande, comme le portrait de Natasha Zakólkowa Gelman de 1946, qui montre la femme du producteur de cinéma Jacques Gelman en robe de soirée blanche sur un canapé. Des calla blancs sont drapés derrière son torse et sa tête et parallèlement à la partie inférieure de son corps. La position du corps de la représentée renvoie à la forme de la fleur, tandis que la fleur doit à l »inverse faire référence à la nature de la femme distinguée. Dans d »autres portraits, Rivera utilise des vêtements dont les couleurs font allusion au Mexique. Outre ces travaux de commande, il a également réalisé de nombreux portraits d »enfants indiens, comme Les fils de mon père (portrait de Modesto et Jesús Sánchez), datant de 1930. Ces peintures étaient surtout appréciées des touristes en tant que souvenirs.

Tout au long de son œuvre, Diego Rivera a peint de nombreux autoportraits. Ceux-ci le représentaient généralement en buste, en épaule ou en tête. Il s »intéressait principalement à son visage, tandis que l »arrière-plan était généralement exécuté de manière simple. Contrairement aux portraits de commande, dans lesquels il idéalisait les personnes représentées, Rivera se représentait de manière extrêmement réaliste dans ses autoportraits. Il était conscient qu »il ne correspondait pas à l »idéal de beauté, surtout avec l »âge. Dans le tableau La dent du temps, datant de 1949, Rivera se présente comme un homme aux cheveux gris et au visage creusé de rides. En arrière-plan du tableau, il montrait différentes scènes de sa vie. Dans des caricatures, Diego Rivera s »est plusieurs fois représenté sous la forme d »une grenouille ou d »un crapaud. Il les utilise également comme attributs dans certains de ses portraits.

Le Mexique est un autre thème central de la peinture de Rivera. Inspiré par son professeur José María Velasco, Diego Rivera peint dès ses années de formation le paysage La Tenne de 1904, qui montre un paysan et une charrue tirée par des chevaux au premier plan. Sur le bord droit de l »image se trouve une grange, vers la gauche et l »arrière-plan, le tableau s »ouvre par une porte sur le paysage qui se termine à l »arrière-plan par le volcan Popocatépetl. Suivant Velasco, Rivera s »est efforcé de représenter dans le tableau les couleurs typiques du paysage mexicain. L »utilisation de la lumière est également due à l »enseignant.

Les vendeurs de fleurs, qu »il a peints à partir de 1925 et qui ont eu du succès auprès du public, sont un motif qui est apparu à plusieurs reprises dans l »œuvre de Rivera. Les fleurs n »étaient pas des éléments décoratifs, mais présentaient une signification emblématique. Diego Rivera connaissait la symbolique des fleurs depuis l »époque précédant les conquêtes espagnoles. Avec une peinture représentant des vendeurs de calla, Rivera a obtenu un prix d »acquisition lors d »une exposition panaméricaine à Los Angeles en 1925, la peinture a été acquise par le Los Angeles County Museum of Art. Il représentait une célébration religieuse sur le canal de Santa Anita, qui faisait partie du réseau de canaux disparu dans et autour de la ville de Mexico. En outre, Rivera a représenté des coutumes sur ses panneaux, comme dans la série Coutumes de Noël des années 1953 et 1954. Le deuxième panneau est intitulé Les enfants demandent un abri (Los niños pidiendo posada). Il montre des enfants indiens et leurs parents portant des bougies lors d »un défilé nocturne. En arrière-plan se trouve une étendue d »eau dans laquelle se reflète la lune et à la limite avant de laquelle on peut voir Marie et Joseph avec l »âne en route pour Bethléem. Diego Rivera s »est ainsi consacré au thème de la piété populaire.

En 1956, Diego Rivera a réalisé une série de petits formats intitulée Crépuscule à Acapulco, lors d »un séjour de détente sur la côte. Rivera a peint les couchers de soleil dans des couleurs vives et chargées d »émotion. Ces expériences chromatiques constituaient une exception dans l »ensemble de l »œuvre de Rivera. La mer dans ces morceaux de mer est paisible. Elles représentent le besoin d »harmonie et de paix de Diego Rivera à la fin de sa vie.

Murales

Le muralismo mexicain entre 1921 et 1974 a été la première contribution américaine indépendante à l »art du XXe siècle. Diego Rivera n »était pas le premier peintre de murales, ni une figure de proue incontestée ou le principal théoricien des muralistes, mais il était incontestablement l »un des principaux représentants de ce groupe, aux côtés de David Alfaro Siqueiros et José Clemente Orozco. Ses peintures murales occupent également une place de choix dans l »œuvre de Diego Rivera et ont attiré davantage l »attention que ses peintures sur panneaux, ses dessins et ses illustrations. De retour de France en 1921, Diego Rivera, encore sous l »influence des fresques qu »il avait vues auparavant en Italie, s »est tourné vers la peinture murale, conçue par le ministre de l »Éducation José Vasconcelos comme un moyen de diffuser les idéaux de la révolution et d »éduquer le peuple. Il réalise sa première fresque à partir de janvier 1922 dans l »amphithéâtre Bolívar de l »Escuela Nacional Preparatoria, qui constitue la pierre de touche et le prélude de sa carrière de muraliste et du muralismo en général. Rivera a ensuite reçu des commandes importantes et prestigieuses au Secretaría de Educación Pública, au Palacio Nacional et au Palacio de Bellas Artes. Il a également réalisé plusieurs murales aux États-Unis.

L »un des principaux motifs qui traverse les projets de peinture murale tout au long de la carrière de Rivera est la création. En outre, il a souvent thématisé son point de vue politique, immortalisant des idées et des personnalités communistes, et exprimant en partie l »idée du panaméricanisme. Dans un grand nombre de représentations, il a thématisé l »histoire mexicaine, surtout en ce qui concerne sa période précolombienne. Au début de son activité de peintre mural, Diego Rivera se montrait encore très influencé par l »art européen. Mais au fil du temps, il a développé son propre style, dans lequel il a intégré des éléments mexicains.

Diego Rivera a réalisé sa première peinture murale à l »Escuela Nacional Preparatoria. C »est là, dans l »auditorium Simón Bolívar, que se trouve le tableau La Création. Du point de vue de l »artiste, l »œuvre est restée inachevée. Au lieu de peindre chaque mur, Rivera avait initialement prévu de décorer l »ensemble de la salle des fêtes avec l »œuvre L »histoire fondamentale de l »humanité. Les premières idées pour cette œuvre d »art sont apparues très tôt. Après l »inauguration de la nouvelle salle des fêtes en septembre 1910, l »idée d »une peinture murale est apparue. Pour sa réalisation, Rivera a également été envisagé, mais ses projets n »ont pas été poursuivis en raison du déroulement de la révolution mexicaine. Rivera a probablement visité la salle à la fin de l »année 1910, lors de son deuxième séjour en Europe, il possédait des plans de l »aula.

La première esquisse de ce projet de fresque a été réalisée pendant le séjour de Rivera en Italie. On y trouve une référence à Pérouse. Là, il a pu voir dans l »église San Severo une fresque en deux parties, dont la partie supérieure avait été peinte par Raphaël et la partie inférieure par le Pérugin. Les tableaux, divisés chacun en trois parties verticales, ont influencé la forme et la composition des peintures murales de Rivera. Dans le premier segment, Raphaël représentait le Saint-Esprit en tant qu »énergie de création, tandis que Rivera représentait une force cosmique. Dans le segment central, Raphaël représentait le Christ comme Ecce homo, tandis que Rivera représentait le premier homme. Dans le dernier segment, l »artiste mexicain fait référence au Pérugin dans la conception des figures. La fresque du Pérugin et la peinture murale de Rivera présentent toutes deux une ouverture au centre. La première servait à placer une statue de saint, tandis que dans l »aula, un orgue était placé à l »intérieur. Le projet de Rivera était basé sur des formes géométriques de base et suivait le nombre d »or.

En novembre 1921, Diego Rivera a commencé à dessiner la fresque murale de 109,64 mètres carrés, qu »il a achevée en 1923. Il y a associé des éléments mexicains et européens, conformément à sa volonté de transposer la tradition mexicaine dans l »art moderne du XXe siècle. Il a par exemple représenté une forêt typiquement mexicaine avec un héron et un ocelot, tout en donnant aux personnages le physique et la couleur de peau des métis. La niche est dominée par une grande figure masculine aux bras écartés. Sur l »axe du tableau au-dessus d »elle se trouve un demi-cercle bleu entouré d »un arc-en-ciel et de trois paires de mains qui créent l »homme et distribuent l »énergie primordiale. Dans les figures, hormis les deux figures du couple originel en bas à gauche et à droite de l »image, sont représentées les vertus et les capacités humaines. Le demi-cercle en haut au centre de l »image est divisé en quatre triangles équilatéraux dans lesquels des chiffres sont indiqués par des étoiles : Dans le premier triangle, c »est le trois, dans le deuxième le quatre, dans le troisième le dix et dans le quatrième le deux. Cela renvoie à la symbolique des nombres des pythagoriciens, dont l »importance particulière du nombre dix fait ressortir la signification du troisième triangle. Le premier et le quatrième triangle renvoient au couple originel, incarné par la femme nue sur le côté gauche du mur et l »homme nu sur le côté droit. Le nombre d »étoiles des deux triangles correspond au chiffre cinq, qui faisait également partie de la mystique pythagoricienne des nombres. Les quatre étoiles du deuxième triangle font référence aux quatre mathemata, la géométrie, l »arithmétique, l »astronomie et la musicologie. Le quatre se répète également dans les paires de mains, dont trois entourent le cercle et une appartient à la grande figure qui représente l »humanité dans son ensemble. Ce symbolisme, utilisé par Rivera, fait référence à l »éducation et à la recherche de la vertu qui devaient être propagées dans ce tableau.

Pour sa fresque, Rivera a utilisé la technique de l »encaustique. Pour ce faire, il a dessiné sur l »enduit sec et a appliqué les pigments de couleur dissous dans la cire. Ceux-ci ont ensuite été cuits au chalumeau.

Pour la décoration des cours du ministère de l »Éducation, Diego Rivera a réalisé plus de 100 peintures murales. Il y a représenté de nombreuses idées, parfois contradictoires. Elles ne peuvent pas être regroupées sous un thème métaphysique général, Rivera y traite des incompatibilités, des résistances et des différences. Il s »effaçait lui-même derrière l »œuvre, en ce sens qu »au lieu de s »immortaliser dans les tableaux, il faisait appel de manière abstraite et éclectique à la peinture européenne, au cinéma, à la politique et à l »anthropologie. Ce faisant, il utilisait une forme très directe de reproduction de ses motifs et montrait le peuple à sa place réelle, les emblèmes correspondant à la signification des symboles montrés. Dans la cour du travail, Diego Rivera développait une allégorie sur la compréhension de l »élite, dans la cour des fêtes, il montrait les foules.

Les murales de la cour du travail forment un cycle cohérent. L »image centrale de ce cycle se trouve dans le panneau central du deuxième étage. Il s »agit de la fresque La fraternité (La fraternidad), haute de 3,93 mètres et large de 6,48 mètres, qui montre l »alliance de paysans et d »ouvriers sous la tutelle d »un dieu solaire. La divinité, qui n »est autre qu »Apollon, étend ses bras en croix au-dessus des deux hommes dans une grotte. Ces deux derniers représentent les ouvriers et les paysans, porteurs de la révolution. Cette alliance est l »idéal bolchevique, même si au Mexique, elle a été placée sous d »autres auspices, puisque les principaux porteurs de la révolution n »étaient pas les ouvriers, mais que celle-ci est partie des paysans. Mais elle symbolise aussi l »union de l »homme et de la femme, qui est en outre exprimée par les attributs du marteau et de la faucille, qui renvoient à Déméter et à Héphaïstos. A côté d »Apollon se trouvent à droite les trois apothéoses Le Préservateur, L »Annonciateur et Le Distributeur, qui se répètent sur le mur opposé. Il s »agit d »une représentation allégorique de l »Eucharistie. Rivera a ainsi intégré la symbolique religieuse dans le canon des symboles d »un État laïc. Il fait en outre écho à l »allégorie de la caverne de Platon. L »idéalisme de Rivera s »exprime dans la figure d »Apollon, car au lieu du martyre ou de la passion, la rédemption réside dans la figure masculine rationnelle, pure et rayonnante. Parmi les autres motifs de la Cour du travail, citons La libération du péon et L »institutrice à la campagne, surmontés du supraport Paysage, ou encore diverses représentations d »activités telles que La fonderie, La mine, Les potiers, L »entrée à la mine et La fabrique de canne à sucre. Il y a en outre quelques grisailles, réalisées principalement dans la mezzanine, qui ont des significations ésotériques.

La cour des fêtes thématise le projet de mise en place d »un nouveau calendrier. Au rez-de-chaussée, sur les murs sud, nord et ouest, se trouvent les murales centrales L »attribution des pâturages communaux, Le marché de rue et Assemblée, qui représentent des fêtes profanes. Il s »agit pour elles de grandes compositions qui traversent les portes, tandis que les panneaux muraux latéraux montrent des célébrations religieuses. Elles montrent la masse des gens et renvoient à la réalité, tandis que la cour de l »œuvre présente également une référence métaphysique. L »attribution de pâturages communaux se réfère à l »une des revendications centrales de la révolution mexicaine. Rivera a mis en image la remise des biens fonciers expropriés à la commune comme un nouveau contrat social. Au centre des murales, un fonctionnaire dirige l »assemblée d »un geste ample. Alors que les hommes se tiennent dans les rues, les femmes se trouvent sur les toits des maisons. Des défunts sont également représentés, comme Emiliano Zapata, assis sur un cheval à droite de l »image. Le mode de représentation des murales de Diego Rivera rappelle les représentations de chœurs d »anges de la Renaissance, comme dans les tableaux de Fra Angelico. Cette composition rigoureusement ordonnée reflète la forte ritualisation de la politique du village. Avec Assemblée, Rivera a réalisé une fresque doctrinaire dans laquelle il a délibérément travaillé avec la gauche et la droite comme principe d »ordre. A gauche, dans le bolchevisme, le côté de la classe progressiste et révolutionnaire, le peintre a représenté les ouvriers sous la forme de deux personnages blessés enseignant à des enfants. Le leader ouvrier, le poing levé, s »adresse aux ouvriers sur la moitié gauche du mur. Sur le côté droit, les gens sont montrés dans l »ombre, tandis que sur le côté gauche, ils sont dans la lumière. Grâce à ce jeu de lumière, Rivera démontre la différence entre la gauche et la droite. Au bord droit du tableau, au premier plan, se trouvent Zapta et Felipe Carillo Puerto, le gouverneur du Yucatán, deux des héros de la révolution qui ont été tués. Le marché de rue met en scène la tentative du gouvernement de renforcer l »agriculture et de faire revivre le commerce populaire d »avant le capitalisme. Dans cette fresque, Rivera ne s »est pas tant efforcé de créer un ordre de composition, mais a fait onduler la multitude de personnes et a délibérément montré le désordre sur la place du marché. Contrairement aux deux premières, cette grande fresque renoue avec les anciennes traditions au lieu de rompre avec elles. En outre, d »autres fêtes et événements en rapport avec le déroulement de l »année étaient représentés dans la cour, comme le Jour des morts, la Fête du maïs et la Moisson. Au premier étage, Rivera a peint les armoiries des États et au deuxième étage, la Ballade de la révolution paysanne. Dans l »une des fresques centrales de ce cycle, Dans l »arsenal (en el arsenal), Rivera a représenté la jeune Frida Kahlo, qu »il avait rencontrée peu de temps auparavant, en train de distribuer des fusils aux ouvriers révoltés.

Les murales du ministère de l »Éducation devaient représenter la nouvelle réalité après la révolution. Suite à ces bouleversements, une vaste étude interdisciplinaire a été réalisée sous la direction de Manuel Gamio et publiée en 1921 sous le titre La population de la vallée de Teotihuacán. Elle reprenait des théories raciales plus anciennes sur les métis et comprenait l »évolution comme un développement vers le complexe, tout en promouvant les métis comme un idéal. Diego Rivera s »est appuyé sur des photographies de la publication pour représenter des paysans et des ouvriers à la peau sombre, trapus, au nez pointu et obtus, vêtus de blanc. Il donnait ainsi une légitimité sociale aux recherches et aux théories diffusées dans La population de la vallée de Teotihuacán.

L »œuvre principale de Diego Rivera en matière de muralisme est la peinture murale du Palacio Nacional, le bâtiment du Parlement et siège du gouvernement mexicain. Entre 1929 et 1935, il a peint l »Épopée du peuple mexicain dans la cage d »escalier principale, puis, entre 1941 et 1952, Le Mexique précolonial et colonial dans un couloir du premier étage.

L »épopée du peuple mexicain couvre au total 277 mètres carrés de murs dans la cage d »escalier centrale. Le mur nord présente la murale Le vieux Mexique, sur le mur ouest, Rivera a peint la fresque De la conquête à 1930 et sur le mur sud, il a terminé le cycle avec Le Mexique aujourd »hui et demain. Elles forment en cercle un ensemble homogène. La première phase des travaux du Palacio Nacional fut entamée par Diego Rivera en mai 1929 et dura 18 mois, jusqu »à ce qu »elle s »achève le 15 octobre 1930 avec la peinture de la signature sur la fresque Le vieux Mexique. Pendant ce travail, Rivera esquissait encore les autres peintures murales. En novembre de la même année, il partit pour les États-Unis, laissant la fresque inachevée. En juin 1931, Diego Rivera retourna à Mexico pour peindre le mur principal. Il y travailla pendant cinq mois, du 9 juin au 10 novembre 1931, avant de repartir peindre aux États-Unis. Rivera a achevé son cycle de fresques dans la cage d »escalier du Palacio Nacional avec le Mexique d »aujourd »hui et de demain, peint entre novembre 1934 et le 20 novembre 1935. La signature de cette fresque célébrait le 25e anniversaire de la révolution mexicaine.

Au centre de la composition de la fresque L »ancien Mexique, Quetzalcoatl se trouve devant la pyramide du soleil et de la lune de Teotihuacán, intégrant ainsi le maître des cultures mésoaméricaines et la plus grande métropole précolombienne dans le tableau. Les volcans font référence à la vallée d »Anáhuac, à partir de laquelle les Toltèques avaient établi leur domination. Du volcan situé dans le coin supérieur gauche de l »image s »élève le serpent à plumes, incarnation animale de Quetzalcoatl. Il se répète dans la partie supérieure droite de l »image, où il porte son équivalent humain. Dans la moitié droite du tableau, Diego Rivera a représenté des activités artisanales et agricoles, tandis que dans la moitié gauche, il a montré un guerrier sur une pyramide à qui l »on rend hommage. Dans le coin inférieur gauche, on peut voir un conflit armé entre des guerriers aztèques et les peuples qu »ils dominent.

De la conquête à 1930 retrace l »histoire après la conquête en épisodes qui s »enchaînent. La fresque se divise en trois zones horizontales. Celle du bas montre la conquête espagnole du Mexique, celle du milieu les épisodes de la colonisation et celle du haut, dans les champs d »arcs, les interventions du XIXe siècle ainsi que différents acteurs de la politique et de l »histoire du Mexique de la fin du XIXe siècle et de la révolution mexicaine. Dans le centre inférieur de la fresque, Rivera a peint une scène de combat entre les Espagnols et les Aztèques, avec le personnage central Hernán Cortés assis sur un cheval. Sur le côté droit, les soldats espagnols tirent avec des mousquets et un canon, Rivera mettant ainsi en évidence leur supériorité technologique. Dans la zone centrale de l »image, la période coloniale est représentée, de sorte que la destruction de la culture indienne et la christianisation sont montrées par la représentation d »ecclésiastiques et de Cortéz avec sa femme indienne Malinche. Au centre de cette zone, l »indépendance mexicaine est mise en image. Dans la zone supérieure, on peut voir à droite l »intervention américaine de 1846 à 1848 et l »intervention française au Mexique de 1861 à 1867. Dans les trois arcs centraux sont représentés de nombreux personnages historiques du règne de Porfirio Díaz et de la révolution mexicaine. Au centre de la fresque, l »animal héraldique du Mexique, l »aigle, est représenté sur l »opuntia, tenant ici dans ses serres des signes de campagne indiens à la place du cactus.

Le cycle dans la cage d »escalier du siège du gouvernement a été achevé par Diego Rivera avec la fresque Mexique aujourd »hui et demain. Il s »y consacrait à la situation post-révolutionnaire et donnait une perspective utopique. Sur le bord droit de la toile est représentée la lutte des ouvriers contre les forces conservatrices, Rivera montrant également un ouvrier et un paysan pendus. Dans le coin supérieur droit de l »image, un ouvrier s »agite et appelle à la lutte. Au centre de la fresque se trouvent des structures spatiales en forme de boîte, dans lesquelles sont représentés des capitalistes autour d »un ticker boursier, le président Plutarco Elías Calles avec des conseillers malveillants et l »église en état de débauche. Au premier plan, Rivera a peint sa femme Frida Kahlo et sa sœur Cristina en institutrices de village, ainsi que des ouvriers en direction du bord gauche du tableau. Le personnage central en haut et au milieu du tableau est Karl Marx, qui tient une feuille avec un extrait du Manifeste communiste et pointe son bras droit vers le coin supérieur gauche du tableau, où Rivera a peint l »utopie d »un avenir socialiste.

Entre 1941 et 1952, Diego Rivera a peint le cycle Mexique précolonial et colonial dans un couloir du premier étage du Palais du gouvernement. Les fresques couvrent au total 198,92 mètres carrés. A l »origine, 31 fresques transportables étaient prévues pour être placées sur les quatre côtés de la cour intérieure. Finalement, Rivera n »a réalisé que onze fresques et a interrompu le projet à plusieurs reprises. Son thème est une représentation synthétique de l »histoire du Mexique depuis l »époque précolombienne jusqu »à la Constitution de 1917. La référence aux cultures indigènes du Mexique, à leurs coutumes, activités, arts et produits visait à consolider l »identité nationale. Comme forme de représentation, Rivera a choisi des fresques colorées et en grisaille. La grande fresque Le grand Tenochtitlan (vue du marché de Tlatelolco) montre la vision de Diego Rivera de l »ancienne capitale des Aztèques, Tenochtitlan. Devant le panorama de l »architecture urbaine autour du Templo Mayor sont représentées les activités du marché comme le commerce des animaux, des denrées alimentaires et des produits artisanaux, ainsi que les représentants des différentes classes sociales comme les marchands, les fonctionnaires, les hommes-médecine, les guerriers et les courtisanes. D »autres panneaux muraux représentent par exemple l »agriculture avec des plantes inconnues des Européens et certaines activités artisanales. Une autre grande fresque montre les fêtes et les cérémonies des Totonaques et de la culture d »El Tajín, comme la vénération de la déesse Chicomecoatl. Au premier plan, on peut voir des visiteurs faire des offrandes au site. Dans la dernière fresque de ce cycle, Rivera s »est consacré à la conquête espagnole du Mexique et à l »époque coloniale. Il voulait surtout montrer la soumission et l »exploitation des Indiens et représentait Hernán Cortés de manière grotesque. Dans cette dernière fresque de ce projet finalement resté inachevé, il apparaît clairement que Diego Rivera voulait opposer à la splendeur idéalisée de l »époque précolombienne son jugement négatif sur la Conquista et les conquistadors.

L »œuvre la plus marquante de Diego Rivera durant son séjour aux États-Unis est la série de murales qu »il a réalisées à l »Institut des arts de Détroit. Elles sont considérées comme le meilleur travail des muralistes mexicains aux États-Unis. Le thème de ces fresques était l »industrie de Détroit. Les fresques couvrent 433,68 mètres carrés et ont reçu différents titres tels que Detroit Industry, Dynamic Detroit et Man and Machine. Rivera a visité le Ford River Rouge Complex à Dearborn, une usine où se déroulait l »intégralité de la production automobile. Il est arrivé à Détroit alors que l »industrie automobile du Michigan était en crise, mais il ne l »a pas représentée dans ses œuvres, mais a raconté une évolution de l »industrie et a glorifié le progrès technique. Au cours de son exploration de l »usine Ford, qui dura environ un mois, il réalisa de nombreux croquis. En outre, Frida Kahlo et lui étaient accompagnés par William J. Stettler, qui a réalisé des photographies que Rivera utilisait pour ses travaux, ainsi que des films. Outre ces impressions du travail industriel, Rivera a également eu recours à des œuvres antérieures de son œuvre. De plus, l »industrie exerçait sur lui une telle fascination qu »il voulait peindre toute la cour au lieu des deux pans de mur commandés. Il obtint pour cela l »accord de la commission compétente le 10 juin 1932. Le 25 juillet de la même année, Rivera commença les travaux de peinture.

Dans la cour du Detroit Institute of Arts, Rivera a réalisé un cycle fermé dans lequel il a représenté l »ensemble du processus de production automobile. Il montrait les différentes étapes du traitement des matières premières et les différentes activités des ouvriers au cours de la journée. Le cycle commence sur le mur est de la cour avec la représentation de l »origine de la vie. Celle-ci est symbolisée par un fœtus humain. Sous lui, à gauche et à droite, on peut voir des socs de charrue, symboles de l »activité industrielle humaine. Des femmes portant des céréales et des fruits sont en outre représentées sur le mur. Sur le mur ouest, l »air, l »eau et l »énergie sont symbolisés par l »industrie aéronautique, la navigation et la production d »électricité. Rivera a peint l »aviation civile en opposition à son utilisation militaire. Cette opposition a été reprise dans les symboles de la colombe et de l »aigle pour la paix et la guerre. De plus, avec cette représentation, le peintre faisait également référence à une branche de l »entreprise Ford. Le mur nord et le mur sud sont surmontés chacun de deux figures de gardiens représentant les quatre races représentées dans la classe ouvrière américaine et tenant dans leurs mains le charbon, le fer, la chaux et le sable comme ressources naturelles. Ces éléments constituaient les matériaux de base de la production automobile. Dans les deux surfaces principales des murs nord et sud, Rivera a peint la production de la Ford V-8. Certains ouvriers sont des portraits d »employés de Ford et d »assistants de Rivera.

A l »origine, cette fresque devait être peinte dans le Rockefeller Center nouvellement construit, où elle devait s »intituler L »homme à la croisée des chemins, au regard incertain mais plein d »espoir et à la grande vision d »un avenir nouveau et meilleur. Rivera avait été invité à participer à un concours aux côtés d »Henri Matisse et de Pablo Picasso, mais il l »avait décliné. Il a finalement obtenu le contrat, car Picasso n »a pas du tout répondu à l »invitation et Matisse ne voyait pas dans le hall d »entrée très fréquenté un lieu approprié pour son art. Le conseiller de Rockefeller, Hartley Burr Alexander, proposa un motif explicitement politique pour la fresque envisagée. Rockefeller suivait certes une ligne sociopolitique qui prévoyait des comités d »entreprise et un équilibre entre industriels et ouvriers, mais la nomination d »un artiste notoirement communiste comme Rivera a tout de même surpris. Le soutien d »Abby Aldrich Rockefeller, qui avait déjà collectionné des œuvres d »art de Diego Rivera, a peut-être joué un rôle dans cette décision. En outre, sa grande réputation internationale et sa notoriété pour les peintures murales au Mexique et aux États-Unis ont contribué à son succès.

Fin mars 1933, Diego Rivera est arrivé à New York pour commencer la fresque. A cette époque, la situation politique s »était aggravée en raison de la politique de Franklin D. Roosevelt dans le cadre du New Deal et par la nomination d »Hitler comme chancelier du Reich. Cela a incité Rivera à modifier son projet. Il place désormais l »ouvrier individuel au centre de sa composition et choisit des images dramatiques pour mettre en contraste la situation aux États-Unis et en Union soviétique. Il a en outre inséré le portrait de Lénine. Les Rockefeller se sentaient de plus en plus provoqués par cette évolution idéologique de l »image. En décembre 1933, John D. Rockefeller, Jr. envisagea de transférer la fresque encore inachevée au Museum of Modern Art. Cette idée fut toutefois abandonnée. Finalement, elle fut détruite le 9 février 1934. Après la destruction de la fresque à New York, Rivera demanda au gouvernement mexicain un espace où il pourrait peindre à nouveau cette image. Il reçut finalement l »ordre de le faire au Palacio de Bellas Artes. Rivera acheva la fresque en 1934.

L »ensemble de l »œuvre de Rivera échappe à l »attribution d »un style homogène. Rivera a reçu une formation classique sur le modèle européen au Mexique, certains de ses professeurs l »ayant déjà sensibilisé à des éléments typiquement mexicains. En Europe, sa peinture sur panneau a traversé différents styles en peu de temps. Il fit parfois partie du groupe des cubistes, au sein duquel il ne fut pas seulement un suiveur, mais développa ses propres positions théoriques et les défendit sans craindre les conflits. Par la suite, Diego Rivera a également anticipé différents styles dans ses peintures sur panneau. Il a ainsi repris le surréalisme dans deux tableaux du milieu des années 1930. Dans ses peintures murales, Rivera a finalement développé son propre style, qu »il a également repris dans ses tableaux. Il a combiné la technique de la fresque, qu »il avait étudiée en Italie, avec des éléments indiens, des déclarations communistes et socialistes et la représentation de l »histoire. Il a ainsi exercé une influence marquante et atteint la célébrité et la notoriété. Le prix Nobel de littérature mexicain Octavio Paz a décrit Rivera comme un matérialiste. Il a déclaré : « Rivera vénère et peint avant tout la matière. Et il la conçoit comme une mère : comme un grand ventre, une grande bouche et une grande tombe. En tant que mère, magna mater qui dévore et enfante tout, la matière est une figure féminine toujours au repos, somnolente et secrètement active, donnant constamment la vie comme toutes les grandes déesses de la fertilité ». L »image de la déesse de la fertilité et de la création a été directement reprise par Diego Rivera dans nombre de ses œuvres. Paz a également décrit la richesse des images de Rivera et leur « dynamique d »une conception dialectique de l »histoire, faite d »oppositions et de réconciliations ». C »est pourquoi Rivera glisse également vers l »illustration lorsqu »il tente d »aborder l »histoire ». Selon Paz, cette représentation de l »histoire correspond à une allégorie marquée par le marxisme, qui montre dans toutes les œuvres soit les forces du progrès, soit celles de la réaction, soit les deux en opposition.

En 1929, la première monographie sur les fresques de Rivera a été publiée aux États-Unis. L »ouvrage, intitulé The frescos of Diego Rivera, a été rédigé par Ernestine Evans. De plus, à l »instigation de William Spratling, l »American Institute of Architects lui a décerné la Fine Arts Medal pour sa contribution artistique à l »architecture. L »année suivante, une fresque transportable de Rivera a été présentée dans le cadre de l »exposition Mexican Arts, organisée par Rene d »Harnoncourt, qui s »est tenue en octobre au Metropolitan Museum of Art, puis dans 13 autres lieux aux États-Unis. Ce fut la première fresque de Rivera à être exposée aux États-Unis. Le 13 novembre 1930, l »artiste se rendit pour la première fois aux Etats-Unis, où une rétrospective fut inaugurée le 15 novembre à San Francisco au California Palace of the Legion of Honor. À la fin de cette année, la deuxième exposition au nouveau Museum of Modern Art fut la grande rétrospective conçue par Rivera lui-même, pour laquelle il avait créé spécialement huit fresques transportables. Aux États-Unis, Rivera a également réalisé des fresques dans différents bâtiments comme le San Francisco Stock Exchange et le Detroit Institute of Arts, ainsi que pour des clients privés. Contrairement aux commandes publiques que Rivera exécutait au Mexique pour le gouvernement, aux États-Unis, nombre de ces œuvres n »étaient accessibles qu »à des cercles choisis et bénéficiaient du soutien de personnes comme Ford et Rockefeller, qui étaient en fait opposées à son idéologie communiste. Rivera a fait l »objet de vives controverses aux États-Unis, qui ont été relayées par la presse et la critique d »art. Les conservateurs ont critiqué et condamné son art, tandis que les gauchistes et les artistes l »ont défendu et loué. Dans son projet à Détroit, il fut défendu par Ford contre ces critiques, à New York, Rockefeller lui-même prit une position critique et finit par faire détruire l »œuvre inachevée en raison de la position communiste qu »elle exprimait.

Les dessins et aquarelles de Rivera ont été exposés en 1939 au San Francisco Museum of Modern Art. Il a également participé à l »exposition Mexique organisée par André Breton à la galerie Renou et Colle à Paris, avec la gouache Récipients communicants. En outre, certaines œuvres de Rivera ont été présentées par Inés Amor dans une exposition collective d »art mexicain dans le cadre de la Golden Gate International Exposition. L »année suivante, dans le cadre de cette exposition, d »autres de ses œuvres ont été présentées dans l »exposition Contemporary Mexican painting and Graphic Arts au musée de Treasure Islands. En 1940, le Museum of Modern Art a également organisé l »exposition Twenty Centuries of Mexican Art, qui présentait des peintures de Rivera. En 1941, MacKinley Helm sélectionna des œuvres de Rivera pour son exposition Modern Mexican Painters à l »Institute of Modern Arts de Boston. Par la suite, elle fut également exposée à la Phillips Collection de Washington D.C., au Cleveland Museum of Art, au Portland Art Museum, au San Francisco Museum of Modern Art et au Santa Barbara Museum of Art. En 1943, le Philadelphia Museum of Art a présenté deux des fresques transportables que Rivera avait peintes pour le Museum of Modern Art lors de l »exposition Mexican Art Today.

Le 1er août 1949, la grande rétrospective 50 años de la obra pictória de Diego Rivera a été inaugurée au Palacio de Bellas Artes par le président Miguel Alemán Valdés. Rivera avait lui-même sélectionné 1196 œuvres pour cette exposition. Une grande monographie a été élaborée à cette occasion et publiée le 25 août 1951. Une autre rétrospective importante de l »œuvre de Rivera a été organisée par le Museum of Fine Arts de Houston du 11 février au 11 mars 1951. Pour l »exposition Art mexicain. Du précolombien à nos jours en 1952 à Paris, le gouvernement mexicain a commandé à Diego Rivera une fresque transportable qui a été censurée puis confisquée en raison de la représentation de Mao et de Staline en tant que faiseurs de paix. Bien qu »elle ait été rendue à Rivera, elle ne faisait pas partie de l »exposition, qui comportait néanmoins 24 œuvres importantes de l »artiste. En outre, le titre du catalogue représentait un Rivera ayant appartenu au président mexicain. Le 30 mars 1952, le peintre présenta la fresque refusée à l »assemblée du Front des peintres révolutionnaires et l »envoya ensuite en exposition itinérante en République populaire de Chine. Là-bas, dans le cadre de la Révolution culturelle, on perd la trace de la peinture. En Europe, l »année suivante, l »exposition Mexican Art from Pre-Colombian Times to the Present Day fut en outre présentée au Liljevalchs Konsthall de Stockholm et à la Tate Gallery de Londres, où Diego Rivera était le peintre le mieux et le plus longuement présenté.

Même après la mort de Rivera, l »activité d »exposition autour de son œuvre ne s »est guère ralentie, car il s »agit de l »un des artistes latino-américains les plus connus et dont le nom est très attractif. Soit, comme dans l »exposition Wand – Bild – Mexico de la Nationalgalerie de Berlin en 1982, il a été mis en relation avec les autres grands noms de l »art moderne mexicain, Orozco et Siquerios, ou son œuvre a été placée dans un contexte plus large, soit, comme dans Diego Rivera : A Retrospective du Philadelphia Museum of Arts en 1985, il a été considéré individuellement. L »exposition de Philadelphie a été la plus grande et la plus importante consacrée à Rivera aux États-Unis depuis son exposition au Museum of Modern Art en 1931. Récemment, l »attention s »est portée sur les panneaux peints de Rivera, comme dans l »exposition Diego Rivera : The Cubist Portraits, 1913-1917, qui s »est tenue en 2009 au Meadows Museum de Dallas. Cet aspect de son œuvre a également fait l »objet d »un nombre croissant de publications.

Musées

La ville de Mexico compte plusieurs musées consacrés en particulier à l »œuvre de Diego Rivera. Le Museo Diego Rivera Anahuacalli était à l »origine prévu par Diego Rivera comme maison d »habitation et lieu d »accueil de sa collection précolombienne. En 1942, il a acheté un terrain à San Pablo Tepetla, qui se trouvait encore à l »extérieur de la ville. Il y a d »abord fait construire les fondations de la maison sans permis de construire, puis le 30 mars 1944, il a obtenu l »autorisation de construire le Museo Anahuacalli. Le bâtiment reprend l »architecture des pyramides précolombiennes. Le musée n »a été achevé qu »en 1963 et inauguré en 1964. Il comprend la collection de 50.000 objets que Rivera avait rassemblée tout au long de sa vie. En août 1955, Diego Rivera a chargé le Banco Nacional de México de la mise sous séquestre de son œuvre et de celle de Frida Kahlo, à côté de quoi le séquestre a également pris en charge la gestion du Museo Anahuacalli et du Museo Frida Kahlo.

Le Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo a été fondé le 21 avril 1981 et a ouvert ses portes le 16 décembre 1986 dans la maison jumelle du couple d »artistes à San Angel, Mexico. Il ne présente qu »un nombre relativement faible de ses œuvres d »art, mais de nombreux objets du quotidien ainsi que l »atelier de Rivera ont été conservés dans leur état d »origine. Le Museo Mural Diego Rivera a été fondé en 1985 après le violent tremblement de terre qui a frappé le Michoacán et qui a également causé d »importantes destructions dans la ville de Mexico. Rivera avait peint en 1948 une murale dans l »hôtel del Prado, qui contenait la phrase controversée Dios no existe (Dieu n »existe pas.) et qui a donc fait l »objet d »une controverse et a finalement été voilée pendant des années. Après que l »hôtel ait été gravement endommagé, l »œuvre d »art de 4,75 mètres de haut et 15,67 mètres de large, pesant 35 tonnes, a été transférée au musée, qui présente également d »autres peintures de Rivera.

Le Museo Dolores Olmedo abrite la plus grande collection privée au monde d »œuvres de Diego Rivera et de Frida Kahlo. En outre, on y trouve également des œuvres d »Angelina Beloff, la compagne parisienne de Rivera.

Sources