Edward Hopper

Alex Rover | juillet 3, 2022

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Résumé

Edward Hopper (22 juillet 1882 – 15 mai 1967) était un peintre et graveur réaliste américain. S »il est largement connu pour ses peintures à l »huile, il était également compétent en tant qu »aquarelliste et graveur à l »eau-forte. Sa carrière a bénéficié de manière décisive de son mariage avec son amie l »artiste Josephine Nivison, qui a beaucoup contribué à son travail, à la fois comme modèle et comme partenaire créatif. Hopper était un artiste de second plan, qui créait un drame discret à partir de sujets banals » recouverts d »un sens poétique « , invitant à des interprétations narratives, souvent involontaires. On lui a fait l »éloge de la « véracité totale » de l »Amérique qu »il dépeignait.

Début de la vie

Hopper est né en 1882 à Nyack, New York, un centre de construction de yachts sur le fleuve Hudson, au nord de New York. Il est l »un des deux enfants d »une famille aisée. Ses parents, d »ascendance principalement hollandaise, sont Elizabeth Griffiths Smith et Garret Henry Hopper, un marchand d »articles de mercerie. Bien que n »ayant pas autant de succès que ses ancêtres, Garrett subvient aux besoins de ses deux enfants grâce à l »héritage de sa femme. Il prend sa retraite à l »âge de quarante-neuf ans. Edward et sa sœur unique Marion fréquentent des écoles privées et publiques. Ils sont élevés dans un foyer baptiste strict. Son père est d »une nature douce, et la maison est dominée par les femmes : la mère, la grand-mère, la sœur et la bonne de Hopper.

Sa maison natale et sa maison d »enfance ont été inscrites sur le registre national des lieux historiques en 2000. Elle est aujourd »hui gérée comme le Edward Hopper House Art Center. Il s »agit d »un centre culturel communautaire à but non lucratif qui propose des expositions, des ateliers, des conférences, des spectacles et des événements spéciaux.

Hopper est un bon élève à l »école primaire et montre des talents en dessin dès l »âge de cinq ans. Il absorbe facilement les tendances intellectuelles de son père et son amour des cultures française et russe. Il a également démontré l »héritage artistique de sa mère. Les parents de Hopper encouragent son art et lui fournissent amplement de matériel, de magazines d »instruction et de livres illustrés. Hopper a commencé à signer et à dater ses dessins à l »âge de dix ans. Les plus anciens de ces dessins comprennent des esquisses au fusain de formes géométriques, dont un vase, un bol, une tasse et des boîtes. L »examen détaillé de la lumière et de l »ombre, qui se poursuivra tout au long de sa carrière, se retrouve déjà dans ces premières œuvres. À l »adolescence, il travaille à la plume, au fusain, à l »aquarelle et à l »huile – il dessine d »après nature et fait des caricatures politiques. En 1895, il réalise sa première peinture à l »huile signée, Rowboat in Rocky Cove, qu »il a copiée d »après une reproduction parue dans The Art Interchange, un journal populaire destiné aux artistes amateurs. Les autres huiles les plus anciennes de Hopper, comme Old ice pond at Nyack et sa peinture Ships datant de 1898, ont été identifiées comme des copies de peintures d »artistes tels que Bruce Crane et Edward Moran.

Dans ses premiers autoportraits, Hopper avait tendance à se représenter comme maigre, peu gracieux et casanier. Bien qu »il soit un adolescent grand et calme, son sens de l »humour farceur s »exprime dans son art, parfois dans des représentations d »immigrants ou de femmes dominant des hommes dans des situations comiques. Plus tard dans sa vie, il représentera surtout des femmes comme personnages dans ses tableaux. Au lycée (il est diplômé de la Nyack High School en 1899), il rêvait de devenir architecte naval, mais après avoir obtenu son diplôme, il a déclaré son intention de suivre une carrière artistique. Les parents de Hopper insistent pour qu »il étudie l »art commercial afin d »avoir un moyen de revenu fiable. En développant son image de soi et sa philosophie individualiste de la vie, Hopper a été influencé par les écrits de Ralph Waldo Emerson. Il dira plus tard : » Je l »admire beaucoup… Je le lis encore et encore. «

Hopper commence ses études artistiques par un cours par correspondance en 1899. Il est bientôt transféré à la New York School of Art and Design, l »ancêtre de la Parsons The New School for Design. Il y étudie pendant six ans, avec des professeurs dont William Merritt Chase, qui lui enseigne la peinture à l »huile. Très tôt, Hopper calque son style sur celui de Chase et des maîtres impressionnistes français Édouard Manet et Edgar Degas. Faire des croquis à partir de modèles vivants s »est avéré être un défi et un choc pour Hopper, qui a été élevé de façon conservatrice.

Un autre de ses professeurs, l »artiste Robert Henri, enseignait la classe de vie. Henri encourageait ses élèves à utiliser leur art pour « faire bouger le monde ». Il conseillait également à ses élèves : » Ce n »est pas le sujet qui compte, mais ce que vous ressentez à son sujet » et » Oubliez l »art et peignez des images de ce qui vous intéresse dans la vie. » De cette manière, Henri a influencé Hopper, ainsi que les futurs artistes George Bellows et Rockwell Kent. Il les a encouragés à imprégner leur travail d »un esprit moderne. Certains artistes du cercle d »Henri, dont John Sloan, deviennent membres de « The Eight », également connu sous le nom d »Ashcan School of American Art. La première peinture à l »huile conservée de Hopper qui laisse entrevoir son utilisation des intérieurs comme thème est Solitary Figure in a Theater (vers 1904). Pendant ses années d »études, il a également peint des dizaines de nus, de natures mortes, de paysages et de portraits, y compris ses autoportraits.

En 1905, Hopper décroche un emploi à temps partiel dans une agence de publicité, où il crée des couvertures pour des magazines spécialisés. Hopper en est venu à détester l »illustration. Il y est resté lié par la nécessité économique jusqu »au milieu des années 1920. Il s »échappe temporairement en faisant trois voyages en Europe, chacun centré sur Paris, apparemment pour y étudier la scène artistique. En fait, il étudie seul et ne semble pas affecté par les nouveaux courants artistiques. Plus tard, il dira qu »il « ne se souvenait pas du tout d »avoir entendu parler de Picasso ». Il est très impressionné par Rembrandt, en particulier par sa Ronde de nuit, dont il dit qu »elle est « la chose la plus merveilleuse que j »aie vue ; sa réalité dépasse l »entendement ».

Hopper a commencé à peindre des scènes urbaines et architecturales dans une palette sombre. Puis il est passé à la palette plus claire des impressionnistes avant de revenir à la palette plus sombre avec laquelle il était à l »aise. Hopper a déclaré plus tard : « J »ai dépassé cela et les choses faites à Paris étaient plutôt le genre de choses que je fais maintenant. » Hopper passait une grande partie de son temps à dessiner des scènes de rue et de café, et à aller au théâtre et à l »opéra. Contrairement à nombre de ses contemporains qui imitaient les expériences cubistes abstraites, Hopper était attiré par l »art réaliste. Plus tard, il admettra n »avoir eu aucune influence européenne, si ce n »est celle du graveur français Charles Meryon, dont Hopper imite les scènes parisiennes sombres.

Des années de lutte

Au retour de son dernier voyage en Europe, Hopper loue un studio à New York, où il s »efforce de définir son propre style. À contrecœur, il retourne à l »illustration pour subvenir à ses besoins. En tant que pigiste, Hopper est obligé de solliciter des projets et de frapper aux portes des magazines et des agences pour trouver des clients. Sa peinture se languit : « Il m »est difficile de décider ce que je veux peindre. Parfois, je reste des mois sans le trouver. Cela vient lentement. » Son collègue illustrateur Walter Tittle a décrit l »état émotionnel dépressif de Hopper en termes plus nets, voyant son ami « souffrant… de longues périodes d »inertie invincible, assis pendant des jours devant son chevalet dans un malheur impuissant, incapable de lever la main pour rompre le charme ».

En 1912 (du 22 février au 5 mars), il fait partie de l »exposition des Indépendants, un groupe d »artistes à l »initiative de Robert Henri, mais ne réalise aucune vente.

En 1912, Hopper se rend à Gloucester, dans le Massachusetts, pour trouver l »inspiration et réalise ses premières peintures en plein air en Amérique. Il peint le phare de Squam, le premier d »une longue série de peintures de phares à venir.

En 1913, lors de l »Armory Show, Hopper gagne 250 dollars en vendant sa première toile, Sailing (1911), à un homme d »affaires américain Thomas F Vietor, qu »il avait peinte sur un autoportrait antérieur. Hopper a trente et un ans et, bien qu »il espère que sa première vente en amènera d »autres rapidement, sa carrière ne décollera pas avant de nombreuses années. Il continue à participer à des expositions collectives dans des lieux plus modestes, comme le MacDowell Club de New York. Peu après la mort de son père la même année, Hopper s »installe dans l »appartement du 3 Washington Square North, dans le quartier de Greenwich Village à Manhattan, où il vivra jusqu »à la fin de sa vie.

L »année suivante, il reçoit une commande pour créer des affiches de films et s »occuper de la publicité d »une société cinématographique. Bien qu »il n »ait pas aimé ce travail d »illustration, Hopper a toujours été un passionné de cinéma et de théâtre, qu »il a traités comme des sujets pour ses peintures. Chaque forme a influencé ses méthodes de composition.

Dans une impasse concernant ses peintures à l »huile, Hopper se tourne en 1915 vers la gravure. En 1923, il avait réalisé la plupart de ses quelque 70 œuvres dans ce médium, dont de nombreuses scènes urbaines de Paris et de New York. Il produit également quelques affiches pour l »effort de guerre, tout en poursuivant des projets commerciaux occasionnels. Lorsqu »il le peut, Hopper réalise quelques peintures à l »huile en extérieur lors de ses visites en Nouvelle-Angleterre, notamment dans les colonies artistiques d »Ogunquit et de Monhegan Island.

Au début des années 1920, ses gravures commencent à être reconnues par le public. Elles expriment certains de ses thèmes ultérieurs, comme dans Night on the El Train (couples en silence), Evening Wind (femme solitaire) et The Catboat (scène nautique simple). Deux huiles remarquables de cette époque sont New York Interior (1921) et New York Restaurant (1922). Il peint également deux de ses nombreuses peintures de « fenêtres » à venir : Girl at Sewing Machine (Jeune fille à la machine à coudre) et Moonlight Interior (Intérieur au clair de lune), qui montrent tous deux une figure (habillée ou nue) près de la fenêtre d »un appartement, vue de l »extérieur ou de l »intérieur.

Bien que ces années soient frustrantes, Hopper acquiert une certaine reconnaissance. En 1918, Hopper reçoit le prix de l »U.S. Shipping Board pour son affiche de guerre, « Smash the Hun ». Il participe à trois expositions : en 1917 avec la Society of Independent Artists, en janvier 1920 (une exposition individuelle au Whitney Studio Club, précurseur du Whitney Museum), et en 1922 (à nouveau avec le Whitney Studio Club). En 1923, Hopper reçoit deux prix pour ses gravures : le prix Logan de la Chicago Society of Etchers et le prix W. A. Bryan.

Mariage et percée

En 1923, la lente ascension de Hopper débouche enfin sur une percée. Il rencontre à nouveau Joséphine Nivison, une artiste et ancienne élève de Robert Henri, lors d »un séjour de peinture estival à Gloucester, dans le Massachusetts. Ils étaient opposés : elle était petite, ouverte, grégaire, sociable et libérale, tandis que lui était grand, secret, timide, tranquille, introspectif et conservateur. Ils se marient un an plus tard avec l »artiste Guy Pene du Bois comme témoin. Elle a fait remarquer : « Parfois, parler à Eddie, c »est comme laisser tomber une pierre dans un puits, sauf qu »elle ne fait pas de bruit quand elle touche le fond ». Elle a subordonné sa carrière à la sienne et a partagé son style de vie reclus. Le reste de leur vie tourne autour de leur petit appartement sans ascenseur en ville et de leurs étés à South Truro, à Cape Cod. Elle a géré sa carrière et ses interviews, a été son principal modèle et a été sa compagne dans la vie.

Avec l »aide de Nivison, six des aquarelles de Gloucester de Hopper ont été admises à une exposition au Brooklyn Museum en 1923. L »une d »entre elles, The Mansard Roof, est achetée par le musée pour sa collection permanente pour la somme de 100 dollars. Les critiques sont généralement dithyrambiques à l »égard de son travail ; l »un d »eux déclare : « Quelle vitalité, quelle force et quelle franchise ! Observez ce que l »on peut faire avec le sujet le plus anodin ». L »année suivante, Hopper vend toutes ses aquarelles lors d »une exposition personnelle et décide enfin de laisser l »illustration derrière lui.

L »artiste avait démontré sa capacité à transposer son attrait pour l »architecture parisienne à l »architecture urbaine et rurale américaine. Selon Carol Troyen, conservatrice du Boston Museum of Fine Arts, « Hopper aimait vraiment la façon dont ces maisons, avec leurs tourelles et tours, leurs porches, leurs toits mansardés et leurs ornements, projetaient des ombres merveilleuses. Il a toujours dit que sa chose préférée était de peindre la lumière du soleil sur le côté d »une maison. »

À quarante et un ans, Hopper reçoit une nouvelle reconnaissance pour son travail. Il continue à nourrir de l »amertume à l »égard de sa carrière, refusant plus tard des apparitions et des prix. Grâce à sa stabilité financière assurée par des ventes régulières, Hopper mène une vie simple et stable et continue à créer des œuvres d »art dans son style personnel pendant quatre autres décennies.

Son œuvre Two on the Aisle (1927) s »est vendue pour la somme record de 1 500 dollars, ce qui a permis à Hopper d »acheter une automobile, qu »il a utilisée pour faire des voyages d »étude dans les régions reculées de la Nouvelle-Angleterre. En 1929, il réalise Chop Suey et Railroad Sunset. L »année suivante, le mécène Stephen Clark fait don de House by the Railroad (1925) au Museum of Modern Art, la première peinture à l »huile qu »il acquiert pour sa collection. Hopper peint son dernier autoportrait à l »huile vers 1930. Bien que Joséphine ait posé pour nombre de ses tableaux, elle n »a participé qu »à un seul portrait formel à l »huile de son mari, Jo Painting (1936).

Hopper s »en sort mieux que beaucoup d »autres artistes pendant la Grande Dépression. Sa stature a connu une forte hausse en 1931, lorsque de grands musées, dont le Whitney Museum of American Art et le Metropolitan Museum of Art, ont payé des milliers de dollars pour ses œuvres. Il a vendu 30 tableaux cette année-là, dont 13 aquarelles. L »année suivante, il participe à la première édition du Whitney Annual, et il continuera à exposer dans toutes les éditions annuelles du musée jusqu »à la fin de sa vie. En 1933, le Museum of Modern Art offre à Hopper sa première rétrospective à grande échelle.

En 1930, les Hopper louent un cottage à South Truro, à Cape Cod. Ils y retournent tous les étés jusqu »à la fin de leur vie et y construisent une maison d »été en 1934. De là, ils se rendaient en voiture dans d »autres régions lorsque Hopper avait besoin de trouver de nouveaux matériaux à peindre. Au cours des étés 1937 et 1938, le couple passe de longs séjours à la ferme Wagon Wheels à South Royalton, dans le Vermont, où Hopper peint une série d »aquarelles le long de la White River. Ces scènes sont atypiques parmi les œuvres de la maturité de Hopper, car la plupart sont des paysages » purs « , dépourvus d »architecture ou de figures humaines. First Branch of the White River (1938), aujourd »hui au Museum of Fine Arts de Boston, est le plus connu des paysages du Vermont de Hopper.

Hopper a été très productif dans les années 1930 et au début des années 1940, produisant, parmi de nombreuses œuvres importantes, New York Movie (1939), Girlie Show (1941), Nighthawks (1942), Hotel Lobby (1943) et Morning in a City (1944). À la fin des années 1940, cependant, il connaît une période de relative inactivité. Il admet : « J »aimerais pouvoir peindre davantage. J »en ai marre de lire et d »aller au cinéma ». Au cours des deux décennies suivantes, sa santé vacille, et il subit plusieurs opérations de la prostate et d »autres problèmes médicaux. Mais, dans les années 1950 et au début des années 1960, il crée plusieurs autres œuvres majeures, dont First Row Orchestra (et Intermission en 1963.

Décès

Hopper est mort de causes naturelles dans son studio près de Washington Square à New York le 15 mai 1967. Il a été enterré deux jours plus tard dans la parcelle familiale du cimetière Oak Hill à Nyack, New York, son lieu de naissance. Sa femme est décédée dix mois plus tard et est enterrée avec lui.

Sa femme a légué leur collection commune de plus de trois mille œuvres au Whitney Museum of American Art. D »autres tableaux importants de Hopper sont détenus par le Museum of Modern Art de New York, le Des Moines Art Center et l »Art Institute of Chicago.

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Personnalité et vision

Toujours réticent à discuter de lui-même et de son art, Hopper disait simplement : « Toute la réponse est là, sur la toile. » Hopper était stoïque et fataliste – un homme tranquille et introverti, doté d »un doux sens de l »humour et d »une grande franchise. Hopper était quelqu »un d »attiré par un symbolisme emblématique et anti-narratif, qui « peignait de courts moments isolés de configuration, saturés de suggestion ». Ses espaces silencieux et ses rencontres malaisées « nous touchent là où nous sommes le plus vulnérables », et ont « une suggestion de mélancolie, cette mélancolie étant mise en scène ». Son sens de la couleur l »a révélé comme un peintre pur, « transformant le puritain en puriste, dans ses toiles tranquilles où s »équilibrent les défauts et les bienfaits ». Selon le critique Lloyd Goodrich, il était « un peintre éminemment autochtone, qui plus que tout autre faisait entrer dans ses toiles la qualité de l »Amérique ».

Conservateur en matière politique et sociale (Hopper affirmait par exemple que « la vie des artistes devrait être écrite par des personnes très proches d »eux »), il acceptait les choses telles qu »elles étaient et faisait preuve d »un manque d »idéalisme. Cultivé et sophistiqué, il était très cultivé, et nombre de ses tableaux montrent des personnages en train de lire. Il était généralement de bonne compagnie et ne souffrait pas les silences, bien que parfois taciturne, grincheux ou détaché. Il était toujours sérieux à propos de son art et de celui des autres, et lorsqu »on lui demandait son avis, il répondait franchement.

La déclaration la plus systématique de Hopper sur sa philosophie en tant qu »artiste a été donnée dans une note manuscrite, intitulée « Statement », soumise en 1953 à la revue Reality :

Le grand art est l »expression extérieure de la vie intérieure de l »artiste, et cette vie intérieure se traduit par sa vision personnelle du monde. Aucune invention habile ne peut remplacer l »élément essentiel qu »est l »imagination. L »une des faiblesses d »une grande partie de la peinture abstraite est la tentative de substituer les inventions de l »intellect humain à une conception imaginative privée.

Bien que Hopper ait affirmé qu »il n »intégrait pas consciemment de sens psychologique dans ses peintures, il s »intéressait profondément à Freud et au pouvoir du subconscient. Il a écrit en 1939 : « Une si grande partie de chaque art est une expression du subconscient qu »il me semble que la plupart des qualités importantes sont mises là inconsciemment, et peu d »importance par l »intellect conscient. »

Méthodes

Bien qu »il soit surtout connu pour ses peintures à l »huile, Hopper s »est d »abord fait connaître par ses aquarelles et a également produit quelques gravures à succès. En outre, ses carnets contiennent des esquisses au stylo et au crayon de grande qualité, qui n »ont jamais été destinées à être vues par le public.

Hopper accordait une attention particulière à la conception géométrique et au placement minutieux des figures humaines en équilibre avec leur environnement. Il était un artiste lent et méthodique ; comme il l »a écrit, « Il faut beaucoup de temps pour qu »une idée me vienne. Ensuite, je dois y réfléchir pendant longtemps. Je ne commence à peindre que lorsque j »ai tout prévu dans mon esprit. Je me sens bien quand j »arrive au chevalet ». Il faisait souvent des croquis préparatoires pour élaborer ses compositions soigneusement calculées. Lui et sa femme tenaient un registre détaillé de leurs œuvres, dans lequel ils notaient des éléments tels que « visage triste d »une femme non éclairée », « lumière électrique au plafond » et « cuisses plus fraîches ».

Pour New York Movie (1939), Hopper démontre sa préparation minutieuse avec plus de 53 croquis de l »intérieur du théâtre et de la figure de l »ouvreuse pensive.

L »utilisation efficace de la lumière et des ombres pour créer une ambiance est également au cœur des méthodes de Hopper. La lumière vive du soleil (en tant qu »emblème de l »intuition ou de la révélation) et les ombres qu »elle projette jouent également un rôle symbolique puissant dans les tableaux de Hopper tels que Early Sunday Morning (1930), Summertime (1943), Seven A.M. (1948) et Sun in an Empty Room (1963). Son utilisation des effets d »ombre et de lumière a été comparée à la cinématographie du film noir.

Bien qu »il soit un peintre réaliste, le réalisme « doux » de Hopper simplifie les formes et les détails. Il utilise des couleurs saturées pour accentuer les contrastes et créer une ambiance.

Sujets et thèmes

Hopper a puisé ses sujets dans deux sources principales : les caractéristiques communes de la vie américaine et les paysages marins et ruraux. En ce qui concerne son style, Hopper se définissait comme « un amalgame de nombreuses races » et n »était membre d »aucune école, en particulier de l » »école Ashcan ». Une fois que Hopper a atteint son style mature, son art est resté cohérent et autonome, malgré les nombreuses tendances artistiques qui se sont succédé au cours de sa longue carrière.

Les paysages marins de Hopper se répartissent en trois groupes principaux : les paysages purs de rochers, de mer et d »herbes de plage ; les phares et les fermes ; et les voiliers. Parfois, il combinait ces éléments. La plupart de ces peintures dépeignent une lumière forte et le beau temps ; il s »est peu intéressé aux scènes de neige ou de pluie, ou aux changements de couleur saisonniers. C »est sur l »île de Monhegan, entre 1916 et 1919, qu »il a peint la majorité de ses paysages marins purs. The Long Leg (1935) de Hopper est un tableau de voile presque entièrement bleu avec les éléments les plus simples, tandis que son Ground Swell (1939) est plus complexe et représente un groupe de jeunes en train de naviguer, un thème qui rappelle l »emblématique Breezing Up (1876) de Winslow Homer.

L »architecture urbaine et les paysages urbains étaient également des sujets majeurs pour Hopper. Il était fasciné par la scène urbaine américaine, « notre architecture indigène avec sa beauté hideuse, ses toits fantastiques, pseudo-gothiques, mansardés, coloniaux, bâtards ou autres, avec des couleurs criardes ou de délicates harmonies de peinture délavée, qui s »épaulent les uns les autres le long de rues interminables qui se terminent en marécages ou en tas de déchets ».

En 1925, il réalise House by the Railroad. Cette œuvre classique représente un manoir victorien isolé en bois, partiellement masqué par le talus surélevé d »une voie ferrée. Elle marque la maturité artistique de Hopper. Lloyd Goodrich a fait l »éloge de cette œuvre comme étant « l »une des pièces les plus poignantes et les plus désolantes du réalisme ». Cette œuvre est la première d »une série de scènes rurales et urbaines austères qui utilisent des lignes nettes et de grandes formes, jouées par un éclairage inhabituel pour capturer l »humeur solitaire de ses sujets. Bien que les critiques et les spectateurs interprètent le sens et l »humeur de ces paysages urbains, Hopper insiste : « J »étais plus intéressé par la lumière du soleil sur les bâtiments et sur les personnages que par tout symbolisme. » Comme pour prouver ce point, son tableau tardif Sun in an Empty Room (1963) est une pure étude de la lumière du soleil.

La plupart des peintures de figures de Hopper se concentrent sur l »interaction subtile des êtres humains avec leur environnement, qu »il s »agisse de figures solitaires, de couples ou de groupes. Ses principaux thèmes émotionnels sont la solitude, le regret, l »ennui et la résignation. Il exprime ces émotions dans divers environnements, notamment au bureau, dans des lieux publics, dans des appartements, sur la route ou en vacances. Comme s »il créait des images fixes pour un film ou des tableaux pour une pièce de théâtre, Hopper positionne ses personnages comme s »ils étaient capturés juste avant ou juste après le point culminant d »une scène.

Les figures solitaires de Hopper sont pour la plupart des femmes – habillées, semi-vêtues et nues – qui lisent ou regardent par la fenêtre, ou qui sont sur leur lieu de travail. Au début des années 1920, Hopper peint ses premières images de ce type : Girl at Sewing Machine (1921), New York Interior (une autre femme en train de coudre) (1921) et Moonlight Interior (un nu se mettant au lit) (1923). Automate (1927) et Chambre d »hôtel (1931) sont toutefois plus représentatifs de son style de la maturité et mettent davantage l »accent sur la solitude.

Comme l »a écrit Gail Levin, spécialiste de Hopper, à propos de Hotel Room :

Les bandes de couleur verticales et diagonales et les ombres électriques nettes créent un drame concis et intense dans la nuit… En combinant un sujet poignant avec une disposition formelle aussi puissante, la composition de Hopper est suffisamment pure pour s »approcher d »une sensibilité presque abstraite, tout en étant chargée d »une signification poétique pour l »observateur.

Room in New York (1932) et Cape Cod Evening (1939) de Hopper sont des exemples parfaits de ses peintures de « couple ». Dans la première, un jeune couple semble aliéné et peu communicatif, lui lisant le journal tandis qu »elle se repose près du piano. Le spectateur prend le rôle d »un voyeur, comme s »il regardait avec un télescope par la fenêtre de l »appartement pour épier le manque d »intimité du couple. Dans ce dernier tableau, un couple plus âgé, qui a peu de choses à se dire, joue avec son chien, dont l »attention est détournée de ses maîtres. Hopper pousse le thème du couple à un niveau plus ambitieux dans Excursion dans la philosophie (1959). Un homme d »âge moyen est assis, déprimé, sur le bord d »un lit. À ses côtés se trouvent un livre ouvert et une femme partiellement vêtue. Un rayon de lumière éclaire le sol devant lui. Jo Hopper a noté dans son journal de bord : » le livre ouvert est Platon, relu trop tard « .

Levin interprète le tableau :

Le philosophe de Platon, à la recherche du réel et du vrai, doit se détourner de ce domaine transitoire et contempler les Formes et les Idées éternelles. L »homme pensif du tableau de Hopper est placé entre l »attrait du domaine terrestre, représenté par la femme, et l »appel du domaine spirituel supérieur, représenté par la chute de lumière éthérée. La douleur de réfléchir à ce choix et à ses conséquences, après avoir lu Platon toute la nuit, est évidente. Il est paralysé par le fervent travail intérieur du mélancolique.

Dans Office at Night (1940), une autre peinture de « couple », Hopper crée un puzzle psychologique. Le tableau montre un homme concentré sur ses papiers de travail, tandis qu »à proximité, sa séduisante secrétaire tire un dossier. Plusieurs études réalisées pour ce tableau montrent comment Hopper a expérimenté le positionnement des deux personnages, peut-être pour renforcer l »érotisme et la tension. Hopper présente au spectateur la possibilité que l »homme soit réellement indifférent à l »attrait de la femme ou qu »il s »efforce de l »ignorer. Un autre aspect intéressant du tableau est la façon dont Hopper utilise trois sources de lumière, une lampe de bureau, une fenêtre et une lumière indirecte venant d »en haut. Hopper a réalisé par la suite plusieurs tableaux de « bureau », mais aucun autre avec un sous-entendu sensuel.

La plus connue des peintures de Hopper, Nighthawks (1942), est l »une de ses peintures de groupes. Il montre des clients assis au comptoir d »un restaurant ouvert toute la nuit. Les formes et les diagonales sont soigneusement construites. Le point de vue est cinématographique, depuis le trottoir, comme si le spectateur s »approchait du restaurant. La lumière électrique crue du restaurant se distingue de la nuit noire qui règne à l »extérieur, ce qui renforce l »ambiance et l »émotion subtile. Comme dans de nombreux tableaux de Hopper, l »interaction est minimale. Le restaurant représenté a été inspiré par un restaurant de Greenwich Village. Hopper et sa femme ont tous deux posé pour les personnages, et Jo Hopper a donné son titre au tableau. L »inspiration du tableau peut provenir de la nouvelle d »Ernest Hemingway « The Killers », que Hopper admirait beaucoup, ou de la nouvelle plus philosophique « A Clean, Well-Lighted Place ». L »ambiance du tableau a parfois été interprétée comme l »expression de l »anxiété de la guerre. En accord avec le titre de son tableau, Hopper a déclaré plus tard que « Nighthawks » avait plus à voir avec la possibilité de prédateurs dans la nuit qu »avec la solitude.

Son deuxième tableau le plus connu après Nighthawks est une autre peinture urbaine, Early Sunday Morning (appelée à l »origine Seventh Avenue Shops), qui montre une scène de rue vide dans une lumière latérale vive, avec une bouche d »incendie et un poteau de coiffeur comme substituts de figures humaines. À l »origine, Hopper avait l »intention de placer des personnages dans les fenêtres de l »étage, mais il les a laissées vides pour accentuer le sentiment de désolation.

Les scènes rurales de Hopper en Nouvelle-Angleterre, telles que Gas (1940), ne sont pas moins significatives. Gas représente « un refuge différent, tout aussi propre et bien éclairé… ouvert à ceux qui en ont besoin pour traverser la nuit, parcourant les kilomètres qui les séparent de leur sommeil ». L »œuvre présente une fusion de plusieurs thèmes de Hopper : la figure solitaire, la mélancolie du crépuscule et la route solitaire.

Hopper s »approche du surréalisme avec Rooms by the Sea (1951), où une porte ouverte donne une vue sur l »océan, sans échelle ou marches apparentes et sans indication de plage.

Après ses années d »études, les nus de Hopper sont tous des femmes. Contrairement aux artistes du passé qui peignaient le nu féminin pour glorifier la forme féminine et mettre en valeur l »érotisme féminin, les nus de Hopper sont des femmes solitaires qui sont psychologiquement exposées. Une exception audacieuse est Girlie Show (1941), où une reine du strip-tease rousse traverse la scène d »un pas assuré, accompagnée par les musiciens dans la fosse. Girlie Show a été inspiré par la visite de Hopper à un spectacle burlesque quelques jours plus tôt. La femme de Hopper, comme d »habitude, a posé pour lui pour le tableau, et a noté dans son journal : « Ed commence une nouvelle toile – une reine burlesque faisant un strip-tease – et je pose sans un point de couture devant le poêle – rien que des talons hauts dans une pose de danse de loterie ».

Les portraits et autoportraits de Hopper sont relativement peu nombreux après ses années d »études. Hopper a cependant réalisé un « portrait » de maison commandé, The MacArthurs » Home (1939), où il détaille fidèlement l »architecture victorienne de la maison de l »actrice Helen Hayes. Elle déclara plus tard : » Je crois que je n »ai jamais rencontré un individu aussi misanthrope et grincheux dans ma vie. » Hopper a râlé tout au long du projet et n »a plus jamais accepté de commande. Hopper a également peint Portrait of Orleans (1950), un « portrait » de la ville de Cape Cod depuis sa rue principale.

Bien que très intéressé par la guerre civile américaine et les photographies de champs de bataille de Mathew Brady, Hopper n »a réalisé que deux tableaux historiques. Toutes deux représentent des soldats en route vers Gettysburg. Les peintures montrant une action sont également rares parmi ses thèmes. Le meilleur exemple de peinture d »action est Bridle Path (1939), mais le fait que Hopper ait eu du mal à trouver l »anatomie correcte des chevaux l »a peut-être découragé de toute tentative similaire.

La dernière huile de Hopper, Deux Comédiens (1966), peinte un an avant sa mort, met l »accent sur son amour du théâtre. Deux acteurs de pantomime français, un homme et une femme, tous deux vêtus de costumes blancs éclatants, tirent leur révérence devant une scène sombre. Jo Hopper a confirmé que son mari voulait que les personnages suggèrent qu »ils tirent leur révérence pour la dernière fois en tant que mari et femme.

Les peintures de Hopper ont souvent été perçues par d »autres comme ayant un contenu narratif ou thématique que l »artiste n »avait peut-être pas prévu. Le titre d »un tableau peut lui conférer une grande signification, mais les titres des tableaux de Hopper ont parfois été choisis par d »autres personnes ou par Hopper et sa femme d »une manière qui ne permet pas de savoir s »ils ont un lien réel avec la signification de l »artiste. Par exemple, Hopper a déclaré un jour à un intervieweur qu »il était « friand de Early Sunday Morning… mais ce n »était pas nécessairement un dimanche ». Ce mot a été rajouté plus tard par quelqu »un d »autre ».

La tendance à lire dans les tableaux de Hopper un contenu thématique ou narratif que Hopper n »avait pas prévu s »étendait même à sa femme. Lorsque Jo Hopper commente la figure de Cape Cod Morning : » C »est une femme qui regarde dehors pour voir s »il fait assez beau pour étendre son linge « , Hopper rétorque : » Ai-je dit cela ? Vous en faites un Norman Rockwell. De mon point de vue, elle regarde simplement par la fenêtre. » Un autre exemple du même phénomène est consigné dans un article du Time de 1948 :

Summer Evening de Hopper, un jeune couple discutant sous la lumière crue d »un porche de chalet, est inévitablement romantique, mais Hopper a été blessé par la suggestion d »un critique selon laquelle ce tableau conviendrait pour une illustration dans « n »importe quel magazine féminin ». Hopper avait le tableau dans un coin de sa tête « depuis 20 ans et je n »ai jamais pensé à y mettre les personnages avant de commencer l »été dernier. Pourquoi n »importe quel directeur artistique mettrait-il le tableau en pièces ? Les personnages n »étaient pas ce qui m »intéressait ; c »était la lumière qui ruisselait, et la nuit tout autour. »

Place dans l »art américain

En se concentrant principalement sur les moments calmes, montrant très rarement l »action, Hopper a employé une forme de réalisme adoptée par un autre grand réaliste américain, Andrew Wyeth, mais la technique de Hopper était complètement différente du style hyper-détaillé de Wyeth. En accord avec certains de ses contemporains, Hopper partageait sa sensibilité urbaine avec John Sloan et George Bellows, mais évitait leur action et leur violence manifestes. Là où Joseph Stella et Georgia O »Keeffe glorifiaient les structures monumentales de la ville, Hopper les réduisait à des géométries quotidiennes et il dépeignait le pouls de la ville comme désolant et dangereux plutôt qu » »élégant ou séduisant ».

Charles Burchfield, que Hopper admirait et auquel il était comparé, a dit de Hopper : « Il atteint une vérité si complète que vous pouvez lire dans ses interprétations des maisons et ses conceptions de la vie new-yorkaise toutes les implications humaines que vous souhaitez ». Il a également attribué le succès de Hopper à son « individualisme audacieux ». … En lui, nous avons retrouvé cette solide indépendance américaine que Thomas Eakins nous a donnée, mais qui a été perdue pendant un certain temps ». Hopper considérait cela comme un grand compliment puisqu »il considérait Eakins comme le plus grand peintre américain.

Deborah Lyons, spécialiste de Hopper, écrit : « Nos propres moments de révélation sont souvent reflétés, transcendés, dans son œuvre. Une fois vues, les interprétations de Hopper existent dans notre conscience en tandem avec notre propre expérience. Nous voyons toujours un certain type de maison comme une maison Hopper, investie peut-être d »un mystère que Hopper a implanté dans notre propre vision ». Les peintures de Hopper mettent en lumière les scènes apparemment banales et typiques de notre vie quotidienne et leur donnent un motif d »épiphanie. De cette façon, l »art de Hopper prend le paysage américain sordide et les stations-service isolées et crée en eux un sentiment d »anticipation magnifique.

Bien que comparé à son contemporain Norman Rockwell en termes de sujets, Hopper n »aimait pas la comparaison. Hopper se considérait comme plus subtil, moins illustratif et certainement pas sentimental. Hopper rejetait également les comparaisons avec Grant Wood et Thomas Hart Benton en déclarant : » Je pense que les peintres de la Scène américaine ont caricaturé l »Amérique. J »ai toujours voulu la faire moi-même ».

Influence

L »influence de Hopper sur le monde de l »art et la culture populaire est indéniable ; voir § Dans la culture populaire pour de nombreux exemples. Bien qu »il n »ait pas eu d »élèves formels, de nombreux artistes l »ont cité comme une influence, notamment Willem de Kooning, Jim Dine et Mark Rothko. Une illustration de l »influence de Hopper est la première œuvre de Rothko, Composition I (vers 1931), qui est une paraphrase directe du Chop Suey de Hopper.

Les compositions cinématographiques de Hopper et son utilisation dramatique de la lumière et de l »obscurité ont fait de lui un favori des cinéastes. Par exemple, House by the Railroad aurait fortement influencé la maison emblématique du film Psycho d »Alfred Hitchcock. Le même tableau a également été cité comme ayant influencé la maison du film Days of Heaven de Terrence Malick. Le film de 1981 Pennies from Heaven comprend un tableau vivant de Nighthawks, avec les acteurs principaux à la place des convives. Le réalisateur allemand Wim Wenders cite également l »influence de Hopper. Son film de 1997, La fin de la violence, comporte également un tableau vivant de Nighthawks, recréé par des acteurs. Le célèbre réalisateur de films d »horreur surréalistes Dario Argento est allé jusqu »à recréer le restaurant et les clients de Nighthawks dans le cadre d »un décor pour son film Deep Red (alias Profondo Rosso) de 1976. Ridley Scott a cité le même tableau comme une inspiration visuelle pour Blade Runner. Pour établir l »éclairage des scènes du film Les Chemins de la Perdition (2002), le réalisateur Sam Mendes s »est inspiré des peintures de Hopper, notamment New York Movie.

On trouve souvent dans les magasins d »affiches et les boutiques de souvenirs des hommages aux Nighthawks représentant des personnages de dessins animés ou des icônes de la culture pop telles que James Dean et Marilyn Monroe. La chaîne de télévision câblée Turner Classic Movies diffuse parfois des clips animés basés sur des peintures de Hopper avant la diffusion de ses films. Parmi ses influences musicales, citons le chanteur

En poésie, de nombreux poèmes ont été inspirés par les peintures de Hopper, généralement sous forme de descriptions vivantes et de dramatisations ; ce genre est connu sous le nom d »ekphrasis. En plus des nombreux poèmes individuels inspirés par Hopper, plusieurs poètes ont écrit des recueils basés sur les peintures de Hopper. Le poète français Claude Esteban a écrit un recueil de poèmes en prose, Soleil dans une pièce vide (1991), basé sur quarante-sept tableaux de Hopper peints entre 1921 et 1963, se terminant par Soleil dans une pièce vide (1963), d »où le titre. Les poèmes mettent chacun en scène un tableau de Hopper, imaginant une histoire derrière la scène ; le livre a reçu le prix France Culture en 1991. Huit de ces poèmes – Ground Swell, Girl at Sewing Machine, Compartment C, Car 293, Nighthawks, South Carolina Morning, House by the Railroad, People in the Sun et Roofs of Washington Square – ont ensuite été mis en musique par la compositrice Graciane Finzi, et enregistrés avec lecture par la chanteuse Natalie Dessay sur son album Portraits of America (2016), où ils ont été complétés par la sélection de dix autres tableaux de Hopper, et de chansons du répertoire américain pour les accompagner. De même, le poète espagnol Ernest Farrés a écrit un recueil de cinquante et un poèmes en catalan, sous le nom d »Edward Hopper (2006, traduction anglaise 2010 par Lawrence Venuti), et James Hoggard a écrit Triangles of Light : The Edward Hopper Poems (Wings Press, 2009). Une collection de divers poètes a été organisée dans The Poetry of Solitude : A Tribute to Edward Hopper 1995 (éditeur Gail Levin). Parmi les poèmes individuels, Byron Vazakas (1957) et John Stone (1985) se sont inspirés de Early Sunday Morning, et Mary Leader de Girl at Sewing Machine.

Expositions

En 1980, l »exposition Edward Hopper : The Art and the Artist a été inaugurée au Whitney Museum of American Art et s »est rendue à Londres, Düsseldorf et Amsterdam, ainsi qu »à San Francisco et Chicago. Pour la première fois, cette exposition présente les peintures à l »huile de Hopper ainsi que les études préparatoires de ces œuvres. C »est le début de la popularité de Hopper en Europe et de sa grande réputation mondiale.

En 2004, une grande sélection de peintures de Hopper a fait le tour de l »Europe, visitant le Museum Ludwig de Cologne, en Allemagne, et la Tate Modern de Londres. L »exposition de la Tate est devenue la deuxième plus populaire de l »histoire de la galerie, avec 420 000 visiteurs pendant les trois mois où elle était ouverte.

En 2007, une exposition consacrée à la période des plus grandes réalisations de Hopper – de 1925 à la moitié du siècle dernier – a été présentée au Museum of Fine Arts de Boston. L »exposition comprenait cinquante peintures à l »huile, trente aquarelles et douze gravures, dont les favorites Nighthawks, Chop Suey et Lighthouse and Buildings. L »exposition était organisée par le Museum of Fine Arts de Boston, la National Gallery of Art de Washington et l »Art Institute of Chicago, et parrainée par la société de conseil en gestion internationale Booz Allen Hamilton.

En 2010, le musée de la Fondation de l »Hermitage à Lausanne, en Suisse, a organisé une exposition qui couvrait l »ensemble de la carrière de Hopper, avec des œuvres provenant en grande partie du Whitney Museum de New York. Elle comprenait des peintures, des aquarelles, des gravures, des dessins humoristiques, des affiches, ainsi que certaines études préparatoires pour des tableaux sélectionnés. L »exposition avait déjà été présentée à Milan et à Rome. En 2011, le Whitney Museum of American Art a organisé une exposition intitulée Edward Hopper and His Times.

En 2012, une exposition s »est ouverte au Grand Palais à Paris, qui cherchait à mettre en lumière la complexité de ses chefs-d »œuvre, ce qui témoigne de la richesse de l »œuvre de Hopper. Elle était divisée chronologiquement en deux grandes parties : la première couvrait les années de formation de Hopper (1900-1924), en comparant son travail avec celui de ses contemporains et l »art qu »il a vu à Paris, qui a pu l »influencer. La seconde section s »intéresse à l »art de sa maturité, des premières peintures emblématiques de son style personnel, telles que House by the Railroad (1924), à ses dernières œuvres.

En 2020, la Fondation Beyeler a organisé une exposition présentant l »art de Hopper. L »exposition s »est concentrée sur les « représentations iconiques de Hopper de l »étendue infinie des paysages et des paysages urbains américains ». Cet aspect a rarement été évoqué dans les expositions, pourtant il constitue un ingrédient clé pour comprendre l »œuvre de Hopper.

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Marché de l »art

Les œuvres de Hopper apparaissent rarement sur le marché. L »artiste n »était pas prolifique, ne peignant que 366 toiles ; dans les années 1950, alors qu »il était septuagénaire, il produisait environ cinq tableaux par an. Le marchand de longue date de Hopper, Frank Rehn, qui a offert à l »artiste sa première exposition personnelle en 1924, a vendu Hotel Window (1956) à la collectionneuse Olga Knoepke pour 7 000 dollars (soit 67 537 dollars en 2021) en 1957. En 1999, la Forbes Collection l »a vendu à l »acteur Steve Martin à titre privé pour environ 10 millions de dollars. En 2006, Martin l »a vendue pour 26,89 millions de dollars chez Sotheby »s New York, un record d »enchères pour l »artiste.

En 2013, la Pennsylvania Academy of Fine Arts a mis en vente East Wind Over Weehawken (1934) de Hopper, dans l »espoir d »engranger les 22 à 28 millions de dollars auxquels le tableau est estimé, afin de créer un fonds destiné à acquérir de « l »art contemporain » qui prendrait de la valeur. Il s »agit d »une scène de rue dans des tons sombres et terreux représentant la maison à pignon du 1001 Boulevard East, à l »angle de la 49e rue, à Weehawken, dans le New Jersey, et elle est considérée comme l »une des meilleures œuvres de Hopper. Elle a été acquise directement auprès du marchand traitant les tableaux de l »artiste en 1952, quinze ans avant la mort du peintre, à un prix très bas. Le tableau a été vendu pour la somme record de 36 millions de dollars chez Christie »s à New York, à un enchérisseur anonyme par téléphone.

En 2018, après la mort du collectionneur d »art Barney A. Ebsworth et la vente aux enchères subséquente de nombreuses pièces de sa collection, Chop Suey (1929) a été vendu pour 92 millions de dollars, devenant ainsi l »œuvre de Hopper la plus chère jamais achetée aux enchères.

Outre son influence (voir § Influence), Hopper est fréquemment cité dans la culture populaire.

En 1981, Hopper »s Silence, un documentaire de Brian O »Doherty produit par le Whitney Museum of American Art, a été présenté au festival du film de New York au Alice Tully Hall.

Le réalisateur autrichien Gustav Deutsch a créé en 2013 le film Shirley – Visions de la réalité à partir de 13 tableaux d »Edward Hopper.

Parmi les autres œuvres basées sur les peintures de Hopper ou inspirées par elles, citons l »album Nighthawks at the Diner de Tom Waits (1975) et une série de photographies de Gail Albert Halaban (2012).

Dans le livre (1985, 1998) et l »exposition itinérante intitulés Hopper »s Places, Gail Levin a localisé et photographié les sites de nombreuses peintures de Hopper. Dans sa critique de 1985 d »une exposition connexe organisée par Levin, Vivien Raynor a écrit dans le New York Times : « Les déductions de Mlle Levin sont invariablement éclairantes, comme lorsqu »elle déduit que la tendance de Hopper à allonger les structures était le reflet de sa propre taille. »

L »album Crush (1985) du groupe new wave Orchestral Manoeuvres in the Dark comporte des illustrations inspirées de plusieurs tableaux de Hopper, notamment Early Sunday Morning, Nighthawks et Room in New York. Le single « Night Cafe » du groupe en 2013 a été influencé par Nighthawks et mentionne Hopper par son nom. Sept de ses peintures sont référencées dans les paroles.

Le New York City Opera a mis en scène la première sur la côte Est de « Hopper »s Wife » de Stewart Wallace – un opéra de chambre de 1997 sur un mariage imaginaire entre Edward Hopper et la chroniqueuse de potins Hedda Hopper, au Harlem Stage en 2016.

La romancière irlandaise, Christine Dwyer Hickey, a publié en 2019 un roman, The Narrow Land, dans lequel Edward et Jo Hopper sont des personnages centraux.

Paul Weller a inclus une chanson intitulée « Hopper » dans son album A Kind Revolution, sorti en 2017.

Sources

Edward Hopper
Edward Hopper
^ a b Levin, Gail, Edward Hopper: An Intimate Biography, Alfred A. Knopf, New York, 1995, p.11, ISBN 0-394-54664-4
^ Levin 1995, p. 9
^ Levin 1995, p. 12
^ Levin 1995, p. 23
1 2 RKDartists
https://rkd.nl/explore/artists/39704
1 2 Levin, 1995, p. 11.
« Dossier de presse de l »exposition Visages, 21 février-22 juin 2014, Centre de la Vieille Charité, Marseille », sur cultivoo.com (consulté le 29 janvier 2018).
Collectif, Edward Hopper, 1989, p. 33.
Collectif, Edward Hopper, 1989, p. 32.
Premier séjour : octobre 1906 / août 1907 ; deuxième séjour : mars juillet 1909 ; troisième séjour : quelques semaines en 1910.
a et b Collectif, Edward Hopper, 1989, p. 117.