Ellsworth Kelly

Dimitris Stamatios | août 20, 2022

Post Views: 11

Résumé

Ellsworth Kelly (31 mai 1923 – 27 décembre 2015) était un peintre, sculpteur et graveur américain associé à la peinture hard-edge, à la peinture Color Field et au minimalisme. Ses œuvres démontrent des techniques sans prétention mettant l »accent sur la ligne, la couleur et la forme, semblables au travail de John McLaughlin et Kenneth Noland. Kelly utilisait souvent des couleurs vives. Il a vécu et travaillé à Spencertown, New York.

Allan Howe Kelly et Florence Rose Elizabeth (Githens) Kelly sont le deuxième fils d »une famille de trois enfants. Il est né à Newburgh, New York, à environ 60 miles au nord de New York City. Son père, cadre dans une compagnie d »assurance, est d »origine écossaise, irlandaise et allemande. Sa mère était une ancienne institutrice de souche galloise et allemande de Pennsylvanie. Sa famille déménage de Newburgh à Oradell, New Jersey, une ville de près de 7 500 habitants. Sa famille vit près du réservoir d »Oradell, où sa grand-mère paternelle l »initie à l »ornithologie lorsqu »il a huit ou neuf ans.

C »est là qu »il a développé sa passion pour les formes et les couleurs. John James Audubon a eu une influence particulièrement forte sur le travail de Kelly tout au long de sa carrière. L »auteur Eugene Goossen a émis l »hypothèse que les peintures bicolores et tricolores (telles que Three Panels : Red Yellow Blue, I 1963) pour lesquelles Kelly est si connu peuvent être attribuées à son observation des oiseaux et à son étude des oiseaux bicolores et tricolores qu »il voyait si fréquemment à un âge précoce. Kelly a déclaré qu »il était souvent seul lorsqu »il était jeune et qu »il était devenu un peu « solitaire ». Il avait un léger bégaiement qui persistait pendant son adolescence.

Kelly fréquente l »école publique, où les cours d »art mettent l »accent sur les matériaux et cherchent à développer l » »imagination artistique ». Ce programme est typique de la tendance générale de l »enseignement qui a émergé des théories progressistes de l »éducation promulguées par le Teacher »s College de l »Université de Columbia, où le peintre moderniste américain Arthur Wesley Dow a enseigné. Bien que ses parents soient réticents à soutenir la formation artistique de Kelly, son institutrice, Dorothy Lange Opsut, l »encourage à aller plus loin. Ses parents ne voulant payer que pour une formation technique, Kelly étudie d »abord au Pratt Institute de Brooklyn, qu »il fréquente de 1941 jusqu »à son enrôlement dans l »armée le jour de l »an 1943.

Lors de son entrée dans l »armée américaine en 1943, Kelly a demandé à être affecté au 603e bataillon de camouflage du génie, ce qui a pris de nombreux artistes. Il est intronisé à Fort Dix, dans le New Jersey, puis envoyé à Camp Hale, dans le Colorado, où il s »entraîne avec les troupes de ski de montagne. Il n »avait jamais skié auparavant. Six à huit semaines plus tard, il a été transféré à Fort Meade, dans le Maryland. Pendant la Seconde Guerre mondiale, il a servi avec d »autres artistes et concepteurs dans une unité de déception connue sous le nom de The Ghost Army. Les soldats fantômes utilisaient des chars et des camions gonflables et d »autres éléments de subterfuge pour tromper les forces de l »Axe sur la direction et la disposition des forces alliées. Son exposition au camouflage militaire pendant son service a fait partie de sa formation artistique de base. Kelly a servi dans cette unité de 1943 jusqu »à la fin de la phase européenne de la guerre.

Kelly utilise le G.I. Bill pour étudier en 1946-47 à l »École du Musée des Beaux-Arts de Boston, où il profite des collections du musée, puis à l »École nationale supérieure des Beaux-Arts de Paris. À Boston, il participe à sa première exposition collective à la Boris Mirski Gallery et donne des cours d »art au Norfolk House Center de Roxbury. C »est à Paris que Kelly établit son esthétique. Il n »assiste pas souvent aux cours, mais s »immerge dans les riches ressources artistiques de la capitale française. Il avait entendu une conférence de Max Beckmann sur l »artiste français Paul Cézanne en 1948 et s »est installé à Paris cette année-là. Il y rencontre ses compatriotes américains John Cage et Merce Cunningham, qui expérimentent respectivement la musique et la danse, l »artiste surréaliste français Jean Arp et le sculpteur abstrait Constantin Brâncuși, dont la simplification des formes naturelles a un effet durable sur lui. L »expérience de la visite d »artistes tels qu »Alberto Magnelli, Francis Picabia, Alberto Giacometti et Georges Vantongerloo dans leurs ateliers a été transformatrice.

Après six ans passés à l »étranger, le français de Kelly était toujours aussi pauvre et il n »avait vendu qu »une seule toile. En 1953, il a été expulsé de son atelier et il est retourné en Amérique l »année suivante. Il s »était intéressé à l »art après avoir lu une critique d »une exposition d »Ad Reinhardt, un artiste dont il sentait que son travail était proche. À son retour à New York, il trouve le monde de l »art « très dur ». Bien que Kelly soit aujourd »hui considéré comme un innovateur essentiel et un contributeur au mouvement artistique américain, il était difficile pour beaucoup de trouver le lien entre l »art de Kelly et les tendances stylistiques dominantes. En mai 1956, Kelly a sa première exposition à New York à la galerie de Betty Parsons. Son art est considéré comme plus européen que ce qui était populaire à New York à l »époque. Il expose à nouveau dans sa galerie à l »automne 1957. Trois de ses œuvres : Atlantic, Bar, et Painting in Three Panels, sont sélectionnées et présentées dans le cadre de l »exposition du Whitney Museum of American Art, « Young America 1957″. Ses pièces sont considérées comme radicalement différentes des œuvres des vingt-neuf autres artistes. Painting in Three Panels, par exemple, a été particulièrement remarquée ; à l »époque, les critiques ont mis en doute la création d »une œuvre à partir de trois toiles. Par exemple, Michael Plante a déclaré que, le plus souvent, les pièces à panneaux multiples de Kelly étaient exiguës en raison des restrictions d »installation, ce qui réduisait l »interaction entre les pièces et l »architecture de la pièce.

Kelly a fini par quitter Coenties Slip, où il avait parfois partagé un atelier avec sa compatriote et amie Agnes Martin, pour s »installer au neuvième étage de la tour-atelier.

Kelly quitte New York pour Spencertown en 1970 et y est rejoint par son partenaire, le photographe Jack Shear, en 1984. De 2001 à sa mort, Kelly a travaillé dans un studio de 20 000 pieds carrés à Spencertown, reconfiguré et agrandi par l »architecte Richard Gluckman. En 2005, Kelly et Shear ont emménagé dans la résidence qu »ils ont partagée jusqu »à la mort du peintre, une maison coloniale recouverte de bois construite vers 1815. Shear est le directeur de la Fondation Ellsworth Kelly. En 2015, Kelly a fait don de son concept de construction d »un site de contemplation au Blanton Museum of Art de l »Université du Texas à Austin. Intitulé Austin, le bâtiment en pierre de 2 715 pieds carrés – qui comporte des fenêtres en verre coloré, une sculpture totémique en bois et des panneaux en marbre noir et blanc – est le seul bâtiment conçu par Kelly et constitue son œuvre la plus monumentale. Austin, que Kelly a conçu trente ans auparavant, a ouvert ses portes en février 2018.

Kelly est décédé à Spencertown, dans l »État de New York, le 27 décembre 2015, à l »âge de 92 ans.

Peinture

Pendant son séjour à Paris, Kelly avait continué à peindre la figure, mais en mai 1949, il réalise ses premières peintures abstraites. Observant comment la lumière se disperse à la surface de l »eau, il peint Seine (1950), composée de rectangles noirs et blancs disposés par hasard. En 1951, il commence une série de huit collages intitulée Spectrum Colors Arranged by Chance I to VIII. Il la crée en utilisant des bouts de papier numérotés ; chacun d »entre eux fait référence à une couleur, l »une des dix-huit teintes différentes à placer sur une grille de 40 pouces sur 40 pouces. Chacun des huit collages utilise un procédé différent.

La découverte en 1952 de l »œuvre tardive de Monet confère à Kelly une nouvelle liberté d »expression picturale : il commence à travailler dans des formats extrêmement grands et explore les concepts de sérialité et de monochromie. En tant que peintre, il travaille désormais sur un mode exclusivement abstrait. À la fin des années 1950, sa peinture met l »accent sur la forme et les masses planes (en adoptant souvent des formats non rectilignes). Ses œuvres de cette période ont également constitué un pont utile entre l »abstraction géométrique américaine d »avant-garde des années 1930 et du début des années 1940 et le minimalisme et l »art réducteur du milieu des années 1960 et des années 1970. La peinture en relief Blue Tablet (1962) de Kelly, par exemple, a été incluse dans l »exposition fondatrice de 1963, Toward a New Abstraction, au Jewish Museum.

Dans les années 1960, il commence à travailler avec des toiles aux angles irréguliers. Yellow Piece (1966), la première toile façonnée de l »artiste, représente la rupture décisive de Kelly avec le support rectangulaire et sa redéfinition de la figure de la peinture.

Dans les années 1970, il ajoute des formes courbes à son répertoire. Green White (1968) marque la première apparition du triangle dans l »œuvre de Kelly, une forme qui revient tout au long de sa carrière ; le tableau se compose de deux toiles monochromes distinctes, installées l »une sur l »autre : un grand trapèze vert inversé est placé verticalement au-dessus d »un petit triangle blanc, formant une nouvelle composition géométrique. géométrique.

Après avoir quitté New York pour Spencertown en 1970, il loue un ancien théâtre dans la ville voisine de Chatham, ce qui lui permet de travailler dans un atelier plus spacieux que tous ceux qu »il avait occupés auparavant. Après y avoir travaillé pendant un an, Kelly se lance dans une série de 14 tableaux qui deviendront la série Chatham. Chaque œuvre prend la forme d »un el inversé, et est constituée de deux toiles jointes, chaque toile étant un monochrome d »une couleur différente. Les œuvres varient en proportion et en palette d »une œuvre à l »autre ; une attention particulière a été accordée à la taille de chaque panneau et à la couleur choisie afin d »obtenir un équilibre et un contraste entre les deux.

Série plus importante de douze œuvres que Kelly a commencée en 1972 et n »a pas achevée avant 1983, Gray a été conçue à l »origine comme une déclaration anti-guerre et est vidée de ses couleurs. En 1979, il utilise les courbes dans des peintures bicolores constituées de panneaux séparés.

Dans les tableaux ultérieurs, Kelly distille sa palette et introduit de nouvelles formes. Dans chaque œuvre, il commence par une toile rectangulaire qu »il peint soigneusement avec de nombreuses couches de peinture blanche ; une toile façonnée, peinte en grande partie en noir, est placée par-dessus.

En référence à son propre travail, Kelly a déclaré dans une interview en 1996 : « Je pense que ce que nous attendons tous de l »art, c »est un sentiment de fixité, un sentiment d »opposition au chaos de la vie quotidienne. C »est une illusion, bien sûr. La toile pourrit. La peinture change de couleur. Mais vous continuez à essayer de figer le monde comme si vous pouviez le faire durer éternellement. En un sens, ce que j »ai essayé de capturer, c »est la réalité du flux, pour que l »art reste une situation ouverte, incomplète, pour atteindre le ravissement de voir. »

Kelly a déclaré : « J »ai réalisé que je ne voulais pas composer des images… je voulais les trouver. Je sentais que ma vision consistait à choisir des choses dans le monde et à les présenter. Pour moi, l »étude de la perception était du plus grand intérêt. Il y avait tant de choses à voir, et tout me paraissait fantastique. »

Lithographies et dessins

Kelly a présenté des dessins de plantes et de fleurs à partir de la fin des années 1940. Ailanthus (1948) est le premier dessin de plante qu »il a exécuté à Boston, Hyacinth (1949) est le premier qu »il a réalisé lorsqu »il était à Paris. À partir de 1949, alors qu »il vit à Paris (et influencé dans ce choix de sujet par Henri Matisse et Jean Arp), il commence à dessiner des formes simples de plantes et d »algues. Les études de plantes sont, pour la plupart, des dessins de contours de feuilles, de tiges et de fleurs réalisés à l »aide de traits nets de crayon ou de stylo et centrés sur la page.

Il se lance dans la gravure de manière concertée au milieu des années 1960, lorsqu »il réalise sa Suite de vingt-sept lithographies (1964-66) chez Maeght Éditeur à Paris. C »est à cette époque qu »il réalise son premier groupe de lithographies de plantes. À partir de 1970, il collabore principalement avec Gemini G.E.L. Sa première série de 28 lithographies par transfert, intitulée Suite of Plant Lithographs, marque le début d »un corpus qui comptera 72 gravures et d »innombrables dessins de feuillages. En 1971, il a achevé quatre éditions d »estampes et une édition du multiple Mirrored Concorde chez Gemini G.E.L. Sa collection Purple

Sculpture

Bien que Kelly soit plus connu pour ses peintures, il a également travaillé à la sculpture tout au long de sa carrière. En 1958, Kelly conçoit l »une de ses premières sculptures en bois, Concorde Relief I (1958), un relief mural de taille modeste en orme, qui explore le jeu visuel et l »équilibre entre deux formes rectangulaires superposées, la plus haute étant dépourvue de ses coins supérieurs droit et inférieur gauche. Il a réalisé 30 sculptures en bois au cours de sa carrière. À partir de 1959, il crée des sculptures pliées autoportantes. La série Rocker débute en 1959 après une conversation fortuite de Kelly avec Agnes Martin, qui vivait en dessous de chez lui, sur Coenties Slip, dans le Lower Manhattan. Jouant avec le couvercle en papier d »une tasse à café à emporter, Kelly découpe et plie une section de l »objet rond, qu »il pose ensuite sur la table et balance d »avant en arrière. Peu après, il construit sa première sculpture ronde, Pony. Le titre fait référence à un cheval de loisir d »enfant avec des supports de bascule incurvés.

En 1973, Kelly commence à réaliser régulièrement des sculptures extérieures à grande échelle. Il abandonne les surfaces peintes au profit de l »acier, de l »aluminium ou du bronze non vernis, souvent dans des configurations semblables à des totems, comme Curve XXIII (1981). Si les formes totémiques de ses sculptures autoportantes peuvent mesurer jusqu »à 15 pieds de haut, ses reliefs muraux peuvent atteindre plus de 14 pieds de large. La sculpture de Kelly « est fondée sur son adhésion à la simplicité absolue et à la clarté de la forme ». Pour ses sculptures des années 1980, durant cette période de son séjour à Spencertown, l »artiste a consacré pour la première fois autant d »énergie à ses sculptures qu »à sa peinture, et a ainsi produit plus de soixante pour cent de ses 140 sculptures.

Kelly créait ses pièces en utilisant une succession d »idées sur diverses formes. Il peut avoir commencé par un dessin, l »avoir amélioré pour en faire une impression, avoir repris l »impression et créé une pièce autonome, qui a ensuite été transformée en sculpture. Ses sculptures se veulent d »une simplicité totale et peuvent être vues rapidement, souvent d »un seul coup d »œil. Le spectateur observe des surfaces lisses et plates qui sont isolées de l »espace qui les entoure. Ce sentiment de platitude et de minimalisme fait qu »il est difficile de faire la différence entre le premier plan et l »arrière-plan. Le Disque bleu de Kelly a été inclus dans l »exposition fondatrice de 1966 au Musée juif de New York, intitulée Primary Structures, aux côtés de nombreux artistes beaucoup plus jeunes qui commençaient à travailler avec des formes minimales.

Style

William Rubin a noté que « le développement de Kelly avait été résolument dirigé de l »intérieur : ni une réaction à l »expressionnisme abstrait, ni le résultat d »un dialogue avec ses contemporains. » Beaucoup de ses peintures consistent en une seule couleur (généralement vive), certaines toiles étant de forme irrégulière, parfois appelées « shaped canvases ». La qualité du trait dans ses peintures et dans la forme de ses toiles est très subtile et implique la perfection. C »est ce que démontre son œuvre Block Island Study (1959).

Influences

Le passé militaire de Kelly a été suggéré comme une source du sérieux de ses œuvres. Pendant qu »il servait dans l »armée, Kelly a été exposé et influencé par le camouflage avec lequel son bataillon spécifique travaillait. Il a ainsi appris à utiliser les formes et les ombres, ainsi qu »à construire et déconstruire le visible. C »est un élément fondamental de sa formation d »artiste. Ralph Coburn, un ami de Kelly originaire de Boston, lui fait découvrir la technique du dessin automatique lors d »un séjour à Paris. Kelly adopte cette technique qui consiste à créer une image sans regarder la feuille de papier. Ces techniques ont aidé Kelly à assouplir son style de dessin et ont élargi son acceptation de ce qu »il considérait comme de l »art. Au cours de sa dernière année à Paris, Kelly est malade et souffre de dépression ; Sims pense que cela a influencé son utilisation prédominante du noir et blanc durant cette période.

L »admiration de Kelly pour Henri Matisse et Pablo Picasso transparaît dans son œuvre. Il s »est entraîné à voir les choses de différentes manières et à travailler sur différents supports grâce à leur inspiration. Piet Mondrian a influencé les formes non objectives qu »il a utilisées dans ses peintures et ses sculptures. Kelly a été influencé par l »art et l »architecture des époques romane et byzantine lorsqu »il étudiait à Paris. Son introduction au surréalisme et au néo-plasticisme a influencé son travail et l »a amené à tester l »abstraction des formes géométriques.

Curating

En 2014, Kelly a organisé une exposition de dessins de Matisse au musée d »art du Mount Holyoke College à South Hadley, dans le Massachusetts. En 2015, il a été le commissaire de « Monet

En 1990, Kelly a organisé l »exposition « Artist »s Choice : Ellsworth Kelly Fragmentation and the Single Form », au Museum of Modern Art.

En 1956, il rencontre Robert Indiana qui s »installe dans le même immeuble et ils deviennent partenaires. Kelly est devenu son mentor. Ils se séparent vers 1964. L »une des raisons est l »utilisation par Indiana de mots dans ses peintures et Kelly considère qu »une telle technique n »est pas digne du grand art.

De 1984 à sa mort, Kelly a vécu avec son mari, le photographe Jack Shear, qui est le directeur de la Fondation Ellsworth Kelly.

La première exposition personnelle de Kelly a eu lieu à la Galerie Arnaud, à Paris, en 1951. Sa première exposition personnelle à New York a lieu à la Betty Parsons Gallery en 1956. En 1957, il participe à une exposition de groupe à la Ferus Gallery de Los Angeles. En 1959, il fait partie de l »exposition révolutionnaire du Museum of Modern Art, Sixteen Americans. Kelly est invité à exposer à la Biennale de São Paulo en 1961. Son travail a ensuite été inclus dans la Documenta en 1964, 1968, 1977 et 1992. Une salle de ses peintures a été incluse dans la Biennale de Venise de 2007.

La première rétrospective de Kelly a eu lieu au Museum of Modern Art en 1973. Depuis, son travail a été reconnu dans de nombreuses rétrospectives, notamment une exposition de sculptures au Whitney Museum of American Art de New York en 1982, une exposition d »œuvres sur papier et une exposition de ses œuvres imprimées qui ont beaucoup voyagé aux États-Unis et au Canada de 1987 à 1988, et une rétrospective de sa carrière en 1996 organisée par le Solomon R. Guggenheim Museum, qui a voyagé au Museum of Contemporary Art de Los Angeles, à la Tate Gallery de Londres et à la Haus der Kunst de Munich. Depuis lors, des expositions individuelles de l »œuvre de Kelly ont été organisées au Metropolitan Museum of Art de New York (1998), au Fogg Art Museum de Cambridge (1999), au San Francisco Museum of Modern Art (1988

En 1993, la Galerie nationale du Jeu de Paume à Paris a organisé l »exposition « Ellsworth Kelly : The French Years, 1948-54″, basée sur la relation de l »artiste avec la ville, qui a voyagé jusqu »à la National Gallery of Art, Washington D.C. ; en 2008, le Musée d »Orsay a honoré Kelly avec l »exposition « Correspondances : Paul Cézanne Ellsworth Kelly ». En 2012, la Haus der Kunst a présenté la première rétrospective complète des œuvres en noir et blanc de Kelly.

À l »occasion du 90e anniversaire de l »artiste en 2013, la National Gallery of Art de Washington a organisé une exposition de ses gravures, la Barnes Foundation de Philadelphie a réuni cinq sculptures dans une exposition, la Phillips Collection de Washington a exposé ses peintures sur panneaux et le Museum of Modern Art a inauguré une exposition de la « série Chatham ».

Expositions personnelles sélectionnées

En 1957, Kelly est chargé de réaliser une sculpture murale de 65 pieds de long pour le Transportation Building du Penn Center à Philadelphie, sa plus grande œuvre à ce jour. Largement oubliée, la sculpture intitulée Sculpture for a Large Wall (1957) a finalement été démantelée. Depuis, Kelly a exécuté de nombreuses commandes publiques, dont Wright Curve (1966), une sculpture en acier conçue pour être installée de façon permanente dans le théâtre Peter B. Lewis du Guggenheim ; une peinture murale pour le siège de l »UNESCO à Paris en 1969 ; Curve XXII (une commande de I. M. Pei en 1985 pour la ville de Raffles). Pei pour l »immeuble Raffles City à Singapour ; le Triptyque de Houston, des plans verticaux en bronze montés sur un haut béton au Museum of Fine Arts de Houston, en 1986 ; Totem (les panneaux de Dallas, une sculpture de 1989 pour le siège de Nestlé à Vevey, en Suisse) ; Gaul (un mémorial en deux parties pour le United States Holocaust Memorial Museum, Washington, D.C., en 1993 ; et des panneaux berlinois à grande échelle pour le Deutscher Bundestag, à Berlin, en 1998. Pour le John Joseph Moakley United States Courthouse (conçu par Henry N. Cobb) à Boston, il a conçu The Boston Panels, 21 panneaux en aluminium brillamment colorés installés dans la rotonde centrale comme une œuvre unique dans tout le bâtiment.

L »œuvre à deux panneaux Blue Black (2001) de Kelly, haute de 28 pieds et faite d »aluminium alvéolaire peint, a été commandée par la Pulitzer Arts Foundation de St. Louis, et le bronze à grande échelle Untitled (2005) a été commandé spécifiquement pour la cour de la Phillips Collection. En 2005, Kelly a reçu la commande de la seule œuvre spécifique au site pour l »aile moderne de l »Art Institute of Chicago de Renzo Piano. Il a créé White Curve, la plus grande sculpture murale qu »il ait jamais réalisée, qui est exposée depuis 2009. En 2008, Kelly a installé Berlin Totem, une sculpture de 40 pieds en acier inoxydable, dans la cour de l »ambassade des États-Unis à Berlin. Il a ensuite réalisé un rideau, Spectrum VIII (2014), composé de 12 bandes colorées, pour l »auditorium de la Fondation Louis Vuitton à Paris.

En 1986, Kelly a conçu son premier bâtiment autonome pour un collectionneur privé, mais il n »a jamais été réalisé. Ce n »est qu »en 2015 que le Blanton Museum of Art a acquis son projet de bâtiment en pierre de 2 715 pieds carrés, comprenant 14 panneaux de marbre noir et blanc et des fenêtres en verre coloré, prévoyant de le construire sur le terrain du musée à l »Université du Texas, à Austin. Le bâtiment a été ouvert au public le 18 février 2018. Œuvre d »art et d »architecture, Austin, est considéré comme l »aboutissement de la carrière de Kelly.

En 1968, Kelly est chargé de créer une grande sculpture extérieure pour la Nelson A. Rockefeller Empire State Plaza Art Collection à Albany, NY. La sculpture, intitulée Yellow Blue, s »inspire du cadre de l »Empire State Plaza et constitue la plus grande sculpture debout de Kelly, avec une hauteur de neuf pieds et un diamètre de près de seize pieds. Yellow Blue est sa première sculpture en acier et reste la seule à ce jour en acier peint.

En 1957, le Whitney Museum of American Art achète une toile, Atlantic, qui représente deux arcs blancs en forme de vagues sur un fond noir uni ; c »est le premier achat de Kelly par un musée. Aujourd »hui, ses œuvres font partie de nombreuses collections publiques, notamment celles du Centre Pompidou, Paris, du Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, de la Governor Nelson A. Rockefeller Empire State Plaza Art Collection, Albany, NY, et de la Tate Modern, Londres. En 1999, le San Francisco Museum of Modern Art a annoncé qu »il avait acheté 22 œuvres, peintures, reliefs muraux et sculptures, d »Ellsworth Kelly. Elles ont été évaluées à plus de 20 millions de dollars. En 2003, la Menil Collection a reçu le tableau de Kelly, 188 œuvres encadrées sur papier, dont des esquisses, des dessins de travail et des collages. Parmi les collectionneurs privés notables figurent, entre autres, Eli Broad et Gwyneth Paltrow.

Kelly a également reçu de nombreux diplômes honorifiques, entre autres du Bard College (Université de Harvard, Cambridge) et du Williams College (2005).

Timbres-poste de Kelly

Le service postal des États-Unis a annoncé en janvier 2019 qu »une série de timbres honorant l »œuvre de Kelly serait émise en 2019. Le communiqué de presse de l »USPS reconnaît que Kelly a été le pionnier d »un « style distinctif d »abstraction basé sur des éléments réels réduits à leurs formes essentielles. » Dix œuvres sont représentées, dont Yellow White, Colors for a Large Wall, Blue Red Rocker, Spectrum I, South Ferry, Blue Green, Orange Red Relief (pour Delphine Seyrig), Meschers, Red Blue et Gaza. La série de timbres sera émise le 31 mai 2019.

La marchande Betty Parsons lui propose une première exposition personnelle en 1956. En 1965, après presque une décennie avec Parsons, il commence à exposer avec la Sidney Janis Gallery. Dans les années 1970 et 1980, son travail est géré conjointement par Leo Castelli et Blum Helman à New York. En 1992, il rejoint la Matthew Marks Gallery, à New York et Los Angeles, et la Anthony d »Offay Gallery à Londres. La façade de la galerie Marks à Los Angeles s »inspire de Study for Black and White Panels, un collage qu »il a réalisé lors d »un séjour à Paris en 1954, et d »une peinture, Black Over White. À partir de 1964, il produit des gravures et des sculptures éditées chez Gemini G.E.L. à Los Angeles et Tyler Graphics Ltd près de New York.

En 2014, la peinture Red Curve (1982) de Kelly a été vendue aux enchères pour 4,5 millions de dollars chez Christie »s New York. Ce record d »enchères pour une œuvre d »Ellsworth Kelly a été établi par la peinture en 13 parties Spectrum VI (1969), vendue pour 5,2 millions de dollars lors de la vente Sotheby »s New York, Contemporary Art Evening, le 14 novembre 2007.

En novembre 2019, Christie »s a établi un record d »enchères pour l »artiste avec l »œuvre Red Curve VII, vendue pour 9,8 millions de dollars.

Sources

Ellsworth Kelly
Ellsworth Kelly
^ a b c d e f g h i Goossen, E.C. Ellsworth Kelly, Greenwich, CT: New York Graphic Society, 1973.
^ Gormly, Kellie B. (5 July 2022). « How the Ghost Army of WWII Used Art to Deceive the Nazis ». Smithsonian Magazine. Retrieved 26 July 2022.
^ a b c d e Coplans, John. Ellsworth Kelly, New York: H.N. Abrams, 1972.
^ « Collection Online ». Guggenheimcollection.org. Archived from the original on 16 October 2008. Retrieved 24 October 2014.
Goossen, E.C. Ellsworth Kelly, Greenwich, CT: New York Graphic Society, 1973.
1 2 Ellsworth Kelly // Энциклопедия Брокгауз (нем.) / Hrsg.: Bibliographisches Institut & F. A. Brockhaus, Wissen Media Verlag
1 2 3 4 5 6 7 8 Goossen, E.C. Ellsworth Kelly. — Greenwich, CT: New York Graphic Society, 1973.
1 2 3 4 5 Coplans, John. Ellsworth Kelly. — New York: H.N. Abrams, 1972.
Guggenheim Collection – Artist – Kelly – Biography (неопр.). web.archive.org (16 октября 2008). Дата обращения: 21 октября 2021.
Holland Cotter, « Ellsworth Kelly, Artist Who Mixed European Abstraction Into Everyday Life, Dies at 92 », The New York Times,‎ 27 décembre 2015 (ISSN 0362-4331, lire en ligne, consulté le 28 décembre 2015).
« Exposition : Ellsworth Kelly, géomètre de la couleur », Le Monde.fr,‎ 27 août 2018 (lire en ligne, consulté le 28 août 2018).
Léa Pagnier, « Inauguration de la dernière œuvre d »Ellsworth Kelly », AD Magazine,‎ 26 février 2018 (lire en ligne, consulté le 28 août 2018).