Federico Fellini

Delice Bette | juillet 4, 2023

Résumé

Federico Fellini, Cavaliere di Gran Croce OMRI (20 janvier 1920 – 31 octobre 1993) était un réalisateur et scénariste italien connu pour son style distinctif, qui mêle images fantastiques et baroques à la terreur. Il est reconnu comme l’un des plus grands et des plus influents cinéastes de tous les temps. Ses films sont très bien classés dans les sondages critiques tels que ceux des Cahiers du Cinéma et de Sight & Sound, qui classe son film 8+1⁄2 de 1963 comme le 10e plus grand film.

Les films les plus connus de Fellini sont La Strada (1954), Les Nuits de Cabiria (1957), La Dolce Vita (1960), 8½ (1963), Juliette des esprits (1965), le segment « Toby Dammit » des Esprits des morts (1968), Fellini Satyricon (1969), Roma (1972), Amarcord (1973), et Fellini’s Casanova (1976).

Fellini a été nommé pour 16 Oscars au cours de sa carrière et en a remporté quatre dans la catégorie du meilleur film en langue étrangère (le plus grand nombre pour un réalisateur dans l’histoire des Oscars). Il a reçu un prix honorifique pour l’ensemble de sa carrière lors de la 65e cérémonie des Oscars à Los Angeles. Fellini a également remporté la Palme d’or pour La Dolce Vita en 1960, deux fois le Festival international du film de Moscou en 1963 et 1987, et le Lion d’or de la carrière au 42e Festival international du film de Venise en 1985. Dans la liste des plus grands réalisateurs de tous les temps publiée par Sight & Sound en 2002, Fellini a été classé deuxième dans le sondage des réalisateurs et septième dans le sondage des critiques.

Rimini (1920-1938)

Fellini est né le 20 janvier 1920 de parents de la classe moyenne à Rimini, alors petite ville de l’Adriatique. Le 25 janvier, il est baptisé Federico Domenico Marcello Fellini à l’église San Nicolò. Son père, Urbano Fellini (1894-1956), issu d’une famille de paysans romagnols et de petits propriétaires terriens de Gambettola, s’installe à Rome en 1915 comme boulanger apprenti à l’usine de pâtes Pantanella. Sa mère, Ida Barbiani (1896-1984), est issue d’une famille bourgeoise catholique de commerçants romains. Malgré la désapprobation véhémente de sa famille, elle s’est enfuie avec Urbano en 1917 pour vivre dans la maison de ses parents à Gambettola. Un mariage civil suivit en 1918 et la cérémonie religieuse eut lieu à Santa Maria Maggiore à Rome un an plus tard.

Le couple s’installe à Rimini où Urbano devient vendeur itinérant et vendeur en gros. Fellini avait deux frères et sœurs, Riccardo (1929-2002).

En 1924, Fellini entre à l’école primaire dans un institut dirigé par les religieuses de San Vincenzo à Rimini, puis deux ans plus tard à l’école publique Carlo Tonni. Élève attentif, il passe ses loisirs à dessiner, à monter des spectacles de marionnettes et à lire Il corriere dei piccoli, magazine populaire pour enfants qui reproduit des dessins animés américains traditionnels de Winsor McCay, George McManus et Frederick Burr Opper (le Happy Hooligan d’Opper inspirera visuellement Gelsomina dans La Strada, film de Fellini réalisé en 1954 ; le Little Nemo de McCay influencera directement son film City of Women, réalisé en 1980). En 1926, il découvre le monde du Grand Guignol, le cirque avec Pierino le Clown et le cinéma. Maciste all’Inferno (1926) de Guido Brignone, le premier film qu’il voit, le marquera par des liens avec Dante et le cinéma tout au long de sa carrière.

Inscrit au Ginnasio Giulio Cesare en 1929, il se lie d’amitié avec Luigi Titta Benzi, qui deviendra plus tard un éminent avocat de Rimini (et le modèle du jeune Titta dans Amarcord (1973)). Dans l’Italie de Mussolini, Fellini et Riccardo deviennent membres de l’Avanguardista, le groupe de jeunesse fasciste obligatoire pour les hommes. Il a visité Rome avec ses parents pour la première fois en 1933, année du voyage inaugural du paquebot transatlantique SS Rex (que l’on voit dans Amarcord). La créature marine trouvée sur la plage à la fin de La Dolce Vita (1960) a pour origine un poisson géant échoué sur une plage de Rimini lors d’une tempête en 1934.

Bien que Fellini ait adapté des événements clés de son enfance et de son adolescence dans des films tels que I Vitelloni (1953), 8+1⁄2 (1963) et Amarcord (1973), il a insisté sur le fait que ces souvenirs autobiographiques étaient des inventions :

Ce n’est pas la mémoire qui domine mes films. Dire que mes films sont autobiographiques est une liquidation trop facile, une classification hâtive. Il me semble que j’ai presque tout inventé : l’enfance, le caractère, les nostalgies, les rêves, les souvenirs, pour le plaisir de pouvoir les raconter.

En 1937, Fellini ouvre Febo, un magasin de portraits à Rimini, avec le peintre Demos Bonini. Son premier article humoristique paraît dans la rubrique « Cartes postales à nos lecteurs » du journal milanais Domenica del Corriere. Décidant de faire carrière comme caricaturiste et auteur de gags, Fellini se rend à Florence en 1938, où il publie sa première caricature dans l’hebdomadaire 420. Selon un biographe, Fellini trouve l’école « exaspérante ». Après avoir échoué à l’examen de culture militaire, il obtient son diplôme de fin d’études secondaires en juillet 1938, après avoir doublé l’examen.

Rome (1939)

En septembre 1939, il s’inscrit à la faculté de droit de l’université de Rome pour faire plaisir à ses parents. Le biographe Hollis Alpert rapporte qu' »il n’y a aucune trace de sa présence à un cours ». Installé dans une pension familiale, il rencontre un autre ami de toujours, le peintre Rinaldo Geleng. Désespérément pauvres, ils s’associent sans succès pour dessiner des croquis de clients de restaurants et de cafés. Fellini finit par trouver du travail en tant que petit reporter pour les quotidiens Il Piccolo et Il Popolo di Roma, mais il abandonne après une courte période, lassé par les missions d’information de la cour locale.

Quatre mois après avoir publié son premier article dans Marc’Aurelio, le très influent magazine bihebdomadaire humoristique, il rejoint le comité de rédaction et connaît le succès avec une chronique régulière intitulée « Mais vous écoutez ? Décrit comme « le moment déterminant dans la vie de Fellini », le magazine lui a procuré un emploi stable entre 1939 et 1942, au cours duquel il a rencontré des écrivains, des gagmen et des scénaristes. Ces rencontres lui ouvrent les portes du show-business et du cinéma. Parmi ses collaborateurs au sein du comité éditorial du magazine, on trouve le futur réalisateur Ettore Scola, le théoricien marxiste et scénariste Cesare Zavattini, et Bernardino Zapponi, futur scénariste de Fellini. La réalisation d’interviews pour CineMagazzino s’est également avérée très intéressante : lorsqu’on lui a demandé d’interviewer Aldo Fabrizi, l’artiste de variétés le plus populaire d’Italie, il a établi une relation personnelle si immédiate avec l’homme qu’ils ont collaboré professionnellement. Spécialisé dans les monologues humoristiques, Fabrizi a commandé du matériel à son jeune protégé.

Premiers scénarios (1940-1943)

Retenu par ses affaires à Rimini, Urbano envoie sa femme et sa famille à Rome en 1940 pour partager un appartement avec son fils. Fellini et Ruggero Maccari, également membre de l’équipe de Marc’Aurelio, commencent à écrire des sketches radiophoniques et des gags pour le cinéma.

Il n’a pas encore vingt ans et, avec l’aide de Fabrizi, Fellini obtient son premier crédit à l’écran en tant que scénariste de comédie sur Il pirata sono io (Le rêve du pirate) de Mario Mattoli. Rapidement, il collabore à de nombreux films à Cinecittà et son cercle de connaissances professionnelles s’élargit au romancier Vitaliano Brancati et au scénariste Piero Tellini. Après la déclaration de guerre de Mussolini à la France et à la Grande-Bretagne le 10 juin 1940, Fellini découvre La Métamorphose de Kafka, Gogol, John Steinbeck et William Faulkner, ainsi que les films français de Marcel Carné, René Clair et Julien Duvivier. En 1941, il publie Il mio amico Pasqualino, un livret de 74 pages en dix chapitres décrivant les aventures absurdes de Pasqualino, un alter ego.

Écrivant pour la radio tout en essayant d’éviter l’appel sous les drapeaux, Fellini a rencontré sa future épouse Giulietta Masina dans un studio de la radio publique italienne EIAR à l’automne 1942. Bien payée en tant que voix de Pallina dans le feuilleton radiophonique de Fellini, Cico et Pallina, Masina était également connue pour ses émissions de comédie musicale qui égayaient un public déprimé par la guerre.

Giulietta est pragmatique et apprécie le fait que son travail à la radio lui rapporte beaucoup, alors que le théâtre ne paie jamais bien. Et bien sûr, la célébrité compte aussi pour quelque chose. La radio est une activité en plein essor et les revues humoristiques ont un public large et dévoué.

En novembre 1942, Fellini est envoyé en Libye, occupée par l’Italie fasciste, pour travailler sur le scénario de I cavalieri del deserto (Chevaliers du désert, 1942), réalisé par Osvaldo Valenti et Gino Talamo. Fellini se réjouit de cette mission qui lui permet « d’obtenir une nouvelle prolongation de son contrat de travail ». Chargé de la réécriture d’urgence, il réalise également les premières scènes du film. Lorsque Tripoli est assiégée par les forces britanniques, lui et ses collègues s’échappent de justesse en embarquant dans un avion militaire allemand en direction de la Sicile. Cette aventure africaine, publiée plus tard dans Marc’Aurelio sous le titre « Le premier vol », marque « l’émergence d’un nouveau Fellini, qui n’est plus seulement un scénariste travaillant et dessinant à son bureau, mais un cinéaste sur le terrain ».

L’apolitique Fellini est finalement libéré de l’appel d’air lorsqu’un raid aérien des Alliés sur Bologne détruit son dossier médical. Fellini et Giulietta se cachent dans l’appartement de sa tante jusqu’à la chute de Mussolini le 25 juillet 1943. Après neuf mois de relation, le couple se marie le 30 octobre 1943. Quelques mois plus tard, Masina tombe dans les escaliers et fait une fausse couche. Elle donne naissance à un fils, Pierfederico, le 22 mars 1945, mais l’enfant meurt d’une encéphalite 11 jours plus tard, le 2 avril 1945. Cette tragédie a des répercussions émotionnelles et artistiques durables.

L’apprentissage du néoréalisme (1944-1949)

Après la libération de Rome par les Alliés le 4 juin 1944, Fellini et Enrico De Seta ouvrent le Funny Face Shop où ils survivent à la récession de l’après-guerre en dessinant des caricatures de soldats américains. Il s’intéresse au néoréalisme italien lorsque Roberto Rossellini, qui travaille sur Histoires d’antan (qui deviendra Rome, ville ouverte), rencontre Fellini dans son magasin et lui propose de contribuer au scénario par des gags et des dialogues. Connaissant la réputation de Fellini comme « muse créative » d’Aldo Fabrizi, Rossellini lui demande également d’essayer de convaincre l’acteur de jouer le rôle du Père Giuseppe Morosini, le curé exécuté par les SS le 4 avril 1944.

En 1947, Fellini et Sergio Amidei sont nommés aux Oscars pour le scénario de Rome, ville ouverte.

Travaillant comme scénariste et assistant réalisateur sur Paisà (Paisan) de Rossellini en 1946, Fellini se voit confier le tournage des scènes siciliennes à Maiori. En février 1948, il est présenté à Marcello Mastroianni, alors jeune acteur de théâtre jouant dans une pièce avec Giulietta Masina. Établissant une relation de travail étroite avec Alberto Lattuada, Fellini coécrit Senza pietà (Sans pitié) et Il mulino del Po (Le moulin du Pô) du réalisateur. Fellini a également travaillé avec Rossellini sur le film d’anthologie L’Amore (1948), coécrivant le scénario et jouant dans un segment intitulé « Le Miracle », aux côtés d’Anna Magnani. Pour jouer le rôle d’un vagabond que Magnani prend pour un saint, Fellini a dû décolorer ses cheveux noirs en blond.

Premiers films (1950-1953)

En 1950, Fellini coproduit et coréalise avec Alberto Lattuada Les lumières de la variété (Luci del varietà), son premier long métrage. Il s’agit d’une comédie de coulisses se déroulant dans le monde des petits artistes ambulants, avec Giulietta Masina et Carla Del Poggio, l’épouse de Lattuada. La sortie du film, mal accueillie et peu distribuée, s’est avérée désastreuse pour toutes les parties concernées. La société de production fait faillite, laissant Fellini et Lattuada avec des dettes à payer pendant plus de dix ans. En février 1950, Paisà est nommé aux Oscars pour le scénario de Rossellini, Sergio Amidei et Fellini.

Après s’être rendu à Paris pour une conférence sur le scénario avec Rossellini sur Europa ’51, Fellini a commencé la production du Cheik blanc en septembre 1951, son premier long métrage réalisé en solo. Avec Alberto Sordi dans le rôle-titre, le film est une version révisée d’un scénario écrit par Michelangelo Antonioni en 1949 et basé sur les fotoromanzi, les romances en bandes dessinées photographiées populaires en Italie à l’époque. Le producteur Carlo Ponti a demandé à Fellini et Tullio Pinelli d’écrire le scénario, mais Antonioni a rejeté l’histoire qu’ils avaient développée. Avec Ennio Flaiano, ils ont retravaillé le matériau pour en faire une satire légère sur un couple de jeunes mariés, Ivan et Wanda Cavalli (Leopoldo Trieste, Brunella Bovo), qui se rend à Rome pour rendre visite au Pape. Le masque pudique de respectabilité d’Ivan est bientôt démoli par l’obsession de sa femme pour le Cheik blanc. Mettant en valeur la musique de Nino Rota, le film a été sélectionné à Cannes (parmi les films en compétition se trouvait Othello d’Orson Welles) puis retiré. Présenté à la 13e édition du Festival international du film de Venise, il a été raillé par les critiques dans « l’atmosphère d’un match de football ». Un critique a déclaré que Fellini n’avait « pas la moindre aptitude à la direction cinématographique ».

En 1953, I Vitelloni trouve les faveurs de la critique et du public. Il remporte le Lion d’argent à Venise et assure à Fellini son premier distributeur international.

Au-delà du néoréalisme (1954-1960)

Fellini a réalisé La Strada sur la base d’un scénario achevé en 1952 avec Pinelli et Flaiano. Au cours des trois dernières semaines de tournage, Fellini ressent les premiers signes d’une grave dépression clinique. Avec l’aide de sa femme, il entreprend une brève thérapie avec le psychanalyste freudien Emilio Servadio.

Fellini confie à l’acteur américain Broderick Crawford le rôle d’un escroc vieillissant dans Il Bidone. S’inspirant en partie des histoires que lui avait racontées un petit voleur pendant la production de La Strada, Fellini a développé le scénario pour en faire la lente descente d’un escroc vers une mort solitaire. Pour incarner le « visage intense et tragique » du rôle, le premier choix de Fellini s’était porté sur Humphrey Bogart, mais après avoir appris que l’acteur était atteint d’un cancer du poumon, il choisit Crawford après avoir vu son visage sur l’affiche de Tous les hommes du roi (1949). Le tournage du film est semé d’embûches en raison de l’alcoolisme de Crawford. Éprouvé par la critique lors du 16e Festival international du film de Venise, le film connaît un échec cuisant au box-office et n’est distribué à l’étranger qu’en 1964.

Durant l’automne, Fellini recherche et développe un traitement basé sur l’adaptation cinématographique du roman de Mario Tobino, Les femmes libres de Magliano. Le projet, qui se déroule dans une institution psychiatrique pour femmes, est abandonné, les bailleurs de fonds estimant que le sujet n’a pas de potentiel.

Alors qu’il prépare Les Nuits de Cabiria au printemps 1956, Fellini apprend la mort de son père par arrêt cardiaque à l’âge de soixante-deux ans. Produit par Dino De Laurentiis et interprété par Giulietta Masina, le film s’inspire de faits divers relatant la récupération de la tête coupée d’une femme dans un lac et des récits de Wanda, une prostituée du bidonville rencontrée par Fellini sur le tournage d’Il Bidone. Pier Paolo Pasolini a été engagé pour traduire les dialogues de Flaiano et Pinelli en dialecte romain et pour superviser les recherches dans les banlieues de Rome où sévit le vice. Le film a remporté l’Oscar du meilleur film en langue étrangère lors de la 30e cérémonie des Oscars et a valu à Masina le prix de la meilleure actrice à Cannes pour sa performance.

Avec Pinelli, il développe Journey with Anita pour Sophia Loren et Gregory Peck. Une « invention née d’une vérité intime », le scénario était basé sur le retour de Fellini à Rimini avec une maîtresse pour assister aux funérailles de son père. En raison de l’indisponibilité de Loren, le projet a été mis de côté et ressuscité vingt-cinq ans plus tard sous le titre Lovers and Liars (1981), une comédie réalisée par Mario Monicelli avec Goldie Hawn et Giancarlo Giannini. Eduardo De Filippo a coécrit le scénario de Fortunella, en adaptant le rôle principal à la sensibilité particulière de Masina.

Le phénomène Hollywood sur le Tibre de 1958, où les studios américains profitaient de la main-d’œuvre bon marché disponible à Rome, a servi de toile de fond aux photojournalistes pour voler des clichés de célébrités sur la via Veneto. Le scandale provoqué par le strip-tease improvisé de la danseuse turque Haish Nana dans une boîte de nuit a frappé l’imagination de Fellini : il a décidé de terminer son dernier scénario en cours, Moraldo in the City, par une « orgie » qui dure toute la nuit dans une villa au bord de la mer. Les photos de Pierluigi Praturlon montrant Anita Ekberg pataugeant toute habillée dans la fontaine de Trevi sont une autre source d’inspiration pour Fellini et ses scénaristes.

Changeant le titre du scénario en La Dolce Vita, Fellini se heurte rapidement à son producteur au sujet du casting : Le réalisateur insiste sur le relativement inconnu Mastroianni tandis que De Laurentiis veut Paul Newman pour couvrir son investissement. Dans l’impasse, De Laurentiis vend les droits au magnat de l’édition Angelo Rizzoli. Le tournage débute le 16 mars 1959 avec Anita Ekberg qui monte les marches de la coupole de Saint-Pierre dans un décor gigantesque construit à Cinecittà. La statue du Christ transportée par hélicoptère au-dessus de Rome jusqu’à la place Saint-Pierre est inspirée d’un événement médiatique réel survenu le 1er mai 1956, dont Fellini avait été témoin. Le film s’est achevé le 15 août sur une plage déserte de Passo Oscuro, avec un poisson mutant boursouflé conçu par Piero Gherardi.

La Dolce Vita a battu tous les records au box-office. Malgré la vente de billets à la sauvette à 1000 lires, les spectateurs ont fait la queue pendant des heures pour voir un « film immoral » avant que la censure ne l’interdise. Lors d’une projection exclusive à Milan le 5 février 1960, un spectateur indigné crache sur Fellini tandis que d’autres l’insultent. Dénoncé au parlement par les conservateurs de droite, le sous-secrétaire Domenico Magrì, de la Démocratie chrétienne, demande de la tolérance pour les thèmes controversés du film. L’organe de presse officiel du Vatican, l’Osservatore Romano, a fait pression en faveur de la censure, tandis que le Conseil des prêtres de la paroisse romaine et le Conseil généalogique de la noblesse italienne ont attaqué le film. Dans un cas documenté de critiques favorables rédigées par les Jésuites de San Fedele, la défense de La Dolce Vita a eu de graves conséquences. En compétition à Cannes avec L’Avventura d’Antonioni, le film remporte la Palme d’or décernée par le président du jury Georges Simenon. L’écrivain belge est rapidement « sifflé » par la foule désapprobatrice du festival.

Films d’art et rêves (1961-1969)

L’œuvre de Carl Jung a été une découverte majeure pour Fellini après sa période de néoréalisme italien (1950-1959). Après avoir rencontré le psychanalyste jungien Ernst Bernhard au début de l’année 1960, il a lu l’autobiographie de Jung, Memories, Dreams, Reflections (1963) et a expérimenté le LSD. Bernhard recommande également à Fellini de consulter le Yi King et de noter ses rêves. Ce que Fellini acceptait auparavant comme « ses perceptions extrasensorielles » était désormais interprété comme des manifestations psychiques de l’inconscient. L’accent mis par Bernhard sur la psychologie jungienne des profondeurs s’est avéré être la plus grande influence sur le style mature de Fellini et a marqué le tournant de son travail du néoréalisme vers un cinéma « principalement onirique ». En conséquence, les idées séminales de Jung sur l’anima et l’animus, le rôle des archétypes et l’inconscient collectif ont directement influencé des films tels que 8+1⁄2 (1963), Juliette des esprits (1965), Fellini Satyricon (1969), Casanova (1976) et City of Women (1980). Parmi les autres influences clés de son travail, citons Luis Buñuel, Sergei Eisenstein, Laurel et Hardy, et Roberto Rossellini.

Profitant du succès de La Dolce Vita, le financier Angelo Rizzoli crée en 1960 Federiz, une société cinématographique indépendante, pour que Fellini et son directeur de production Clemente Fracassi découvrent et produisent de nouveaux talents. Malgré les meilleures intentions, la prudence éditoriale et commerciale oblige la société à fermer ses portes peu après l’annulation du projet de Pasolini, Accattone (1961).

Condamné comme « pécheur public » pour La Dolce Vita, Fellini répond avec Les tentations du docteur Antonio, un segment de l’omnibus Boccaccio ’70. Il s’agit de son deuxième film en couleur, qui a été le seul projet approuvé par la Federiz. Le film, imprégné de la satire surréaliste qui caractérisait le travail du jeune Fellini chez Marc’Aurelio, ridiculise un croisé contre le vice, interprété par Peppino De Filippo, qui devient fou en essayant de censurer un panneau publicitaire d’Anita Ekberg vantant les vertus du lait.

Dans une lettre d’octobre 1960 à son collègue Brunello Rondi, Fellini expose pour la première fois ses idées de film sur un homme souffrant d’un blocage créatif : « Un homme (un écrivain ? un professionnel quelconque ? un producteur de théâtre ?) doit interrompre le rythme habituel de sa vie pendant deux semaines à cause d’une maladie pas trop grave. C’est une sonnette d’alarme : quelque chose bloque son système ». N’étant pas sûr du scénario, de son titre et de la profession de son protagoniste, il parcourt l’Italie « à la recherche du film », dans l’espoir de résoudre sa confusion. Flaiano propose La bella confusione (littéralement La belle confusion) comme titre du film. Sous la pression de ses producteurs, Fellini a finalement opté pour 8+1⁄2, un titre autoréférentiel faisant principalement (mais pas exclusivement) référence au nombre de films qu’il avait réalisés jusqu’alors.

Après avoir donné l’ordre de commencer la production au printemps 1962, Fellini signe des accords avec son producteur Rizzoli, fixe des dates, fait construire des décors, confie les rôles principaux à Mastroianni, Anouk Aimée et Sandra Milo, et fait des essais aux studios Scalera à Rome. Il engage notamment le directeur de la photographie Gianni Di Venanzo. Mais à part le nom de son héros, Guido Anselmi, il n’arrive toujours pas à savoir ce que son personnage fait dans la vie. La crise atteint son paroxysme en avril lorsque, assis dans son bureau de Cinecittà, il commence une lettre à Rizzoli pour avouer qu’il a « perdu son film » et qu’il doit abandonner le projet. Interrompu par le chef machiniste qui lui demande de célébrer le lancement de 8+1⁄2, Fellini met la lettre de côté et se rend sur le plateau. Portant un toast à l’équipe, il « s’est senti submergé par la honte… J’étais dans une situation sans issue. J’étais un réalisateur qui voulait faire un film dont il ne se souvenait plus. Et voilà qu’à ce moment précis, tout s’est mis en place. Je suis entré directement dans le cœur du film. J’ai raconté tout ce qui m’était arrivé. J’allais faire un film racontant l’histoire d’un réalisateur qui ne sait plus quel film il voulait faire ». La structure de l’auto-mirage rend le film entier inséparable de sa construction réfléchissante.

Le tournage commence le 9 mai 1962. Perplexe devant l’improvisation apparemment chaotique et incessante sur le plateau, Deena Boyer, l’attachée de presse américaine du réalisateur à l’époque, demande une explication. Fellini lui répond qu’il souhaite exprimer les trois niveaux « sur lesquels vivent nos esprits : le passé, le présent et le conditionnel – le royaume de la fantaisie ». Après la fin du tournage, le 14 octobre, Nino Rota compose diverses marches et fanfares de cirque qui deviendront plus tard des airs emblématiques du cinéma du maestro. Nommé pour quatre Oscars, 8+1⁄2 a remporté les prix du meilleur film en langue étrangère et de la meilleure conception de costumes en noir et blanc. En Californie pour la cérémonie, Fellini a visité Disneyland avec Walt Disney le lendemain.

De plus en plus attiré par la parapsychologie, Fellini rencontre en 1963 l’antiquaire turinois Gustavo Rol. Rol, ancien banquier, l’introduit dans le monde du spiritisme et des séances de spiritisme. En 1964, Fellini prend du LSD sous la supervision d’Emilio Servadio, son psychanalyste pendant la production de La Strada en 1954. Longtemps réservé sur ce qui s’est réellement passé ce dimanche après-midi, il a admis en 1992 que

… les objets et leurs fonctions n’avaient plus aucune signification. Je ne percevais que la perception elle-même, l’enfer des formes et des figures dépourvues d’émotion humaine et détachées de la réalité de mon environnement irréel. J’étais un instrument dans un monde virtuel qui renouvelait sans cesse sa propre image dénuée de sens dans un monde vivant lui-même perçu en dehors de la nature. Et comme l’apparence des choses n’était plus définitive mais illimitée, cette conscience paradisiaque me libérait de la réalité extérieure à mon moi. Le feu et la rose, pour ainsi dire, ne faisaient plus qu’un.

Les intuitions hallucinatoires de Fellini se sont épanouies dans son premier long métrage en couleur, Juliette des esprits (1965), dans lequel Giulietta Masina incarne Juliette, une femme au foyer qui soupçonne à juste titre l’infidélité de son mari et succombe aux voix des esprits convoqués lors d’une séance de spiritisme à son domicile. Sa voisine Suzy (Sandra Milo), sexuellement vorace, introduit Juliet dans un monde de sensualité débridée, mais Juliet est hantée par les souvenirs d’enfance de sa culpabilité catholique et d’une amie adolescente qui s’est suicidée. Complexe et rempli de symbolisme psychologique, le film est accompagné d’une musique enjouée de Nino Rota.

Nostalgie, sexualité et politique (1970-1980)

Pour aider à promouvoir Satyricon aux États-Unis, Fellini s’est rendu à Los Angeles en janvier 1970 pour des interviews avec Dick Cavett et David Frost. Il rencontre également le réalisateur Paul Mazursky qui souhaite le faire jouer aux côtés de Donald Sutherland dans son nouveau film, Alex au pays des merveilles. En février, Fellini repère des lieux de tournage à Paris pour The Clowns, un docufiction destiné au cinéma et à la télévision, basé sur ses souvenirs d’enfance au cirque et sur une « théorie cohérente de l’art clownesque ». Pour lui, le clown « a toujours été la caricature d’une société bien établie, ordonnée, paisible. Mais aujourd’hui, tout est provisoire, désordonné, grotesque. Qui peut encore rire des clowns ? Le monde entier fait le clown ».

En mars 1971, Fellini entame la production de Roma, une collection apparemment aléatoire d’épisodes inspirés par les souvenirs et les impressions du réalisateur à propos de Rome. Les « diverses séquences », écrit Peter Bondanella, spécialiste de Fellini, « ne tiennent ensemble que par le fait qu’elles sont toutes issues de l’imagination fertile du réalisateur ». La scène d’ouverture du film anticipe Amarcord, tandis que sa séquence la plus surréaliste implique un défilé de mode ecclésiastique au cours duquel des nonnes et des prêtres font du patin à roulettes devant des épaves de squelettes recouverts de toiles d’araignée.

Pendant six mois, entre janvier et juin 1973, Fellini a tourné Amarcord, qui a été récompensé par un Oscar. Librement inspiré de l’essai autobiographique de 1968 du réalisateur, My Rimini, le film met en scène l’adolescent Titta et ses amis qui expriment leurs frustrations sexuelles dans le contexte religieux et fasciste d’une ville provinciale de l’Italie des années 1930. Produit par Franco Cristaldi, ce film sériocomique est devenu le deuxième plus grand succès commercial de Fellini après La Dolce Vita. De forme circulaire, Amarcord évite l’intrigue et la narration linéaire, à l’instar des Clowns et de Roma. Le souci primordial du réalisateur de développer une forme poétique de cinéma a été souligné pour la première fois dans une interview qu’il a accordée en 1965 à la journaliste du New Yorker, Lillian Ross : « J’essaie de libérer mon travail de certaines contraintes – une histoire avec un début, un développement, une fin. Cela devrait ressembler davantage à un poème avec un mètre et une cadence ».

Films et projets tardifs (1981-1990)

Organisée par son éditeur Diogenes Verlag en 1982, la première grande exposition de 63 dessins de Fellini s’est tenue à Paris, Bruxelles et à la Pierre Matisse Gallery de New York. Caricaturiste de talent, il s’inspirait en grande partie de ses propres rêves pour réaliser ses croquis, tandis que les films en cours de réalisation étaient à l’origine des dessins de personnages, de décors, de costumes et de décors, et les stimulaient. Sous le titre I disegni di Fellini (Les dessins de Fellini), il publie 350 dessins exécutés au crayon, à l’aquarelle et au feutre.

Le 6 septembre 1985, Fellini a reçu le Lion d’or pour l’ensemble de sa carrière lors de la 42e Mostra de Venise. La même année, il est devenu le premier non-Américain à recevoir le prix annuel de la Film Society of Lincoln Center pour ses réalisations cinématographiques.

Fasciné depuis longtemps par l’ouvrage de Carlos Castaneda, The Teachings of Don Juan : A Yaqui Way of Knowledge, Fellini a accompagné l’auteur péruvien lors d’un voyage dans le Yucatán afin d’évaluer la faisabilité d’un film. Après avoir rencontré Castaneda pour la première fois à Rome en octobre 1984, Fellini a rédigé avec Pinelli un traitement intitulé Viaggio a Tulun. Le producteur Alberto Grimaldi, prêt à acheter les droits de toutes les œuvres de Castaneda, a alors payé les recherches de préproduction, emmenant Fellini et son entourage de Rome à Los Angeles et dans les jungles du Mexique en octobre 1985. Lorsque Castaneda disparaît inexplicablement et que le projet tombe à l’eau, les aventures mystico-shamaniques de Fellini sont scénarisées avec Pinelli et publiées en série dans le Corriere della Sera en mai 1986. Interprétation satirique à peine voilée de l’œuvre de Castaneda, Viaggio a Tulun a été publié en 1989 sous forme de roman graphique avec des illustrations de Milo Manara et sous le titre Trip to Tulum en Amérique en 1990.

Pour Intervista, produit par Ibrahim Moussa et la RAI Television, Fellini a entrecoupé des souvenirs de sa première visite à Cinecittà en 1939 avec des images d’aujourd’hui de lui en train de travailler sur une adaptation à l’écran d’Amerika de Franz Kafka. Cette méditation sur la nature de la mémoire et de la production cinématographique a remporté le prix spécial du 40e anniversaire à Cannes et le prix d’or du 15e Festival international du film de Moscou. À Bruxelles, plus tard dans l’année, un jury de trente professionnels de dix-huit pays européens a désigné Fellini comme le meilleur réalisateur du monde et 8+1⁄2 comme le meilleur film européen de tous les temps.

Au début de l’année 1989, Fellini entame la production de La voix de la lune, d’après le roman d’Ermanno Cavazzoni, Il poema dei lunatici (Le poème des lunatiques). Une petite ville a été construite aux Empire Studios sur la via Pontina, à l’extérieur de Rome. Avec Roberto Benigni dans le rôle d’Ivo Salvini, un personnage poétique fou qui vient de sortir d’un hôpital psychiatrique, le personnage est un mélange de Gelsomina de La Strada, de Pinocchio et du poète italien Giacomo Leopardi. Fellini a improvisé au fur et à mesure qu’il filmait, s’inspirant d’une ébauche de traitement écrite avec Pinelli. Malgré un succès critique et commercial modeste en Italie et un accueil chaleureux de la part des critiques français, le film n’a pas intéressé les distributeurs nord-américains.

Fellini a remporté le Praemium Imperiale, un prix international dans le domaine des arts visuels décerné par la Japan Art Association en 1990.

Dernières années (1991-1993)

En juillet 1991 et avril 1992, Fellini a travaillé en étroite collaboration avec le cinéaste canadien Damian Pettigrew pour établir « les conversations les plus longues et les plus détaillées jamais enregistrées sur pellicule ». Qualifiés de « testament spirituel du maestro » par son biographe Tullio Kezich, des extraits de ces conversations ont ensuite servi de base au documentaire Fellini : I’m a Born Liar (2002) et au livre I’m a Born Liar : A Fellini Lexicon. Ayant de plus en plus de mal à obtenir un financement pour ses longs métrages, Fellini a développé une série de projets télévisés dont les titres reflètent leurs sujets : Attore, Napoli, L’Inferno, L’opera lirica et L’America.

En avril 1993, Fellini reçoit son cinquième Oscar, pour l’ensemble de sa carrière, « en reconnaissance de ses réalisations cinématographiques qui ont enthousiasmé et diverti les spectateurs du monde entier ». Le 16 juin, il entre à l’hôpital cantonal de Zurich pour une angioplastie de l’artère fémorale, mais deux mois plus tard, il est victime d’une attaque cérébrale au Grand Hôtel de Rimini. Partiellement paralysé, il est d’abord transféré à Ferrare pour une rééducation, puis à la Policlinico Umberto I de Rome pour être près de sa femme, également hospitalisée. Il subit une seconde attaque et tombe dans un coma irréversible.

Fellini est décédé à Rome le 31 octobre 1993 à l’âge de 73 ans des suites d’une crise cardiaque survenue quelques semaines plus tôt, au lendemain de son 50e anniversaire de mariage. Le service commémoratif, dans le Studio 5 de Cinecittà, a été suivi par environ 70 000 personnes. À la demande de Giulietta Masina, le trompettiste Mauro Maur a joué « Improvviso dell’Angelo » de Nino Rota pendant la cérémonie.

Cinq mois plus tard, le 23 mars 1994, Masina meurt d’un cancer du poumon. Fellini, Masina et leur fils, Pierfederico, sont enterrés dans un sépulcre en bronze sculpté par Arnaldo Pomodoro. Conçue comme une proue de navire, la tombe se trouve à l’entrée principale du cimetière de Rimini. L’aéroport Federico Fellini de Rimini est nommé en son honneur.

Fellini a été élevé dans une famille catholique romaine et se considérait comme un catholique, mais il a évité toute activité formelle au sein de l’Église catholique. Les films de Fellini comportent des thèmes catholiques ; certains célèbrent les enseignements catholiques, tandis que d’autres critiquent ou ridiculisent les dogmes de l’Église.

En 1965, Fellini a déclaré :

Je ne vais à l’église que lorsque je dois y tourner une scène, ou pour des raisons esthétiques ou nostalgiques. Pour la foi, on peut aller voir une femme. C’est peut-être plus religieux.

Si Fellini était pour l’essentiel indifférent à la politique, il éprouvait une aversion générale pour les institutions autoritaires et, selon Bondanella, il croyait en « la dignité et même la noblesse de l’être humain individuel ». Lors d’une interview en 1966, il a déclaré : « Je me fais un devoir de voir si certaines idéologies ou attitudes politiques menacent la liberté privée de l’individu. Mais pour le reste, je ne suis pas prêt et je n’ai pas l’intention de m’intéresser à la politique ».

Bien que plusieurs acteurs italiens célèbres aient favorisé les communistes, Fellini était opposé au communisme. Il préférait évoluer dans le monde de la gauche modérée et votait pour le Parti républicain italien de son ami Ugo La Malfa ainsi que pour les socialistes réformistes de Pietro Nenni, un autre de ses amis, et n’a voté qu’une seule fois pour la Démocratie chrétienne en 1976 afin d’empêcher les communistes d’accéder au pouvoir. Bondanella écrit que la DC « était beaucoup trop alignée sur une église pré-Vatican II extrêmement conservatrice et même réactionnaire pour convenir aux goûts de Fellini ».

Hormis la satire de Silvio Berlusconi et de la télévision grand public dans Ginger et Fred, Fellini a rarement exprimé ses opinions politiques en public et n’a jamais réalisé de film ouvertement politique. Il a réalisé deux spots télévisés électoraux dans les années 1990 : l’un pour DC et l’autre pour le Parti républicain italien (PRI). Son slogan « Non si interrompe un’emozione » (N’interrompez pas une émotion) était dirigé contre l’utilisation excessive des publicités télévisées. Le Parti démocratique de la gauche a également utilisé ce slogan lors des référendums de 1995.

Visions personnelles et hautement idiosyncrasiques de la société, les films de Fellini sont une combinaison unique de mémoire, de rêve, de fantaisie et de désir. Les adjectifs « fellinien » et « felliniesque » sont « synonymes de tout type d’image extravagante, fantaisiste, voire baroque, dans le cinéma et dans l’art en général ». La Dolce Vita a introduit le terme paparazzi dans la langue anglaise, dérivé de Paparazzo, le photographe ami du journaliste Marcello Rubini (Marcello Mastroianni).

Des cinéastes contemporains tels que Tim Burton et Emir Kusturica ont cité l’influence de Fellini sur leur travail.

Le réalisateur polonais Wojciech Has, dont les deux films les plus populaires, Le Manuscrit de Saragosse (1965) et Le Sanatorium de l’heure (1973), sont des exemples de fantasmes modernistes, a été comparé à Fellini pour la « luxuriance de ses images ».

I Vitelloni a inspiré les réalisateurs européens Juan Antonio Bardem, Marco Ferreri et Lina Wertmüller et a influencé, entre autres, Mean Streets (1973) de Martin Scorsese, American Graffiti (1974) de George Lucas, St. Elmo’s Fire (1985) de Joel Schumacher et Diner (1982) de Barry Levinson. Lorsque le magazine américain Cinema a demandé à Stanley Kubrick, en 1963, de citer ses dix films préférés, il a placé I Vitelloni en première position.

Nights of Cabiria a été adapté pour la comédie musicale Sweet Charity à Broadway et le film Sweet Charity (1969) de Bob Fosse avec Shirley MacLaine. City of Women a été adapté pour la scène berlinoise par Frank Castorf en 1992.

8+1⁄2 a inspiré, entre autres, Mickey One (Arthur Penn, 1965), Alex au pays des merveilles (Paul Mazursky, 1970), Beware of a Holy Whore (Rainer Werner Fassbinder, 1971), Day for Night (François Truffaut, 1973), All That Jazz (Bob Fosse, 1979), Stardust Memories (Woody Allen, 1980), Sogni d’oro (Nanni Moretti, 1981), Parad Planet (Vadim Abdrashitov, 1984), La Película del rey (Carlos Sorin, 1986), Living in Oblivion (Tom DiCillo, 1995), 8+1⁄2 Women (Peter Greenaway, 1999), Falling Down (Joel Schumacher, 1993), et la comédie musicale Nine (Maury Yeston et Arthur Kopit, 1982). Yo-Yo Boing ! (1998), roman espagnol de l’écrivaine portoricaine Giannina Braschi, comporte une séquence de rêve avec Fellini inspirée par 8+1⁄2.

L’œuvre de Fellini est citée sur les albums Fellini Days (2001) de Fish, Another Side of Bob Dylan (1964) de Bob Dylan avec Motorpsycho Nitemare, Funplex (2008) des B-52’s avec la chanson Juliet of the Spirits, et dans l’embouteillage d’ouverture du clip Everybody Hurts de R.E.M. La chanteuse américaine Lana Del Rey a cité Fellini comme une source d’influence. Son œuvre a influencé les séries télévisées américaines Northern Exposure et Third Rock from the Sun. Le court-métrage Castello Cavalcanti (2013) de Wes Anderson est à bien des égards un hommage direct à Fellini. En 1996, Entertainment Weekly a classé Fellini à la dixième place de sa liste des « 50 plus grands réalisateurs ». En 2002, le magazine MovieMaker a classé Fellini à la neuvième place de sa liste des 25 réalisateurs les plus influents de tous les temps. En 2007, le magazine Total Film a classé Fellini à la 67e place de sa liste des « 100 plus grands réalisateurs de tous les temps ».

Les archives cinématographiques de l’université de Wesleyan, auxquelles les chercheurs et les spécialistes des médias ont pleinement accès, contiennent divers documents liés au cinéma et des papiers personnels de Fellini. En octobre 2009, le Jeu de Paume à Paris a ouvert une exposition consacrée à Fellini qui comprenait des documents éphémères, des interviews télévisées, des photographies des coulisses, le Livre des rêves (basé sur 30 ans de rêves et de notes illustrées du réalisateur), ainsi que des extraits de La dolce vita et de 8+1⁄2.

En 2014, l’hebdomadaire Variety, spécialisé dans le divertissement, a annoncé que le réalisateur français Sylvain Chomet s’apprêtait à réaliser The Thousand Miles, un projet basé sur diverses œuvres de Fellini, y compris ses dessins et écrits inédits.

En tant que scénariste

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Sources d’information

Sources

1. Federico Fellini
2. Federico Fellini
3. ^ Fellini & Pettigrew 2003, p. 87. Buñuel is the auteur I feel closest to in terms of an idea of cinema or the tendency to make particular kinds of films.
4. ^ Stubbs 2006, pp. 152–153. One of Cabiria’s finest moments comes in the movie’s nightclub scene. It begins when the actor’s girlfriend deserts him, and the star picks up Cabiria on the street as a replacement. He whisks her away to the nightclub. Fellini has admitted that this scene owes a debt to Chaplin’s City Lights (1931). Peter Bondanella points out that Gelsomina’s costume, makeup, and antics as a clown figure had « clear links to Fellini’s past as a cartoonist-imitator of Happy Hooligan and Charlie Chaplin.
5. ^ Bondanella 1978, p. 167. In his study of Fellini Satyricon, Italian novelist Alberto Moravia observes that with « the oars of his galleys suspended in the air, Fellini revives for us the lances of the battle in Eisenstein’s Alexander Nevsky (film).
6. ^ Fellini & Pettigrew 2003, pp. 17–18. Roberto Rossellini walked into my life at a moment when I needed to make a choice, when I needed someone to show me the path to follow. He was the stationmaster, the green light of providence… He taught me how to thrive on chaos by ignoring it and focusing on what was essential: constructing your film day by day. In Fellini on Fellini, the director explains that his « meeting with Rossellini was a determining factor… he taught me to make a film as if I were going for a picnic with friends ».
7. ^ Ramacci.
8. ^ «Giulio Cesare», su liceocesarevalgimigli.it. URL consultato il 24 gennaio 2012 (archiviato dall’url originale il 27 dicembre 2011).
9. a b Integrált katalógustár (német és angol nyelven). (Hozzáférés: 2014. április 9.)
10. a b Nagy szovjet enciklopédia (1969–1978), Феллини Федерико, 2015. szeptember 28.
11. a b SNAC (angol nyelven). (Hozzáférés: 2017. október 9.)
12. Integrált katalógustár (német és angol nyelven). (Hozzáférés: 2014. december 10.)
13. a b Archivio Storico Ricordi. (Hozzáférés: 2020. december 3.)
14. BFI | Sight & Sound | Top Ten Poll 2002 – The Directors’ Top Ten Directors. (Nicht mehr online verfügbar.) Archiviert vom Original am 13. Oktober 2018; abgerufen am 26. Mai 2021.  Info: Der Archivlink wurde automatisch eingesetzt und noch nicht geprüft. Bitte prüfe Original- und Archivlink gemäß Anleitung und entferne dann diesen Hinweis.@1@2Vorlage:Webachiv/IABot/old.bfi.org.uk