Francis Picabia
gigatos | février 7, 2022
Résumé
Francis Picabia (nom complet Francisco María Martínez Picabia della Torre ; 22 janvier 1879, Paris – 30 novembre 1953, Paris) était un peintre français d »avant-garde, un écrivain graphique et publicitaire, un metteur en scène de théâtre, un scénariste, un acteur et un diplomate.
Francis Picabia est devenu célèbre en tant qu »artiste excentrique qui n »adhérait à aucun dogme politique ou stylistique. Il a eu une grande influence sur l »art contemporain, notamment le dadaïsme et le surréalisme.
Francisco María Martínez Picabia della Torre, dit Francis Picabia (parfois orthographié Picabia), est né à Paris d »une mère française et d »un père espagnol. Le père de Francis Picabia a d »abord travaillé à Cuba dans l »industrie sucrière, puis à l »ambassade de Cuba en France dans le service diplomatique. C »est à Paris qu »il rencontre la future mère de François. Sa mère, Marie Cécile Davan, appartenait à la riche bourgeoisie parisienne. Elle est morte alors que le futur artiste et poète avait 5 (selon d »autres sources – 7) ans.
Francis Picabia avait une personnalité souple et extravertie et un tempérament colérique très changeant. De fortes fluctuations du tempérament et du ton créatif ont parfois débouché sur une dépression prolongée ou des accès de colère neurasthénique, qui se manifestent généralement dans le cadre familial. Tout au long de sa vie, Picabia a changé plusieurs fois de style créatif et de goûts personnels et esthétiques. À cet égard, il peut être considéré comme une sorte de recordman. Si l »on compte dans l »ordre toutes les transformations de son style, de sa mise en scène, de son écriture et même de son idéologie, on obtient pas moins de sept, (voire dix) tournants dramatiques. À cet égard, Francis Picabia surpasse peut-être même son contemporain et collègue artiste plus célèbre, Pablo Picasso.
Lorsqu »il a seize ans, son père offre secrètement l »un de ses paysages au jury du Salon de l »Artiste Française à Paris. À la surprise de sa famille et du jeune peintre lui-même, le tableau est accepté et même noté. Cela a encouragé Picabia à se mettre sérieusement à la peinture.
Entre 1895 et 1896, Francis Picabia suit des cours à l »École des Arts Décoratifs de Paris avec Embert et Cormon, et dans son premier style, il peint de bons paysages typiquement français, comme s »il poursuivait dans une direction impressionniste les célèbres œuvres de Camille Corot. Après 1899, Picabia expose au Salon des Indépendants et s »impose rapidement dans les cercles artistiques parisiens en tant qu »impressionniste. Cependant, l »impressionnisme de Picabi n »a pas duré longtemps. Dès 1902, après un voyage en Espagne, les intérêts artistiques de Picabie se sont progressivement orientés vers le style fauviste (« espagnol ») coloré et flashy.
Sa rencontre avec Marcel Duchamp en 1910 a eu une influence décisive sur l »évolution de la personnalité et de l »œuvre de Francis Picabius. Du fauvisme pendant une période relativement brève avant la guerre avec l »Allemagne, il passe d »abord au cubisme, puis à l »abstraction géométrique. La peinture la plus connue de Picabia à cette époque, Dancer on an Atlantic Cruise (1913), est un document non seulement du style abstrait de Picabia, mais aussi de son long (plus de trois ans) départ pour New York. Picabia, dans sa vie en général, avait l »habitude de quitter un lieu de guerre. Il expose ses nouvelles peintures cubistes abstraites à l »Armory Show (New York, 1913), ce qui lui apporte une nouvelle notoriété. Cependant, Picabia ne s »arrête pas là non plus. Entre 1915 et 1917, pendant les trois années de sa vie à New York, il a été en contact étroit avec les artistes d »avant-garde et, avec Duchamp, il a dirigé la section new-yorkaise du mouvement dadaïste. Mais à peine deux ans plus tard, il change à nouveau paradoxalement de style. Cette fois, abandonnant l »abstraction géométrique, Francis Picabia ne choisit pas un style ou un mouvement déjà existant. Il peint un cycle de compositions originales qui sont devenues les plus reconnaissables et la marque de fabrique de son style personnel de peinture. Par convention, on peut les appeler « dessins mécaniques » ou « dessins anthropomorphes ». En peignant des copies de dessins techniques et en ajoutant des détails inattendus, souvent vifs et dénués de sens, Picabia leur a donné les traits paradoxaux de formes humaines. Ce sont, par exemple, ses œuvres les plus célèbres : Parade of Love (1917), A Daughter Born Without a Mother (1917) et Carburetor Child (1919). Les vifs dessins « mécanomorphiques » de Francis Picabia sont pleins de provocation, d »épate dadaïste et de sarcasme, ils démontrent à la fois l »insignifiance et le pouvoir de la perception humaine, capable d »implanter des images réelles dans n »importe quelle forme, même la plus abstraite ou absurde. Ce sont ces œuvres de Picabia qui semblent être les plus proches et les plus appropriées à sa personnalité créative, qui s »est manifestée paradoxalement et directement dans sa vie et son œuvre.
Extrêmement libre et indépendant d »esprit, proche par son caractère et ses traits de personnalité de Guillaume Apollinaire et de Marcel Duchamp, il est amusant de retracer comment Francis Picabia s »est d »abord ouvertement disputé et opposé, puis a soutenu et même dirigé le mouvement Dada lors de ses voyages de « propagande » spécialement entrepris à New York, Barcelone et Zurich. De la même manière, son travail s »est développé. Ses articles dadaïstes sont reconnus comme dévastateurs et brillants, l »almanach d »avant-garde « 391 », qu »il a fondé à New York et qu »il a ensuite publié à Zurich et à Paris jusqu »en 1924, ainsi que ses peintures abstraites d »avant la Première Guerre mondiale et ses dessins « mécanomorphes », qui ressemblent à d »étranges dessins du futur, sont devenus non seulement reconnaissables mais aussi iconiques dans l »histoire de l »art du début du XXe siècle.
Après la phase dadaïste, dont il est, avec Tristan Tzara, l »un des chefs de file reconnus, (1914-1920) Francis Picabia prend un nouveau virage en 1921 et rejoint les adversaires directs (et simultanément les adeptes) de Dada – les surréalistes. Il est régulièrement en proie à des dépressions, dont il est obligé de se soigner avec des pilules de cacodylate (ce mot l »amuse beaucoup), qui sont aussi profondément ancrées dans son art de la période parisienne. À cette époque, Picabia abandonne son style « mécanique », ne peint pas à l »huile pendant plusieurs années et se tourne principalement vers les techniques du collage et de l »objet surréaliste. Il s »agit de son « Chapeau de paille » (1921), de sa « Peinture au cacodylate » (1922) et de sa « Femme aux allumettes » (1923). À cette époque, l »une des plus grandes réussites de Francis Picabia n »est curieusement pas la peinture pure, mais le ballet et le film « Relache » (« Intermission » ou « Le spectacle est annulé »), réalisés avec le brillant compositeur d »avant-garde Éric Satie et le jeune réalisateur en herbe René Clair…
Vers 1927, Picabia commence à réaliser des « peintures transparentes », dans lesquelles il expérimente et recherche ouvertement différentes manières de déformer la perspective. En juxtaposant des visages, des figures et des objets multidimensionnels, il les entrelace dans des superpositions spatiales linéaires, cherchant à obtenir l »effet de tromperie de la vision ou le jeu de mouvements planaires stéréoscopiques. Dans ces tableaux, de grandes silhouettes transparentes composées de lignes peuvent être superposées à un paysage peint fin et détaillé, créant un effet de « surréalisme spatial » particulier que l »on ne retrouve chez aucun autre peintre surréaliste. Ce style comprend les tableaux « Lui et son ombre » (1928), « Le Sphinx » (1929) et « Médée » (1929). La période surréaliste de Francis Picabia commence à s »estomper progressivement et se termine au début des années 30. Cependant, sa métamorphose stylistique ne s »arrête pas là non plus.
Au milieu des années 1930, Picabia est passé des images transparentes à des peintures dures et brutales dans le style du pseudo-classicisme amateur. Parodiant ou reproduisant la manière des artistes graphiques, Picabia passe à un style presque carrément kitsch. Il peint des dizaines de nus, d »allégories, de portraits et même de scènes bibliques classiques avec un aspect délibérément kitsch, ou anti-art. À cette époque, il est particulièrement actif dans les travaux de commande. Francis Picabia, par son caractère et son mode de vie, a toujours été un jouisseur et un bon vivant prononcé. Amateur de la belle vie et des plaisirs toujours annoncés dans les brochures de voyage (belles femmes, voitures de course, yachts privés, villas sur la côte, plages ensoleillées, etc…..), Picabia a fini après son « cinquantième anniversaire critique » par commencer à gagner carrément de l »argent et à traduire son nom très médiatisé en « cash ». Dans la dernière période de sa vie, il s »est tourné vers une peinture conventionnelle et presque glamour, servant un gain commercial immédiat, mais totalement dépourvue de la puissance et de l »originalité inhérentes à son talent dans ses jeunes années.
Picabia a survécu aux six années de guerre avec l »Allemagne dans la Suisse neutre. Après la fin de l »occupation allemande, il est retourné à Paris en 1945, et dans les dernières années de sa vie, il a été en contact assez étroit avec les existentialistes. Ce sont eux qui ont ensuite redécouvert ses écrits poétiques et ses articles sur la théorie de l »art des années 1910, temporairement oubliés. Après la guerre, il vit dans la maison de ses parents et travaille dans l »atelier de son grand-père Alphonse. En proie à de graves difficultés financières, il ne peut acquérir de nouvelles toiles et doit repeindre plusieurs fois le même tableau.
Il est décédé le 30 novembre 1953 à Paris (82 rue des Petits-Champs) et est enterré au cimetière de Montmartre.
Le ballet dadaïste Relâche, sur une musique d »Éric Satie, qui a été créé au Théâtre des Champs Élysées le 4 décembre 1924, peut peut-être être considéré comme l »apogée de la vie et de l »œuvre de Francis Picabia, car il réunit presque toutes ses orientations créatives. Picabia y a fait ses preuves en tant que concepteur de production et créateur de costumes, en tant qu »écrivain, auteur du livret de ballet et du scénario du film, en tant qu »acteur (qui a joué deux rôles dans le film), en tant qu »organisateur exceptionnel du processus de production théâtrale et en tant que leader des dadaïstes et des surréalistes (et habile magouilleur) qui a attiré les meilleures forces pour participer à la production et a « désamorcé » la plupart de ses ennemis à temps. Au cœur de la création de cette nouvelle production se trouve Erik Satie, un compositeur excentrique et perpétuellement novateur qui, à 58 ans, pourrait certainement donner une longueur d »avance à n »importe lequel de ces jeunes. Picabia et Satie, deux artistes extrêmement vifs aux personnalités complexes, ont néanmoins pu collaborer activement et créer une œuvre qui reste à part dans l »histoire du ballet.
Comme beaucoup de choses dans la vie de Francis Picabia, sa relation avec Erick Satie a suivi une trajectoire en « zigzag » prononcé. En 1919, alors que Picabia vivait encore à Zurich et n »était pas plongé dans les conflits et les querelles des mouvements artistiques parisiens, l »artiste a inclus le nom (mal orthographié) « Erick Satye » dans son tableau intitulé Le mouvement Dada, destiné à illustrer le magazine de Tristan Tzara. Six mois plus tard, déjà à Paris, avec André Breton et ses surréalistes hooligans, Picabia est en pleine lutte contre le « groupe Jean Cocteau ». Il intitule l »un de ses poèmes dada de 1920 « Auric Satie à la noix de Cocteau ». Dans le texte de son poème, il fait preuve d »une ironie très venimeuse à l »égard d » »Auric Satie, qui a décidé que sa « musique d »ameublement » était capable de lui donner une place dans la haute société le soir » (Dada-Phone Magazine, 1919, n° 7).
Cependant, contrairement à tout entêtement ou dogmatisme, Picabia n »a pas hésité à changer de cap au bout de quelques mois. Il a envoyé à Satie une lettre pleine de sympathie, inscrivant une dédicace « Erik est Satierik » sur la couverture d »un de ses magazines. Six mois plus tard, Satie publie deux aphorismes légèrement désobligeants dans l »almanach 391 de Picabia, qui apparaissent en grosses lettres à la une du magazine. Cependant, au début de 1922, lors d »une autre « guerre » des surréalistes de Breton contre les dadaïstes de Tzara, Satie et Picabia se retrouvent à nouveau dans des camps opposés. Un an plus tard, cependant, Satie reprend sa relation avec l »artiste, cette fois pour collaborer à un nouveau ballet, qui n »est pas encore intitulé Relâche ou Le Spectacle est annulé.
Ce ballet a été le point culminant de la collaboration entre Satie et Picabia. Cette production a été initialement commandée (automne 1923) par Rolf de Marais, directeur du Ballet suédois de Paris, à Eric Satie sur un scénario du poète Blaise Sandrard, avec des décors de Picabia. Dans sa version initiale, le ballet ne portait pas ce titre provocateur. Dans le scénario de Sandrar, le ballet portait un titre beaucoup plus humble : After Dinner. Cependant, à peine trois ou quatre mois plus tard, Francis Picabia, avec son aisance habituelle, écarte Sandrar (parti au Brésil à un trop mauvais moment) du projet, réécrit le scénario (selon Satie, « en y ajoutant seulement quelques lignes ») et devient lui-même l »auteur à part entière et simultanément le directeur artistique d »un spectacle dadaïste beaucoup plus radical.
D »une manière ou d »une autre, à la fin du mois d »avril 1924, l »ancien ballet After Dinner, sur un livret de Blaise Sandrar, était finalement devenu Le Spectacle est annulé. Picabia a conçu un spectacle provocateur dans lequel de nombreux arts – théâtre, ballet, musique, sculpture, peinture et même cinéma – seraient combinés « en une seule absurdité ». Relâche comprenait deux projections de films sur l »écran, une au début du spectacle (Prologue) et une autre à l »entracte (Intermission). Le film, qui porte ce même titre, « Entrée », mettant en scène de nombreux artistes dadaïstes et surréalistes célèbres, le chorégraphe principal du Ballet suédois, ainsi qu »Eric Satie et Francis Picabia eux-mêmes, a été réalisé par le cinéaste alors en herbe René Clair, a rendu célèbre son auteur et (indépendamment de Relâche) a fait son entrée dans le fonds d »or du cinéma du XXe siècle.
Francis Picabia a également créé une scénographie complètement dadaïste et futuriste pour sa production, tout en s »incorporant activement au processus de ballet et de composition, ce qui correspondait à son intention de créer un produit d »auteur total, imprégné de bas en haut de l »idée de dada. Par exemple, une partie du ballet se déroule dans un silence complet et les danseurs dansent sans aucun soutien de la musique. À d »autres moments, au contraire, il y a de la musique avec une absence totale de chorégraphie. Erik Satie a volontiers soutenu toutes ces grimaces de l »auteur, d »autant plus qu »elles s »inscrivaient pleinement dans ses premières idées. Dans le programme régulier de théâtre accompagnant la première de Relâche au Ballet suédois, on pouvait lire les mots suivants appartenant à Picabia et Satie :
« Quand les gens se libéreront-ils de la mauvaise habitude de tout expliquer ? « La pièce est annulée » est un ballet continu dont le but est l »absurdité la plus prétentieuse transférée au théâtre : « la vie comme je l »aime, la vie sans lendemain, la vie seulement maintenant, tout aujourd »hui, tout pour aujourd »hui, rien pour hier et rien pour demain ». (avant-première du Ballet suédois, Relâche, novembre 1924)
Pikabia, qui est extrêmement libérée sexuellement dans la vie, a constamment provoqué Satie dans toutes sortes de « sublimations » pendant la réalisation de Relâche. En conséquence, le ballet était truffé de mouvements et de scènes des plus « indécents ». Satie en particulier, qui était capable de peaufiner de telles allusions, a affirmé, lorsqu »il travaillait sur la partition, qu »il avait composé une musique « pornographique » pour Relâche. Apparemment, il a réussi, et sous la forme la plus directe. Satie a défini le genre de son œuvre comme un « ballet obscène ». Et la réaction à ses pitreries était appropriée. L »un des critiques les plus tolérants, Paul Judge, s »est montré plus modéré dans sa critique du ballet :
« La musique de Monsieur Satie se compose des airs populaires les plus fatigués et les plus éculés, reproduits avec relativement peu d »altérations, plutôt que comme une musique de ballet, mais un pur exemple de l »application des techniques classiques de la danse. »
Satie lui-même, sélectionnant les chansons parisiennes les plus vulgaires et les plus obscènes pour son ballet, était beaucoup plus explicite à ce sujet : « Ayant entendu un air familier, les paroles les plus obscènes chantées sur cet air doivent immédiatement surgir dans la mémoire du public ». Dans plusieurs numéros du ballet (« La femme sort », « La musique », « Les hommes se déshabillent », « La danse de la brouette »), l »orchestration est délibérément transparente et claire, et les motifs vulgaires sont déformés juste assez pour rester facilement reconnaissables. » La construction de la musique d »Erik Satie « , écrira par la suite Germaine Everling, la seconde épouse de Picabia, » enveloppait et clarifiait constamment la pensée de l »artiste « .
La totalité de l »idée de l »annulation de la Relâche a également reçu son incarnation directe hors scène. La première du ballet devait avoir lieu le 27 novembre 1924. Cependant, alors qu »un public raffiné et toute la bohème parisienne s »étaient déjà réunis au Théâtre des Champs-Elysées, un « relâche » décisif fut annoncé et la représentation… fut annulée. La raison de l »annulation est le mauvais temps et le refus de Jean Bjorlen de danser « dans l »état où il se trouvait ». Le public a été véritablement scandalisé par les pitreries du spectacle. Beaucoup ont sérieusement soutenu qu »aucun « Relâche » n »était réel et qu »il s »agissait simplement d »un canular frauduleux destiné à promouvoir l »autopromotion de deux célèbres amateurs de jeux de mots, Satie et Picabia. Cependant, l » »abrogation » a eu lieu une semaine plus tard, le 4 décembre 1924.
L »unité entre les deux principaux auteurs de ballet était en effet impressionnante. Satie, qui, tout au long de sa vie, a été sujet à des conflits et à des ressentiments constants, n »a eu aucune friction avec Picabia pendant qu »il travaillait sur Relâche. Cela a peut-être eu pour effet de créer une percée pour Picabia lui-même, qui n »avait jamais connu un tel précédent dans sa vie ou son œuvre auparavant. Le ballet Relâche est la dernière œuvre d »Eric Satie. Il a travaillé sur la partition alors qu »il était déjà en phase terminale, et deux mois seulement après la première, il s »est finalement rendu à l »hôpital du monastère de Saint-Jacques, dont il n »est jamais sorti. Satie est mort le 1er juillet 1925. Francis Picabia a beaucoup souffert de cette mort et est tombé dans une autre grave dépression pendant plus d »un an, dont il ne s »est jamais remis, comme le montre le reste de sa vie et de son œuvre.
Tout en travaillant sur le ballet Relâche, Picabia a dessiné et simplement esquissé sur papier de nombreux portraits d »Éric Satie « dans son style mécanique » et a également publié divers textes sur le compositeur, où il affirme notamment que « nos descendants enfileront sa musique comme un gant ». Symbole éloquent et naïf de leur unité, le prologue cinématographique de deux minutes du ballet montre Satie et Picabia chargeant personnellement le canon et le dirigeant vers le public. Et dans la deuxième partie du film, Intermission, Picabia a même peint ses propres initiales ainsi que celles du compositeur (FP – ES) à l »intérieur d »un cœur expressif sur la fléchette funéraire avec le corps du chorégraphe qu »il a abattu, Jean Bjorlen. Cette plaisanterie mignonne, typiquement dadaïste, ne s »est hélas pas révélée de bon augure, du moins pour Erik Satie. Six mois plus tard, la voiture funéraire est venue pour lui aussi.
Sources
