Franz Kline
gigatos | février 24, 2022
Résumé
Franz Kline (23 mai 1910 – 13 mai 1962) était un peintre américain. Il est associé au mouvement expressionniste abstrait des années 1940 et 1950. Kline, ainsi que d »autres peintres d »action comme Jackson Pollock, Willem de Kooning, Robert Motherwell, John Ferren et Lee Krasner, ainsi que des poètes, danseurs et musiciens locaux, ont été connus sous le nom de groupe informel de l »école de New York. Bien qu »il ait exploré les mêmes innovations picturales que les autres artistes de ce groupe, l »œuvre de Kline est distincte en soi et est vénérée depuis les années 1950.
Kline est né à Wilkes-Barre, une petite communauté de mineurs de charbon dans l »est de la Pennsylvanie. Lorsqu »il a sept ans, le père de Kline se suicide. Pendant sa jeunesse, il déménage à Lehighton, en Pennsylvanie, et est diplômé de la Lehighton High School. Sa mère se remarie plus tard et l »envoie au Girard College, une académie de Philadelphie pour les garçons sans père. Après avoir obtenu son diplôme du lycée, Kline étudie l »art à l »université de Boston de 1931 à 1935, puis passe un an en Angleterre à la Heatherley School of Fine Art de Londres. Pendant cette période, il rencontre sa future femme, Elizabeth V. Parsons, une danseuse de ballet britannique. Elle rentre aux États-Unis avec Kline en 1938.
À son retour au pays, Kline travaille comme designer pour un grand magasin de l »État de New York. Il s »installe ensuite à New York en 1939 et travaille pour un décorateur de théâtre. C »est pendant cette période à New York que Kline a développé ses techniques artistiques et a été reconnu comme un artiste important.
Il a ensuite enseigné dans plusieurs établissements, dont le Black Mountain College en Caroline du Nord et le Pratt Institute à Brooklyn. Il a passé les étés de 1956 à 1962 à peindre à Provincetown, dans le Massachusetts, et est mort en 1962 à New York d »une maladie cardiaque rhumatismale, dix jours avant son 52e anniversaire.
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Les premiers travaux
La formation artistique de Kline était axée sur l »illustration et le dessin traditionnels. À la fin des années 1930 et au début des années 1940, Kline travaille de manière figurative, peignant des paysages et des scènes urbaines en plus des portraits et des peintures murales qu »il a commandés. Son style personnel est visible pour la première fois dans la série de peintures murales Hot Jazz, qu »il a peinte pour la Bleecker Street Tavern de Greenwich Village en 1940.
Cette série a révélé son intérêt pour la décomposition de formes représentatives en coups de pinceau rapides et rudimentaires.
Le style personnel qu »il développe à cette époque, utilisant des formes simplifiées, devient de plus en plus abstrait. Nombre des figures qu »il a représentées sont basées sur les locomotives, les paysages austères et les grandes formes mécaniques de sa communauté natale, les mines de charbon de Pennsylvanie. Les spectateurs ne s »en aperçoivent parfois que parce que les œuvres portent le nom de ces lieux et objets, et non parce qu »elles ressemblent réellement au sujet. Sous l »influence de la scène artistique contemporaine new-yorkaise, Kline travaille davantage dans l »abstraction et finit par abandonner le figuratif. À partir de la fin des années 1940, Kline a commencé à généraliser ses sujets figuratifs en lignes et en plans qui s »emboîtent les uns dans les autres, un peu comme les œuvres du cubisme de l »époque.
En 1946, le poste de la légion américaine de Lehighton, en Pennsylvanie, a demandé à Kline de réaliser une grande toile représentant la ville où il avait fréquenté le lycée. La peinture murale Lehighton a été acquise auprès du poste de la légion américaine en 2016 par l »Allentown Art Museum d »Allentown, en Pennsylvanie, et y est aujourd »hui exposée de manière permanente.
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Travaux ultérieurs
On pense généralement que le style le plus reconnaissable de Kline est né d »une suggestion faite par son ami et influence créative, Willem de Kooning. La femme de De Kooning, Elaine, a donné un récit romancé de l »événement, affirmant qu »en 1948, de Kooning a conseillé à un Kline artistiquement frustré de projeter une esquisse sur le mur de son studio, en utilisant un projecteur Bell-Opticon. Kline a décrit la projection comme suit :
« Un dessin noir de quatre pouces sur cinq d »une chaise à bascule… se profilait dans des traits noirs gigantesques qui effaçaient toute image, les traits s »étendant comme des entités en soi, sans lien avec aucune autre entité que celle de leur propre existence. »
Comme le suggère Elaine de Kooning, c »est alors que Kline se consacre à des œuvres abstraites de grande envergure. Cependant, même si Willem de Kooning se souvient que Kline s »est plongé dans l »abstraction « d »un seul coup, il s »est jeté dedans », il concède également que cela a pris beaucoup de temps, déclarant que « Franz avait une vision de quelque chose et qu »il faut parfois beaucoup de temps pour l »élaborer. » Au cours des deux années suivantes, les coups de pinceau de Kline deviennent complètement non représentatifs, fluides et dynamiques. C »est également à cette époque que Kline commence à peindre uniquement en noir et blanc. Il explique comment sa palette monochrome est destinée à représenter l »espace négatif et positif en disant : « Je peins le blanc aussi bien que le noir, et le blanc est tout aussi important. » Son utilisation du noir et du blanc est très similaire aux peintures réalisées par de Kooning et Pollock dans les années 1940. Il semble également y avoir des références à la calligraphie japonaise dans les peintures en noir et blanc de Kline, à travers ses échanges avec le groupe de calligraphie d »avant-garde japonais Bokujinkai et son chef Morita Shiryu, bien que Kline ait plus tard nié ce lien.
La première exposition personnelle de Kline a eu lieu du 16 octobre au 4 novembre 1950, à la Egan Gallery, 63 East 57th Street. L »exposition comprenait onze peintures abstraites. La couleur était un élément rare dans les peintures : une sous-peinture brune près du bas de Nijinsky et des touches fugaces de vert dans Leda. Les tableaux présentent une grande variété de compositions et d »ambiances, mais ils ont tous un trait caractéristique : la signature de Kline : le noir sur blanc. Treize ans plus tôt, à Londres, Kline s »était qualifié d » »homme noir et blanc », mais ce n »est qu »avec cette exposition que la justesse de cette phase est devenue évidente pour les autres. En raison de son impact et de son style concret, Kline est surnommé « l »artiste noir et blanc », une étiquette qui lui colle à la peau et par laquelle il se sent parfois limité. La première exposition personnelle de Kline est un événement charnière dans sa carrière, car elle marque le début et la fin quasi simultanés de son invention majeure en tant qu »artiste abstrait. À l »âge de quarante ans, Kline s »était assuré un style personnel qu »il maîtrisait déjà. Il n »y avait pas vraiment de moyens pour Kline d »approfondir sa recherche ; il n »avait que la possibilité de reproduire le style qu »il avait déjà maîtrisé. Pour aller de l »avant, il n »y avait qu »une seule direction logique pour Kline : revenir à la couleur, la direction qu »il suivait au moment de sa mort prématurée due à un arrêt cardiaque.
À la fin des années 1950, dans des tableaux tels que Requiem (1958), Kline commence à expérimenter des clairs-obscurs plus complexes au lieu de se concentrer sur une palette monochromatique stricte. Puis en 1958, il réintroduit l »utilisation de la couleur dans son travail par le biais d »accents colorés dans ses peintures en noir et blanc. Cette exploration de retour à l »utilisation de la couleur était toujours en cours lorsque Kline est décédé en 1962.
Kline est reconnu comme l »un des artistes les plus importants mais aussi les plus problématiques du mouvement expressionniste abstrait de New York. Son style est difficile à interpréter pour les critiques par rapport à ses contemporains. Comme Jackson Pollock, Willem de Kooning et d »autres expressionnistes abstraits, Kline était considéré comme un peintre d »action en raison de son style apparemment spontané et intense, qui ne se concentre pas du tout sur les figures ou l »imagerie, mais sur l »expression de ses coups de pinceau et l »utilisation de la toile. Cependant, les tableaux de Kline sont d »une subtilité trompeuse. Si ses peintures ont généralement un impact spontané et dramatique, Kline se réfère souvent étroitement à ses dessins de composition. Kline a soigneusement rendu nombre de ses tableaux les plus complexes à partir d »études approfondies, souvent réalisées sur des pages d »annuaire téléphonique. À la différence de ses collègues expressionnistes abstraits, les œuvres de Kline ne devaient donner l »impression d »avoir été réalisées dans un moment d »inspiration ; cependant, chaque tableau a fait l »objet d »une étude approfondie avant que le pinceau de son peintre en bâtiment ne touche la toile.
Kline était également connu pour éviter de donner un sens à ses peintures, contrairement à ses collègues qui donnaient des descriptions mystiques de leurs œuvres. Dans un catalogue des œuvres de Kline, l »historienne de l »art Carolyn Christov-Bakargiev écrit que « son art suggère et nie à la fois la signification et le sens. » Nombre de ses œuvres ont été considérées par les historiens de l »art comme des indications d »une progression vers la peinture minimaliste. Ils estiment que ses œuvres présentent une opacité et une franchise objectives qui diffèrent de la subjectivité du style de l »école de New York. Cela rendrait son travail plus proche des plates-formes d »avant-garde comme le minimalisme qui a remplacé le mouvement expressionniste abstrait dans les années 1960.
L »historien de l »art David Anfam note que les artistes qui ont travaillé pendant et après la vie de Kline – comme Robert Rauschenberg, Aaron Siskind, Cy Twombly, Mark di Suvero et Brice Marden – se sont tous inspirés de Kline.
En 2012, le financier de San Francisco George R. Roberts a vendu chez Christie »s, à New York, une œuvre en noir et blanc de près de trois mètres de large, sans titre, datant de 1957. Le tableau a été adjugé à un enchérisseur par téléphone pour 36 millions de dollars, soit 40,4 millions de dollars avec les frais (Christie »s a garanti au vendeur Robert Mnuchin un minimum non communiqué), un prix record pour l »artiste aux enchères et plus de six fois le précédent record, établi en 2005 lorsque Christie »s a vendu Crow Dancer (1958) pour 6,4 millions de dollars.
Une œuvre de jeunesse, intitulée UNTITLED, datant de 1940 (représentant une pièce intérieure), a été achetée chez Sotheby »s en 1995 par un collectionneur privé pour 21 850 dollars. Cette œuvre de jeunesse contribue à définir la phase initiale de l »artiste, avant sa transformation de peintre réaliste en expressionniste abstrait novateur. Les coups de pinceau audacieux de la peinture préfigurent l »abstraction noire épique de son style révolutionnaire.
En 2018, l »Institut Hauser & Wirth, en coopération avec la succession de Franz Kline, a commencé à préparer le catalogue raisonné Franz Kline Paintings, 1950-1962. Le projet, qui présentera pour la première fois un recueil en ligne des œuvres en huile sur toile de Kline réalisées entre 1950 et la mort de l »artiste en 1962, devrait être achevé en 2022.
Kline a eu sa première exposition à la Charles Egan Gallery en 1950, et il a participé à la 9th Street Art Exhibition l »année suivante. En 1958, il est inclus dans la grande exposition du Museum of Modern Art, « The New American Painting », qui fait le tour de huit villes européennes. Au cours de la décennie qui a précédé sa mort, ses œuvres ont été incluses dans de nombreuses expositions internationales, notamment la Biennale de Venise (et les Annuals et Biennales du Whitney (1952, 1953, 1955, 1961). La Washington Gallery of Modern Art, Washington, D.C., a organisé une exposition commémorative (1962). D »importantes expositions monographiques ont également eu lieu au Whitney Museum of American Art, New York (Cincinnati Art Museum, voyageant au San Francisco Museum of Modern Art et à la Pennsylvania Academy of Fine Arts (et Castello di Rivoli, Museo d »arte contemporanea, Italie (2004).
Sources
