Hans Hofmann
gigatos | janvier 16, 2022
Résumé
Hans Hoffmann (21 mars 1880, Weissenburg, Bavière – 17 février 1966, New York) est un artiste américain d »origine allemande, représentant de l »expressionnisme abstrait, également connu comme professeur d »art.
Sa carrière s »étend sur deux générations et deux continents, et on pense qu »il a précédé et influencé l »expressionnisme abstrait. Né et éduqué dans la banlieue de Munich, il a participé activement à l »avant-garde européenne du début du vingtième siècle et a apporté avec lui une profonde compréhension et une synthèse du symbolisme, du néo-impressionnisme, du fauvisme et du cubisme lorsqu »il a émigré aux États-Unis en 1932. La peinture d »Hoffmann se caractérise par un souci strict de la structure et de l »unité picturale, de l »illusionnisme spatial et de l »utilisation de couleurs vives à des fins expressives. L »influent critique Clement Greenberg a considéré la première exposition personnelle d »Hoffmann à New York, à l »Art of this Century de Peggy Guggenheim en 1944 (avec l »exposition de Jackson Pollock fin 1943) comme une percée de la peinture sur l »abstraction géométrique qui annonçait l »expressionnisme abstrait.
Au cours de la décennie suivante, la reconnaissance de G. Hoffmann s »accroît grâce à de nombreuses expositions, notamment à la Kutz Gallery, pour aboutir à de grandes rétrospectives au Whitney Museum of American Art (1957) et au Museum of Modern Art (1963), qui voyagent à travers les États-Unis, l »Amérique du Sud et l »Europe. Ses œuvres font partie des collections permanentes de grands musées du monde entier, dont le Metropolitan Museum of Art, la Tate Modern Gallery, le Musée national allemand, la National Gallery of Art et l »Art Institute of Chicago.
Hans Hoffmann est également considéré comme l »un des professeurs d »art les plus influents du XXe siècle. Il a fondé une école d »art à Munich en 1915, qui s »est inspirée des idées et des travaux de Paul Cézanne, de Wassily Kandinsky et des cubistes ; certains historiens de l »art pensent qu »il s »agit de la première école d »art moderne au monde. Après avoir déménagé aux États-Unis, il a rouvert l »école à New York et à Provincetown, dans le Massachusetts, jusqu »à ce qu »en 1958, il se retire de l »enseignement pour peindre à plein temps. Son enseignement a eu une influence considérable sur les artistes de l »avant-garde américaine d »après-guerre, dont Helen Frankenthaler, Nell Blaine, Lee Krasner, Joan Mitchell, Louise Berlawski-Nevelson et Larry Rivers, entre autres, ainsi que sur les théories de Greenberg, qui mettait l »accent sur le support, le plan pictural et l »unité de l »œuvre. Parmi les autres principes clés de H. Hoffmann, on trouve ses théories spatiales de la « répulsion ».
Hans Hoffmann est mort d »une crise cardiaque à New York le 17 février 1966 à l »âge de 85 ans.
Hans Hoffmann est né le 21 mars 1880 à Weissenburg, en Bavière, de Theodor Friedrich Hoffmann (1855-1903) et de Franziska Manger Hoffmann (1849-1921). En 1886, sa famille s »est installée à Munich, où son père a trouvé un emploi dans le gouvernement. Dès son plus jeune âge, Hoffmann est attiré par les sciences et les mathématiques. À l »âge de seize ans, il suit son père dans la fonction publique, travaillant pour le gouvernement bavarois comme assistant du directeur des travaux publics. Il y approfondit ses connaissances en mathématiques et finit par développer et breveter des appareils tels qu »un comptomètre électromagnétique, un radar pour les navires de guerre et un congélateur portable à usage militaire. À cette époque, Hoffmann s »intéresse également à l »art et suit les cours du peintre allemand Moritz Heimann en 1898 et 1899. En 1898, il commence à étudier la peinture dans une école d »art privée à Munich.
Entre 1900 et 1904, Hoffmann rencontre à Munich sa future épouse, Maria « Miz » Wolfegg (1885-1963), ainsi que Philipp Freudenberg, propriétaire du grand magasin de luxe berlinois Kaufhaus Gerson et grand collectionneur d »art. Freudenberg devient le mécène d »Hoffmann. Hoffmann au cours de la décennie suivante, ce qui lui permet de déménager et de vivre à Paris avec Mies. De 1904 à 1914, jusqu »au début de la Première Guerre mondiale, Hoffmann vit à Paris, où il fréquente l »Académie de la Grande Chaumière, où il étudie également Henri Matisse. C »était l »époque de la naissance et du développement de mouvements artistiques tels que le fauvisme et le cubisme, et le jeune Hoffmann en a été fortement influencé. À la même époque, il rencontre Robert Delaunay et Sonia Delaunay-Terk à Paris et se lie d »amitié avec eux. Hoffmann a travaillé et exposé à Paris jusqu »au début de la Première Guerre mondiale, créant des peintures influencées par les cubistes et Paul Cézanne.
De retour en Allemagne, il est déclaré inapte au service militaire en raison d »une affection respiratoire. En 1915, Hoffmann ouvre une école d »art à Munich où étudie, entre autres, le futur directeur du département d »art de l »UC Berkeley, Worth Ryder.
À l »invitation de Ryder, G. Hoffmann se rend pour la première fois aux États-Unis en 1930 et y séjourne définitivement en 1932. G. Hoffmann et Miz ont vécu séparément pendant six ans jusqu »à ce qu »elle obtienne un visa d »immigration pour les États-Unis en 1939. Il a d »abord donné des cours à l »Art Students » League, puis a ouvert sa propre école d »art en 1933. Entre autres, des maîtres de l »art abstrait tels que Ray Ames, Allan Kaprow et Lee Krasner ont étudié avec Hoffmann.
En 1941, G. Hoffmann devient citoyen américain. À cette époque, son travail attire de plus en plus l »attention et la reconnaissance des critiques, des marchands d »art et des musées.
En 1942, Lee Krasner présente le professeur à son mari, le peintre Jackson Pollock, qui aide Hoffman à organiser sa première exposition personnelle en 1944 à la galerie Peggy Guggenheim. À partir de 1935, les tendances abstraites deviennent de plus en plus évidentes dans l »œuvre de l »artiste.
En 1946, Hoffmann expose à la galerie Mortimer Brand. Le critique d »art Robert Coates, qui a chroniqué l »exposition dans le magazine The New Yorker, invente le terme « expressionnisme abstrait » pour décrire ce qu »il voit. Dans le même temps, l »œuvre d »Hoffmann se distingue des peintures d »autres classiques de l »expressionnisme abstrait – Adolf Gottlieb, Barnett Newman ou Mark Rothko, qu »Hoffmann considérait comme « tragiques et intemporelles ». Hoffmann était un « hédoniste de l »expressionnisme abstrait », comme l »a qualifié Irving Sandler. Curieusement, Sandler qualifie également A. Matisse, le condisciple d »Hoffmann à Paris, d » »hédoniste ».
En 1947, l »artiste participe – avec Theodoros Stamos, Ed Reinhardt, Mark Rothko et Clifford Steele – à l »exposition collective The Ideographic Picture organisée par B. Newman. Newman à la galerie Betty Parsons.
En 1948, Hoffmann publie son œuvre théorique, un essai intitulé « The Search for Reality in the Visual Arts ».
En 1958, après plus de 40 ans d »enseignement, notamment dans les prestigieuses écoles d »art de New York et de Princeton (Massachusetts), l »artiste quitte l »enseignement pour se consacrer entièrement à la peinture, ce qui entraîne l »épanouissement tardif de sa carrière (à l »âge de soixante-dix-huit ans).
En 1963, le Museum of Modern Art de New York a organisé une exposition rétrospective de l »œuvre de Hans Hoffmann. La même année, Miz Hoffmann, sa partenaire et épouse depuis plus de soixante ans, décède après une opération.
Deux ans plus tard, Hoffmann épouse Renate Schmitz, qui restera à ses côtés jusqu »à sa mort d »une crise cardiaque à New York le 17 février 1966, peu avant son 86e anniversaire.
L »art d »Hoffmann se caractérise généralement par une préoccupation stricte pour la structure et l »unité picturales, le développement de l »illusion spatiale par » l »attraction et la répulsion » de la couleur, de la forme et de l »emplacement, et l »utilisation de couleurs primaires audacieuses, souvent uniques, à des fins expressives. Dans les premières décennies du siècle, il peint dans un style pictural moderniste, bien que toujours identifiable, créant des paysages, des natures mortes et des portraits, principalement influencés par le cubisme et Paul Cézanne en termes de forme et par Wassily Kandinsky, Henri Matisse et Vincent van Gogh en termes de couleur.
Г. Hoffmann entame une longue période où il se consacre exclusivement au dessin, dans les années 1920, pour revenir à la peinture en 1935. En 1940, cependant, il avait commencé à peindre des œuvres entièrement abstraites, comme Spring, une petite peinture à l »huile sur un panneau « goutte ». Les historiens de l »art décrivent cette œuvre et d »autres, telles que The Wind (1942), Fantasia (1943) et Sizzle (1944), en termes d » »attaques picturales », de contrastes marqués, de couleurs intenses et de spontanéité gestuelle, comme des « enregistrements de l »expérience intense de l »artiste » en matière de peintures, de couleurs et de processus arbitraires, occasionnels et directs, mais aussi intentionnels. Ces œuvres témoignent des premières expérimentations stylistiques de G. Hoffmann avec des techniques qui seront plus tard désignées sous le nom d » »action painting », qui rendront Pollock et d »autres célèbres à la fin de la décennie. H. Hoffmann pensait que l »art abstrait était un moyen d »atteindre des réalités importantes, déclarant un jour que « la capacité de simplifier signifie éliminer le superflu pour que le nécessaire puisse parler ».
Le travail de G. Hoffman dans les années 1940 a été soutenu par plusieurs personnalités qui ont inauguré une nouvelle ère d »influence croissante pour les marchands d »art et les galeries, notamment Peggy Guggenheim, Betty Parsons et Samuel M. Kutz. Sa première exposition personnelle à New York, à la galerie Guggenheim, intitulée The Art of this Century, en 1944, a fait l »objet de critiques positives dans le New York Times, ARTnews et Arts Digest. La même année, G. Hoffman fait l »objet d »une exposition personnelle à l »Art Club de Chicago et de deux importantes expositions collectives d »art abstrait et surréaliste aux États-Unis, organisées par Sidney Janis et Parsons. À propos de l »exposition de H. Hoffmann en 1945, Greenberg écrit : « Hoffmann est devenu une force avec laquelle il faut compter, tant dans la pratique que dans l »interprétation de l »art contemporain ». Tous les critiques ne sont pas unanimes dans leurs louanges ; par exemple, Robert Coates, l »un des premiers à qualifier les nouvelles œuvres d » »expressionnisme abstrait », dans une critique de l »œuvre d »Hoffmann en 1946, exprime son scepticisme à l »égard du style de peinture « spray and smear ». Hoffmann commence à exposer chaque année à la Kutz Gallery de New York (et ce, chaque année jusqu »en 1966, sauf en 1948, année de fermeture temporaire de la galerie), et continue à recevoir des éloges au cours de la décennie suivante.
Dans la période ultérieure, G. Hoffmann a souvent travaillé de manière moins gestuelle, produisant des œuvres telles que Gates (1959-60), Pompeii (1959) ou To Miz – Pax Vobiscum (mémorial 1964 après la mort de Miz), faiblement consacrées aux volumes architecturaux et parfois appelées ses « peintures sur dalles ». Dans ces œuvres, il utilise des rectangles de couleurs sensuelles, qui renforcent la forme de son format constant de peinture de chevalet et suggèrent parfois une logique modulaire, mais échappent à une compréhension définitive par des zones de peinture modulaire et des formes irrégulières.
En 1957, le Whitney Museum a exposé une grande rétrospective d »Hoffmann, qui a visité sept autres musées aux États-Unis au cours de l »année suivante. Dans son compte rendu de la rétrospective, le critique Harold Rosenberg a écrit : « Aucun artiste américain n »a été capable d »organiser une exposition avec plus de diversité que Hans Hoffmann ». En 1960, Hoffmann a été choisi pour représenter les États-Unis à la Biennale de Venise aux côtés de Philip Guston, Franz Kline et Theodor Roszak.
En 1963, le Museum of Modern Art présente une rétrospective complète, organisée par William Seitz, avec un catalogue comprenant des extraits de l »œuvre d »Hoffmann. Au cours des deux années suivantes, l »exposition a voyagé dans cinq autres lieux aux États-Unis, dans des musées de Buenos Aires et de Caracas, et enfin dans cinq musées aux Pays-Bas, en Italie et en Allemagne.
Les rétrospectives posthumes de l »œuvre d »Hoffmann comprennent des expositions au Hirshhorn Museum (1976), au Whitney Museum (1990) et à la Tate Gallery de Londres (« Hans Hoffmann : Late Paintings », 1988), organisée par l »artiste britannique John Hoyland. D. Hoyland a fait connaissance avec l »œuvre d »Hoffmann lors de sa première visite à New York en 1964 en compagnie de Clement Greenberg et a été immédiatement impressionné.
Г. Hoffmann était connu non seulement comme artiste mais aussi comme professeur d »art, tant dans son Allemagne natale que plus tard aux États-Unis. Sa valeur en tant que professeur réside dans la cohérence et la rigueur sans compromis de ses normes artistiques et dans sa capacité à enseigner les principes fondamentaux de l »abstraction d »après-guerre à une grande variété d »étudiants. Il a fondé sa première école des beaux-arts à Munich en 1915, en s »inspirant des idées et des œuvres de Paul Cézanne, des cubistes et de Wassily Kandinsky. Ses méthodes d »enseignement pratiques comprenaient des discussions constantes sur la théorie de l »art, des séances de dessin sur le vif et des critiques régulières d »Hoffmann lui-même, ce qui était une rareté à l »Académie. Au milieu des années 1920, il s »est forgé une réputation de professeur avancé et a attiré une communauté internationale d »étudiants à la recherche d »un enseignement plus avant-gardiste, dont Alf Beyerle, Alfred Jensen, Louise Nevelson, Wolfgang Paalen et Worth Ryder. G Hoffmann a dirigé l »école, y compris les sessions d »été organisées dans toute l »Allemagne ainsi qu »en Autriche, en Croatie, en Italie et en France, jusqu »à ce qu »il émigre aux États-Unis en 1932.
Aux États-Unis, il a enseigné pour la première fois pendant une session d »été à l »université de Californie, Berkeley, en 1930, à l »invitation d »un ancien étudiant, Worth Ryder, qui était alors membre de la faculté d »art. L »année suivante, il enseigne à nouveau à Berkeley et au Chouinard Art Institute de Los Angeles avant de retourner en Allemagne. Après s »être installé à New York, il a commencé à enseigner à l »Art Students League de New York en 1933. En 1934, Hoffman avait ouvert ses propres écoles à New York et à Provincetown, dans le Massachusetts. De nombreux artistes célèbres ont étudié sous sa direction, notamment Lee Krasner, Helen Frankenthaler, Ray Eames, Larry Rivers, Allan Kaprow, Red Grooms, Nell Blaine, Irene Rice Pereira, Jerome Kamrowski, Fritz Bultman, Israel Levitan, Robert De Niro Senior, Jane Freilicher, Wolf Kahn, Marisol Escobar, Burgoyne Diller, James Gahagan, Richard Stankevich, Linda Lindeberg, Lillian Orlowski, Louise Mattiasdottir et Nina Tryggvadottir. Parmi ses élèves figurait Beulah Stevenson, conservateur du Brooklyn Museum pendant de nombreuses années. En 1958, Hoffman a fermé ses écoles pour se consacrer exclusivement à son art. En 1963, le Museum of Modern Art de New York a organisé une exposition itinérante, Hans Hoffmann and His Students, qui comprenait 58 œuvres de 51 artistes.
Bien qu »on lui attribue l »enseignement de plusieurs des artistes féminines les plus douées de l »époque – à une époque où elles étaient encore assez rares – Hoffmann est parfois décrit comme affichant une « attitude franchement machiste ». Hoffmann est parfois décrit comme faisant preuve d »une « attitude franchement machiste ». Lee Krasner, qui est restée son élève, a comparé certaines de ses critiques aux éloges détournés que reçoivent souvent les artistes féminines (par exemple, « si bon que vous ne sauriez jamais qu »il a été fait par une femme ! »). La sculptrice Lila Katzen a raconté qu »il lui avait dit que « seuls les hommes ont des ailes pour l »art ».
Les écrits influents d »Hoffmann sur l »art contemporain ont été rassemblés dans The Search for the Real and Other Essays (1948), qui comprend ses considérations sur les théories spatiales de la « répulsion ».
Г. Hoffmann était convaincu de la valeur spirituelle et sociale de l »art. En 1932, il écrivait : « Donner des conseils aux enseignants et soutenir les artistes en devenir est un devoir national, une assurance de solidarité spirituelle. Ce que nous faisons pour l »art, nous le faisons pour nous-mêmes, pour nos enfants et pour l »avenir. »
Les œuvres d »Hoffman font partie des collections permanentes de nombreux grands musées aux États-Unis et dans le monde, notamment : Le musée d »art de l »université de Californie à Berkeley, le Metropolitan Museum of Art, le Solomon R. Musée Guggenheim, Whitney Museum, Museum of Modern Art (New York), San Francisco Museum of Modern Art, Boston Museum of Fine Arts, Art Institute of Chicago, Seattle Art Museum, Baltimore Museum of Art, Houston Museum of Fine Arts, Cleveland Museum of Art, Philadelphia Museum of Art, Provincetown Art Association and Museum, Stadtische Galerie im Lenbachhaus (Munich), Museum of Modern Art (Barcelone), Tate Gallery et Art Gallery of Ontario (Toronto). G. Hoffmann a également conçu un projet public, une fresque colorée située à l »entrée de la Graduate School of Graphic Communication Arts, dans le quartier de Hell »s Kitchen à Manhattan.
Lors d »une vente aux enchères de Christie »s à New York en 2015, le tableau Auxerre (1960) de H. Hoffmann, inspiré par les vastes vitraux de la cathédrale Saint-Étienne en France, a atteint un record d »enchères mondial pour l »artiste de 6 325 000 dollars.
Lorsque H. Hoffmann est décédé le 17 février 1966, sa veuve, Renate Hoffmann, a administré ses biens. Après la mort de Renate en 1992, le New York Daily News a publié un article intitulé « From Caviar to Cat Food » détaillant la « triste et douloureuse histoire » de la veuve d »Hoffmann. L »article affirme que les tuteurs désignés par le tribunal ont « exploité les biens de Renata pendant plus de dix ans » et ont permis à Renata, mentalement instable, de vivre « avec ses chats et son alcool dans une maison en bord de mer jonchée de détritus ». Sous la menace de poursuites judiciaires, l »exécuteur testamentaire initial de G. Hoffman, Robert Warshaw, a obtenu que les tuteurs négligents versent 8,7 millions de dollars pour « douleur et souffrance extrêmes ».
Selon le testament de Renate Hoffmann, la Fondation Renate, Hans et Maria Hoffmann a été officiellement créée avec R. Warshaw à sa tête. La mission de la Fondation est de « promouvoir l »étude et la compréhension de la vie et de l »œuvre extraordinaires de Hans Hoffmann » et d »atteindre ces objectifs « par le biais d »expositions, de publications et d »événements et programmes éducatifs consacrés à Hans Hoffmann », ainsi que par la compilation d »un catalogue de H. Hoffmann. Le représentant des droits d »auteur aux États-Unis pour la Fondation Renate, Hans et Maria Hoffmann est la Society for the Rights of Artists.
Sources
