Henri Matisse

gigatos | novembre 15, 2021

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Résumé

Henri Matisse , nom complet : Henri Émile Benoît Matisse († 3 novembre 1954 à Cimiez, aujourd »hui arrondissement de Nice), est un peintre, graphiste, dessinateur et sculpteur français.

Avec Pablo Picasso, il est l »un des artistes les plus importants du modernisme classique. Aux côtés d »André Derain, il est considéré comme un pionnier et le principal représentant du fauvisme, qui propageait une rupture avec l »impressionnisme et représentait le premier mouvement artistique du XXe siècle.

L »œuvre de Matisse est portée par une utilisation extensive de la couleur et des lignes pleines de tension. Dans ses tableaux, la coloration, la composition ludique et la légèreté de ses thèmes picturaux sont le résultat de longues études.

Avec ses silhouettes (gouaches découpées) réalisées dans les années 1940 – le livre d »artiste Jazz en est un exemple – Matisse, gravement malade, a créé une œuvre tardive qui conclut ses efforts de réduction et qui, par sa couleur et son ornementation, est considérée comme le point culminant de sa carrière artistique. L »artiste considérait la chapelle du Rosaire à Vence, qu »il a planifiée et décorée et qui a été inaugurée en 1951, comme son chef-d »œuvre.

Ses innovations stylistiques ont influencé l »art moderne. Les expressionnistes abstraits des États-Unis, par exemple, ont fait référence à son travail à plusieurs reprises.

Enfance et éducation (1869-1898)

Henri Matisse, fils d »Émile Matisse et de son épouse Héloïse, née Gérard, est né dans la ferme de ses grands-parents au Cateau-Cambrésis. Ses parents tiennent une pharmacie et un magasin de graines à Bohain-en-Vermandois ; Matisse y grandit. En 1872, son frère Émile Auguste est né. Son père voulait que son fils aîné reprenne l »entreprise de ses parents. Henri décide cependant d »étudier le droit à Paris de 1882 à 1887 après avoir fréquenté le lycée humaniste Henri Martin de Saint-Quentin, ce qu »il fait pendant deux ans.

Lors d »un bref passage comme auxiliaire juridique à Saint-Quentin en 1889, Matisse prend des cours de dessin à l »École Quentin de la Cour le matin. En 1890, il commence à peindre après une appendicectomie, dont les conséquences l »ont confiné au lit pendant un an. Il abandonne sa carrière d »avocat en 1891, retourne à Paris et entre à l »Académie Julian, où enseigne, entre autres, le peintre de salon William Adolphe Bouguereau. Matisse veut se préparer au concours d »entrée à l »École des Beaux-Arts. Cependant, il n »a pas réussi.

Matisse fréquente également l »École des Arts décoratifs, où il rencontre Albert Marquet, avec qui il entretiendra une longue amitié. En 1895, après avoir réussi le concours d »entrée à l »École des Beaux-Arts, ils deviennent tous deux les élèves du peintre symboliste Gustave Moreau, dans la classe duquel ils avaient déjà été acceptés comme élèves invités en 1893. Matisse devient le père d »une fille, Marguerite († 1982), en 1894 ; sa mère est Camille (Caroline) Joblaud, une femme qu »il employait comme modèle et qui fut sa maîtresse.

Lors d »un séjour en Bretagne en 1896, Matisse se familiarise avec la palette de couleurs impressionnistes grâce à son compagnon de voyage, le peintre Émile Auguste Wéry (1868-1935), qui est son voisin parisien du quai Saint-Michel 19. À cette époque, il commence à copier des œuvres classiques du Louvre et expose pour la première fois cinq tableaux au Salon de la Société nationale des beaux-arts. En 1897 et 1898, il rend visite au peintre John Peter Russell à Belle-Île, une île au large des côtes bretonnes. Russell l »a initié au style de peinture impressionniste et lui a fait découvrir l »œuvre de Vincent van Gogh. Le style de peinture de Matisse change fondamentalement, et il déclarera plus tard : « Russell était mon professeur, et Russell m »a expliqué la théorie des couleurs ».

Mariage (1898)

Le 10 janvier 1898, Henri Matisse épouse Amélie Noellie Parayre. Sur les conseils de Camille Pissarro, il se rend ensuite à Londres pour étudier les œuvres de Turner. Parallèlement, il y passe son voyage de noces avec Amélie, que le couple, de retour brièvement à Paris, poursuit à partir du 9 février à Ajaccio en Corse. De ce mariage sont nés deux fils, Jean Gérard (1899-1976) et Pierre (1900-1989).

Marguerite est accueillie dans la famille ; Matisse aime beaucoup sa fille et en fait souvent des portraits. Elle a ensuite épousé le critique d »art et philosophe Georges Duthuit ; peu avant sa mort, elle a édité avec son fils Claude Duthuit le catalogue raisonné des estampes de son père.

À la mort de son professeur Gustave Moreau, Matisse quitte l »École des Beaux-Arts en 1899 en raison de divergences avec le successeur de Moreau, Fernand Cormon. Après avoir étudié à nouveau brièvement à l »Académie Julian, il suit les cours d »Eugène Carrière, qui était un ami du sculpteur Auguste Rodin. Matisse y a rencontré ses futurs compagnons André Derain et son ami Maurice de Vlaminck. Il peint avec Albert Marquet au Jardin du Luxembourg et suit des cours de sculpture le soir. La même année, il achète à Vollard le tableau Les trois baigneuses de Paul Cézanne. Malgré de graves problèmes financiers, il conserve l »œuvre, qui a eu une influence considérable sur sa pensée et son travail créatif, jusqu »en 1936, année où il en fait don au musée des Beaux-Arts du Petit Palais à Paris.

Années de crise (1900-1905)

Matisse suit des cours du soir à l »Académie Rodin en 1900 et travaille sous la direction du sculpteur Antoine Bourdelle, sans grand succès au départ. En raison d »un manque de revenus – l »entreprise modiste de sa femme ne générait pas suffisamment de revenus pour subvenir à ses besoins et les enfants devaient souvent être confiés à leurs grands-parents – il est tombé dans une grave crise financière et a commencé à travailler comme peintre décorateur. Avec Albert Marquet, Matisse a peint des guirlandes et des cadres pour le décor de l »Exposition universelle de 1900, qui s »est tenue au Grand Palais à Paris. Le travail était épuisant, il est donc retourné à Bohain épuisé pour récupérer. À cette époque, Matisse était si découragé qu »il pensait abandonner la peinture.

Une fois que Matisse a surmonté sa crise, il cherche des collectionneurs d »art et des opportunités d »exposition. En février 1902, il participe à une exposition commune de la galerie B. Weill, nouvellement fondée. En avril et en juin de la même année, Berthe Weill a été la première galerie à vendre des œuvres de l »artiste. Une première exposition personnelle de ses œuvres a eu lieu en 1904 chez le marchand d »art français Ambroise Vollard. Durant l »été de la même année, Matisse se rend à Saint-Tropez à l »instigation de Paul Signac et commence à peindre des tableaux dans le style du néo-impressionnisme.

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L »émergence du fauvisme (1905)

Matisse passe l »été 1905 avec André Derain et parfois avec Maurice de Vlaminck à Collioure, un village de pêcheurs sur la Méditerranée. Ce séjour est devenu un tournant important dans son travail. Ainsi, au cours de cette période, en collaboration avec Derain, s »est cristallisé un style qui est entré dans l »histoire de l »art sous le nom de fauvisme. Le mouvement a reçu son nom lorsque le petit groupe de peintres partageant les mêmes idées, composé de Matisse, André Derain et Maurice de Vlaminck, a montré ses tableaux pour la première fois lors d »une exposition au Salon d »automne de Paris à l »automne 1905, suscitant l »indignation du public et des critiques d »art.

Le critique Louis Vauxcelles a appelé les artistes « Fauves ». Son commentaire « Donatello chez les fauves » a été publié dans la revue Gil Blas le 17 octobre 1905 et est entré dans l »usage courant. L »objet de la critique était le tableau de Matisse, Femme au chapeau, aux couleurs vives. Leo Stein, un frère de Gertrude Stein, a acheté le tableau pour 500 francs. Ce « succès scandaleux » a fait grimper la valeur marchande de Matisse. Les Stein faisaient également partie de ses mécènes à l »avenir. Le groupe fauve se dissout à nouveau dès 1907.

Aujourd »hui, le Chemin du Fauvisme à Collioure commémore l »émergence du fauvisme dans cette ville : des reproductions des tableaux de Matisse et de Derain qui y ont été créés sont exposées sur un chemin circulaire en 19 points du village.

Rencontre avec Picasso (1906)

Le 20 mars 1906, Matisse expose sa nouvelle œuvre, Lebensfreude (Joie de vivre), au Salon des Indépendants (Paul Signac, vice-président des Indépendants, se joint aux critiques et n »apprécie pas le rejet de Matisse du post-impressionnisme, clairement exprimé par le tableau. Leo Stein, cependant, le considérait comme « le tableau le plus important de notre époque » et l »a acquis pour le salon qu »il tenait avec sa sœur Gertrude.

La même année, Matisse rencontre Pablo Picasso ; leur première rencontre a lieu dans le salon des Steins, où Matisse se rend régulièrement depuis un an. À partir de cette époque, Matisse et Picasso partagent une amitié fondée sur la rivalité créative et le respect mutuel. Les amies américaines de Gertrude Stein à Baltimore, Clarabel et Etta Cone, sont également devenues des mécènes et des collectionneurs de Matisse et de Picasso. La collection Cone est actuellement exposée au Baltimore Museum of Art.

Voyage en Algérie (1906)

En mai 1906, Matisse se rend en Algérie et visite l »oasis de Biskra. Il n »a pas peint pendant le voyage ; ce n »est qu »après son retour qu »il a créé le tableau Nu bleu (Mémoire de Biskra) et, après avoir terminé le tableau, une sculpture Nu couché I (Aurora), qui a une posture similaire. De ce voyage de deux semaines, il a ramené des objets du quotidien tels que des céramiques et des tissus, qu »il a souvent utilisés comme motifs pour ses peintures. Matisse a emprunté aux céramiques orientales la couleur pure, appliquée en aplat, la réduction du dessin à une ligne en forme d »arabesque et la disposition bidimensionnelle de l »espace pictural. Les tapis orientaux apparaissent dans ses tableaux comme chez aucun autre peintre moderniste. La nature morte Tapis d »Orient, qu »il a peinte après son retour, en est un exemple.

L »Académie Matisse (1908-1911)

À l »instigation et avec le soutien de ses admirateurs, Michael, Sarah, Gertrude et Leo Stein ainsi que Hans Purrmann, Marg et Oskar Moll et d »autres, il fonde une école de peinture privée, à laquelle il donne son nom : « Académie Matisse ». Il y a enseigné de janvier 1908 à 1911 et a fini par avoir 100 étudiants d »Allemagne et de l »étranger. M. Purrmann était responsable de l »organisation et de l »administration.

Au début, les cours avaient lieu dans les salles du Couvent des Oiseaux, rue de Sèvres. Depuis 1905, Matisse avait déjà loué une autre pièce dans ce couvent vide, en plus de son atelier d »origine sur le Quai St.-Michel. Après la décision de fonder l »académie privée, Stein a loué une autre pièce du Couvent pour les cours. Cependant, le complexe conventuel a dû être libéré après quelques semaines seulement. L »école déménage donc au Couvent de Sacré-Cœur sur le boulevard des Invalides à l »angle de la rue de Babylone.

Son caractère non commercial distinguait l »Académie Matisse des ateliers de maître comparables. Matisse attachait une grande importance à une éducation classique de base pour les jeunes artistes. Une fois par semaine, la visite d »un musée faisait partie du programme. Le travail à partir d »un modèle n »est venu qu »après l »effort de la copie. Pour l »époque, la proportion de femmes parmi les élèves était étonnamment élevée. Parmi les 18 élèves allemands, par exemple Friedrich Ahlers-Hestermann, Franz Nölken et Walter Alfred Rosam, il y avait huit femmes artistes, dont Mathilde Vollmoeller et Gretchen Wohlwill. Olga Markowa Meerson, née en Russie et ancienne condisciple de Wassily Kandinsky à Munich, était également l »une de ses élèves.

Matisse fait son premier voyage en Allemagne avec Hans Purrmann en 1908. C »est là qu »il fait connaissance avec le groupe d »artistes Brücke. Il est invité à rejoindre le groupe en tant que « Übervater de leur rébellion » – en vain. La même année, sa première exposition américaine a lieu à la galerie 291 d »Alfred Stieglitz. Son essai de théorie de l »art, Notes d »un Peintre, paraît dans la Grande Revue le 25 décembre 1908.

Déménagement à Issy-les-Moulineaux (1909)

Le mécène russe Sergei Shchukin avait pris connaissance de l »œuvre de Matisse et lui avait commandé deux grands tableaux : La danse et la musique. Les années de crise ont été surmontées et la situation financière consolidée permet à Matisse de quitter la résidence du Quai Saint-Michel à Paris en 1909 et de s »installer à Issy-les-Moulineaux, où il achète une maison et fait construire son atelier sur la propriété. Pendant longtemps, les membres de sa famille ont posé pour lui gratuitement et se sont pliés à ses souhaits avec compréhension. Ils étaient guidés par les besoins de l »artiste ; par exemple, les enfants devaient être silencieux pendant les repas afin de ne pas perturber la concentration de leur père.

Après avoir participé à l »exposition Manet et les post-impressionnistes à Londres, organisée par Roger Fry en 1910, les sculptures de Matisse sont exposées pour la première fois à la galerie 291 d »Alfred Stieglitz à New York en 1912. Un an plus tard, en 1913, certaines de ses peintures participent à l »importante exposition Armory Show, à New York, qui suscite toutefois des critiques acerbes de la part du public américain conservateur. Le trésorier de l »Armory Show, Walter Pach, a représenté l »œuvre de Matisse aux États-Unis de 1914 à 1926.

Vers 1912, certaines des compositions de Matisse sont considérées comme paracubistes par de nombreux critiques. Matisse et Picasso ont fréquemment échangé des idées au cours de ces années. Matisse a commenté : « Nous nous sommes beaucoup donné dans ces rencontres ». Au cours de ces conversations, Picasso a joué le rôle de l »advocatus diaboli, voulant constamment remettre en question un élément de la peinture de Matisse qui était en fait très présent dans son esprit.

Outre ses séjours à Séville (1910-1911) et à Tanger (1911-1912 et 1912-1913), et un voyage à Moscou (1911), Matisse séjourne à Berlin durant l »été 1914.

Années de guerre (1914-1918)

Au début de la Première Guerre mondiale, en août 1914, Matisse se trouve à Paris. Il s »inscrit au service militaire, mais sa demande est rejetée. Après la destruction de la maison familiale lors d »une attaque allemande, Matisse n »a plus de nouvelles de sa mère ni de son frère, qui, comme les autres hommes du village, avait été fait prisonnier de guerre par les forces militaires allemandes. Peu avant la bataille de la Marne, il quitte Paris et se rend avec Marquet à Collioure. Les horreurs de cette époque rapprochent à nouveau les fauves et les cubistes, jusqu »alors divisés par des conflits artistiques, et Juan Gris reste avec le professeur des enfants de Matisse. L »influence cubiste de ce dernier a renforcé le penchant de Matisse pour la simplification géométrique. Les fils Jean et Pierre ont dû faire leur service militaire à partir de l »été 1917.

A Nice (1916-1954)

Matisse séjourne à Menton sur la Côte d »Azur en 1916 sur avis médical, car il souffre d »une bronchite, et loue une chambre à l »Hôtel Beau-Rivage de Nice en 1916-1917. Cette ville allait devenir son domicile pour les années à venir. Après avoir vécu à l »Hôtel Méditerranée, il s »installe dans les années 1920 dans un appartement à deux étages, place Charles-Félix à Nice. De mai à septembre, il retourne régulièrement à Issy-les-Moulineaux pour travailler dans son atelier.

En 1918, l »exposition Matisse – Picasso a lieu à la Galerie Guillaume, ce qui prouve en quelque sorte le rôle prépondérant de ces peintres dans l »art contemporain. Matisse montre certaines de ses peintures à Renoir, à qui il rend souvent visite à cette époque ; il fréquente également Bonnard à Antibes.

En 1920, la première du ballet Le Chant du Rossignol de Djagilev a lieu à Paris, pour lequel Matisse a conçu les costumes et le décor. Il se consacre à nouveau au travail sur les sculptures, qu »il avait négligé les années précédentes. En 1927, son fils Pierre Matisse, devenu galeriste, lui organise une exposition dans sa galerie new-yorkaise ; la même année, il reçoit le prix de peinture de l »exposition internationale Carnegie de Pittsburgh.

Matisse entreprend de nombreux voyages de détente, par exemple à Étretat en 1921, en Italie en 1925 et à Tahiti via New York et San Francisco en 1930.

Lors de son voyage de retour en septembre 1930, il rend visite à son important collectionneur Albert C. Barnes à Merion (USA), qui lui demande une peinture murale sur le thème de la danse pour son musée privé. Des œuvres de Georges Seurat, Cézanne, Auguste Renoir y remplissaient déjà les murs. Matisse a accepté le défi et a pu achever l »œuvre en 1932. En 1933, son petit-fils Paul Matisse est né à New York.

Pour la tâche colossale de la fresque de Barnes, Matisse avait employé comme assistante la jeune émigrée russe de 22 ans, Lydia Delectorskaya (1910-1998), qui était également son assistante. Il a alors été confronté par sa femme Amélie à l »alternative suivante : « Moi ou elle ». Lydia Delectorskaya a été renvoyée, mais Amélie a exigé le divorce et l »a quitté après 31 ans de mariage. Matisse est tombé très malade et a réengagé Delectorskaya. Après un séjour à Paris au début de la Seconde Guerre mondiale, il retourne à Nice.

Dans les années qui suivent, il réalise des projets de tapisseries et d »illustrations de livres. Il a gravé des scènes de l »Odyssée pour illustrer l »ouvrage Ulysse de James Joyce. En novembre 1931, le Museum of Modern Art donne à Matisse l »occasion de sa première grande exposition individuelle américaine à New York. Précédées d »une grande exposition à la galerie Thannhauser de Berlin à la fin de l »été 1930, les années 1930 à 1931 ont ainsi permis à Matisse de mener à bien nombre de ses projets personnels et de consolider sa réputation internationale déjà grandissante. Octobre voit la publication du premier livre illustré par Matisse, l »édition Skira de la Poésie de Stéphane Mallarmé.

En 1937, Léonide Massine demande à Matisse de concevoir les décors et les costumes de Rouge et noir, un ballet sur une musique de Chostakovitch et une chorégraphie de Massine. Un an plus tard, il s »installe à Cimiez, dans l »ancien hôtel Régina, qui domine Nice.

En 1941, Matisse doit subir une grave opération intestinale à Lyon. Il est resté à l »hôpital pendant près de trois mois, puis dans un hôtel pendant deux mois pour une grippe. Il a souffert d »un cancer du duodénum et de deux embolies pulmonaires consécutives.

Il est retourné à Cimiez en mai. L »opération et la maladie qui s »en est suivie l »ont gravement affecté, de sorte qu »il n »a pu se tenir debout que pendant un temps limité. Pendant sa convalescence, il recommence à travailler, peignant et dessinant au lit, notamment les illustrations de l »édition Fabiani du Pasiphaé d »Henry de Montherlant et de l »édition Skira du Florilège des amours de Ronsard.

Dans son atelier situé au pied de la Montagne du Baou, dans la villa Le Rêve, à deux kilomètres de la place principale du village provençal de Vence, où il s »est installé après un raid aérien sur Cimiez en 1943, Matisse a commencé à travailler sur ses compositions découpées et collées pour son livre Jazz. En 1944, sa femme divorcée est arrêtée et sa fille Marguerite déportée pour participation à la Résistance et condamnée à six mois de prison. Le Rêve reste sa résidence jusqu »en 1948, date à laquelle il retourne à Nice à l »hôtel Régina.

Au début de l »été 1945, Matisse se rend à Paris, où 37 œuvres sont présentées dans une rétrospective au Salon d »Automne. La même année, il expose avec Picasso au Victoria and Albert Museum de Londres. En 1946, Matisse reçoit la première visite de Picasso et de sa compagne Françoise Gilot à Vence ; les deux artistes se rencontrent à plusieurs reprises jusqu »en 1954.

En 1947, Matisse a été élevé au rang de commandeur de la Légion d »honneur. La même année, il commence les esquisses d »une chapelle des sœurs dominicaines, la chapelle du Rosaire à Vence, qui va l »occuper presque exclusivement pendant les années suivantes. Ce projet est le fruit d »une étroite amitié entre Matisse et Sœur Jacques-Marie alias Monique Bourgeois. Il l »avait employée comme infirmière et modèle en 1941 ; en 1946, elle entra dans un couvent dominicain à Vence et reçut le nom de Jacques-Marie. Lorsqu »ils se sont revus, elle lui a demandé des conseils pour construire une chapelle pour le couvent. En décembre 1949, la première pierre de la chapelle a été posée, et le 25 juin 1951, elle a été consacrée par l »évêque de Nice. La même année, Matisse reçoit le premier prix de peinture à la Biennale de Venise.

À l »occasion de l »exposition de ses œuvres aux États-Unis en 1951, l »historien de l »art américain Alfred H. Barr a publié Matisse : his Art and his Public, qui reste à ce jour un ouvrage important sur l »artiste. En 1952, le Musée Henri Matisse a ouvert ses portes dans sa ville natale du Cateau-Cambrésis. Un an plus tard, des expositions de papiers découpés suivent à Paris et de ses sculptures à Londres. En 1954, il est élu membre honoraire de l »Académie américaine des arts et des lettres.

Matisse travaille dans les derniers jours de sa vie sur la Rose de Rockefeller, qui sera sa dernière œuvre, un vitrail pour l »Union Church de Pocantico Hills, commandé par la famille Nelson Rockefeller en mémoire d »Abby Aldrich Rockefeller. Outre les œuvres de Matisse, l »église contient également des vitraux de Marc Chagall.

Matisse meurt d »une crise cardiaque à Nice le 3 novembre 1954. Sa tombe – la pierre commémorative lui est dédiée ainsi qu »à son ancienne épouse – est située sur le point le plus élevé du cimetière de Cimiez ; c »est un don de la ville de Nice.

Le 5 janvier 1963, un autre musée, le musée Matisse, est fondé à Nice. L »artiste lui-même a fait don du tableau Nature morte à la grenade (1947), de quatre dessins des années 194142, de la silhouette La danseuse créole (1950) et de deux sérigraphies, Océanie – La mer et Océanie – Le ciel, toutes deux de 1947, avant la création du musée le 21 octobre 1953. D »autres dons des héritiers ont suivi entre 1960 et 1978.

La conception de l »image par Matisse

Dans l »univers pictural de Matisse, la couleur acquiert un caractère autonome par son utilisation bidimensionnelle, décorative et ornementale, en omettant ses aspects de conception spatiale. Ici, la couleur n »est ni subordonnée à la couleur locale ni à la description des structures de surface. Matisse l »utilise plutôt comme un moyen de reproduire les sensations de couleur déclenchées chez le peintre par l »impression du motif. En passant par le fauvisme, il a créé un monde pictural dans lequel on n »attache pas plus d »importance à l »objet qu »à l »espace intérieur, c »est-à-dire l »espace entre les objets. Aucune de ces formes n »est supérieure ou subordonnée à une autre dans la réalisation de l » »expression » en tant qu »élément de conception. Selon ce point de vue, l » »expression » ne peut être réalisée que par la disposition et la connexion des formes de couleur – couleur et forme ne font qu »un – entre elles. Dans cette optique, l »observation de la nature (objet) devient non seulement l »occasion de sensations colorées (sujet), mais elle est également élevée au rang de correcteur au sein du processus créatif dans leur interaction réciproque. En ce sens, Matisse se considère comme lié à la tradition. Ainsi, Matisse – comme Picasso – n »a jamais franchi le pas vers l »abstraction totale, car de cette manière, comme il le soulignait, l »abstraction n »était qu »imitée.

Une autre caractéristique de la composition picturale de Matisse est qu »il linéarise les objets. Les relations spatiales entre les objets passent à l »arrière-plan, sont dissoutes, mais sans que leurs références spatiales ne soient complètement niées. Ainsi, il a souligné qu »à travers l »égalité des formes – objet et espace intérieur – ainsi qu »à travers l »autonomie de la couleur, une linéarisation des éléments picturaux était nécessaire et vice versa.

Le besoin croissant d »originalité et d »individualité à cette époque, d »une part, et l »aversion pour ce que leurs adversaires considéraient comme les vues « dégénérées » des académies encore établies, d »autre part, ont conduit de nombreux peintres à vouloir prendre leur propre position. Ainsi, bien que Matisse ait trouvé en Cézanne la figure du spiritus rector, il n »avait pas l »intention de poursuivre l »œuvre de Cézanne.

Les premiers travaux jusqu »en 1900

Matisse a décidé tard dans sa vie de poursuivre une carrière artistique. Il a commencé à prendre des cours d »art alors qu »il avait 20 ans et était auxiliaire juridique à Saint-Quentin. Ses premières peintures correspondent au naturalisme bourgeois que l »école française avait adopté des Hollandais. Un tableau bien connu de cette période est La femme qui lit, de 1894, qui se trouve actuellement au Musée national d »art moderne de Paris. Dans ses thèmes picturaux, les femmes dominent son art depuis ses premières œuvres jusqu »à ses œuvres tardives des années 1950, représentées dans les différentes phases de Matisse. La Nature morte avec autoportrait, dans des couleurs brunes et vertes similaires, a suivi en 1895. Elle ressemble esthétiquement à la Nature morte de Cézanne, de vingt ans son aîné, mais sans sa sophistication. Les tableaux les plus connus de 1897 sont Le service de table et l »œuvre de bord de mer, Belle Île ; dans cette dernière, on trouve des approximations de la Tempête à Belle Île de Claude Monet de 1896, qui reflète les influences impressionnistes de Monet et de John Peter Russell en Bretagne.

L »œuvre principale de l »artiste peut être divisée en cinq périodes :

Période fauve (1900-1908)

En 1900, Matisse commence à peindre dans un style qui, rétrospectivement, a été appelé « proto-Fauve ». Il ne voulait pas voir ses formes dissoutes dans la lumière mais conçues comme un tout complet, et s »est donc éloigné de l »impressionnisme « orthodoxe ». C »est aux œuvres divisionnistes de Seurat, ainsi qu »à celles de Paul Cézanne, qu »il consacre son attention. Georges Seurat et les néo-impressionnistes ont créé leurs œuvres selon la doctrine théorique basée sur la théorie des couleurs d »Eugène Chevreul. Outre Seurat, ce sont Vincent van Gogh et Paul Gauguin qui ont exacerbé le sens de la couleur de Matisse, qui voulait dépasser l »imitation de la nature. La composition de figures de Matisse, Luxe, Silence et Désir (190405), par exemple, a été créée selon des règles divisionnistes. Un peu plus tard, il s »est rendu compte que la conception divisionniste de l »image n »était pas adaptée pour donner aux œuvres picturales une solidité et refléter les sensations colorées du peintre, il s »est donc détourné de la direction impressionniste, comme Cézanne l »avait fait des années avant lui.

Le résultat de son travail durant sa phase fauviste représentait une solution sous la forme d »un schéma de couleurs bidimensionnel qui s »opposait à la « fusion » des peintures impressionnistes. Citons par exemple Fenêtre ouverte à Collioure et Femme au chapeau, toutes deux datant de 1905, qui ont provoqué l »indignation lors de l »exposition du Salon et ont ainsi donné naissance au terme « fauvisme ». Dans son tableau La bande verte. Portrait de Madame Matisse, également de 1905, le vert est une constante. La bande au-dessus du visage, qui semble à première vue non naturelle, n »est pas placée arbitrairement, mais sert de frontière entre les zones d »ombre et de lumière. Matisse a montré que l »autonomie de la couleur, associée à son application bidimensionnelle, obligeait à linéariser les objets entre eux, leurs relations spatiales passant ainsi à l »arrière-plan. Les travaux des années suivantes représentent principalement des variations de cette idée fondamentale.

Selon ses propres dires, l »œuvre de sa vie a commencé avec le tableau La joie de vivre, qu »il a exposé au Salon des Indépendants en 1906, où il a suscité de vives critiques. Après son voyage en Algérie en 1906, il a peint Nu bleu (Mémoire de Biskra), les palmiers en arrière-plan reflétant le voyage. Le nu féminin pèse lourdement sur le sol et projette une ombre. La figure dominante et l »environnement plat reflètent le point de vue de Matisse : « C »est précisément la figure et non la nature morte ou le paysage qui m »intéresse le plus. C »est en elle que je peux le mieux exprimer, pourrait-on dire, le sentiment religieux envers la vie qui est toujours le mien. »

Période expérimentale (1908-1917)

La période expérimentale de Matisse, pendant laquelle il est très productif, se divise en deux phases : De 1908 à 1910, les formes organiques fluides et arabesques prédominent, tandis que la deuxième phase, de 1911 à 1917, marquée par l »engagement de Matisse dans le cubisme, est dominée par des formes géométriques. Matisse n »a jamais subordonné sa peinture à un style uniforme, mais il changeait fréquemment de position, passant de périodes décoratives à des périodes plus réalistes.

En 1909, le mécène russe Sergei Ivanovich Shchukin a commandé deux grandes œuvres, La Danse et La Musique, pour décorer l »escalier de sa résidence de Moscou. Deux versions de The Dance ont été créées dans des nuances de couleurs différentes. Matisse s »est inspiré de la Farandole, une danse ronde provençale. Les tableaux, composés chacun de cinq corps devant un fond fortement coloré, traduisent la joie de vivre ; le style décoratif s »associe à la figure humaine. Leur monumentalité découle de la simplification des moyens picturaux : peu de couleurs sont appliquées dans de grandes zones homogènes, le dessin devient une ligne pure qui forme les formes. La danse est l »une des œuvres les plus célèbres de Matisse. La simplification des formes détermine également le tableau Bouquet de fleurs et assiette en céramique (1911). Henri Matisse résume ses impressions sur les icônes russes ainsi que sur les objets en émail dans une interview pour le journal Utro Rossii (Утро России) le 27 octobre 1911 lors de son séjour à Moscou :

Pendant la Première Guerre mondiale, sa gamme de couleurs devient plus sombre, la réduction aux formes géométriques dans le style du cubisme atteint son apogée en 1914 avec le tableau Vue de Notre Dame et se poursuit jusqu »en 1918. La couleur noire a joué un rôle majeur pendant les années de guerre, un exemple étant la fenêtre de la porte de Collioure, 1914.

Période de Nice (1917-1929)

Matisse se consacre, entre autres, à peindre des odalisques dans diverses positions. Les portraits, les intérieurs baignés de lumière, les natures mortes, les paysages étaient également au centre de son intérêt pour la représentation. Ses œuvres présentent des caractéristiques plus naturalistes que jamais. En concrétisant son imagination, Matisse prouve ainsi qu »il croit en la peinture comme « source de joie inépuisable ».

L »amour de la couleur et du détail est évident dans le « fond ornemental » souvent extraordinaire. Le tableau Figure décorative devant un fond ornemental (192526) reprend notamment les attributs emblématiques de sa peinture : une femme, des fleurs et des tissus colorés en arrière-plan. C »est l »une des œuvres les plus importantes de la « période de Nice ». Son modèle à cette époque était Henriette Darricarrère. À Nice, il a décoré son atelier avec des longueurs de tissu, des tapis et des rideaux. Le tissu recouvert de fleurs apparaît dans d »autres œuvres, par exemple dans Two Odalisques (192728) et Odalisque with Armchair (1928).

Période de simplicité renouvelée (1929-1940)

La période de Nice a été suivie d »une période de simplicité renouvelée. Les aspirations artistiques de Matisse étaient axées sur l »harmonie entre le développement maximal de la couleur et une abstraction progressive de la forme figurative.

En 1929, il se rend aux États-Unis et est membre du jury de la 29e édition du Carnegie International. Un an plus tard, il se rend à Tahiti, à New York et à Baltimore, dans le Maryland, ainsi qu »à Merion en Pennsylvanie. Albert C. Barnes de Merion, un grand collectionneur d »art moderne qui possédait déjà la plus grande collection de Matisse en Amérique, a demandé à l »artiste de créer une grande peinture murale pour la galerie d »art de sa maison. Matisse choisit un thème de danse qui s »était déjà imposé à lui depuis sa phase fauviste. La peinture murale La danse existe en deux versions en raison d »une erreur dans les mesures ; elle a été installée en mai 1933 et est actuellement exposée à la Fondation Barnes. Dans sa simplicité, la composition représente des femmes dansant dans un mouvement extrêmement fort sur un fond abstrait, presque géométrique. Au cours des travaux préparatoires de la fresque, Matisse a utilisé un nouveau procédé en assemblant la composition à partir de morceaux de papier coloré découpés. À partir de 1940, les silhouettes deviennent le moyen d »expression privilégié de Matisse, une technique qu »il conservera jusqu »à la fin de sa vie.

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Délai de prescription à l »essentiel (1940-1954)

La réduction de la forme à l »abstraction a conduit Matisse à mettre l »accent sur l »élément dynamique. Vers 1943, en raison de sa grave maladie, les silhouettes deviennent un moyen d »expression principal dans l »œuvre de l »artiste ; vers 1948, Matisse cesse totalement de peindre. Il faisait peindre par des assistants des feuilles de papier avec de la gouache monochrome, dans lesquelles il découpait ses figures et ses formes libres (gouaches découpées). Matisse appelait cette technique « le dessin aux ciseaux ». Elle offrait la possibilité de combiner la ligne et la couleur et constituait donc la solution à son souci qu »il recherchait depuis longtemps. En dessin, il était capable de représenter une impression en quelques contours, mais sans couleur. En peinture, cette spontanéité manquait. Lorsque les ciseaux remplacent le pinceau et dessinent directement dans la peinture, l »opposition de la couleur et de la ligne est dépassée. Le résultat – la coupe – est plus net que la ligne dessinée, ce qui lui donne un caractère différent. En 1947, une séquence de silhouettes des années 1943 à 1944 a été publiée sous forme de livre d »artiste sous le titre Jazz, qui avait été reproduit en utilisant l »impression au pochoir. Le titre fait allusion à la spontanéité et à l »improvisation du style musical du jazz. Sur l »utilisation des lignes, Matisse a écrit dans ce livre :

S »y ajoutent des dessins pour des tapisseries comme Polynésie – Le ciel et Polynésie – La mer, 1946. La décoration d »une chapelle, la chapelle du Rosaire, (aussi appelée chapelle Matisse), à Vence, inaugurée en 1951, dont il avait également préparé les vitraux en silhouettes, montre le premier vitrail de l »artiste. Un autre exemple est la série Blue Nude de 1952 ; elle est exclusivement en bleu et blanc et a un effet sculptural dans son abstraction.

Matisse a créé des dessins, des études pour ses œuvres, en grand nombre. Son intérêt pour les œuvres graphiques a commencé vers 1900, lorsqu »il s »est lancé dans la gravure à titre d »essai. Le catalogue raisonné des estampes publié par sa fille Marguerite Duthuit et son petit-fils Claude Duthuit décrit quelque 800 œuvres, en se concentrant sur les quelque 300 gravures et 300 lithographies réalisées entre 1908 et 1948 et datant de 1906 à 1952. Il a également créé 62 œuvres à l »aquatinte, 68 monotypes, 70 linogravures et, au début de la période 190607, quatre gravures sur bois. Contrairement à Picasso, Matisse s »est abstenu d »expérimenter de nouveaux matériaux et techniques. En 1935, Matisse a réalisé 26 illustrations pleine page pour le roman Ulysse de James Joyce. Les illustrations sont basées sur des thèmes de l »Odyssée d »Homère.

Après le déclenchement de la Seconde Guerre mondiale, l »œuvre graphique de Matisse occupe un espace plus important, avec des illustrations pour Pasiphaé d »Henry de Montherlant (1944), Visages de Pierre Reverdy (1946), Lettres portugaises de Mariana Alcaforado (1946), Les Fleurs du Mal de Charles Baudelaire (1947), Le Florilège des Amours de Pierre de Ronsard (1948) et les Poèmes de Charles d »Orléans (en revanche, il a ajouté des illustrations en couleur à son célèbre livre d »artiste Jazz de 1947, dans lequel il a écrit ses réflexions sur l »art et la vie.

Plus de la moitié des sculptures de Matisse ont été créées entre 1900 et 1910, et il a souvent travaillé en série, simplifiant la forme au fil des ans. La première œuvre tridimensionnelle de 82, Jaguar dévorant un lièvre, a été créée pendant ses études de sculpture à partir de 1899 et témoigne non seulement de l »influence d »Auguste Rodin mais aussi d »Antoine-Louis Barye, un sculpteur français connu pour ses sculptures animalières. Matisse a modelé la sculpture Jaguar d »après la sculpture en bronze de Barye, Jaguar dévorant un lièvre, à laquelle il a travaillé de 1899 à 1901. Comme le tableau du même nom, la sculpture Le Serviteur a été créée en 1900 et achevée en 1903. L »Italien Bevilaqua, qui avait déjà servi de modèle à Rodin dans ses œuvres Jean-Baptiste (1878) et Homme qui marche (1900), lui sert de modèle. Matisse transposait souvent des motifs de ses sculptures en peintures ou vice versa. La taille de ses sculptures ne correspondait pas à la taille réelle, comme c »était le cas pour les sculpteurs traditionnels, mais elles étaient créées dans un format plus petit.

En 1907, il commence à travailler sur le Nu couché, qu »il a développé à partir du tableau Luxe, silence et désir (1904-1905). Le sujet devait l »occuper pendant 30 ans. La sculpture Deux négresses de 1908 se retrouve dans sa Nature morte de 1910, Bronze avec fruits. Le tableau de Cézanne, Les trois baigneuses, acquis en 1899, a servi de modèle à Matisse pour des œuvres qui représentent le corps de manière monumentale, comme la série de reliefs de nus couchés que Matisse a réalisée entre 1909 et 1929. La série Jeannette I – V de 1910 à 1913 s »inspire d »un tableau impressionniste antérieur ; la tête de Jeanette devient de plus en plus aliénée au fil des versions. Jeanette V est un précurseur de l »abstraction physique qui s »est répandue dans l »art à partir des années 1930. L »inspiration de l »art primitif ne se reflète pas dans ses peintures, comme c »est le cas pour Picasso, mais ses transformations restent limitées à cet égard à l »œuvre sculpturale.

Presque toutes ses sculptures ont été tirées à dix exemplaires, à une exception près : le Petit torse mince de 1929 n »existe qu »en trois exemplaires. Matisse a utilisé la technique du moulage au sable et à la cire perdue. La plupart de ses œuvres sculpturales ont été coulées plus tard, lorsqu »un plus grand nombre de collectionneurs s »y sont intéressés. Les Nus de dos I – IV, qui comptent parmi les sculptures les plus importantes de Matisse, n »ont été coulés qu »après la mort de Matisse, à l »instigation de ses héritiers. Dans les années 1990, les héritiers ont fait détruire la plupart des moules originaux pour éviter de nouvelles éditions.

Parmi les quatre plus grands peintres français de la première moitié du XXe siècle – Matisse, Picasso, Derain et Braque – Matisse est le premier théoricien. Son écrit de 1908, Notes d »un peintre, précède de beaucoup les déclarations publiées de Braque et de Picasso. Si la première interview de Braque (1908) est publiée en 1910, ses textes ne paraissent qu »en 1917. La première déclaration théorique de Picasso, Picasso parle, est publiée en mai 1923.

Dans les Notes d »un peintre, Matisse précise les principales préoccupations de son art : « expression » (« Ausdruck und Aussage »), traitement mental des formes naturelles, clarté et couleur. En outre, dans cet article, il confesse sa croyance en l »art comme expression de la personnalité. Pour lui, il n »est ni la représentation d »une « imagination » ni le médiateur d »idées littéraires, mais il le fonde sur la synthèse intuitive d »impressions de la nature. Dans cet écrit, un passage central, souvent cité, se lit comme suit :

Le deuxième texte théorique, Notes d »un peintre sur son dessin, paraît dans Le Point en 1939. Dans les années qui suivent 1930, il réalise de nombreux dessins au trait, exécutés au crayon ou à la plume ; les dessins à la plume, comme le définit Matisse, « ne sont nés qu »après des centaines de dessins, après des essais, des intuitions, des définitions de forme ; puis je les dessinais les yeux fermés. »

Témoignages de contemporains

L »impressionniste Auguste Renoir, qui était beaucoup plus âgé, a fait une remarque à Henri Matisse vers la fin de la Première Guerre mondiale, lorsque ce dernier lui a rendu visite dans le sud de la France :

En 1905, le peintre Paul Signac, de six ans son aîné, achète le tableau de Matisse Luxe, silence et volupté, qui est exposé au Salon des Indépendants. Un an plus tard, le néo-impressionniste se moque de l »œuvre de Matisse, La joie de vivre, exposée au Salon :

Gertrude Stein, mécène de Matisse, a décrit son tableau de 1907, Nu bleu (Mémoire de Biskra), et son intention comme suit :

L »étudiant et ami de Matisse, le peintre allemand Hans Purrmann, organise une exposition à Berlin en 1908 dans la galerie de Paul Cassirer. L »exposition a suscité des critiques. Lors d »une réunion commune avec Max Liebermann à la galerie, ce dernier craint « la ruine de la jeunesse » à la vue des tableaux et préfère s »occuper de son teckel. « Peinture de pain d »épice » et « papier peint » sont les mots d »ordre de l »époque à propos de la peinture de Matisse. Quelques années avant la mort de Matisse, Purrmann a commenté les circonstances de la fin de sa vie :

Picasso a très souvent exprimé son appréciation de Matisse. Parmi les nombreuses expressions de Picasso, celle qui suit indique toutefois le plus clairement à quel point Picasso a reconnu l »œuvre de Matisse :

Relation avec Picasso

Matisse était le seul artiste contemporain que Picasso considérait comme son égal. Aucun autre artiste contemporain n »avait autant compté pour lui que Matisse, malgré leurs orientations artistiques opposées. Leurs rencontres ont donné lieu à des échanges animés. « Nous devons nous parler autant que possible », disait Matisse à Picasso à la fin des années 1940, ajoutant : « Quand l »un de nous mourra, il y aura des choses dont l »autre ne pourra parler avec personne d »autre. »

Picasso, qui proférait aussi parfois des insultes cruelles, n »a jamais permis à quiconque de critiquer Matisse. De nombreuses preuves en attestent, et l »un des meilleurs des nombreux témoignages est celui de Christian Zervos. Matisse et Picasso ont passé un après-midi à la Coupole avec plusieurs autres personnes. Matisse a quitté le groupe pendant un moment. Lorsque quelqu »un lui a demandé où il était parti, Picasso a répondu qu »il était assis en toute sécurité sur sa couronne de laurier. La plupart des personnes présentes, cherchant l »approbation de Picasso, ont commencé à attaquer Matisse. Picasso s »est mis en colère et a crié : « Je ne tolérerai pas que vous disiez quoi que ce soit contre Matisse, il est notre plus grand peintre.

Ils se sont ainsi rendus hommage l »un à l »autre. Picasso a commenté : « Au fond, il n »y a que Matisse. » « Seul Picasso peut s »en tirer avec n »importe quoi. Il peut tout embrouiller. Défigurer, mutiler, démembrer. Il est toujours, il reste toujours dans le droit », disait Matisse. « Rien que pour cela, par exemple, Matisse est Matisse : parce qu »il a le soleil dans le corps », disait Picasso.

La relation artistique respectueuse entre ces deux artistes phares du XXe siècle, marquée par une rivalité créative, est mise en lumière de manière détaillée par Françoise Gilot dans son livre Matisse et Picasso – Une amitié d »artistes.

Leurs oppositions se sont révélées dans les questions fondamentales sur le caractère de l »image et la signification de l »art. Picasso voulait la dissonance, Matisse l »image harmonieuse. Leurs oppositions apparaissent clairement dans les citations suivantes : « La peinture n »est pas là pour décorer les appartements. C »est une arme d »attaque et de défense », a déclaré Picasso dans une interview parue en 1945 dans Lettres Françaises. « Un tableau au mur doit être comme un bouquet de fleurs dans la pièce », commente Matisse quelques mois plus tard dans le même magazine.

En revanche, l »œuvre de Cézanne est l »élément qui relie les deux. Picasso, comme Matisse, avait étudié ses peintures et a dit plus tard au photographe Brassaï : « Cézanne ! Il était le père de nous tous ! » Matisse a étudié les lettres de Cézanne, entre autres, et il a en commun avec lui l »instinct exploratoire qui s »efforce de produire une image entièrement « réalisée » (à ce sujet, voir → réalisation chez Cézanne). Cette recherche, qui traverse les écrits de Matisse comme un fil rouge, est très prononcée dans l »œuvre de Cézanne.

La résistance de Matisse à la peinture abstraite

Avec une véhémence inébranlable, Matisse condamne la peinture abstraite dans une conversation avec Marie Raymond en 1953. « Des termes comme non-représentatif ou abstrait ne sont rien d »autre qu »un bouclier pour cacher une déficience ». Et d »ajouter : « Ecris-le exactement comme je te le dis : Matisse est contre l »art abstrait. Picasso pense exactement comme moi : tous ceux qui ont créé une œuvre pensent comme moi ».

Lorsque Marie Raymond lui demande si ses dernières œuvres ne montrent pas une certaine approche des expériences des abstraits, Matisse répond que l »art a toujours été abstrait et que s »il était plus jeune, il lancerait une campagne contre l »art abstrait.

Ailleurs, pour justifier son rejet de la peinture abstraite, il a souligné que celle-ci ne faisait qu »imiter l »abstraction.

Influence sur l »expressionnisme abstrait aux États-Unis

Après avoir vu l »Atelier rouge (Das rote Atelier, 1911) de Matisse au Musée d »art moderne de New York à la fin des années 1940, Mark Rothko, représentant de l »expressionnisme abstrait, a été très impressionné par l »œuvre de l »artiste français, qui a eu une influence majeure sur la sienne. Comme Rothko l »a raconté un jour, il a passé « des heures et des heures » assis devant le tableau. En 1954, l »année de la mort de Matisse, Rothko a peint Hommage à Matisse ; cette œuvre a été vendue aux enchères pour plus de 22 millions de dollars en novembre 2005.

Les peintres américains de l »expressionnisme abstrait, tels que Robert Motherwell, Sam Francis et Frank Stella, ainsi que le coloriste Ellsworth Kelly, ont également été influencés par l »œuvre de Matisse.

Matisse et ses modèles

Il existe de nombreux préjugés sur la vie et l »œuvre de Matisse – par exemple, qu »il avait des liaisons avec ses modèles féminins. Hilary Spurling, la biographe britannique de Matisse, a relégué cette hypothèse dans le domaine de la légende. Elle écrit qu »une image différente se dégage des lettres, des entrées de journal et des rapports de ses compagnons : « Ils ont tous décrit un système d »austérité et de discipline monacale, et tous ont été poussés aux limites du supportable par la norme inhumaine d »auto-mortification de Matisse ». Spurling a eu des conversations approfondies avec tous les modèles qui sont encore en vie.

Films sur Matisse

L »écrivain Louis Aragon a rencontré Henri Matisse au cours de l »hiver 1941, lorsqu »il s »est enfui avec Elsa Triolet de la partie occupée de la France vers Nice pour poursuivre leur travail commun dans la Résistance. Une profonde amitié s »est développée, dont est issu le livre d »Aragon sur Matisse, Henri Matisse, roman, qui n »a pu être achevé que peu après la mort d »Elsa en 1971. L »œuvre d »Aragon, qui mêle autobiographie, critique d »art, essais et poèmes, a servi de modèle au cinéaste Richard Dindo, qui avait déjà réalisé des documentaires sur Max Frisch et Arthur Rimbaud, entre autres. Dans le film en couleur de 52 minutes intitulé Aragon, le roman de Matisse, Dindo décrit le retour sur les lieux où Matisse avait vécu. Un montage réussi condense les images et les sons en une lecture cinématographique de tableaux, de livres et de lieux authentiques. Production : Lea Produktion, Zurich 2003, réalisé par Richard Dindo.

Des films ont également été réalisés, qui sont disponibles sous forme de films vidéo et ont été diffusés par diverses chaînes de télévision : Gero von Boehm a filmé Henri Matisse – les années à Nice, enregistrement télévisé : ARD, 4 octobre 1988. Matisse – Picasso, une amitié improbable de Philippe Kohly de 2002 est un film reportage français, enregistrement télévisé : 3sat, 20 juillet 2003. Henri Matisse – eine filmische Reise, (OT : Henri Matisse – un voyage en peinture), un portrait filmé, a été monté par Heinz Peter Schwerfel, AllemagneFrance 2005, enregistrement télévisé : Arte, 10 décembre 2005.

Le téléfilm d »une demi-heure intitulé Matisse & Picasso : A Gentle Rivalry a été réalisé en 2001 ; il traite des portraits des deux « géants » de l »art du XXe siècle. Elle présente, entre autres, des photographies rarement publiées de leurs peintures et sculptures ainsi que des photos et des films d »archives des deux artistes les montrant au travail. Geneviève Bujold est la voix de Françoise Gilot, Robert Clary est Matisse et Miguel Ferrer est Picasso. Cette production, qui a remporté un Emmy national, est réalisée par KERA-DallasFort WorthDenton en association avec le Kimbell Art Museum, Fort Worth, Texas.

Matisse sur le marché de l »art

Les œuvres de Matisse atteignent souvent des prix élevés aux enchères. Parmi les exemples de ces dernières années, citons le tableau L »Espagnole (1922), vendu aux enchères pour 10,121 millions de dollars chez Sotheby »s à New York en 2007, et le tableau Les coucous, tapis bleu et rose (1911), qui a atteint le prix record pour un tableau de Matisse lors de la vente aux enchères de la collection d »art du couturier Yves Saint Laurent par Christie »s à Paris en février 2009. Le marteau est tombé à 35 905 000 euros. Toutefois, contrairement aux œuvres de Picasso, celles-ci ne figurent pas parmi les douze tableaux les plus chers du monde actuellement. Son relief en bronze, Nu de dos 4 état, vendu aux enchères chez Christie »s le 3 novembre 2010, a établi le record pour une œuvre de Matisse (en dollars) : la Gagosian Gallery, à New York, l »a acheté pour plus de 48 millions de dollars (l »équivalent d »un peu plus de 43 millions d »euros).

Portrait de femme découvert à la découverte de l »art de Schwabing

Lors d »une conférence de presse sur le Schwabing Art Find du 5 novembre 2013, a été montré un portrait de femme assise attribué à Matisse, réalisé vers 1924, qui avait été confisqué en 1942 par l »Einsatzstab Reichsleiter Rosenberg dans le coffre-fort bancaire du marchand d »art Paul Rosenberg à Libourne. La trouvaille de Schwabing est la découverte de 1280 œuvres d »art dans l »appartement munichois de Cornelius Gurlitt le 28 février 2012. Outre le portrait de Matisse, les œuvres qui y ont été trouvées, dont certaines sont inconnues, comprennent des œuvres de Marc Chagall, Otto Dix, Max Liebermann, Franz Marc et Pablo Picasso.

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Matisse dans la vie quotidienne et la science

Les œuvres de l »artiste sont si populaires dans le présent que de nombreuses affiches avec des images de ses œuvres sont proposées ainsi que des puzzles, par exemple le puzzle de 1000 pièces avec l »œuvre La Danse. Le constructeur automobile Citroën ne produit pas seulement une voiture portant le nom de son ami et antipode Picasso, mais aussi, depuis 2006, la C Matisse. Le nom de Matisse est également présent sur la scène musicale : En 1999, un groupe de rock alternatif grec à Athènes s »est appelé Matisse, et il existe un pub musical du même nom à Troisdorf. En 1993, une rose a été cultivée qui a reçu son nom.

Sur la planète Mercure, les cratères portent le nom de personnalités connues décédées, par exemple des artistes, des peintres, des écrivains et des musiciens. Le cratère Matisse a été nommé d »après Henri Matisse en 1976 ; il a un diamètre moyen d »environ 190 kilomètres et est situé dans l »hémisphère sud de Mercure. Le 2 avril 1999, un astéroïde de la ceinture principale intérieure découvert en 1973 a été baptisé du nom de Matisse : (8240) Matisse.

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