Henry Moore

gigatos | mars 25, 2022

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Résumé

Henry Spencer Moore OM CH FBA (30 juillet 1898 – 31 août 1986) était un artiste anglais. Il est surtout connu pour ses sculptures monumentales en bronze semi-abstraites qui sont situées dans le monde entier en tant qu »œuvres d »art publiques. Outre la sculpture, Moore a produit de nombreux dessins, dont une série représentant des Londoniens s »abritant du Blitz pendant la Seconde Guerre mondiale, ainsi que d »autres œuvres graphiques sur papier.

Ses formes sont généralement des abstractions de la figure humaine, représentant typiquement la mère et l »enfant ou des figures allongées. Les œuvres de Moore sont généralement suggestives du corps féminin, à l »exception d »une phase dans les années 1950 où il sculpte des groupes familiaux. Ses formes sont généralement percées ou contiennent des espaces creux. De nombreux interprètes comparent la forme ondulée de ses figures allongées au paysage et aux collines de son Yorkshire natal.

Moore s »est fait connaître par ses sculptures en marbre et ses sculptures abstraites de grande envergure en bronze coulé, et a contribué à l »introduction d »une forme particulière de modernisme au Royaume-Uni. Plus tard, sa capacité à honorer des commandes de grande envergure l »a rendu exceptionnellement riche. Malgré cela, il vivait frugalement ; la plupart de l »argent qu »il gagnait a servi à créer la Fondation Henry Moore, qui continue de soutenir l »éducation et la promotion des arts.

Début de la vie

Moore est né à Castleford, West Riding of Yorkshire, Angleterre, de Mary (née Baker) et Raymond Spencer Moore. Son père, d »origine irlandaise, devient adjoint au mineur, puis sous-directeur de la mine Wheldale à Castleford. Il est autodidacte et s »intéresse à la musique et à la littérature. Déterminé à ce que ses fils ne travaillent pas dans les mines, il voit dans l »éducation formelle la voie de leur promotion. Henry est le septième des huit enfants d »une famille qui lutte souvent contre la pauvreté. Il a fréquenté les écoles maternelles et élémentaires de Castleford, où il a commencé à modeler l »argile et à sculpter le bois. Il a déclaré avoir décidé de devenir sculpteur à l »âge de onze ans après avoir entendu parler des réalisations de Michel-Ange lors d »une lecture à l »école du dimanche.

À sa deuxième tentative, il est accepté à l »école secondaire de Castleford, que plusieurs de ses frères et sœurs avaient fréquentée, où son directeur remarque rapidement son talent et son intérêt pour la sculpture médiévale. Son professeur d »art, Alice Gostick, élargit sa connaissance de l »art et, grâce à ses encouragements, il décide de faire de l »art sa carrière, d »abord en passant les examens pour obtenir une bourse d »études à l »école d »art locale. Les premières sculptures enregistrées de Moore – une plaque pour la Scott Society de l »école secondaire de Castleford et un tableau d »honneur commémorant les garçons de l »école partis combattre pendant la Première Guerre mondiale – ont été réalisées à cette époque.

Malgré ses premières promesses, les parents de Moore s »étaient opposés à ce qu »il suive une formation de sculpteur, une vocation qu »ils considéraient comme un travail manuel offrant peu de perspectives de carrière. Après une brève introduction en tant qu »élève-professeur, Moore devient professeur dans l »école qu »il avait fréquentée. À dix-huit ans, Moore se porte volontaire pour servir dans l »armée pendant la Première Guerre mondiale. Il est le plus jeune homme du régiment des Prince of Wales » Own Civil Service Rifles et est blessé en 1917 lors d »une attaque au gaz, le 30 novembre au bois de Bourlon. Après s »être rétabli à l »hôpital, il passe le reste de la guerre comme instructeur d »entraînement physique, ne rentrant en France qu »au moment de la signature de l »Armistice. Il se souviendra plus tard que « pour moi, la guerre s »est déroulée dans une brume romantique où j »essayais d »être un héros ». Cette attitude a changé lorsqu »il a réfléchi au caractère destructeur de la guerre et en 1940, il a écrit, dans une lettre à son ami Arthur Sale, qu » »un an ou deux après, la vue d »un uniforme kaki a commencé à signifier tout ce qui, dans la vie, était mauvais, gaspilleur et anti-vie. Et j »ai toujours ce sentiment ».

Débuts en tant que sculpteur

Après la guerre, Moore reçoit une bourse d »ancien militaire pour poursuivre ses études et en 1919, il devient étudiant à la Leeds School of Art (aujourd »hui Leeds Arts University), qui a créé un atelier de sculpture spécialement pour lui. À l »école, il rencontre Barbara Hepworth, une camarade d »étude qui deviendra elle aussi un sculpteur britannique réputé, et commence une amitié et une légère rivalité professionnelle qui durera de nombreuses années. À Leeds, Moore a également accès aux œuvres modernistes de la collection de Sir Michael Sadler, le vice-chancelier de l »université, ce qui a un effet prononcé sur son développement. En 1921, Moore obtient une bourse pour étudier au Royal College of Art de Londres, avec Hepworth et d »autres contemporains du Yorkshire. Pendant son séjour à Londres, Moore approfondit sa connaissance de l »art et de la sculpture primitifs en étudiant les collections ethnographiques du British Museum.

Les sculptures d »étudiant de Moore et Hepworth suivaient le style victorien romantique standard, et comprenaient des formes naturelles, des paysages et des modelages figuratifs d »animaux. Plus tard, Moore s »est senti mal à l »aise avec les idéaux dérivés du classicisme ; sa familiarité avec le primitivisme et l »influence de sculpteurs tels que Constantin Brâncuși, Jacob Epstein, Henri Gaudier-Brzeska et Frank Dobson l »ont conduit à la méthode de la sculpture directe, dans laquelle les imperfections du matériau et les marques laissées par les outils font partie de la sculpture finie. Ayant adopté cette technique, Moore est en conflit avec ses tuteurs académiques qui n »apprécient pas une approche aussi moderne. Lors d »un exercice fixé par Derwent Wood (professeur de sculpture au Royal College), on demande à Moore de reproduire un relief en marbre de La Vierge à l »Enfant de Domenico Rosselli en modelant d »abord le relief en plâtre, puis en le reproduisant dans le marbre à l »aide d »une aide mécanique connue sous le nom de « machine à pointer », une technique appelée « pointage ». Au lieu de cela, il a sculpté directement le relief, marquant même la surface pour simuler les marques de piqûre qu »aurait laissées la machine à pointer.

En 1924, Moore obtient une bourse de voyage de six mois qu »il passe en Italie du Nord à étudier les grandes œuvres de Michel-Ange, Giotto di Bondone, Giovanni Pisano et plusieurs autres maîtres anciens. Au cours de cette période, il visite également Paris, profite des cours de croquis chronométrés de l »Académie Colarossi et voit, au Trocadéro, un moulage en plâtre d »une forme sculpturale Toltèque-Maya, la Chac Mool, qu »il avait déjà vue dans des illustrations de livres. Cette figure allongée aura une profonde influence sur l »œuvre de Moore et deviendra le motif principal de sa sculpture.

Hampstead

De retour à Londres, Moore accepte un poste d »enseignant au Royal College of Art pendant sept ans. Il est tenu de travailler deux jours par semaine, ce qui lui laisse du temps à consacrer à ses propres œuvres. Sa première commande publique, West Wind (1928-29), est l »un des huit reliefs des « quatre vents » qui ornent les murs du siège du métro de Londres, au 55 Broadway. Les autres « vents » ont été sculptés par des sculpteurs contemporains, dont Eric Gill, tandis que les pièces au sol ont été fournies par Epstein. 1928 est l »année de la première exposition personnelle de Moore, organisée à la Warren Gallery de Londres. Le 19 juillet 1929, Moore épouse Irina Radetsky, étudiante en peinture au Royal College. Irina est née à Kiev en 1907. Son père est tué pendant la révolution russe et sa mère est évacuée à Paris où elle épouse un officier de l »armée britannique. Irina est passée clandestinement à Paris un an plus tard et y est allée à l »école jusqu »à l »âge de 16 ans, après quoi elle a été envoyée vivre chez des parents de son beau-père dans le Buckinghamshire.

Irina trouve la sécurité dans son mariage avec Moore et ne tarde pas à poser pour lui. Peu après leur mariage, le couple s »installe dans un studio à Hampstead, au 11a Parkhill Road NW3, rejoignant une petite colonie d »artistes d »avant-garde qui s »y installent. Peu de temps après, Hepworth et son second mari Ben Nicholson s »installent dans un studio au coin de la rue de Moore, tandis que Naum Gabo, Roland Penrose, Cecil Stephenson et le critique d »art Herbert Read vivent également dans le quartier (Read qualifie le quartier de « nid de gentils artistes »). Le quartier était également un point d »arrêt pour de nombreux artistes, architectes et designers réfugiés d »Europe continentale en route pour l »Amérique.

En 1932, après avoir enseigné pendant six ans au Royal College, Moore prend la tête du département de sculpture de la Chelsea School of Art. Sur le plan artistique, Moore, Hepworth et les autres membres de la Seven and Five Society développent des œuvres de plus en plus abstraites, en partie influencées par leurs fréquents voyages à Paris et leurs contacts avec les principaux artistes progressistes, notamment Pablo Picasso, Georges Braque, Jean Arp et Alberto Giacometti. Moore flirte avec le surréalisme et rejoint le mouvement d »art moderne « Unit One » de Paul Nash en 1933. En 1934, Moore se rend en Espagne ; il visite la grotte d »Altamira (qu »il décrit comme l » »Académie royale de peinture rupestre »), Madrid, Tolède et Pampelune.

En 1936, Moore rejoint un groupe d »artistes surréalistes fondé par Roland Penrose et, la même année, il est trésorier honoraire du comité d »organisation de l »exposition internationale surréaliste de Londres. En 1937, Roland Penrose achète à Moore une « Mère et enfant » abstraite en pierre qu »il expose dans le jardin de sa maison à Hampstead. L »œuvre est controversée par les autres résidents et la presse locale mène une campagne contre l »œuvre pendant les deux années suivantes. À cette époque, Moore passe progressivement de la sculpture directe au moulage en bronze, modelant des maquettes préliminaires en argile ou en plâtre plutôt que de réaliser des dessins préparatoires.

En 1938, Moore rencontre Kenneth Clark pour la première fois. À partir de ce moment, Clark devient un champion improbable mais influent de l »œuvre de Moore, et grâce à sa position de membre du Conseil des arts de Grande-Bretagne, il obtient des expositions et des commandes pour l »artiste.

Seconde Guerre mondiale

Au début de la Seconde Guerre mondiale, la Chelsea School of Art est évacuée à Northampton et Moore démissionne de son poste d »enseignant. Pendant la guerre, Moore réalise de puissants dessins de Londoniens dormant dans le métro de Londres pour se protéger du Blitz. Kenneth Clark, le président du War Artists » Advisory Committee (WAAC), avait déjà essayé de recruter Moore comme artiste de guerre salarié à plein temps ; il accepte maintenant d »acheter certains des dessins d »abris et passe des contrats pour d »autres exemples. Les dessins d »abris acquis par le WAAC ont été réalisés entre l »automne 1940 et le printemps 1941 et sont considérés comme l »un des meilleurs produits du programme du WAAC. En août 1941, le WAAC a demandé à Moore de dessiner des mineurs travaillant sous terre à la Wheldale Colliery dans le Yorkshire, où son père avait travaillé au début du siècle. Moore dessine les gens dans les abris comme attendant passivement le feu vert tandis que les mineurs travaillent agressivement sur les fronts de taille. Ces dessins ont contribué à la réputation internationale de Moore, notamment en Amérique où des exemples ont été inclus dans l »exposition WAAC Britain at War qui a fait le tour de l »Amérique du Nord pendant la guerre.

Après que leur maison de Hampstead ait été touchée par des éclats d »obus en septembre 1940, Moore et Irina quittent Londres pour s »installer dans une ferme appelée Hoglands, dans le hameau de Perry Green, près de Much Hadham, dans le Hertfordshire. Ce lieu deviendra la maison et l »atelier de Moore pour le reste de sa vie. Bien qu »il ait acquis une grande richesse plus tard dans sa vie, Moore n »a jamais ressenti le besoin de déménager dans des locaux plus grands et, à part l »ajout d »un certain nombre de dépendances et d »ateliers, la maison a peu changé au fil des ans. En 1943, il reçoit une commande de l »église St Matthew de Northampton pour sculpter une Vierge à l »Enfant, première d »une importante série de sculptures de groupes familiaux.

Les années suivantes

Après la guerre et après plusieurs fausses couches, Irina donne naissance à leur fille, Mary Moore, en mars 1946. L »enfant porte le nom de la mère de Moore, décédée deux ans plus tôt. La perte de sa mère et l »arrivée d »un bébé focalisent l »esprit de Moore sur la famille, ce qu »il exprime dans son œuvre en réalisant de nombreuses compositions » mère et enfant « , bien que couchées et internes.

Avant la guerre, Moore avait été contacté par l »éducateur Henry Morris, qui tentait de réformer l »enseignement avec son concept de Village College. Morris avait engagé Walter Gropius comme architecte pour son deuxième collège de village à Impington, près de Cambridge, et il voulait que Moore conçoive une grande sculpture publique pour le site. Cependant, le County Council n »a pas les moyens de financer l »ensemble du projet de Gropius, et le projet est réduit lorsque Gropius émigre en Amérique. Faute de fonds, Morris a dû annuler la sculpture de Moore, qui n »avait pas dépassé le stade de la maquette. Moore a pu réutiliser le projet en 1950 pour une commande similaire à l »extérieur d »une école secondaire de la nouvelle ville de Stevenage. Cette fois, le projet est achevé et Family Group devient le premier bronze public à grande échelle de Moore.

Dans les années 1950, Moore commence à recevoir des commandes de plus en plus importantes. Il expose Reclining Figure : Festival au Festival of Britain en 1951, et en 1958, il réalise une grande figure couchée en marbre pour le bâtiment de l »UNESCO à Paris. Avec l »augmentation du nombre d »œuvres d »art publiques, l »échelle des sculptures de Moore augmente considérablement et il commence à employer un nombre croissant d »assistants pour travailler avec lui à Much Hadham, dont Anthony Caro.

Sur le campus de l »Université de Chicago, en décembre 1967, 25 ans jour pour jour après que l »équipe de physiciens dirigée par Enrico Fermi ait réalisé la première réaction nucléaire en chaîne contrôlée et auto-entretenue, l »énergie nucléaire de Moore a été dévoilée sur le site de ce qui était autrefois les tribunes du terrain de football de l »université, dans le court de raquettes sous lequel les expériences avaient eu lieu. Cette œuvre de 12 pieds de haut, placée au milieu d »une grande place ouverte, est souvent considérée comme représentant un champignon atomique surmonté d »un crâne humain massif, mais l »interprétation de Moore était très différente. Il a confié un jour à un ami qu »il espérait que les spectateurs « en feraient le tour, en regardant à travers les espaces ouverts, et qu »ils auraient l »impression d »être dans une cathédrale ». À Chicago, dans l »Illinois, Moore a également commémoré la science avec un grand cadran solaire en bronze, nommé localement Man Enters the Cosmos (1980), qui avait été commandé pour reconnaître le programme d »exploration spatiale.

Les trois dernières décennies de la vie de Moore se sont poursuivies dans la même veine ; plusieurs rétrospectives importantes ont eu lieu dans le monde entier, notamment une exposition très remarquée au cours de l »été 1972 dans le parc du Forte di Belvedere, qui surplombe Florence. Après le documentaire pionnier « Henry Moore », produit par John Read en 1951, il apparaît dans de nombreux films. En 1964, par exemple, Moore est présenté dans le documentaire « 5 British Sculptors (Work and Talk) » du cinéaste américain Warren Forma. À la fin des années 1970, une quarantaine d »expositions par an sont consacrées à ses œuvres. Le nombre de commandes continue d »augmenter ; il réalise Knife Edge Two Piece en 1962 pour College Green, près des Chambres du Parlement à Londres. Selon Moore, « Lorsqu »on m »a proposé le site près de la Chambre des Lords … j »ai tellement aimé l »endroit que j »ai décidé d »y aller. j »ai tellement aimé l »endroit que je n »ai pas pris la peine d »aller voir un autre site à Hyde Park – une sculpture solitaire peut se perdre dans un grand parc. Le site de la Chambre des Lords est très différent. Il se trouve à côté d »un chemin où les gens se promènent et il y a quelques sièges où ils peuvent s »asseoir et la contempler. »

Alors que sa fortune s »accroît, Moore commence à s »inquiéter de son héritage. Avec l »aide de sa fille Mary, il crée le Henry Moore Trust en 1972, dans le but de protéger sa succession des droits de succession. En 1977, il paie près d »un million de livres par an d »impôt sur le revenu ; pour alléger sa charge fiscale, il crée la Fondation Henry Moore en tant qu »organisme de bienfaisance enregistré, dont Irina et Mary sont les administrateurs. La Fondation a été créée pour encourager le public à apprécier les arts visuels et en particulier les œuvres de Moore. Elle gère désormais sa maison et son domaine à Perry Green, avec une galerie, un parc de sculptures et des studios.

En 1979, Henry Moore a acquis une notoriété inattendue en Allemagne lorsque sa sculpture Large Two Forms a été installée sur le parvis de la chancellerie allemande à Bonn, qui était la capitale de l »Allemagne de l »Ouest avant la réunification allemande en octobre 1990.

Moore est décédé le 31 août 1986 à son domicile de Perry Green. Son corps a été enterré dans le cimetière de l »église St Thomas.

La forme caractéristique de Moore est une figure allongée. L »exploration de cette forme par Moore, sous l »influence de la figure toltèque-maïenne qu »il avait vue au Louvre, devait le conduire à une abstraction croissante, tandis que ses pensées se tournaient vers l »expérimentation des éléments du design. Les premières figures allongées de Moore traitent principalement de la masse, tandis que les dernières opposent les éléments solides de la sculpture à l »espace, non seulement autour d »eux, mais généralement à travers eux, car il perce les formes avec des ouvertures.

Les premières figures sont percées de manière conventionnelle, les membres pliés se séparant du corps et le rejoignant. Les figures ultérieures, plus abstraites, sont souvent pénétrées par des espaces traversant directement le corps, ce qui permet à Moore d »explorer et d »alterner des formes concaves et convexes. Ces perçages plus extrêmes se sont développés en parallèle avec les sculptures de Barbara Hepworth. Hepworth a percé pour la première fois un torse après avoir mal lu une critique d »une des premières expositions d »Henry Moore. Le plâtre Reclining Figure : Festival (1951) à la Tate, est caractéristique des dernières sculptures de Moore : une figure féminine abstraite entrecoupée de vides. Comme pour la plupart des œuvres d »après-guerre, il existe plusieurs moulages en bronze de cette sculpture. Lorsque la nièce de Moore lui a demandé pourquoi ses sculptures avaient des titres aussi simples, il a répondu,

Tout art doit avoir un certain mystère et doit être exigeant pour le spectateur. Donner un titre trop explicite à une sculpture ou à un dessin enlève une partie de ce mystère, de sorte que le spectateur passe à l »objet suivant, sans faire d »effort pour réfléchir à la signification de ce qu »il vient de voir. Chacun pense qu »il regarde, mais il ne le fait pas vraiment.

Les premières œuvres de Moore sont axées sur la sculpture directe, dans laquelle la forme de la sculpture évolue au fur et à mesure que l »artiste taille le bloc. Dans les années 1930, la transition de Moore vers le modernisme est parallèle à celle de Barbara Hepworth ; tous deux échangent de nouvelles idées entre eux et avec plusieurs autres artistes vivant alors à Hampstead. Moore a réalisé de nombreux croquis et dessins préparatoires pour chaque sculpture. La plupart de ces carnets de croquis ont survécu et donnent un aperçu de l »évolution de Moore. Il accordait une grande importance au dessin ; dans sa vieillesse, alors qu »il souffrait d »arthrite, il a continué à dessiner.

Après la Seconde Guerre mondiale, les bronzes de Moore adoptent une échelle plus grande, particulièrement adaptée aux commandes d »art public. Pour des raisons pratiques, il abandonne en grande partie la sculpture directe et fait appel à plusieurs assistants pour l »aider à produire des formes plus grandes à partir de maquettes. À la fin des années 1940, il produit de plus en plus de sculptures par modelage, en élaborant la forme dans l »argile ou le plâtre avant de couler l »œuvre finale en bronze selon la technique de la cire perdue. Ces maquettes étaient souvent de petites formes façonnées par les mains de Moore, un procédé qui donne à son œuvre une sensation organique. Dans sa maison de Much Hadham, Moore a constitué une collection d »objets naturels – crânes, bois flotté, galets, roches et coquillages – dont il s »est inspiré pour créer des formes organiques. Pour ses œuvres les plus grandes, il produisait généralement un modèle de travail à demi-échelle, avant de le mettre à l »échelle pour le moulage final et le coulage dans une fonderie de bronze. Moore affinait souvent la forme finale en plâtre et ajoutait des marques de surface avant le moulage.

Moore a produit au moins trois exemples significatifs de sculpture architecturale au cours de sa carrière. En 1928, malgré ses propres » réserves extrêmes « , il accepte sa première commande publique d »un Vent occidental pour le bâtiment du métro londonien au 55 Broadway à Londres, rejoignant ainsi la compagnie de Jacob Epstein et Eric Gill. En 1953, il réalise un écran en béton en quatre parties pour le Time-Life Building de New Bond Street, à Londres, et en 1955, Moore se tourne vers sa première et unique œuvre en brique sculptée, « Wall Relief » au Bouwcentrum de Rotterdam. Ce relief en briques a été sculpté avec 16 000 briques par deux maçons néerlandais sous la supervision de Moore.

Les conséquences de la Seconde Guerre mondiale, de l »Holocauste et de l »ère de la bombe atomique ont insufflé à la sculpture du milieu des années 1940 le sentiment que l »art devait revenir à ses origines préculturelles et prérationnelles. Dans la littérature de l »époque, des écrivains tels que Jean-Paul Sartre prônent une philosophie réductrice similaire. Lors d »un discours d »introduction prononcé à New York à l »occasion d »une exposition de l »un des meilleurs sculpteurs modernistes, Alberto Giacometti, Sartre a parlé du « début et de la fin de l »histoire ». Le sentiment de Moore que l »Angleterre sort invaincue d »un siège l »a conduit à se concentrer sur des pièces caractérisées par l »endurance et la continuité.

La plupart des sculpteurs qui ont émergé au sommet de la gloire de Moore, et au lendemain de sa mort, se sont retrouvés dans son ombre. À la fin des années 1940, Moore était une célébrité mondiale ; il était la voix de la sculpture britannique, et du modernisme britannique en général. La génération suivante, constamment comparée à lui, réagit en remettant en cause son héritage, ses références à l » »establishment » et sa position. À la Biennale de Venise de 1952, huit nouveaux sculpteurs britanniques ont produit leurs œuvres Geometry of Fear (Géométrie de la peur), qui s »opposent directement aux idéaux de Moore, à savoir l »endurance et la continuité. Sa grande figure double debout en bronze se dressait à l »extérieur du pavillon britannique et contrastait fortement avec les œuvres plus brutes et plus anguleuses présentées à l »intérieur.

Pourtant, Moore a eu une influence directe sur plusieurs générations de sculpteurs de réputation britannique et internationale. Parmi les artistes qui ont reconnu l »importance de Moore dans leur travail figurent Sir Anthony Caro et Isaac Witkin, tous trois ayant été assistants de Moore. Parmi les autres artistes dont l »œuvre a été influencée par lui figurent Helaine Blumenfeld, Drago Marin Cherina, Lynn Chadwick, Eduardo Paolozzi, Bernard Meadows, Reg Butler, William Turnbull, Robert Adams, Kenneth Armitage et Geoffrey Clarke.

La Fondation Henry Moore aide à préserver son héritage en soutenant les sculpteurs et en créant des expositions, son objectif est de développer l »appréciation des arts visuels. La Fondation a été créée par Henry et sa famille en 1977 en Angleterre, et est toujours en activité.

Controverse

En décembre 2005, les deux tonnes de Reclining Figure (1969-70) – assurées pour 3 millions de livres – ont été soulevées par une grue depuis le domaine de la Fondation Henry Moore sur un camion et n »ont pas été retrouvées. Deux hommes ont été emprisonnés pendant un an en 2012 pour avoir volé une sculpture appelée Sundial (1965) et le socle en bronze d »une autre œuvre, également dans le domaine de la fondation. En octobre 2013, Standing Figure (1950), l »une des quatre pièces de Moore du parc de sculptures de Glenkiln, dont la valeur est estimée à 3 millions de livres, a été volée.

En 2012, le conseil de l »arrondissement londonien de Tower Hamlets a annoncé son intention de vendre une autre version de Draped Seated Woman 1957-58, une sculpture en bronze de 1,6 tonne. Moore, un socialiste bien connu, avait vendu la sculpture à une fraction de sa valeur marchande à l »ancien conseil du comté de Londres, étant entendu qu »elle serait exposée dans un espace public et pourrait enrichir la vie des habitants d »un quartier socialement défavorisé. Surnommée Old Flo, elle a été installée dans le quartier de Stifford en 1962, mais a été vandalisée et déplacée au Yorkshire Sculpture Park en 1997. Le conseil municipal de Tower Hamlets a ensuite envisagé de déplacer Draped Seated Woman sur un terrain privé à Canary Wharf, mais a préféré « explorer les possibilités » de vente. En réponse à cette annonce, une lettre ouverte a été publiée dans The Guardian, signée par Mary Moore, la fille de l »artiste, par Sir Nicholas Serota, directeur de la Tate Gallery, par le cinéaste Danny Boyle et par des artistes dont Jeremy Deller. La lettre indique que la vente « va à l »encontre de l »esprit de la vente originale » de l »œuvre par Henry Moore.

Intérêt populaire

Aujourd »hui, la Fondation Henry Moore gère l »ancienne maison de l »artiste à Perry Green, dans le Hertfordshire, en tant que destination touristique, avec un parc de sculptures de 20 hectares ainsi que sa maison et ses studios restaurés. Elle gère également l »Institut Henry Moore à Leeds, qui organise des expositions et des activités de recherche sur la sculpture internationale. L »intérêt populaire pour l »œuvre de Moore a été perçu par certains comme ayant décliné pendant un certain temps au Royaume-Uni, mais il a été ravivé récemment par des expositions, notamment à Kew Gardens en 2007, à la Tate Britain en 2010 et à Hatfield House en 2011. La Fondation qu »il a créée continue de jouer un rôle essentiel dans la promotion de l »art contemporain au Royaume-Uni et à l »étranger grâce à ses subventions et à son programme d »expositions.

Angleterre

La plus grande collection au monde d »œuvres de Moore est ouverte au public et se trouve dans la maison et le parc du domaine de 60 acres qui fut la résidence de Moore pendant 40 ans, à Perry Green dans le Hertfordshire. Le site et la collection sont désormais la propriété de la Fondation Henry Moore.

En décembre 2005, des voleurs sont entrés dans une cour de la Fondation Henry Moore et ont dérobé un moulage de la Figure couchée 1969-70 (LH 608) de Moore, une sculpture en bronze de 3,6 mètres de long et de 2,1 tonnes. Les images de la télévision en circuit fermé montrent qu »ils ont utilisé une grue pour descendre l »œuvre sur un camion à plateau volé. Une récompense substantielle a été offerte par la Fondation pour toute information permettant de la retrouver. En mai 2009, après une enquête approfondie, les autorités britanniques ont déclaré qu »elles pensaient que l »œuvre, estimée à 3 millions de livres sterling, avait probablement été vendue à la ferraille, pour un montant d »environ 5 000 livres sterling. En juillet 2012, le cadran solaire 1965 en bronze de 22 pouces (56 cm), estimé à 500 000 £, a été volé à la Fondation Moore. Plus tard dans l »année, après que les détails du vol ont été rendus publics dans l »émission télévisée BBC Crimewatch, l »œuvre a été retrouvée et les voleurs ont été condamnés à douze mois de détention.

Moore a présenté 36 sculptures, ainsi que des dessins, maquettes et autres œuvres à la Tate Gallery en 1978.

Toronto

Le Henry Moore Sculpture Centre du Musée des beaux-arts de l »Ontario, à Toronto, a ouvert ses portes en 1974. Il comprend la plus grande collection publique au monde d »œuvres de Moore, dont la plupart ont été données par ce dernier entre 1971 et 1974. La pièce à trois voies n° 2 (L »Archer) de Moore est également exposée au Nathan Phillips Square de l »hôtel de ville de Toronto depuis 1966.

En 1948, Moore remporte le prix international de sculpture à la Biennale de Venise. Il refuse d »être fait chevalier en 1951, car il pense que cette distinction le ferait percevoir comme une figure de l »establishment et qu » »un tel titre pourrait avoir tendance à me couper d »autres artistes dont le travail a des objectifs similaires aux miens ». Il a toutefois reçu le titre de Compagnon d »honneur en 1955 et le prix Erasmus en 1968.

Il était membre du conseil d »administration de la National Gallery et de la Tate Gallery. Sa proposition qu »une aile de cette dernière soit consacrée à ses sculptures suscite l »hostilité de certains artistes. En 1975, il devient le premier président de la Turner Society, qui avait été fondée pour faire campagne en faveur d »un musée séparé dans lequel l »ensemble du legs Turner pourrait être réuni, un objectif rejeté par la National Gallery et la Tate Gallery.

Offerte à la ville de Londres par Moore et la Société d »art contemporain en 1967, Knife Edge Two Piece 1962-65 est exposée dans les jardins d »Abingdon Street, en face des Chambres du Parlement, où son apparition régulière en arrière-plan des reportages télévisés de Westminster en fait l »œuvre de Moore la plus visible en Grande-Bretagne. La propriété de Knife Edge Two Piece 1962-65 a été contestée jusqu »à son acquisition en 2011 par la Parliamentary Art Collection.

À la fin de sa carrière, Moore est l »artiste vivant le plus vendu aux enchères dans le monde. En 1982, quatre ans avant sa mort, Sotheby »s à New York vend une Reclining Figure (1945) de 6 pieds pour 1,2 million de dollars au collectionneur Wendell Cherry. Bien qu »un premier record de 4,1 millions de dollars ait été établi en 1990, le marché de Moore s »est effondré pendant la récession qui a suivi. En 2012, son bronze de huit pieds, Reclining Figure : Festival (1951) s »est vendu pour un montant record de 19,1 millions de livres sterling chez Christie »s, faisant de lui le deuxième artiste britannique du XXe siècle le plus cher après Francis Bacon.

Sources