Jackson Pollock

gigatos | décembre 30, 2021

Post Views: 130

Résumé

Paul Jackson Pollock ˈpɒlək (28 janvier 1912 – 11 août 1956) est un peintre américain et une figure majeure du mouvement expressionniste abstrait. Il a été largement remarqué pour sa « technique du goutte-à-goutte » consistant à verser ou à éclabousser de la peinture ménagère liquide sur une surface horizontale, ce qui lui permettait de voir et de peindre ses toiles sous tous les angles. Cette technique était également appelée « all-over painting » et « action painting », car il couvrait toute la toile et utilisait la force de tout son corps pour peindre, souvent dans un style de danse frénétique. Cette forme extrême d »abstraction a divisé les critiques : certains ont loué l »immédiateté de la création, tandis que d »autres ont tourné en dérision les effets aléatoires. En 2016, la peinture de Pollock intitulée Numéro 17A aurait atteint 200 millions de dollars américains lors d »un achat privé.

Personnalité recluse et instable, Pollock a lutté contre l »alcoolisme pendant la majeure partie de sa vie. En 1945, il a épousé l »artiste Lee Krasner, qui est devenue une influence importante sur sa carrière et sur son héritage. Pollock est décédé à l »âge de 44 ans dans un accident de voiture unique lié à l »alcool alors qu »il conduisait. En décembre 1956, quatre mois après sa mort, Pollock a eu droit à une rétrospective commémorative au Museum of Modern Art (MoMA) de New York. Une exposition plus importante et plus complète de son œuvre y a été organisée en 1967. En 1998 et 1999, son œuvre a été honorée par des rétrospectives à grande échelle au MoMA et à la Tate de Londres.

Paul Jackson Pollock est né à Cody, Wyoming, en 1912, le plus jeune de cinq fils. Ses parents, Stella May (née McClure) et LeRoy Pollock, sont nés et ont grandi à Tingley, Iowa, et ont fait leurs études à la Tingley High School. La mère de Pollock est enterrée au cimetière de Tingley, dans le comté de Ringgold, en Iowa. Son père était né avec le nom de famille McCoy, mais a pris le nom de famille de ses parents adoptifs, des voisins qui l »ont adopté après que ses propres parents soient morts à un an d »intervalle. Stella et LeRoy Pollock sont presbytériens ; ils sont respectivement d »origine irlandaise et écossaise. LeRoy Pollock était fermier, puis arpenteur pour le gouvernement, déménageant pour différents emplois. Stella, fière de l »héritage de sa famille en tant que tisserande, confectionne et vend des robes pendant son adolescence. En novembre 1912, Stella emmène ses fils à San Diego ; Jackson n »a que 10 mois et ne reviendra jamais à Cody. Il grandira ensuite en Arizona et à Chico, en Californie.

Alors qu »il vit dans le quartier de Vermont Square à Los Angeles, il s »inscrit à la Manual Arts High School, dont il est renvoyé. Il avait déjà été expulsé en 1928 d »un autre lycée. Au début de sa vie, Pollock a exploré la culture amérindienne lors de voyages d »arpentage avec son père. Il est également fortement influencé par les muralistes mexicains, notamment José Clemente Orozco, dont il qualifiera plus tard la fresque Prométhée de « plus grande peinture d »Amérique du Nord ».

En 1930, à la suite de son frère aîné Charles Pollock, il s »installe à New York, où ils étudient tous deux auprès de Thomas Hart Benton à l »Art Students League. Les sujets ruraux américains de Benton ont peu influencé l »œuvre de Pollock, mais son utilisation rythmique de la peinture et sa farouche indépendance ont été plus durables. Au début des années 1930, Pollock passe un été à parcourir l »ouest des États-Unis avec Glen Rounds, un autre étudiant en art, et Benton, leur professeur.

Pollock a été initié à l »utilisation de la peinture liquide en 1936 dans un atelier expérimental à New York par le muraliste mexicain David Alfaro Siqueiros. Il a ensuite utilisé le versement de la peinture comme l »une des nombreuses techniques sur des toiles du début des années 1940, telles que Male and Female et Composition with Pouring I. Après son déménagement à Springs, dans l »État de New York, il a commencé à peindre avec ses toiles étalées sur le sol de l »atelier et a développé ce qui a été appelé plus tard sa technique du « drip ».

De 1938 à 1942, Pollock travaille pour le WPA Federal Art Project. Pendant cette période, Pollock essaie de se débarrasser de son alcoolisme avéré ; de 1938 à 1941, il suit une psychothérapie jungienne avec le Dr Joseph L. Henderson, puis avec le Dr Violet Staub de Laszlo en 1941-42. Henderson l »engage à travers son art, encourageant Pollock à faire des dessins. Les concepts et les archétypes jungiens s »expriment dans ses peintures. Certains ont émis l »hypothèse que Pollock aurait pu souffrir de troubles bipolaires.Pollock signe un contrat de galerie avec Peggy Guggenheim en juillet 1943. Il reçoit la commande d »une peinture murale de 2,4 x 6,1 m (8 x 20 pieds) (1943) pour l »entrée de sa nouvelle maison de ville. À la suggestion de son ami et conseiller Marcel Duchamp, Pollock a peint l »œuvre sur une toile, plutôt que sur le mur, afin qu »elle soit transportable. Après avoir vu la grande fresque, le critique d »art Clement Greenberg a écrit : « J »y ai jeté un coup d »œil et j »ai pensé : « Ça, c »est du grand art », et j »ai su que Jackson était le plus grand peintre que ce pays ait produit. » Le catalogue qui présente sa première exposition décrit le talent de Pollock comme « volcanique. Il a du feu. Il est imprévisible. Il est indiscipliné. Il se déverse de lui-même dans une prodigalité minérale, pas encore cristallisée ».

Période d »égouttage

Les peintures les plus célèbres de Pollock ont été réalisées pendant la « période des gouttes », entre 1947 et 1950. Il est devenu célèbre à la suite d »un article de quatre pages paru le 8 août 1949 dans le magazine Life, qui posait la question suivante : « Est-il le plus grand peintre vivant des États-Unis ? » Grâce à la médiation d »Alfonso Ossorio, un ami proche de Pollock et de l »historien de l »art Michel Tapié, le jeune galeriste Paul Facchetti, à partir du 7 mars 1952, parvient à réaliser la première exposition des œuvres de Pollock de 1948 à 1951 dans son Studio Paul Facchetti à Paris et en Europe. Au sommet de sa gloire, Pollock abandonne brusquement le style goutte à goutte.

Les œuvres de Pollock après 1951 étaient de couleur plus sombre, y compris une collection peinte en noir sur des toiles non apprêtées. Ces peintures ont été appelées ses « coulées noires » et lorsqu »il les a exposées à la Betty Parsons Gallery de New York, aucune ne s »est vendue. Parsons en a plus tard vendu une à un ami à la moitié du prix. Ces œuvres montrent que Pollock tente de trouver un équilibre entre l »abstraction et les représentations de la figure.

Il est ensuite revenu à l »utilisation de la couleur et a continué à utiliser des éléments figuratifs. Pendant cette période, Pollock s »installe à la Sidney Janis Gallery, une galerie plus commerciale ; la demande de ses œuvres par les collectionneurs est importante. En réponse à cette pression, ainsi qu »à sa frustration personnelle, son alcoolisme s »aggrave.

Les deux artistes se sont rencontrés alors qu »ils exposaient tous deux à la galerie McMillen en 1942. Krasner ne connaissait pas le travail de Pollock, mais il était intrigué par lui et s »est rendu à son appartement, sans s »annoncer, pour le rencontrer après l »exposition à la galerie. En octobre 1945, Pollock et Lee Krasner se marient à l »église en présence de deux témoins. En novembre, ils quittent la ville pour s »installer dans le quartier de Springs, à East Hampton, sur la rive sud de Long Island. Avec l »aide d »un prêt initial de Peggy Guggenheim, ils achètent une maison à ossature de bois et une grange au 830 Springs Fireplace Road. Pollock transforme la grange en studio. C »est dans cet espace qu »il a perfectionné sa technique de travail de la peinture par « grosses gouttes », avec laquelle il allait devenir définitivement identifié. Lorsque le couple est libéré de son travail, il aime passer son temps à cuisiner et à faire des gâteaux, à travailler sur la maison et le jardin, et à recevoir des amis.

L »influence de Krasner sur l »art de son mari est une chose que les critiques ont commencé à réévaluer dans la seconde moitié des années 1960, en raison de la montée du féminisme à cette époque. Les connaissances et la formation approfondies de Krasner en matière d »art et de techniques modernes l »ont aidée à mettre Pollock au diapason de ce que devrait être l »art contemporain. On considère souvent que Krasner a enseigné à son mari les principes dominants de la peinture moderniste. Pollock a alors pu modifier son style pour l »adapter à un genre plus organisé et cosmopolite de l »art moderne, et Krasner est devenue le seul juge en qui il pouvait avoir confiance. Au début du mariage des deux artistes, Pollock se fiait aux opinions de son homologue sur ce qui fonctionnait ou non dans ses œuvres. C »est également à Krasner qu »il doit d »avoir présenté Pollock à de nombreux collectionneurs, critiques et artistes, dont Herbert Matter, qui l »aideront à poursuivre sa carrière d »artiste émergent. Le marchand d »art John Bernard Myers a dit un jour « qu »il n »y aurait jamais eu de Jackson Pollock sans Lee Pollock », tandis que son collègue peintre Fritz Bultman parlait de Pollock comme de « la création de Krasner, son Frankenstein », les deux hommes reconnaissant l »immense impact de Krasner sur la carrière de Pollock.

L »influence de Jackson Pollock sur l »œuvre de sa femme est souvent discutée par les historiens de l »art. Nombreux sont ceux qui pensent que Krasner a commencé à reproduire et à réinterpréter les éclaboussures de peinture chaotiques de son mari dans ses propres œuvres. Il existe plusieurs témoignages selon lesquels Krasner avait l »intention d »utiliser sa propre intuition, comme un moyen de se rapprocher de la technique « Je suis la nature » de Pollock afin de reproduire la nature dans son art.

En 1955, Pollock peint Scent et Search, ses deux derniers tableaux. Il ne peint pas du tout en 1956, mais réalise des sculptures chez Tony Smith : des constructions en fil de fer, gaze et plâtre. Façonnées par moulage au sable, elles présentent des surfaces fortement texturées semblables à celles que Pollock créait souvent dans ses peintures.

La relation entre Pollock et Krasner commence à s »effriter en 1956, en raison de l »alcoolisme persistant de Pollock et de son infidélité avec Ruth Kligman. Le 11 août 1956, à 22 h 15, Pollock meurt dans un accident de voiture à bord de son Oldsmobile décapotable alors qu »il conduisait sous l »emprise de l »alcool. À l »époque, Krasner rendait visite à des amis en Europe et elle est rentrée brusquement en apprenant la nouvelle par une amie. L »une des passagères, Edith Metzger, a également été tuée dans l »accident, qui s »est produit à moins d »un kilomètre du domicile de Pollock. L »autre passagère, Ruth Kligman, une artiste et la maîtresse de Pollock, a survécu. En décembre 1956, quatre mois après sa mort, Pollock a eu droit à une rétrospective commémorative au Museum of Modern Art (MoMA) de New York. Une exposition plus importante et plus complète de son œuvre y a été organisée en 1967. En 1998 et 1999, son œuvre a été honorée par des rétrospectives à grande échelle au MoMA et à la Tate de Londres.

Jusqu »à la fin de sa vie, sa veuve Lee Krasner a géré ses biens et a veillé à ce que la réputation de Pollock reste forte malgré l »évolution des tendances du monde de l »art. Le couple est enterré au cimetière de Green River à Springs, un grand rocher marquant sa tombe et un plus petit marquant la sienne.

Influence et technique

L »œuvre de Thomas Hart Benton, Pablo Picasso et Joan Miró a influencé Pollock, qui a commencé à utiliser des peintures à base de résine synthétique, appelées émaux alkydes, ce qui, à l »époque, était une nouveauté. Pollock a décrit cette utilisation de peintures domestiques, au lieu de peintures d »artiste, comme « une croissance naturelle issue d »un besoin ». Il utilisait des pinceaux durcis, des bâtons, et même des seringues à badigeonner comme applicateurs de peinture. La technique de Pollock consistant à verser et à faire couler la peinture est considérée comme l »une des origines du terme « action painting ». Grâce à cette technique, Pollock a pu créer de l »art de manière plus immédiate, la peinture coulant littéralement de l »outil choisi sur la toile. En défiant la convention de la peinture sur une surface verticale, il a ajouté une nouvelle dimension en étant capable de voir et d »appliquer la peinture sur ses toiles depuis toutes les directions.

L »œuvre de l »artiste américano-ukrainienne Janet Sobel (1894-1968) (née Jennie Lechovsky) a eu une influence déterminante sur Pollock. Peggy Guggenheim a inclus les œuvres de Sobel dans sa galerie The Art of This Century en 1945. Jackson Pollock et le critique d »art Clement Greenberg y ont vu les œuvres de Sobel en 1946. Plus tard, Greenberg a noté que Sobel était « une influence directe sur la technique de peinture au goutte-à-goutte de Jackson Pollock ». Dans son essai « American-Type Painting », Greenberg a noté que ces œuvres étaient les premières de la peinture all-over qu »il avait vues, et a déclaré que « Pollock a admis que ces tableaux l »avaient impressionné ».

En peignant de cette manière, Pollock s »est éloigné de la représentation figurative et a défié la tradition occidentale de l »utilisation du chevalet et du pinceau. Il utilisait la force de tout son corps pour peindre, ce qui s »exprimait sur les grandes toiles. En 1956, le magazine Time a surnommé Pollock « Jack the Dripper » en raison de son style de peinture.

Ma peinture ne sort pas du chevalet. Je préfère fixer la toile non tendue sur un mur dur ou sur le sol. J »ai besoin de la résistance d »une surface dure. Sur le sol, je suis plus à l »aise. Je me sens plus proche, plus proche du tableau, car je peux ainsi en faire le tour, travailler sur les quatre côtés et être littéralement dans le tableau.

Pollock a observé des démonstrations de peinture au sable des Amérindiens dans les années 1940. À propos de son style de peinture au sol, Pollock a déclaré : « Je me sens plus proche, je fais davantage partie du tableau, car je peux ainsi en faire le tour, travailler sur les quatre côtés et être littéralement dans le tableau. Cela s »apparente aux méthodes des peintres de sable indiens de l »Ouest. » Parmi les autres influences de sa technique du dripping, citons les muralistes mexicains et l »automatisme surréaliste. Pollock refusait de se fier à « l »accident » ; il avait généralement une idée de l »apparence qu »il voulait donner à une œuvre particulière. Sa technique combinait le mouvement de son corps, qu »il contrôlait, l »écoulement visqueux de la peinture, la force de gravité et l »absorption de la peinture par la toile. C »était un mélange de facteurs contrôlables et incontrôlables. Il se déplaçait énergiquement autour de la toile, presque comme dans une danse, et ne s »arrêtait que lorsqu »il voyait ce qu »il voulait voir.

L »article de l »artiste autrichien Wolfgang Paalen sur l »art totémique des peuples indigènes de la Colombie-Britannique, dans lequel le concept d »espace dans l »art totémique est considéré du point de vue de l »artiste, a également influencé Pollock ; ce dernier possédait un exemplaire signé et dédicacé du numéro amérindien de la revue de Paalen (DYN 4-5, 1943). Il avait également vu les peintures surréalistes de Paalen lors d »une exposition en 1940. La technique de fumage surréaliste de Paalen, qui a séduit les peintres à la recherche de nouvelles façons de représenter ce que l »on appelait le « non vu » ou le « possible », a dû également exercer une forte influence. Cette technique a fait l »objet d »une démonstration dans l »atelier de Matta, à propos de laquelle Steven Naifeh rapporte : « Une fois, alors que Matta faisait une démonstration de la technique surréaliste, il s »est tourné vers (Peter) Busa et a dit dans un chuchotement de scène : « Je peux faire ça sans la fumée » ». Fritz Bultman, ami peintre de Pollock, a même déclaré : « C »est Wolfgang Paalen qui a tout déclenché. »

En 1950, Hans Namuth, un jeune photographe, voulait prendre des photos – fixes et mobiles – de Pollock au travail. Pollock promet de commencer une nouvelle peinture spécialement pour la séance photographique, mais lorsque Namuth arrive, Pollock s »excuse et lui dit que la peinture est terminée.

Namuth a dit ça quand il est entré dans le studio :

Une toile humide dégoulinante recouvrait tout le sol… Le silence est total … Pollock regardait la peinture. Puis, à l »improviste, il a pris la boîte et le pinceau et a commencé à se déplacer sur la toile. C »est comme s »il s »était soudainement rendu compte que la peinture n »était pas terminée. Ses mouvements, d »abord lents, deviennent progressivement plus rapides et ressemblent davantage à une danse alors qu »il projette de la peinture noire, blanche et rouille sur la toile. Il a complètement oublié que Lee et moi étions là ; il n »a pas semblé entendre le clic de l »obturateur de l »appareil photo … Ma séance de photographie a duré aussi longtemps qu »il a continué à peindre, peut-être une demi-heure. Pendant tout ce temps, Pollock ne s »est pas arrêté. Comment pouvait-il maintenir un tel niveau d »activité ? Finalement, il a dit « Ça y est ».

De la dénomination à la numérotation

Continuant d »échapper à la recherche par le spectateur d »éléments figuratifs dans ses tableaux, Pollock a abandonné les titres et a commencé à numéroter ses œuvres. Il a dit à ce sujet : « Regardez passivement et essayez de recevoir ce que la peinture a à offrir et n »apportez pas de sujet ou d »idée préconçue de ce qu »ils doivent chercher. » Sa femme a déclaré : « Il avait l »habitude de donner à ses tableaux des titres conventionnels… mais maintenant il les numérote simplement. Les numéros sont neutres. Ils amènent les gens à regarder un tableau pour ce qu »il est – de la peinture pure ».

Débat critique

L »œuvre de Pollock a fait l »objet d »importants débats critiques. Le critique Robert Coates a un jour tourné en dérision un certain nombre d »œuvres de Pollock en les qualifiant de « simples explosions inorganisées d »énergie aléatoire, et donc dénuées de sens ». Le Reynold »s News, dans un titre de 1959, a déclaré : « Ce n »est pas de l »art, c »est une blague de mauvais goût ». Le peintre abstrait français Jean Hélion, quant à lui, a fait la remarque suivante en voyant pour la première fois un Pollock : « Il remplissait l »espace en continuant à avancer parce qu »il n »avait ni début ni fin. » Clement Greenberg a soutenu le travail de Pollock pour des raisons formelles. Il correspondait bien à la vision de Greenberg de l »histoire de l »art comme une purification progressive de la forme et une élimination du contenu historique. Il considérait l »œuvre de Pollock comme la meilleure peinture de son époque et l »aboutissement de la tradition occidentale, en passant par le cubisme et Cézanne jusqu »à Manet.

Dans un article paru en 1952 dans ARTnews, Harold Rosenberg a inventé le terme « action painting » et a écrit que « ce qui devait aller sur la toile n »était pas une image mais un événement. Le grand moment est arrivé lorsqu »il a été décidé de peindre »juste pour peindre ». Le geste sur la toile était un geste de libération des valeurs – politiques, esthétiques, morales. » Beaucoup de gens ont supposé qu »il avait modelé son paradigme de « peintre d »action » sur Pollock.

Le Congress for Cultural Freedom, une organisation visant à promouvoir la culture et les valeurs américaines, soutenue par la Central Intelligence Agency (CIA), a parrainé des expositions de l »œuvre de Pollock. Certains universitaires de gauche, dont Eva Cockcroft, ont affirmé que le gouvernement américain et l »élite fortunée ont adopté Pollock et l »expressionnisme abstrait pour placer les États-Unis à l »avant-garde de l »art mondial et dévaloriser le réalisme socialiste. Cockcroft a écrit que Pollock était devenu une « arme de la guerre froide ».

Pollock décrivait son art comme « le mouvement rendu visible des souvenirs, arrêté dans l »espace ».

Impact

La coloration de la toile brute par Pollock a été adaptée par les peintres du Color Field, Helen Frankenthaler et Morris Louis. Frank Stella a fait de la « composition all-over » une caractéristique de ses œuvres des années 1960. L »artiste des Happenings, Allan Kaprow, les sculpteurs Richard Serra et Eva Hesse, et de nombreux artistes contemporains ont conservé l »accent mis par Pollock sur le processus de création ; ils ont été influencés par son approche du processus, plutôt que par l »aspect de son œuvre.

En 2004, One : Number 31, 1950 a été classée comme la huitième œuvre d »art moderne la plus influente dans un sondage réalisé auprès de 500 artistes, conservateurs, critiques et marchands.

Dans la culture pop et les médias

En 1960, l »album Free Jazz d »Ornette Coleman : A Collective Improvisation présentait une peinture de Pollock, The White Light, comme illustration de couverture.

Au début des années 1990, trois groupes de cinéastes développaient des projets biographiques sur Pollock, chacun se basant sur une source différente. Le projet qui semblait au départ le plus avancé était une coentreprise entre Barwood Films de Barbra Streisand et TriBeCa Productions de Robert De Niro (les parents de De Niro étaient des amis de Krasner et de Pollock). Le scénario, écrit par Christopher Cleveland, devait être basé sur la biographie orale de Jeffrey Potter (1985), To a Violent Grave, une collection de souvenirs d »amis de Pollock. Streisand devait jouer le rôle de Lee Krasner, et De Niro celui de Pollock. Un deuxième film devait être basé sur Love Affair (1974), un mémoire de Ruth Kligman, qui était l »amante de Pollock dans les six mois précédant sa mort. Il devait être réalisé par Harold Becker, avec Al Pacino dans le rôle de Pollock.

En 2000, le film biographique Pollock, basé sur la biographie primée par le prix Pulitzer, Jackson Pollock : An American Saga, réalisé par et avec Ed Harris, est sorti sur les écrans. Marcia Gay Harden a remporté l »Oscar de la meilleure actrice dans un second rôle pour son interprétation de Lee Krasner. Le film était le projet d »Ed Harris, qui a fait le portrait de Pollock. Il a été nommé à l »Oscar du meilleur acteur. Harris a lui-même peint les œuvres vues dans le film. La Fondation Pollock-Krasner n »a ni autorisé ni collaboré à la production.

En septembre 2009, l »historien de l »art Henry Adams a affirmé dans le magazine Smithsonian que Pollock avait écrit son nom dans son célèbre tableau Mural (1943). Le tableau est désormais assuré pour 140 millions de dollars américains. En 2011, le représentant républicain de l »État de l »Iowa Scott Raecker a présenté un projet de loi visant à forcer la vente de l »œuvre, détenue par l »Université de l »Iowa, pour financer des bourses d »études, mais son projet de loi a créé une telle controverse qu »il a été rapidement retiré.

A lire aussi, biographies-fr – Néron

Marché de l »art

En 1973, Number 11, 1952 (également connu sous le nom de Blue Poles) a été acheté par le gouvernement australien de Whitlam pour la National Gallery of Australia au prix de 2 millions de dollars américains (1,3 million de dollars australiens au moment du paiement). À l »époque, il s »agissait du prix le plus élevé jamais payé pour une peinture moderne. Le tableau est aujourd »hui l »une des expositions les plus populaires de la galerie. Il était l »une des pièces maîtresses de la rétrospective du Museum of Modern Art à New York en 1998, la première fois que le tableau était exposé en Amérique depuis son achat.

En novembre 2006, l »œuvre n° 5 (1948) de Pollock est devenue la peinture la plus chère du monde, lorsqu »elle a été vendue à un acheteur privé pour la somme de 140 millions de dollars américains. Un autre record de l »artiste a été établi en 2004, lorsque le n° 12 (1949), une peinture au goutte-à-goutte de taille moyenne qui avait été présentée dans le pavillon des États-Unis à la Biennale de Venise de 1950, a atteint 11,7 millions de dollars américains chez Christie »s, à New York. En 2012, Number 28, 1951, l »une des combinaisons de drip et de brushwork de l »artiste dans des tons de gris argenté avec du rouge, du jaune et des coups de bleu et de blanc, s »est également vendue chez Christie »s, New York, pour 20,5 millions de dollars US – 23 millions de dollars US avec les frais – dans sa fourchette d »estimation de 20 à 30 millions de dollars US.

En 2013, le numéro 19 (1948) de Pollock a été vendu par Christie »s pour un montant rapporté de 58 363 750 dollars américains lors d »une vente aux enchères qui a finalement atteint 495 millions de dollars américains de ventes totales en une nuit, ce que Christie »s rapporte comme un record à ce jour en tant que vente aux enchères d »art contemporain la plus chère.

En février 2016, Bloomberg News a rapporté que Kenneth C. Griffin avait acheté le tableau Number 17A de Jackson Pollock, datant de 1948, pour 200 millions de dollars américains, auprès de David Geffen.

Le Pollock-Krasner Authentication Board a été créé par la Pollock-Krasner Foundation en 1990 pour évaluer les œuvres nouvellement découvertes en vue d »un prochain supplément au catalogue de 1978. Dans le passé, cependant, la Fondation Pollock-Krasner a refusé de s »impliquer dans des cas d »authentification.

Untitled 1950, que la Knoedler Gallery de New York avait vendu en 2007 pour 17 millions de dollars à Pierre Lagrange, un multimillionnaire londonien spécialisé dans les fonds spéculatifs, a fait l »objet d »un procès d »authenticité devant le tribunal fédéral du district sud de New York. Réalisé dans le style classique du peintre, le drip-and-splash, et signé « J. Pollock », ce tableau de taille modeste (15 x 28 12 in) contenait des pigments de peinture jaune qui n »étaient pas disponibles dans le commerce avant 1970 environ. Le procès a été réglé dans le cadre d »un accord confidentiel en 2012.

Analyse fractale par ordinateur

En 1999, le physicien et artiste Richard Taylor a utilisé une analyse informatique pour montrer les similitudes entre les motifs peints par Pollock et les fractales (motifs qui se répètent à plusieurs échelles de taille) que l »on trouve dans les paysages naturels, reflétant les propres mots de Pollock « Je suis la nature ». Son équipe de recherche a baptisé le style de Pollock « expressionnisme fractal ».

En 2003, 24 peintures et dessins pollockiens ont été retrouvés dans un casier à Wainscott, New York. En 2005, la Fondation Pollock-Krasner a demandé qu »une analyse fractale soit utilisée pour la première fois dans le cadre d »une contestation d »authenticité. Des chercheurs de l »université de l »Oregon ont utilisé cette technique pour identifier les différences entre les motifs des six peintures contestées analysées et ceux de 14 Pollocks établis. L »analyse des pigments des tableaux par des chercheurs de l »université de Harvard a révélé la présence dans un tableau d »un pigment synthétique qui n »a été breveté que dans les années 1980, et dans deux autres, de matériaux qui n »étaient pas disponibles du vivant de Pollock.

En 2007, une exposition itinérante des peintures a été organisée dans un musée et a été accompagnée d »un livre complet, Pollock Matters, écrit par Ellen G. Landau, l »un des quatre spécialistes de l »ancien panel d »authentification de la Fondation Pollock Krasner dans les années 1990, et Claude Cernuschi, spécialiste de l »expressionnisme abstrait. Dans ce livre, Landau démontre les nombreux liens entre la famille propriétaire des tableaux et Jackson Pollock de son vivant, afin de replacer les tableaux dans ce qu »elle estime être leur contexte historique. Landau présente également les conclusions des expertises de l »université de Harvard et propose des explications possibles pour les incohérences médico-légales constatées sur trois des 24 tableaux. Cependant, le scientifique qui a inventé l »un des pigments modernes a rejeté la possibilité que Pollock ait utilisé cette peinture comme étant « improbable jusqu »à la fantaisie ».

Lee Krasner a fait don des papiers de Pollock aux Archives of American Art en 1983. Ils ont ensuite été archivés avec ses propres papiers. Les Archives of American Art conservent également les papiers de Charles Pollock, qui comprennent de la correspondance, des photographies et d »autres dossiers relatifs à son frère Jackson.

Une organisation distincte, la Fondation Pollock-Krasner, a été créée en 1985. La fondation fonctionne comme la succession officielle de Pollock et de sa veuve, mais aussi, selon les termes du testament de Krasner, elle sert à « aider les artistes individuels de mérite qui ont des besoins financiers ». Le représentant américain des droits d »auteur pour la Pollock-Krasner Foundation est l »Artists Rights Society.

La Pollock-Krasner House and Studio est détenue et administrée par la Stony Brook Foundation, une filiale à but non lucratif de la Stony Brook University. Des visites régulières de la maison et du studio ont lieu de mai à octobre.

Liens vers les musées

Sources