James Abbott McNeill Whistler

Delice Bette | septembre 1, 2022

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Résumé

James Abbott McNeill Whistler RBA (11 juillet 1834 – 17 juillet 1903) était un peintre américain actif durant l »âge d »or américain et basé principalement au Royaume-Uni. Il a évité la sentimentalité et l »allusion morale dans la peinture et a été l »un des principaux partisans du credo « l »art pour l »art ». Sa signature pour ses peintures prenait la forme d »un papillon stylisé possédant un long dard en guise de queue. Ce symbole combinait les deux aspects de sa personnalité : son art est marqué par une subtile délicatesse, tandis que son personnage public était combatif. Il établit un parallèle entre la peinture et la musique et intitule nombre de ses tableaux « arrangements », « harmonies » et « nocturnes », soulignant ainsi la primauté de l »harmonie tonale. Son tableau le plus célèbre, Arrangement en gris et noir n° 1 (1871), communément appelé La Mère de Whistler, est un portrait vénéré et souvent parodié de la maternité. Whistler a influencé le monde de l »art et la culture en général de son époque par ses théories et ses amitiés avec d »autres artistes et écrivains de premier plan.

Nouvelle-Angleterre

James Abbott Whistler est né à Lowell, dans le Massachusetts, le 11 juillet 1834. Il est le premier enfant d »Anna McNeill Whistler et de George Washington Whistler, et le frère du chirurgien confédéré Dr William McNeill Whistler. Son père était ingénieur des chemins de fer et Anna était sa seconde épouse. James a vécu les trois premières années de sa vie dans une modeste maison au 243 Worthen Street à Lowell. Cette maison est aujourd »hui le Whistler House Museum of Art, un musée qui lui est consacré. Il a revendiqué Saint-Pétersbourg, en Russie, comme son lieu de naissance lors du procès Ruskin : « Je naîtrai quand et où je voudrai, et je ne choisis pas de naître à Lowell ».

La famille déménage de Lowell à Stonington, Connecticut, en 1837, où son père travaille pour le chemin de fer de Stonington. Trois des enfants du couple meurent en bas âge pendant cette période. Leur situation s »améliore considérablement en 1839 lorsque son père devient ingénieur en chef pour le Boston & Albany Railroad, et la famille construit un manoir à Springfield, dans le Massachusetts, où se trouve aujourd »hui le Wood Museum of History. Ils vivent à Springfield jusqu »à ce qu »ils quittent les États-Unis à la fin de 1842. Nicolas Ier de Russie apprit l »ingéniosité de George Whistler dans l »ingénierie du Boston & Albany Railroad et lui offrit un poste en 1842 pour l »ingénierie d »un chemin de fer de Saint-Pétersbourg à Moscou, et la famille s »installa à Saint-Pétersbourg durant l »hiver 1842.

Whistler était un enfant lunatique, sujet à des crises de colère et d »insolence, et il était souvent sujet à des périodes de paresse après des épisodes de maladie. Ses parents ont découvert que le dessin le calmait et l »aidait à se concentrer. Plus tard, il a joué sur le lien de sa mère avec le Sud américain et ses racines, et il s »est présenté comme un aristocrate du Sud appauvri, bien qu »il ne soit pas clair dans quelle mesure il a réellement sympathisé avec la cause du Sud pendant la guerre civile américaine. Il a adopté le nom de jeune fille de sa mère après sa mort, l »utilisant comme deuxième prénom supplémentaire.

La Russie et l »Angleterre

À partir de 1842, son père est employé pour travailler sur un chemin de fer en Russie. Après avoir déménagé à Saint-Pétersbourg pour rejoindre son père un an plus tard, le jeune Whistler prend des leçons d »art privées, puis s »inscrit à l »Académie impériale des arts à l »âge de onze ans. Le jeune artiste suit le programme traditionnel de dessin à partir de moulages en plâtre et de modèles vivants occasionnels, se délecte de l »atmosphère des discussions sur l »art avec ses pairs plus âgés et fait plaisir à ses parents avec une note de première classe en anatomie. En 1844, il rencontre le célèbre artiste Sir William Allan, venu en Russie avec une commande pour peindre une histoire de la vie de Pierre le Grand. La mère de Whistler note dans son journal intime que « le grand artiste m »a fait la remarque suivante : « Votre petit garçon a un génie hors du commun, mais ne le poussez pas au-delà de son inclination ».

En 1847-1848, sa famille passe quelque temps à Londres chez des parents, tandis que son père reste en Russie. Le beau-frère de Whistler, Francis Haden, un médecin qui était également un artiste, stimula son intérêt pour l »art et la photographie. Haden emmena Whistler rendre visite à des collectionneurs et assister à des conférences, et lui donna un jeu d »aquarelles avec des instructions. Whistler imagine déjà une carrière artistique. Il commence à collectionner des livres sur l »art et étudie les techniques d »autres artistes. Lorsque son portrait fut peint par Sir William Boxall en 1848, le jeune Whistler s »exclama que le portrait était « très ressemblant et un très beau tableau ». M. Boxall est un excellent coloriste… Il a une belle surface crémeuse, et semble si riche ». Dans son enthousiasme florissant pour l »art, à quinze ans, il informe son père par lettre de sa future orientation : « J »espère, cher père, que vous ne vous opposerez pas à mon choix. » Son père, cependant, meurt du choléra à l »âge de 49 ans, et la famille Whistler retourne vivre dans la ville natale de sa mère, Pomfret, dans le Connecticut. Ses projets artistiques restent vagues et son avenir incertain. La famille vit frugalement et parvient à s »en sortir avec un revenu limité. Selon son cousin, Whistler était à l »époque « mince, avec un visage pensif et délicat, ombragé par de douces boucles brunes… il avait une apparence et des manières quelque peu étrangères qui, aidées par des capacités naturelles, le rendaient très charmant, même à cet âge ».

West Point

Whistler est envoyé à la Christ Church Hall School, sa mère espérant qu »il devienne pasteur. Whistler était rarement sans son carnet de croquis et était populaire auprès de ses camarades de classe pour ses caricatures. Cependant, il devint évident qu »une carrière dans la religion ne lui convenait pas, et il posa sa candidature à l »Académie militaire américaine de West Point, où son père avait enseigné le dessin et où d »autres membres de sa famille avaient étudié. Il est admis dans cette institution très sélective en juillet 1851 sur la base de son nom de famille, malgré sa myopie extrême et ses antécédents médicaux médiocres. Cependant, pendant les trois années qu »il y passe, ses notes sont à peine satisfaisantes, et il est un spectacle désolant à l »exercice et à la tenue, surnommé « Curly » en raison de la longueur de ses cheveux qui dépasse le règlement. Whistler s »oppose à l »autorité, émet des commentaires sarcastiques et accumule les démérites. Le colonel Robert E. Lee était le surintendant de West Point et, après avoir fait preuve d »une grande indulgence à l »égard de Whistler, il n »eut d »autre choix que de renvoyer le jeune cadet. La principale réalisation de Whistler à West Point fut l »apprentissage du dessin et de la cartographie auprès de l »artiste américain Robert W. Weir.

Son départ de West Point semble avoir été précipité par un échec à un examen de chimie où on lui demandait de décrire le silicium et où il a commencé par dire : « Le silicium est un gaz ». Comme il l »a dit lui-même plus tard : « Si le silicium était un gaz, j »aurais été général un jour ». Cependant, une autre anecdote suggère que l »inconduite en classe de dessin est la raison du départ de Whistler.

Premier emploi

Après West Point, Whistler travaille comme dessinateur pour cartographier toute la côte américaine à des fins militaires et maritimes. Il trouvait le travail ennuyeux et il était souvent en retard ou absent. Il passait une grande partie de son temps libre à jouer au billard et à flâner, il était toujours fauché et, bien que charmeur, il connaissait peu les femmes. Après qu »on eut découvert qu »il dessinait des serpents de mer, des sirènes et des baleines sur les marges des cartes, il fut transféré à la division des gravures de l »U.S. Coast Survey. Il n »y est resté que deux mois, mais il a appris la technique de la gravure qui s »est avérée précieuse pour sa carrière.

À ce moment-là, Whistler décide fermement que l »art sera son avenir. Pendant quelques mois, il vit à Baltimore chez un ami fortuné, Tom Winans, qui fournit même à Whistler un studio et de l »argent de poche. Le jeune artiste se fait de précieux contacts dans la communauté artistique et vend également quelques premières peintures à Winans. Whistler rejette les suggestions de sa mère pour d »autres carrières plus pratiques et l »informe qu »avec l »argent de Winans, il part poursuivre sa formation artistique à Paris. Whistler ne revint jamais aux États-Unis.

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Étude de l »art en France

Whistler arrive à Paris en 1855, loue un studio dans le Quartier latin et adopte rapidement la vie d »un artiste bohème. Il eut bientôt une petite amie française, une couturière nommée Héloise. Il étudie brièvement les méthodes artistiques traditionnelles à l »École impériale et dans l »atelier de Marc Charles Gabriel Gleyre. Ce dernier, grand défenseur de l »œuvre d »Ingres, a inculqué à Whistler deux principes qu »il utilisera tout au long de sa carrière : la ligne est plus importante que la couleur et le noir est la couleur fondamentale de l »harmonie tonale. Vingt ans plus tard, les impressionnistes renverseront en grande partie cette philosophie, bannissant le noir et le brun comme « couleurs interdites » et mettant l »accent sur la couleur plutôt que sur la forme. Whistler préférait étudier par lui-même et profiter de la vie de café. Alors que les lettres de sa famille faisaient état des efforts d »économie de sa mère, Whistler dépensait sans compter, ne vendait rien ou presque au cours de sa première année à Paris et s »endettait régulièrement. Pour remédier à la situation, il se mit à peindre et à vendre des copies d »œuvres du Louvre et finit par s »installer dans des quartiers moins chers. Par chance, l »arrivée à Paris de George Lucas, un autre ami riche, a contribué à stabiliser les finances de Whistler pendant un certain temps. Malgré ce répit financier, l »hiver 1857 fut difficile pour Whistler. Sa mauvaise santé, aggravée par une consommation excessive de tabac et d »alcool, l »affaiblit.

Les conditions s »améliorent au cours de l »été 1858. Whistler se rétablit et voyagea avec son collègue Ernest Delannoy à travers la France et la Rhénanie. Il réalise ensuite un groupe de gravures connu sous le nom de « French Set », avec l »aide du maître imprimeur français Auguste Delâtre. Cette année-là, il peint son premier autoportrait, Portrait de Whistler avec chapeau, une œuvre sombre et épaisse qui rappelle Rembrandt. Mais l »événement le plus important de cette année-là est son amitié avec Henri Fantin-Latour, qu »il rencontre au Louvre. Par son intermédiaire, Whistler est introduit dans le cercle de Gustave Courbet, qui comprend Carolus-Duran (futur professeur de John Singer Sargent), Alphonse Legros et Édouard Manet.

Ce groupe comprend également Charles Baudelaire, dont les idées et les théories sur l »art « moderne » ont influencé Whistler. Baudelaire mettait les artistes au défi de scruter la brutalité de la vie et de la nature et de la dépeindre fidèlement, en évitant les vieux thèmes de la mythologie et de l »allégorie. Théophile Gautier, l »un des premiers à explorer les qualités de traduction entre l »art et la musique, a peut-être inspiré Whistler à considérer l »art en termes musicaux.

Londres

Reflétant la bannière du réalisme de son cercle d »adoption, Whistler peint sa première œuvre exposée, La Mere Gerard en 1858. Il la suit en peignant At the Piano en 1859 à Londres, qu »il adopte comme domicile, tout en rendant régulièrement visite à des amis en France. At the Piano est un portrait composé de sa nièce et de sa mère dans leur salon de musique londonien, un effort qui démontre clairement son talent et ses promesses. Un critique a écrit : » une audace téméraire et des esquisses du genre le plus sauvage et le plus brut, un véritable sens de la couleur et un splendide pouvoir de composition et de conception, qui témoignent d »une juste appréciation de la nature, très rare chez les artistes « . L »œuvre n »est pas sentimentale et met efficacement en contraste la mère en noir et la fille en blanc, les autres couleurs étant retenues, conformément aux conseils de son professeur Gleyre. Elle a été exposée à la Royal Academy l »année suivante, et dans de nombreuses expositions à venir.

Dans une deuxième toile exécutée dans la même pièce, Whistler démontre son penchant naturel pour l »innovation et la nouveauté en façonnant une scène de genre à la composition et au raccourcissement inhabituels. Ce tableau a ensuite été ré-intitulé Harmonie en vert et rose : Le salon de musique. Cette peinture illustre également le mode de travail continu de Whistler, en particulier pour les portraits : un démarrage rapide, des ajustements majeurs, une période de négligence, puis un dernier élan vers la finition.

Après une année passée à Londres, en contrepoint de son ensemble français de 1858, il produit en 1860 une autre série de gravures intitulée Thames Set, ainsi que quelques travaux impressionnistes précoces, dont The Thames in Ice. À ce stade, il commence à établir sa technique d »harmonie tonale basée sur une palette limitée et prédéterminée.

En 1861, après être retourné à Paris pour quelque temps, Whistler a peint sa première œuvre célèbre, Symphonie en blanc, n° 1 : la jeune fille blanche. Le portrait de sa maîtresse et directrice commerciale Joanna Hiffernan a été créé comme une simple étude en blanc, mais d »autres l »ont vu différemment. Le critique Jules-Antoine Castagnary pense que le tableau est une allégorie de l »innocence perdue d »une nouvelle mariée. D »autres l »associent à La femme en blanc de Wilkie Collins, un roman populaire de l »époque, ou à d »autres sources littéraires. En Angleterre, certains considèrent qu »il s »agit d »une peinture de type préraphaélite. Dans le tableau, Hiffernan tient un lys dans sa main gauche et se tient sur un tapis en peau d »ours (interprété par certains comme représentant la masculinité et la luxure), la tête de l »ours fixant le spectateur d »un air menaçant. Le portrait a été refusé pour être exposé à la Royal Academy conservatrice, mais a été présenté dans une galerie privée sous le titre The Woman in White. En 1863, il a été présenté au Salon des Refusés à Paris, un événement parrainé par l »empereur Napoléon III pour l »exposition des œuvres refusées au Salon.

Le tableau de Whistler a été largement remarqué, bien que relégué au second plan par le tableau plus choquant de Manet, Le déjeuner sur l »herbe. Contre les critiques des traditionalistes, les partisans de Whistler ont insisté sur le fait que le tableau était « une apparition au contenu spirituel » et qu »il incarnait sa théorie selon laquelle l »art devait se préoccuper essentiellement de l »arrangement des couleurs en harmonie, et non d »une représentation littérale du monde naturel.

Deux ans plus tard, Whistler peint un autre portrait d »Hiffernan en blanc, qui témoigne cette fois de son nouvel intérêt pour les motifs asiatiques, qu »il intitule La petite fille blanche. Sa Dame du pays Lijsen et son Écran d »or, tous deux achevés en 1864, représentent à nouveau sa maîtresse, dans des vêtements et un environnement asiatiques encore plus emphatiques. Au cours de cette période, Whistler se rapproche de Gustave Courbet, le premier chef de file de l »école réaliste française, mais lorsque Hiffernan pose nue pour Courbet, Whistler devient furieux et sa relation avec Hiffernan commence à se dégrader. En janvier 1864, la mère très religieuse et très correcte de Whistler arrive à Londres, bouleversant l »existence bohème de son fils et exacerbant temporairement les tensions familiales. Comme il l »écrit à Henri Fantin-Latour, » bouleversement général ! J »ai dû vider ma maison et la purifier de la cave à l »avant-toit ». Il a également immédiatement déplacé Hiffernan dans un autre endroit.

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Nocturnes

En 1866, Whistler a décidé de se rendre à Valparaíso, au Chili, un voyage qui a laissé les spécialistes perplexes, bien que Whistler ait déclaré l »avoir fait pour des raisons politiques. Le Chili était en guerre contre l »Espagne et peut-être Whistler pensait-il qu »il s »agissait de la lutte héroïque d »une petite nation contre une plus grande, mais aucune preuve ne vient étayer cette théorie. Ce que le voyage a produit, ce sont les trois premières peintures nocturnes de Whistler – qu »il a appelées « clairs de lune » et plus tard renommées « nocturnes » – des scènes nocturnes du port peintes avec une palette bleue ou vert clair. Après son retour à Londres, il a peint plusieurs autres nocturnes au cours des dix années suivantes, dont beaucoup de la Tamise et de Cremorne Gardens, un parc d »agrément célèbre pour ses fréquents feux d »artifice, qui représentaient un nouveau défi à peindre. Dans ses nocturnes maritimes, Whistler utilisait de la peinture très diluée comme fond, avec des couleurs légèrement projetées pour suggérer les bateaux, les lumières et la ligne de rivage. Certaines des peintures de la Tamise présentent également des similitudes de composition et de thème avec les estampes japonaises de Hiroshige.

En 1872, Whistler attribue à son mécène Frederick Leyland, un musicien amateur dévoué à Chopin, la paternité de ses titres d »inspiration musicale.

Je ne saurais trop vous remercier de m »avoir donné le nom de « Nocturne » pour désigner mon travail au noir ! Vous n »avez pas idée de l »irritation que cela représente pour les critiques et du plaisir que cela me procure – en plus, c »est vraiment si charmant et cela dit si poétiquement tout ce que je veux dire et pas plus que je ne le souhaite !

C »est à ce moment-là que Whistler peint un autre autoportrait qu »il intitule Arrangement in Gray : Portrait of the Painter (vers 1872). Il commence également à renommer nombre de ses œuvres antérieures en utilisant des termes associés à la musique, tels que « nocturne », « symphonie », « harmonie », « étude » ou « arrangement », afin de mettre l »accent sur les qualités tonales et la composition et de minimiser le contenu narratif. Les nocturnes de Whistler comptent parmi ses œuvres les plus novatrices. En outre, la présentation de plusieurs nocturnes au marchand d »art Paul Durand-Ruel après la guerre franco-prussienne a donné à Whistler l »occasion d »expliquer sa « théorie de l »art » en pleine évolution aux artistes, acheteurs et critiques français. Son bon ami Fantin-Latour, de plus en plus réactionnaire dans ses opinions, en particulier dans son négativisme à l »égard de l »école impressionniste naissante, trouve les nouvelles œuvres de Whistler surprenantes et déroutantes. Fantin-Latour avoue : « Je n »y comprends rien ; c »est bizarre comme on change. Je ne le reconnais plus. » Leur relation était alors presque terminée, mais ils continuaient à partager leurs opinions dans une correspondance occasionnelle. Lorsqu »Edgar Degas a invité Whistler à participer à la première exposition des impressionnistes en 1874, Whistler a décliné l »invitation, tout comme Manet, ce que certains spécialistes ont attribué en partie à l »influence de Fantin-Latour sur les deux hommes.

Portraits

La guerre franco-prussienne de 1870 fragmente la communauté artistique française. De nombreux artistes se réfugient en Angleterre, rejoignant Whistler, dont Camille Pissarro et Monet, tandis que Manet et Degas restent en France. Comme Whistler, Monet et Pissarro concentraient leurs efforts sur les vues de la ville, et il est probable que Whistler ait été exposé à l »évolution de l »impressionnisme fondée par ces artistes et qu »ils aient vu ses nocturnes. Whistler s »éloignait du « réalisme maudit » de Courbet et leur amitié s »était étiolée, tout comme sa liaison avec Joanna Hiffernan.

En 1871, Whistler revient aux portraits et produit bientôt son tableau le plus célèbre, une figure en pied presque monochrome intitulée Arrangement en gris et noir n° 1, mais généralement appelée la Mère de Whistler. Selon une lettre de sa mère, un modèle ne s »est pas présenté un jour. Whistler s »est donc tourné vers sa mère et lui a proposé de faire son portrait. Il l »a d »abord fait se tenir debout, selon sa méthode lente et expérimentale typique, mais cela s »est avéré trop fatigant et la pose assise a été adoptée. Des dizaines de séances ont été nécessaires pour réaliser ce portrait.

Ce portrait austère, réalisé dans sa palette habituellement restreinte, est un autre exercice de Whistler sur l »harmonie des tons et la composition. Le dessin, d »une simplicité trompeuse, est en fait un jeu d »équilibre entre différentes formes, en particulier les rectangles du rideau, du tableau au mur et du sol qui stabilisent la courbe du visage, de la robe et de la chaise. Whistler a déclaré que la narration du tableau était de peu d »importance, mais le tableau rendait également hommage à sa mère pieuse. Après le choc initial de son emménagement chez son fils, elle l »a considérablement aidé en stabilisant quelque peu son comportement, en répondant à ses besoins domestiques et en lui conférant une aura de respectabilité conservatrice qui lui a permis de gagner des mécènes.

Le public a réagi négativement à ce tableau, principalement en raison de sa simplicité anti-victorienne à une époque où la sentimentalité et la décoration flamboyante étaient en vogue en Angleterre. Les critiques ont estimé que le tableau était une « expérience » ratée plutôt que de l »art. La Royal Academy l »a rejetée, puis l »a acceptée à contrecœur après les pressions exercées par Sir William Boxall, mais elle l »a accrochée à un endroit peu favorable lors de son exposition.

Dès le début, la Mère de Whistler a suscité des réactions diverses, dont la parodie, le ridicule et la vénération, qui se sont poursuivies jusqu »à aujourd »hui. Certains y ont vu « le digne sentiment d »une vieille dame », « un grave sentiment de deuil » ou « un parfait symbole de la maternité » ; d »autres l »ont utilisé comme un véhicule approprié pour la moquerie. Il a été satirisé dans des variations infinies sur des cartes de vœux et des magazines, et par des personnages de dessins animés tels que Donald Duck et Bullwinkle l »élan. Whistler a contribué à promouvoir le tableau et à populariser l »image. Il l »a fréquemment exposé et a autorisé les premières reproductions qui se sont retrouvées dans des milliers de foyers. Le tableau a échappé de justesse à un incendie à bord d »un train pendant le transport. Il a finalement été acheté par le gouvernement français, la première œuvre de Whistler dans une collection publique, et se trouve maintenant au musée d »Orsay à Paris.

Pendant la Dépression, le tableau a été présenté comme une peinture « d »un million de dollars » et a connu un grand succès à l »Exposition universelle de Chicago. Il a été accepté comme une icône universelle de la maternité par le public du monde entier, qui n »était pas particulièrement au courant des théories esthétiques de Whistler et ne s »y intéressait pas. En reconnaissance de son statut et de sa popularité, les États-Unis ont émis en 1934 un timbre-poste représentant une adaptation du tableau. En 2015, le critique du New Yorker Peter Schjeldahl a écrit qu »elle « reste l »œuvre américaine la plus importante résidant en dehors des États-Unis. » Martha Tedeschi écrit :

La Mère de Whistler, le Gothique américain de Wood, la Joconde de Léonard de Vinci et Le Cri d »Edvard Munch ont tous réussi quelque chose que la plupart des peintures – indépendamment de leur importance historique, de leur beauté ou de leur valeur monétaire – n »ont pas réussi : ils communiquent presque immédiatement une signification spécifique à presque tous les spectateurs. Ces quelques œuvres ont réussi à passer du domaine élitiste du visiteur de musée à l »immense espace de la culture populaire.

Autres portraits

Parmi les autres portraits importants de Whistler figurent ceux de Thomas Carlyle (historien, 1873), de Maud Franklin (sa maîtresse, 1876), de Cicely Alexander (fille d »un banquier londonien, 1873), de Lady Meux (mondaine, 1882) et de Théodore Duret (critique, 1884). Dans les années 1870, Whistler peint des portraits en pied de F.R. Leyland et de sa femme Frances. Leyland commanda ensuite à l »artiste la décoration de sa salle à manger (voir Salle du Paon ci-dessous).

Whistler avait été déçu par l »acceptation irrégulière de ses œuvres pour les expositions de la Royal Academy et par le mauvais accrochage et placement de ses tableaux. En réaction, Whistler a organisé sa première exposition personnelle en 1874. L »exposition fut toutefois remarquable et remarquée pour la conception et la décoration de la salle par Whistler, qui s »harmonisait bien avec les peintures, conformément à ses théories artistiques. Un critique a écrit : « Le visiteur est frappé, en entrant dans la galerie, par une curieuse impression d »harmonie et d »harmonie qui l »envahit, et il est plus intéressé, peut-être, par l »effet général que par une œuvre en particulier. »

Whistler n »a pas eu autant de succès en tant que portraitiste que l »autre célèbre expatrié américain John Singer Sargent. La technique dépouillée de Whistler et sa réticence à flatter ses sujets, ainsi que sa notoriété, peuvent en être la cause. Il travaillait également très lentement et exigeait des séances de pose extraordinairement longues. William Merritt Chase s »est plaint de sa séance de pose pour un portrait par Whistler : « Il s »est avéré être un véritable tyran, peignant chaque jour jusqu »au crépuscule, alors que mes membres étaient fatigués et que ma tête était étourdie. Ne bouge pas ! Ne bouge pas ! », criait-il chaque fois que je commençais à me reposer. » Lorsqu »il a été largement accepté dans les années 1890, Whistler n »était plus à son meilleur niveau en tant que portraitiste.

L »approche de Whistler du portrait à la fin de sa maturité a été décrite par l »un de ses modèles, Arthur J. Eddy, qui a posé pour l »artiste en 1894 :

Il travaillait avec une grande rapidité et de longues heures, mais il utilisait ses couleurs de manière fine et couvrait la toile d »innombrables couches de peinture. Les couleurs gagnent en profondeur et en intensité au fur et à mesure que l »œuvre progresse. Au début, la figure entière était peinte dans des tons gris-brun, avec très peu de couleur chair, le tout se fondant parfaitement dans le gris-brun de la toile préparée ; puis tout le fond était un peu intensifié ; puis la figure était un peu plus forte ; puis le fond, et ainsi de suite de jour en jour et de semaine en semaine, et souvent de mois en mois. … Et ainsi, le portrait grandissait vraiment, se développait comme un tout, un peu comme un négatif qui, sous l »action des produits chimiques, se révèle progressivement – la lumière, les ombres, et tout ce qui va des toutes premières faibles indications à leur pleine valeur. C »était comme si le portrait était caché dans la toile et que le maître, en passant ses baguettes jour après jour sur la surface, évoquait l »image.

Imprimerie

Whistler a produit de nombreuses eaux-fortes, lithographies et pointes sèches. Ses lithographies, certaines dessinées sur pierre, d »autres directement sur papier « lithographie », sont peut-être deux fois moins nombreuses que ses eaux-fortes. Certaines des lithographies représentent des personnages légèrement drapés ; deux ou trois des plus belles sont des sujets de la Tamise, dont une « nocturne » à Limehouse ; d »autres représentent le Faubourg Saint-Germain à Paris et des églises géorgiennes à Soho et Bloomsbury à Londres.

Les gravures comprennent des portraits de famille, de maîtresses et des scènes de rue intimes à Londres et à Venise. Whistler a acquis une énorme réputation en tant que graveur. Martin Hardie a écrit : « Certains le placent à côté de Rembrandt, voire au-dessus de Rembrandt, comme le plus grand maître de tous les temps. Personnellement, je préfère les considérer comme le Jupiter et la Vénus, les plus grands et les plus brillants parmi les planètes du ciel du graveur ». Il apportait un grand soin à l »impression de ses gravures et au choix du papier. Au début et à la fin de sa carrière, il mettait l »accent sur la netteté du trait, bien qu »au cours d »une période intermédiaire, il ait expérimenté davantage l »encrage et l »utilisation du ton de surface.

Signature du papillon et paramètres de la peinture

La célèbre signature en forme de papillon de Whistler est née dans les années 1860 de son intérêt pour l »art asiatique. Il a étudié les marques de poterie sur la porcelaine qu »il avait commencé à collectionner et a décidé de créer un monogramme de ses initiales. Au fil du temps, ce monogramme a pris la forme d »un papillon abstrait. Vers 1880, il a ajouté un dard à l »image du papillon pour créer une marque représentant à la fois sa nature douce et sensible et son esprit provocateur et fougueux. Il a pris grand soin de placer l »image de manière appropriée sur ses tableaux et sur ses cadres personnalisés. L »importance qu »il accordait à l »équilibre et à l »harmonie dépassait le cadre pour s »étendre à l »emplacement de ses tableaux dans leur environnement, voire à la conception d »un élément architectural entier, comme dans la salle du Paon.

La salle du Paon

Harmonie en bleu et or : La chambre du paon est le chef-d »œuvre de l »art mural décoratif intérieur de Whistler. Il a peint par-dessus la pièce originale lambrissée conçue par Thomas Jeckyll (1827-1881), dans une palette unifiée de bleus-verts brillants avec des sur-glaçages et des feuilles d »or métalliques. Peinte en 1876-1877, elle est aujourd »hui considérée comme un exemple élevé du style anglo-japonais. Frederick Leyland a confié la pièce à Whistler pour qu »il y apporte des modifications mineures, « pour harmoniser » la pièce dont le but premier était d »exposer la collection de porcelaine de Leyland. Whistler a cependant laissé libre cours à son imagination : « Eh bien, vous savez, j »ai simplement peint. J »ai continué, sans dessin ni esquisse, en apportant chaque touche avec une telle liberté… ». Et l »harmonie du bleu et de l »or se développant, vous savez, j »ai tout oublié dans ma joie de le faire. » Il a complètement repeint les revêtements muraux en cuir de Cordoue du XVIe siècle, apportés pour la première fois en Grande-Bretagne par Catherine d »Aragon, et pour lesquels Leyland avait payé 1 000 £.

Après avoir acquis la pièce maîtresse de la salle, le tableau de Whistler intitulé La princesse du pays de la porcelaine, l »industriel et esthète américain Charles Lang Freer a acheté l »ensemble de la salle en 1904 aux héritiers de Leyland, y compris la fille de Leyland et son mari, l »artiste britannique Val Prinsep. Freer a ensuite fait installer le contenu de la Peacock Room dans son manoir de Détroit. Après la mort de Freer en 1919, la Peacock Room a été installée de façon permanente dans la Freer Gallery of Art de la Smithsonian à Washington, D.C. La galerie a ouvert ses portes au public en 1923. Une grande caricature de Leyland, réalisée par Whistler, le représente sous la forme d »un paon anthropomorphe jouant du piano, et intitulée The Gold Scab : Eruption in Frilthy Lucre – un jeu de mots sur le penchant de Leyland pour les chemises à froufrous – fait désormais partie de la collection des musées des beaux-arts de San Francisco.

Le procès de Ruskin

En 1877, Whistler a intenté un procès en diffamation au critique John Ruskin, qui avait condamné son tableau Nocturne en noir et or : La fusée qui tombe. Whistler exposa l »œuvre à la Grosvenor Gallery, une alternative à l »exposition de la Royal Academy, aux côtés d »œuvres d »Edward Burne-Jones et d »autres artistes. Ruskin, qui avait été un champion des préraphaélites et de J. M. W. Turner, a fait une critique de l »œuvre de Whistler dans sa publication Fors Clavigera le 2 juillet 1877. Ruskin fait l »éloge de Burne-Jones, tandis qu »il attaque Whistler :

Dans l »intérêt même de M. Whistler, et pour la protection de l »acheteur, Sir Coutts Lindsay n »aurait pas dû admettre dans sa galerie des œuvres dans lesquelles la vanité mal éduquée de l »artiste s »approchait si près de l »aspect d »une imposture délibérée. J »ai déjà vu et entendu beaucoup d »impudence de Cockney, mais je ne m »attendais pas à entendre un coxcomb demander deux cents guinées pour jeter un pot de peinture à la figure du public.

Whistler, voyant l »attaque dans le journal, répondit à son ami George Boughton, « C »est le style de critique le plus avilissant qu »on m »ait encore jeté à la figure ». Il se rend alors chez son avocat et rédige une assignation pour diffamation qui est signifiée à Ruskin. Whistler espérait récupérer £1,000 plus les frais de l »action. L »affaire est jugée l »année suivante après des retards causés par les crises de maladie mentale de Ruskin, tandis que la situation financière de Whistler continue de se détériorer. Elle a été entendue dans la Division de l »Échiquier de la Haute Cour les 25 et 26 novembre 1878 devant le baron Huddleston et un jury spécial. L »avocat de John Ruskin, le procureur général Sir John Holker, a contre-interrogé Whistler :

Holker : « Quel est le sujet de Nocturne en noir et or : La fusée qui tombe ? »

Whistler avait compté sur de nombreux artistes pour prendre sa défense en tant que témoins, mais ils ont refusé, craignant de porter atteinte à leur réputation. Les autres témoins en sa faveur n »étaient pas convaincants et la réaction du jury à l »œuvre était dérisoire. Les témoins de Ruskin étant plus impressionnants, notamment Edward Burne-Jones, et Ruskin étant absent pour des raisons médicales, la contre-attaque de Whistler est inefficace. Néanmoins, le jury rend un verdict en faveur de Whistler, mais n »accorde qu »un maigre montant de dommages et intérêts nominaux, et les frais de justice sont partagés. Le coût de l »affaire, ainsi que les énormes dettes contractées pour la construction de sa résidence (« The White House » dans Tite Street, Chelsea, conçue avec E. W. Godwin, 1877-8), l »ont mis en faillite en mai 1879, entraînant la vente aux enchères de ses œuvres, de ses collections et de sa maison. Stansky note l »ironie du fait que la Fine Art Society of London, qui avait organisé une collecte pour payer les frais de justice de Ruskin, a soutenu ce dernier dans la gravure de « The Stones of Venice » (et dans l »exposition de la série en 1883), ce qui a permis de récupérer les frais de Whistler.

Whistler publie son récit du procès dans le pamphlet Whistler v. Ruskin : Art and Art Critics, inclus dans son ouvrage The Gentle Art of Making Enemies (1890), en décembre 1878, peu après le procès. Le grand espoir de Whistler que la publicité du procès sauverait sa carrière a été anéanti, car il a perdu plutôt que gagné en popularité auprès des mécènes. Parmi ses créanciers figurait Leyland, qui a supervisé la vente des biens de Whistler. Whistler a réalisé plusieurs caricatures de son ancien mécène, dont une peinture satirique mordante intitulée The Gold Scab, juste après la déclaration de faillite de Whistler. Whistler a toujours rendu Leyland responsable de sa chute financière.

Après le procès, Whistler reçoit une commande pour réaliser douze gravures à Venise. Il accepta avec enthousiasme la mission et arriva dans la ville avec son amie Maud, prenant des chambres dans un palazzo délabré qu »ils partageaient avec d »autres artistes, dont John Singer Sargent. Bien que nostalgique de Londres, il s »adapte à Venise et entreprend d »en découvrir le caractère. Il fait de son mieux pour se distraire de la morosité de ses affaires financières et de la vente imminente de tous ses biens chez Sotheby »s. Il est l »invité régulier des fêtes de la ville. Il est régulièrement invité à des fêtes au consulat américain et, avec son esprit habituel, enchante les convives par des formules telles que « la seule vertu positive de l »artiste est l »oisiveté – et il y en a si peu qui sont doués pour cela ».

Ses nouveaux amis rapportent, au contraire, que Whistler se levait tôt et fournissait une journée entière d »efforts. Il écrit à un ami : « J »ai appris à connaître une Venise dans Venise que les autres ne semblent jamais avoir perçue, et qui, si je la rapporte avec moi comme je le propose, fera bien plus que compenser tous les désagréments, retards et vexations d »esprit. » La mission de trois mois s »étendit sur quatorze mois. Au cours de cette période exceptionnellement productive, Whistler termina plus de cinquante gravures, plusieurs nocturnes, quelques aquarelles et plus de 100 pastels – illustrant à la fois les humeurs de Venise et ses fins détails architecturaux. En outre, Whistler a influencé la communauté artistique américaine de Venise, en particulier Frank Duveneck (et les « garçons » de Duveneck) et Robert Blum, qui ont imité la vision de Whistler sur la ville et ont ensuite diffusé ses méthodes et son influence en Amérique.

De retour à Londres, les pastels se sont particulièrement bien vendus et il s »est exclamé : « Ils ne sont pas aussi bons que je le pensais. Ils se vendent ! » Il s »engage activement dans l »exposition de ses autres œuvres, mais avec un succès limité. Bien qu »il soit toujours en difficulté financière, il est encouragé par l »attention et l »admiration qu »il reçoit de la jeune génération de peintres anglais et américains qui en font leur idole et adoptent avec empressement le titre d » »élève de Whistler ». Nombre d »entre eux retournèrent en Amérique et répandirent des histoires sur l »égoïsme provocateur, l »esprit vif et les déclarations esthétiques de Whistler, créant ainsi la légende de Whistler, à sa grande satisfaction.

Whistler a publié son premier livre, Ten O »clock Lecture, en 1885, expression majeure de sa croyance en « l »art pour l »art ». À l »époque, la notion victorienne opposée régnait, à savoir que l »art, et en fait une grande partie de l »activité humaine, avait une fonction morale ou sociale. Pour Whistler, cependant, l »art était sa propre fin et la responsabilité de l »artiste n »était pas envers la société, mais envers lui-même, pour interpréter à travers l »art, et ne pas reproduire ni moraliser ce qu »il voyait. En outre, il affirmait que « la nature est très rarement juste » et que l »artiste doit l »améliorer, avec sa propre vision.

Bien qu »il ne soit pas d »accord avec Whistler sur plusieurs points, notamment son insistance à considérer la poésie comme une forme d »art supérieure à la peinture, Oscar Wilde a été généreux dans ses éloges et a qualifié la conférence de chef-d »œuvre :

non seulement pour sa satire intelligente et ses plaisanteries amusantes… mais pour la beauté pure et parfaite de plusieurs de ses passages… pour cela, il est vraiment l »un des plus grands maîtres de la peinture, à mon avis. Et je peux ajouter que M. Whistler lui-même est entièrement d »accord avec cette opinion.

Whistler, cependant, s »est cru raillé par Oscar Wilde et, à partir de ce moment-là, des querelles publiques ont eu lieu, conduisant à une rupture totale de leur amitié, précipitée par un rapport écrit par Herbert Vivian. Plus tard, Wilde s »en prendra à nouveau à Whistler, en donnant à l »artiste assassiné de son roman Le tableau de Dorian Gray le nom de Whistler.

En janvier 1881, Anna Whistler meurt. En l »honneur de sa mère, il adopte alors publiquement le nom de jeune fille de celle-ci, McNeill, comme deuxième prénom.

Whistler rejoint la Society of British Artists en 1884, et le 1er juin 1886, il est élu président. L »année suivante, lors du jubilé d »or de la reine Victoria, Whistler lui présente, au nom de la Société, un album élaboré comprenant une longue allocution écrite et des illustrations qu »il a réalisées. La reine Victoria a tellement admiré « l »enluminure belle et artistique » qu »elle a décrété que, dorénavant, « la Société devrait être appelée royale ». Cette réussite fut largement appréciée par les membres, mais elle fut bientôt éclipsée par le différend qui surgit inévitablement avec la Royal Academy of Arts. Whistler a proposé que les membres de la Royal Society se retirent de l »Académie royale. Cela a déclenché une querelle dans les rangs des membres qui a éclipsé toutes les autres affaires de la société. En mai 1888, neuf membres ont écrit à Whistler pour lui demander de démissionner. Lors de l »assemblée annuelle du 4 juin, sa réélection a été rejetée par 18 voix contre 19, avec neuf abstentions. Whistler et 25 partisans démissionnent, tandis que la majorité anti-Whistler (selon lui) réussit à l »éliminer pour ses « excentricités » et ses origines « non anglaises ».

Alors que sa relation avec Maud s »envenime, Whistler demande soudainement en mariage Beatrice Godwin (également appelée « Beatrix » ou « Trixie »), une ancienne élève et la veuve de son architecte Edward William Godwin. Grâce à son amitié avec Godwin, Whistler était devenu proche de Béatrice, qu »il a peinte dans le portrait en pied intitulé Harmony in Red : Lamplight (GLAHA 46315). À l »été 1888, Whistler et Beatrice sont apparus en public comme un couple. Lors d »un dîner, Louise Jopling et Henry Labouchère insistèrent pour qu »ils se marient avant la fin de la semaine.

La cérémonie de mariage est arrangée ; en tant que membre du Parlement, Labouchère fait en sorte que l »aumônier de la Chambre des Communes marie le couple. Aucune publicité n »est donnée à la cérémonie pour éviter qu »une Maud Franklin furieuse ne vienne interrompre la cérémonie de mariage. Le mariage a lieu le 11 août 1888. Un journaliste de la Pall Mall Gazette assiste à la cérémonie, de sorte que l »événement est rendu public. Le couple part peu après pour Paris, afin d »éviter tout risque de scène avec Maud.

La réputation de Whistler à Londres et à Paris est en hausse et il obtient des critiques positives et de nouvelles commandes. Son livre The Gentle Art of Making Enemies a été publié en 1890 avec un succès mitigé, mais il lui a apporté une publicité utile.

En 1890, il rencontre Charles Lang Freer, qui devient un mécène précieux en Amérique, et finalement, son plus important collectionneur. À cette époque, en plus du portrait, Whistler expérimente les premières photographies en couleur et la lithographie, créant une série mettant en scène l »architecture londonienne et la figure humaine, principalement des nus féminins. Il contribue les trois premières lithographies de ses Songs of Stone à The Whirlwind, un magazine néo-jacobite publié par son ami Herbert Vivian. Whistler avait rencontré Vivian à la fin des années 1880, alors que tous deux étaient membres de l »Ordre de la Rose Blanche, la première des sociétés néo-jacobites. En 1891, avec l »aide de son ami Stéphane Mallarmé, la Mère de Whistler a été achetée par le gouvernement français pour 4 000 francs. C »était beaucoup moins que ce qu »un collectionneur américain aurait pu payer, mais cela n »aurait pas été si prestigieux aux yeux de Whistler.

Après un accueil indifférent à son exposition personnelle à Londres, qui présentait principalement ses nocturnes, Whistler décida brusquement qu »il en avait assez de Londres. Avec Trixie, il s »installe à Paris en 1892 et réside au n° 110 de la rue du Bac, à Paris, avec son atelier en haut du 86 de la rue Notre Dame des Champs à Montparnasse. Il se sent accueilli par Monet, Auguste Rodin, Henri de Toulouse-Lautrec, et par Stéphane Mallarmé, et il s »aménage un grand atelier. Il est au sommet de sa carrière lorsqu »on découvre que Trixie a un cancer. Ils retournent à Londres en février 1896, prenant des chambres à l »hôtel Savoy pendant qu »ils se font soigner. Il réalise des dessins sur papier transfert lithographique de la vue de la Tamise, depuis la fenêtre ou le balcon de l »hôtel, alors qu »il est assis avec elle.

En 1899, Charles Freer présente Whistler à son ami et homme d »affaires Richard Albert Canfield, qui devient un ami personnel et un mécène de Whistler. Canfield possédait un certain nombre de maisons de jeu à la mode à New York, Rhode Island, Saratoga Springs et Newport, et était également un homme de culture aux goûts raffinés en matière d »art. Il possédait des meubles américains anciens et Chippendale, des tapisseries, de la porcelaine chinoise et des bronzes Barye, et possédait la deuxième plus grande et la plus importante collection Whistler au monde avant sa mort en 1914. En mai 1901, Canfield a commandé un portrait à Whistler ; il a commencé à poser pour le Portrait de Richard A. Canfield (YMSM 547) en mars 1902. Selon Alexander Gardiner, Canfield est retourné en Europe pour poser pour Whistler au Nouvel An 1903, et a posé tous les jours jusqu »au 16 mai 1903. Whistler était malade et fragile à cette époque et cette œuvre fut son dernier portrait achevé. L »air trompeur de respectabilité que le portrait donnait à Canfield a incité Whistler à l »appeler » Sa révérence « . Les deux hommes ont entretenu une correspondance de 1901 jusqu »à la mort de Whistler. Quelques mois avant sa propre mort, Canfield a vendu sa collection de gravures, lithographies, dessins et peintures de Whistler au marchand d »art américain Roland F. Knoedler pour 300 000 dollars. Trois des peintures de Whistler réalisées par Canfield sont exposées au Frick Museum de New York.

Au cours des sept dernières années de sa vie, Whistler a réalisé quelques paysages marins minimalistes à l »aquarelle et un dernier autoportrait à l »huile. Il correspondait avec ses nombreux amis et collègues. Whistler a fondé une école d »art en 1898, mais sa mauvaise santé et ses apparitions peu fréquentes ont entraîné sa fermeture en 1901. Il meurt à Londres le 17 juillet 1903, six jours après son 69e anniversaire. Il est enterré dans le vieux cimetière de Chiswick, dans l »ouest de Londres, à côté de l »église St Nicholas, à Chiswick.

Whistler a fait l »objet d »une biographie en 1908 par ses amis, l »équipe mari et femme de Joseph Pennell et Elizabeth Robins Pennell, respectivement graveur et critique d »art. La vaste collection d »œuvres de Whistler des Pennell a été léguée à la Library of Congress. L »ensemble des biens de l »artiste a été légué à sa belle-sœur Rosalind Birnie Philip. Elle passa le reste de sa vie à défendre sa réputation et à gérer ses œuvres et ses effets, dont une grande partie fut finalement donnée à l »université de Glasgow.

Whistler avait une apparence particulière, petit et mince, avec des yeux perçants et une moustache frisée, portant souvent un monocle et la tenue voyante d »un dandy. Il affichait une posture de confiance en soi et d »excentricité. Il était souvent arrogant et égoïste envers ses amis et ses clients. Il s »autopromouvait constamment et était égoïste. Il aimait choquer ses amis et ses ennemis. Bien qu »il puisse être drôle et désinvolte sur les questions sociales et politiques, il est toujours sérieux en matière d »art et invite souvent à la controverse publique et au débat pour défendre ses théories bien arrêtées.

Whistler avait une voix aiguë et traînante et une manière unique de parler, pleine de pauses calculées. Un ami a dit : « En une seconde, vous découvrez qu »il ne converse pas – il esquisse des mots, donne des impressions en termes de son et de sens qui doivent être interprétées par l »auditeur. »

Whistler était connu pour son esprit mordant, notamment dans ses échanges avec son ami et rival Oscar Wilde. Tous deux étaient des figures de la société du café de Paris, et ils étaient souvent le « sujet de conversation de la ville ». Ils apparaissaient fréquemment sous forme de caricatures dans Punch, ce qui les amusait mutuellement. Un jour, le jeune Oscar Wilde assiste à l »un des dîners de Whistler et, entendant son hôte faire une brillante remarque, il semble dire : « J »aurais aimé dire cela », ce à quoi Whistler rétorque : « Tu le feras, Oscar, tu le feras ! ». En fait, Wilde a répété en public de nombreux mots d »esprit créés par Whistler. Leur relation se détériore au milieu des années 1880, lorsque Whistler se retourne contre Wilde et le mouvement esthétique. Lorsque Wilde a reconnu publiquement son homosexualité en 1895, Whistler s »est ouvertement moqué de lui. Whistler se délectait à préparer et à gérer ses rencontres sociales. Comme le fait remarquer un invité :

On y rencontrait tout ce qu »il y avait de mieux dans la société – les gens qui avaient un cerveau, et ceux qui en avaient assez pour l »apprécier. Whistler était un hôte inimitable. Il aimait être le soleil autour duquel tournaient les lumières de moindre importance… Tous tombaient sous son influence et, par conséquent, personne ne s »ennuyait, personne n »était ennuyeux.

À Paris, Whistler était ami avec des membres du cercle symboliste d »artistes, d »écrivains et de poètes, dont Stéphane Mallarmé. Schwob avait rencontré Whistler au milieu des années 1890 par l »intermédiaire de Stéphane Mallarmé ; ils avaient d »autres amis communs, dont Oscar Wilde (jusqu »à ce qu »ils se disputent) et le beau-frère de Whistler, Charles Whibley.

Outre Henri Fantin-Latour, Alphonse Legros et Courbet, Whistler était ami avec de nombreux autres artistes français. Il a illustré le livre Les Chauves-Souris avec Antonio de La Gandara. Il connaissait également les impressionnistes, notamment Édouard Manet, Monet et Edgar Degas. En tant que jeune artiste, il a entretenu une amitié étroite avec Dante Gabriel Rossetti, membre de la confrérie préraphaélite. Ses liens d »amitié étroits avec Monet et le poète Stéphane Mallarmé, qui traduisit en français la Conférence de dix heures, contribuèrent à renforcer le respect de Whistler par le public français. Whistler était ami avec ses camarades de l »atelier de Gleyre, notamment Ignace Schott, dont le fils Léon Dabo Whistler sera plus tard le mentor.

L »amante de Whistler et modèle de La Fille blanche, Joanna Hiffernan, a également posé pour Gustave Courbet. Les historiens supposent que Courbet l »a utilisée comme modèle pour son tableau érotique L »Origine du monde, ce qui a peut-être entraîné la rupture de l »amitié entre Whistler et Courbet. Pendant les années 1870 et une grande partie des années 1880, Whistler a vécu avec sa maîtresse-modèle Maud Franklin. Sa capacité à supporter ses séances de pose longues et répétitives a aidé Whistler à développer ses talents de portraitiste. Il a non seulement réalisé plusieurs excellents portraits d »elle, mais elle a également été une doublure utile pour d »autres modèles.Whistler a eu plusieurs enfants illégitimes, dont Charles Hanson est le mieux documenté. Après s »être séparée de sa maîtresse Joanna Hiffernan, celle-ci l »a aidé à élever son fils, Charles James Whistler Hanson (1870-1935), fruit d »une liaison avec une femme de chambre, Louisa Fanny Hanson. Whistler a eu deux filles de sa maîtresse de fait Maud Franklin : Ione (née vers 1877) et Maud McNeill Whistler Franklin (née en 1879). Elle s »appelait parfois « Mme Whistler » et, dans le recensement de 1881, elle a donné son nom « Mary M. Whistler ».

En 1888, Whistler épouse Beatrice Godwin (qu »il appelle « Beatrix » ou « Trixie »). Elle était la veuve de l »architecte E. W. Godwin, qui avait conçu la Maison Blanche de Whistler, et la fille du sculpteur John Birnie Philip et de sa femme Frances Black. Beatrix et ses sœurs Rosalind Birnie Philip et Ethel Whibley posèrent pour de nombreux tableaux et dessins de Whistler, Ethel Whibley posant pour de la nacre et de l »argent : L »Andalouse (1888-1900). Les cinq premières années de leur mariage sont très heureuses, mais la fin de la vie d »Ethel Whibley est une période de misère pour le couple, en raison de sa maladie et de son décès par cancer. Vers la fin de sa vie, elle est restée comateuse la plupart du temps, complètement subjuguée par la morphine, administrée pour soulager la douleur. Sa mort a été un coup dur que Whistler n »a jamais vraiment surmonté.

Whistler s »est inspiré de nombreuses sources et les a incorporées dans son art, notamment les œuvres de Rembrandt, de Velázquez et la sculpture grecque ancienne, pour développer son propre style très influent et individuel. Il était adepte de nombreux médias, avec plus de 500 peintures, ainsi que des gravures, des pastels, des aquarelles, des dessins et des lithographies. Whistler était un chef de file du mouvement esthétique, promouvant, écrivant et donnant des conférences sur la philosophie de « l »art pour l »art ». Avec ses élèves, il prônait la simplicité de la conception, l »économie de moyens, l »évitement des techniques trop laborieuses et l »harmonie tonale du résultat final. Whistler a fait l »objet de nombreuses expositions, études et publications majeures dans les musées. Comme les impressionnistes, il a utilisé la nature comme une ressource artistique. Whistler insistait sur le fait qu »il était du devoir de l »artiste d »interpréter ce qu »il voyait, de ne pas être esclave de la réalité et de « faire naître du chaos une harmonie glorieuse ».

Au cours de sa vie, il a marqué deux générations d »artistes, en Europe et aux États-Unis. Whistler a eu des contacts importants et a échangé des idées et des idéaux avec des peintres réalistes, impressionnistes et symbolistes. Parmi ses célèbres protégés, on compte Walter Sickert et l »écrivain Oscar Wilde. Son tonalisme a eu un effet profond sur de nombreux artistes américains, dont John Singer Sargent, William Merritt Chase, Henry Salem Hubbell et Willis Seaver Adams (avec qui il s »est lié d »amitié à Venise). Une autre influence importante a été celle d »Arthur Frank Mathews, que Whistler a rencontré à Paris à la fin des années 1890. Mathews a apporté le tonalisme de Whistler à San Francisco, donnant naissance à une large utilisation de cette technique parmi les artistes californiens du début du siècle. Comme l »écrivait le critique américain Charles Caffin en 1907 :

Il a fait mieux qu »attirer quelques adeptes et imitateurs ; il a influencé le monde de l »art tout entier. Consciemment, ou inconsciemment, sa présence est ressentie dans d »innombrables ateliers ; son génie imprègne la pensée artistique moderne.

Lors d »un voyage à Venise en 1880, Whistler a créé une série de gravures et de pastels qui ont non seulement revigoré ses finances, mais aussi redynamisé la manière dont les artistes et les photographes ont interprété la ville – en se concentrant sur les ruelles, les canaux latéraux, les entrées et les motifs architecturaux – et en capturant l »atmosphère unique de la ville.

En 1940, Whistler a été commémoré sur un timbre-poste des États-Unis lorsque la poste américaine a émis une série de 35 timbres commémorant les célèbres auteurs, poètes, éducateurs, scientifiques, compositeurs, artistes et inventeurs américains : la « Famous Americans Series ».

L »opérette Patience de Gilbert et Sullivan se moque du mouvement esthétique, et le personnage principal de Reginald Bunthorne est souvent identifié comme une parodie d »Oscar Wilde, bien que Bunthorne soit plus probablement un amalgame de plusieurs artistes, écrivains et figures esthétiques de premier plan. Bunthorne porte un monocle et a des mèches blanches dans ses cheveux bruns, comme Whistler.

Whistler était l »artiste préféré de la chanteuse et actrice Doris Day. Elle possédait et exposait une gravure originale de Whistler, Rotherhithe, et deux de ses lithographies originales, The Steps, Luxembourg Gardens, Paris et The Pantheon, from the Terrace of the Luxembourg Gardens.

La maison dans laquelle Whistler est né est aujourd »hui conservée sous la forme du Whistler House Museum of Art. Il est enterré à l »église St Nicholas, à Chiswick.

Whistler aurait été le modèle d »un personnage du roman de Marcel Proust, À la recherche du temps perdu – le peintre Elstir.

Whistler a atteint une reconnaissance mondiale au cours de sa vie :

Une statue de James McNeill Whistler réalisée par Nicholas Dimbleby a été érigée en 2005 à l »extrémité nord du pont de Battersea, sur la Tamise, au Royaume-Uni.

Le 27 octobre 2010, les Swann Galleries ont établi un prix record pour une gravure de Whistler aux enchères, lorsque Nocturne, une eau-forte et une pointe sèche imprimées en noir sur du papier japonais crème et chaud, 1879-80, a été vendue pour 282 000 dollars.

Sources primaires

Sources